Vicini ma irraggiungibili. Divisi dalle leggi dell’universo…ma niente riuscirà a tenerli lontani!
La storia di “ UpsideDown ” si apre con la voce narrante di Adam (Jim Sturgess), il protagonista, che descrive il suo mondo reso unico dalla doppia gravità dovuta all’esistenza di due “Mondi”, piccoli pianeti che vivono l’uno accanto all’altro. Due mondi opposti, uno ricco e uno povero, ai cui cittadini non è permesso interagire in alcun modo. Passare da un mondo all’altro è severamente vietato e l’unico, quanto lecito, punto di contatto – ma non di transizione – è la società “TransWorld”, creata e controllata dal Mondo di Sopra.

Adam vive in un orfanotrofio, l’unica parente ancora in vita è una zia, che gli svela come un membro della loro famiglia scoprì che la polvere di alcune api , quelle della montagna su cui lei vive, provenga dai fiori di entrambi i mondi, e mostra singolari proprietà. Incuriosito, Adam si avventura sulla montagna tanto vicina al Mondo di Sopra, per raggiungerne la cima. Lì incontra una ragazzina di nome Eve (“Eden” nella versione originale). I due si incontrano ancora e poi ancora, e poi ancora, fino a diventare amanti.

I due ragazzi s’incontrano periodicamente sulla solita cima ed usano una corda per passare da un mondo all’altro. Tuttavia tale clandestino, seppur innocuo, transire viene notato. La fuga dei giovani innamorati non va a buon fine: Eve cade bruscamente nel suo mondo prima che Adam, colpito da un proiettile, riesca a calarla del tutto con la corda. La casa della zia viene bruciata e lei portata via nella notte. Da allora non farà più ritorno.

Con un salto temporale, la storia prosegue dieci anni dopo; Adam è cresciuto e lavora come ricercatore, portando avanti studi inerenti la polvere delle api che la zia gli aveva fatto conoscere. Un giorno, il giovane nota Eve in televisione: la ragazza è viva e lavora alla TransWorld. Per trovarla, Adam ha un solo modo: farsi assumere da quell’azienda. Lo strumento per farsi ingaggiare? Le sue api, naturalmente, e la ricerca che Adam sta conducendo. Relazioni strette con le persone del mondo sopra/sotto-stante sono, oltre che difficili, severamente vietate alla TransWorld, ma sul posto di lavoro Adam incontra Bob, un lavoratore del Mondo di Sopra, che si mostrerà come una prima occasione per rivedere Eve.

Un flirt d’infanzia che si trasforma in un amore impossibile pronto a sfidare le leggi della gravità e a superare qualsiasi ostacolo. Quasi un nuovo “Romeo e Giulietta” a testa in giù che farà sognare tutti gli spettatori ad occhi aperti.

L ’Italia batte gli Stati Uniti con un’uscita anticipata di due mesi con pellicola 3D, il 23 febbraio. Dunque non ci resta che metterci comodi, indossare i nostri occhialini, e trasferirci in un altro mondo, o meglio due, col rischio di qualche giramento di testa…per il cast ovviamente. Un favoloso Jim Sturgess attualmente nelle sale con “La migliore offerta” di Tornatore e il fantascientifico “Cloud Atlas” e una pluripremiata Kirsten Dunst nel ruolo della ragazza con la testa sottosopra.

(di Martina Ingallinera)

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Il film “Il Figlio dell’altra” è stato presentato al Torino Film Festival e uscirà nelle sale il 31 gennaio 2013. Interpretato da ottimi attori tra i quali spicca la dolcezza di Emmanuelle Devos (la mamma israeliana), tratta di uno scambio che cambierà le vite di due famiglie e non solo.

