Sinossi

La serie La vita bugiarda degli adulti è tratta dall’omonimo romanzo della scrittrice. È ambientata negli anni Novanta ed è un racconto che parla di evoluzione e crescita alla ricerca di un nuovo volto, attraverso il personaggio di Giovanna, protagonista della serie, interpretata dall’attrice esordiente Giordana Marengo. Il percorso di Giovanna è segnato dal passaggio dall’infanzia all’adolescenza, in un tentativo di formazione che oscilla tra gli impulsi spontanei, tipici dell’età della crescita, e il mondo falso e impostato degli adulti.

La serie, prodotta da Fandango, è stata scritta da Elena Ferrante, Laura Paolucci, Francesco Piccolo e Edoardo de Angelis. È composta da 6 episodi e debutterà su Netflix entro la fine del 2022. Edoardo de Angelis sarà alla regia, mentre nel cast ci saranno Valeria Golino, nei panni di Vittoria, zia della protagonista, Alessandro Preziosi, il padre, Pina Turco, Azzurra Mennella, Rossella Gamba, Susy del Giudice, Biagio Forestieri.

La vita bugiarda degli adulti è un ritratto di un personaggio potente che folgora lo spettatore nel racconto di una realtà esplicita e aspra.

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L’attesa è finita. Le luci in sala si spengono. Tre, due, uno… In origine fu il romanzo più famoso di Victor Hugo, nel 1980 fu trasformato in un musical colossale da Claude-Michel Schönberg, che si occupò delle musiche e da Alain Boublil, cui si devono i testi. Ora quello straordinario show approda sul grande schermo, per la regia di Tom Hooper. Siamo nella Francia della prima metà dell’Ottocento. Protagonista de “Les Miserables” è Jean Valjean (magistralmente interpretato da Hugh Jackman), appena uscito di prigione in cerca di redenzione. Sotto falso nome, diventa un fortunato imprenditore e sindaco di una città della provincia francese. Perseguitato dall’ispettore Javert (cui dà il proprio volto Russell Crowe) per aver violato la libertà condizionata, è costretto a fuggire nuovamente, portando con sé la piccola orfana Cosette, che alleva come una figlia (interpretata dalla bellissima Anne Hathaway.

Il film, estremamente commovente e ricco di sentimenti, offre al pubblico la possibilità di apprezzare le doti canore di Hugh Jackman, che in “Who am I?” dà il meglio di sé, incarnando i travagli personali di un uomo che, dopo essersi costruito una nuova vita, la deve distruggere e abbandonare nel nome di un bene superiore. A lui Tom Hooper ha affidato il ruolo di protagonista, non solo per le sue capacità artistiche e per la provenienza da un passato ricco di esperienze nei musical, ma soprattutto per “la straordinaria grazia e bontà che lo contraddistinguono”, doti così simili a quelle possedute dal personaggio immaginato da Hugo, per cui “sceglierlo per interpretare Jean Valjean è stata una decisione assolutamente naturale ”.

Con ben 8 nomination, tra cui Miglior Attore (Hugh Jackman), Migliore Attrice Non Protagonista (Anne Hathaway) e Miglior Film, Les Miserables è dunque uno dei favoriti alla Notte degli Oscar.

Il 2013, non vi è alcun dubbio, è l’anno di Hugh Jackman, cinematograficamente parlando. L’attore australiano, già vincitore di un Golden Globe , dopo averci accompagnato nei tumultuosi sobborghi della Parigi del 1832 (con Les Miserables ), ci porterà nelle moderne strade di Tokyo con il nuovo film di James Mangold, “The Wolverine”, e sarà uno dei protagonisti della commedia americana “Movie 43″.

“The Wolverine”, tratto dall’omonima serie a fumetti di Frank Miller (300, Sin City), è un film estremamente adrenalinico ed è stato definito dal regista un “fever dream” per il mix di elementi tradizionali nipponici (ninja, yakuza, samurai) e lo stile d’interpretazione realistico dei protagonisti. Per interpretare il suo ruolo, Jackman si è sottoposto ad una preparazione fisica speciale perché “ potesse essere percepita fisicamente la rabbia presente nel corpo di Wolverine”. In “The Wolverine” non mancherà nemmeno l’ elemento romantico: Mariko (la modella Tao Okamoto), figlia di un boss giapponese, intreccerà una relazione non facile con l’uomo dalle lame di adamantio.

“Movie 43”, infine, permetterà al pubblico di apprezzare le capacità comiche dell’attore australiani che, in questa pellicola, è l’affascinante scapolo ambito da una imbarazzatissima Kate Winslet.

Con tutti questi film in uscita, il 2013 sarà proprio l’anno di Hugh Jackman.

Les misérables
Regista: Tom Hooper
31 gennaio – 152 minuti

(di Ylenia Manfredi)

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Il protagonista del nuovo film di Muccino, Quello che so sull’amore, più che svelarsi secondo le caratteristiche che ha, si può facilmente descrivere in negativo, ovvero secondo ciò che non è.

George Dryer (interpretato dall’affascinante Gerard Butler) non è un buon padre, non è