Due ragazzi, Joseph (Jules Sitruk), ebreo, e Yacine (Mehdi Dehbi), arabo, scambiati per errore e dati a madri diverse, dopo aver scoperto la verità cercheranno di avvicinarsi e abbattere le barriere del Muro che separa Tel Aviv dai territori arabi della Cisgiordania.
La rivelazione porta sconforto tra le famiglie che coltivano entrambe dissensi di tipo razzista, ma il coraggio delle rispettive madri e il desiderio di capirsi dei due ragazzi si riveleranno più forti dei pregiudizi razzisti che covano il padre di Joseph e il fratello maggiore di Yacine.

Un film commovente, ma mai indulgente o buonista, che rivela l’insensata assurdità biologica del razzismo e la volontà di pace comune ad entrambi i popoli. Facendo leva sul dramma della gente comune, la regista francese Lorraine Lévy, di origini ebraiche, affronta un tema delicatissimo e attuale come quello dell’eterna guerra tra israeliani e palestinesi.

La soluzione non si trova nella “Storia” fatta solo di litigi tra potenti, ma sta nelle “Storie” delle persone comuni che hanno nel cuore la capacità di riuscire a trovare una via di fuga a questo assurdo odio. La Lévy, inoltre, delega il ruolo di pacificatrici alle donne le quali, a differenza dei padri che si oppongono ad accettare la verità, possono spingere gli uomini a essere migliori e a tendere la mano verso l’altro.

(di Martina Ingallinera)

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È un film tremendamente ben recitato “The Master” di Paul Thomas Anderson (Il petroliere, Magnolia), ma quando si prova a voler cogliere qualche riferimento ulteriore che esuli dal rigido sentiero della narrazione di una semplice storia, il nostro sguardo si perde nel buio. Scova solo qua e là qualche flebile raggio di luce.

Due attori da Oscar ma dov’è il filo logico, l’introspezione? È un film piatto, eccessivamente piatto, nonostante l’eccellente fotografia.

La prolissa vicenda ambientata negli anni ’50 si basa su un gruppo riunito attorno al capo di una setta battezzata “La Causa”, Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), sedicente “scrittore, medico, fisico nucleare e filosofo teoretico” che col suo credo funge da collante tra i fedeli, inclusa la figlia Mary-Sue (Amy Adams).

Un giorno, tra i preparativi per il matrimonio della figlia, Dodd chiede aiuto a Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un ex marine che si risveglia sulla nave di Dodd, in qualità di marinaio e preparatore di bevande alcoliche “miracolose” sfruttando come ingrediente, tra gli altri, del solvente per vernici.

I primi contatti tra i due non sono dei migliori. Quell, del resto, non viene da un passato facile: tra una madre finita qualche anno prima in manicomio, un padre deceduto per alcol e gli orrori della guerra dai quali cerca di fuggire, resta sempre marchiato dal trauma mentale che si porta dietro dalla fine del conflitto.

Una volta giunti a terra si scopre di più su “La Causa”, chiamata così per fuorviare ogni collegamento a Scientology, nata più o meno negli stessi anni, e sul suo modo di “curare” i pazienti. Il “Maestro” Dodd basa infatti le proprie teorie su una “nuova scienza” nettamente contrapposta a quella ufficiale. Anche se in teoria il metodo sembra funzionare, in pratica non è così. Quell si sottopone alla curiosa terapia di Dodd a base di domande su amori, affetti, istinti sessuali repressi ricevendo, di contro, risposte costantemente monosillabiche.

Sembra essere perplesso anche lo spettatore in sala che si aspetta continuamente quel fil-rouge, quella flebile lucina che pare scorrerci dinanzi agli occhi all’inizio ma che poi si affievolisce via via e non perviene più fino alla fine del film, in cui Freddie, semplicemente, scompare, con una risatina. Ma è forse proprio l’impianto di una sceneggiatura piatta che si lega alle teorie pseudo-scientifiche di Dodd il vero leitmotiv da seguire. Le lente vicende che si susseguono sembrano infatti funzionali alla pedanteria che circonda tutto il film. Per ricostruire il mondo devastato dalla guerra è allora necessario effettuare un processo di trasmigrazione dei propri ricordi traumatici nell’immaginazione come unica possibilità di riscatto, nella ferma credenza che tutto sia ancora possibile. Non a caso un’adepta domanda al maestro come mai, nel suo libro, si sia passati da un “riesci a ricordare?” ad un “riesci a immaginare?”.

Questa continua ricerca “a tentoni” di un tracciato da seguire, da parte dello spettatore vanifica, ad ogni modo, tutta l’aura mistica che invano il regista cerca di evidenziare.
The Master tradisce le attese come l’allievo, prima o poi, è tradito dal maestro. Anche se con qualche buono spunto, nel complesso resta un film ridondante e di debole impatto emotivo.

(di Luca Schirripa)

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Dopo un periodo di pausa, Tom Hanks torna a recitare sul grande schermo. E lo fa interpretando sei diversi personaggi in diverse epoche storiche, ma tutte parte di un’unica esperienza spirituale tratta dal romanzo “L’atlante delle nuvole” di David Mitchell.

Si tratta di un progetto di straordinaria grandezza, un film indipendente che si è rivelato il più costoso mai realizzato in Germania. Porta la firma di Tom Tykner e dei geniali fratelli Wachowsky (trilogia di “Matrix”) che hanno utilizzato diverse troupe per lavorare parallelamente: Tykwer si è occupato delle storie riguardanti gli anni ’30 e ’70, immergendosi anche nella modernità, mentre i Wachowsky hanno dedicato la loro attenzione alle storie future e al XIX secolo.

Proprio per questi incastri la trama non presenta un carattere omogeneo e regolare, anche per via dell’ampio lasso temporale: essa racchiude infatti ben cinquecento anni. I nizialmente complessa perché costruita su più livelli nei quali i protagonisti si incontrano e si scontrano reincarnandosi di volta in volta, si dipana magnificamente verso il finale, dove finalmente tutto è chiaro e l’evoluzione della storia dell’umanità viene svelata.

Ogni singolo personaggio ( un avvocato del 1849 in viaggio per il Pacifico, un compositore inglese, una giornalista che indaga negli anni ’70 su una centrale nucleare, un editore pieno di debiti, un clone e un uomo che abita in un villaggio primitivo del futuro) è collegato in un viaggio che parla di vita, morte, nascita, amore, fede, paura, coraggio e speranza, passando attraverso il passato, il presente e il futuro. I personaggi affrontano difficoltà di ogni genere, dai problemi morali a quelli di mera sopravvivenza, e, in base alle scelte che compiono, influenzano in maniera positiva o negativa il corso degli eventi dell’umanità intera.

Oltre all’avvincente storia, un cast d’eccellenza contribuisce a rendere questo capolavoro cinematografico un kolossal da non perdere. Accanto al due volte premio oscar Tom Hanks (“Philadelphia”, “Forrest Gump”,”Salvate il soldato Ryan”,”Il miglio verde” “Cast away”), troviamo Halle Berry, Susan Sarandon e Hugh Grant, sottoposti a estenuanti sedute di make-up per cambiar pelle e tratti pur di calzare i panni dei personaggi creati da Mitchell. Ottima l’interpretazione di Doona Bae, attrice coreana conosciuta in occidente per aver recitato in “Mr. Vendetta” di Park Chan Wook, qui nel ruolo di Sonmi 451, capace di emozionare lo spettatore con la sua espressività orientale.

Hanks ha definito questo film una benedizione del cielo perché si tratta di un’opportunità irripetibile per un attore, in quanto l’interpretazione di personaggi così diversi in un’unica esperienza lavorativa è una circostanza di assoluta rarità.

Chi ama i film che sfidano gli spettatori nel gioco della comprensione, non rimarrà deluso: Cloud Atlas è un eccezionale rompicapo pronto a ricompensare generosamente lo spettatore capace di cogliere al volo riferimenti a classici del genere fantascientifico (Blade Runner in primis) e capace di tenere le fila di sei narrazioni distinte ma unite dal medesimo filo conduttore.

Cloud Atlas
regia di Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski
al cinema da oggi, 10 gennaio

(di Hilary Tiscione e Ylenia Manfredi)

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Adattamento del nono libro di Lee Child “One Shot”, la pellicola Jack Reacher – La prova decisiva si propone vincente sin da subito. Jack Reacher, un ex militare dell’esercito, diventa un investigatore privato.

Assoldato da James Barr, un esperto cecchino accusato di aver sparato su una folla all’impazzata uccidendo cinque persone e incastrato da prove schiaccianti, Jack cercherà di dimostrare la verità a modo suo: senza regole. E anche Tom Cruise, che interpreta Jack Reacher, ha cambiato le regole recitando in prima persona anche le scene più pericolose: “Come attore dai tutto al tuo personaggio e se rischi in prima persona per il film è sempre meglio. Io non ho paura. A volte qualcosa va storto ma è tuo dovere dare al pubblico più che puoi”, spiega l’attore.

La premiere è stata rimandata dalla Paramount in America a causa della strage dei bambini di Newtown, a cui il pubblico poteva ricollegare, in maniera dannosa per gli incassi, i primi cinque minuti del film dove un killer spara sulla folla in un centro commerciale.

La pellicola sbanca il botteghino con 45 milioni di dollari nei primi dieci giorni e i fans assicurano che la vita privata di Tom Cruise, che nell’ultimo anno ha dovuto affrontare il divorzio dalla terza moglie Katie Holmes, la battaglia per l’affido della figlia, gli screzi con Scientology, non ha assolutamente influenzato il giudizio sul suo ritorno in scena con questo nuovo personaggio che ha tutte le carte per diventare una franchise.

Il cast è arricchito dalla presenza di Rosamund Pike, Richard Jenkins, Robert Duvall e dal regista Werner Herzog.

(di Martina Ingallinera)

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Famiglia perfetta cercasi. Questo film di Paolo Genovese, uscito nelle sale il 29 novembre, racconta la storia di Leone: uomo ricco, potente e solo  interpretato da un eccezionale Sergio Castellitto), che non avendo una famiglia propria se ne inventa una.

Per il giorno di Natale affitta una compagnia di attori, composta dalla finta moglie Carmen (Claudia Gerini), dal finto fratello Fortunato (Marco Giallini) e la compagna Sole (Carolina Crescentini), la nonna e tre figli, tutti pagati per recitare un severissimo copione scritto dallo stesso Leone. A interrompere la commedia arriva Alicia (Francesca Neri), un’affascinante donna appena lasciata dal suo amante, che capita per caso a casa del protagonista perché ha la macchina in panne e sta cercando aiuto. Davanti ai suoi occhi l’idillio di una famiglia perfetta, unita e affettuosa: una perfezione destinata però a sgretolarsi, intaccata dalla realtà. I due pseudo figli pian piano si innamorano, Carmen e Fortunato sono agitati dalla reciproca gelosia e la vita reale si insinua nella finzione turbandone i delicati equilibri.

Viene da chiedersi “Che senso ha costruire tutto questo se è così fragile?”. E cos’è più fragile? La realtà o la finzione? La risposta ce la regala lo stesso Leone, in un momento di saggezza: “La famiglia non è fatta per nessuno ma nella vita bisogna buttarsi, non si può stare fermi”. Leone non è che l’esempio di un uomo che ha rinunciato all’amore e che ora è pronto a fare i conti con il proprio passato. Questa è l’occasione per svelare i suoi rimpianti o per cancellarli definitivamente, quasi fosse un’analisi di se stesso, che porta il protagonista alla consapevolezza di aver perso qualcosa (la famiglia per quanto imperfetta sia è un grande dono), ma che allo stesso tempo lo rassicura della sua scelta. Ognuno decide di vivere la vita che più gli si addice, motivo per cui il finale del film vede opporsi due possibilità diverse: da una parte Leone, rimasto in compagnia di Alicia nella casa dove ha trascorso il suo Natale in affitto, dall’altra Fortunato che invita la moglie ad abbandonare la finzione, chiedendole espressamente di andare a vivere la realtà della loro famiglia, la loro scelta di vita, sulle note di una canzone (Nothing real but love) che è un inno alla realtà dell’amore in ogni sua forma, sia esso nei confronti di se stessi o degli altri.

(di Marina De Faveri)

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Cosa succede quando un delinquente di Glasgow con un talento innato per la degustazione di whisky incontra una cleptomane, un alcolizzato svampito e uno che sotto l’effetto di sostanze stupefacenti si diverte a “vandalizzare” i monumenti della città in maniera creativa? Semplice: nasce l’idea geniale di rubare da una pregiatissima botte il whisky più costoso al mondo.

Questa la trama del prossimo film di Ken Loach, “La parte degli angeli”, un po’ dramma, un po’ commedia, sempre in bilico tra crisi esistenziali e british humour. Il regista infatti, già autore di opere ambientate nelle periferie urbane britanniche, si concentra sulle oggettive difficoltà di Robbie, delinquente di periferia col talento per il whisky, nel lasciarsi alle spalle cattive compagnie e conti in sospeso con bande rivali. La catarsi del protagonista arriverà grazie all’aiuto del supervisore ai lavori socialmente utili che, memore di precedenti esperienze, gli darà una chance per cambiar vita.

Cosa aspettarsi da un film del genere? Di sicuro uno humour intelligente che nasce da situazioni reali, credibili e a volte drammatiche, e poi senso di riscatto, speranza e l’idea che solo con la giusta motivazione si può avere la forza necessaria per cambiare il proprio destino. Un film particolare che non deluderà né i fan di Loach né tutti coloro che cercano qualcosa di più dei soliti film buonisti che escono in prossimità del Natale.

La parte degli angeli
di Ken Loach
dal 13 dicembre

(di Ylenia Manfredi )

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“Nel bene o nel male, purché se ne parli”. Così parafrasa un brano de “Il ritratto di Dorian Gray” di Oscar Wilde e a giudicare dalla bagarre scoppiata al Festival del cinema di Roma dopo la visione di “E la chiamano estate”, titolo che ricalca l’omonima canzone di Bruno Martino del 1965, sembrerebbe proprio che il regista Paolo Franchi si sia ispirato a questa celebre citazione.

O forse no, si è semplicemente lasciato guidare dal sacro fuoco dell’arte, cercando e sperimentando nuove strade anticonformiste per sfuggire all’appiattimento creato dalla tv (come lui stesso ha dichiarato) e poco importa se il film non arriva a tutti per il suo linguaggio un po’ troppo ermetico. Questi tutti sono coloro che all’anteprima hanno fischiato e deriso con risa e fischi la pellicola in concorso, mentre la giuria, formata dai temerari Valentina Cervi e P.J.Hogan tra gli altri, ha premiato il regista e Isabella Ferrari come miglior attrice di un film coraggioso che non pretende il consenso a ogni costo. A tale avventura ha partecipato, per la prima volta, anche Nicoletta Mantovani in veste di produttrice per “Pavarotti International”, la cui figlia, Alice, ha recitato una piccola parte.

Ciò che colpisce, che fa arrabbiare, che desta stupore e che scandalizza non sono tanto le scene di sesso più o meno hard nei club per scambisti o quelle con prostitute e trans, che costituiscono buona parte del film, quanto piuttosto il paradosso di una storia d’amore considerata speciale, unica, irraggiungibile, ma basata sulle menzogne del protagonista, Dino, stimato anestesista, interpretato da Jean-Marc Barr, che non riesce a far l’amore con la persona che ama, sfogando, così, le sue pulsioni con donne a pagamento o mogli altrui, con tanto di complicità dei mariti, come il bel Filippo Nigro.

Difficile per il pubblico femminile non risentirsi di fronte a una donna come Anna (Isabella Ferrari) che, nonostante scopra le “porcherie” – da lei così definite davanti allo psicanalista – del marito, continua ad amarlo e a sentirsi amata proprio in virtù della disperazione del suo uomo. Altrettanto assurdi sono poi i tentativi di convincimento di Dino agli ex di sua moglie (tra cui spicca Luca Argentero) per farli riavvicinare a lei, o le suppliche direttamente a Anna, mentre lo accarezza, di farsi un amante. Lei, paradossalmente, non si scompone nè scandalizza. Ma risponde: “Io voglio solo te, se chiudo gli occhi non vedo che te”.

Per dare maggior risalto al tormento vissuto dal protagonista, Franchi ha utilizzato alcuni artifici stilistici che rivelano lo sforzo innovativo che percorre l’intera pellicola: le scene che ritraggono i due innamorati nella loro casa, dove predomina il bianco, sono volutamente offuscate, quasi a voler sottolineare un senso d’irrealtà ed esclusività che sottende la loro storia. Inoltre l’intera vicenda non segue un lineare sviluppo cronologico, ma il tempo appare dilatato e circolare alla maniera di Bergson, come spiega il regista, e la lettera d’addio di Dino, prima dell’estremo gesto,  letta e riletta a più riprese quasi fosse una sorta di refrain, ne è un chiaro esempio così come le fotografie che ritraggono istanti della vita dei due personaggi principali descritte e commentate da voci fuoricampo.

È un cinema d’autore  quello di Franchi, che piaccia oppure no, e come tale è provocatorio, irriverente, scomodo, ma se non altro scuote gli animi e le menti.

(di Giulia Bellini)

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Il nuovo episodio dell’acclamato James Bond inizia in medias res, come la maggior parte degli 007 a cui il pubblico è abituato. Sam Mendes (conosciuto per il pluri-premiato American Beauty e, più recentemente, per Revolutionary Road) catapulta lo spettatore a Istanbul, nel mezzo di un entusiasmante inseguimento alla 007. Bond, in missione per conto dell’MI6, deve recuperare un file top secret nel quale sono celati i nomi degli agenti NATO infiltrati in tutto il mondo. A seguito di una lotta corpo a corpo con il killer che è in possesso del file, l’agente segreto viene erroneamente colpito dal fuoco amico e precipita in un fiume . Travolto dall’acqua e privo di sensi, viene dato per “disperso e probabilmente morto”.

Ma Bond, si sa, ha sette vite come i gatti, e dopo aver ricevuto la notizia dell’attentato al quartiere generale dell’ MI6, esce dal “buio” e torna in patria. Volato a Shanghai sulle orme del killer che aveva rubato il file a Istanbul, conosce il mandante degli attentati, ossia colui che vuole distruggere M e l’intero dipartimento dei servizi segreti: Silva, un megalomane ex agente operativo dell’MI6, a suo tempo pupillo di M, a suo tempo tradito da M, visionario disposto a tutto pur di avere la sua vendetta. Ha inizio così una lotta a colpi di pistola e di ingegno tra  Bond e il suo alter ego Silva: entrambi agenti ribelli, caduti nel buio e sopravvissuti all’oblio, entrambi scampati alla morte per un tradimento di M, uniti da un passato comune ma da un futuro ben diverso.

Ma Skyfall non è solo adrenalina e colpi di scena e di pistola. Come ogni “James Bond” che si rispetti, sesso e belle donne non potevano mancare a fianco dell’agente di sua maestà: ecco dunque Naomi Harris e Berenice Marlohe, le Bond Girl di questo 23esimo episodio della saga che quest’anno compie mezzo secolo. La Harris interpreta l’agente Eve, la  Marlohe indossa i panni di Severine, donna misteriosa e temibile che James incontra in un casinò a Shanghai.

Questo ultimo episodio di 007 è un film di scissione: la rottura è lampante già nel personaggio interpretato da Daniel Craig, che perde il suo spirito di ribellione, la sua aura oscura: diversamente dal passato, infatti, Bond si spoglia della sua perfezione di eroe postmoderno, vestendosi di umanità imperfetta. La volontà di scindersi dal passato deve essere recepita come slancio al futuro, come totale rottura con tutto ciò che fino ad oggi aveva connotato la saga di 007: Mendes costringe lo spettatore a denigrare ciò che è trascorso, rappresentandolo attraverso il personaggio di Silva, feticcio di un mondo che non può più tornare, emblema di un passato che deve essere dimenticato. Seguendo questa idea, il regista riporta in vita la famosissima Aston Martin DB5, utilizzata da Sean Connery nei primi 007, che in una cornice dolce-amara viene distrutta, spezzando qualsiasi legame con i gloriosi episodi della saga. Bond, attraverso un’ottima interpretazione di Craig, muore e risorge, letteralmente “cade dal cielo” e si rialza, ricomincia da zero e dimentica ciò che è stato finora. Nonostante “this is the end” sia la frase che riecheggia durante tutto il film, Skyfall non sembra avere una vera fine: termina con un nuovo inizio, che preannuncia una lunga serie di avventure future.

Per finire, però, degna di nota è la colonna sonora: Skyfall, come il titolo del film, di Adele. 77 elementi più gli Abbey Road Studios, per una canzone che punta dritto agli Oscar, grazie alla straordinaria voce della cantante inglese, riuscita a vendere qualcosa come 20 milioni di dischi negli ultimi 2 anni. Il brano è stato presentato ufficialmente il 5 ottobre, data in cui ricorre il 50° anniversario dell’uscita di Dr.No, e quindi della serie di film di James Bond, e che verrà celebrato come la Giornata mondiale di James Bond/the Global James Bond Day.

(di Alice Cella)

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Uscirà a fine novembre il nuovo film di John Hillcoat, “Lawless”, tratto da una storia vera, raccontata da Matt Bondurant in “The wettest country in the world”.

Il film, ambientato in Virginia, rievoca le avventure dei fratelli Bondurant, impegnati nella produzione illegale di alcool durante il periodo del proibizionismo. Nel ruolo dei tre protagonisti, Tom Hardy, il Bane de “Il cavaliere oscuro-Il ritorno”, Shia LaBeouf e Jason Clarke, già visto in “Nemico Pubblico”. La pellicola ruota tutta attorno ai legami di sangue, all’affermazione personale e all’amore in un mondo dove nessuno è integro e tutti sono corrotti.

“Lawless” si inserisce a buon diritto nel filone dei gangster movie per la rappresentazione accurata del mondo criminale, i personaggi in cerca di riscatto e il realismo che pervade ogni singola scena del film. Nonostante questo, l’amore assume un ruolo chiave nello sviluppo della trama, attraverso i personaggi interpretati da Mia Wasikowska (Alice in the Wonderland, Jane Eyre) e Jessica Chastain (The tree of life, Coriolanus, e ora testimonial per Yves Saint Laurent), due star in ascesa che interpretano personaggi complessi e ricchi di fascino. Secondo il regista, il personaggio più forte del film è proprio quello interpretato dalla Chastain, perché capace di reagire a ogni situazione senza farsi mai prendere dallo sconforto.

“Lawless” affascinerà tutti coloro che amano le atmosfere anni’30, i personaggi forti e Gary Oldman, qui nelle riuscitissime vesti di un gangster di città che stringe accordi con i Bondurant.

Lawless
di John Hillcoat
dal 29/11/2012 nelle sale – 120 min

(di Ylenia Manfredi)

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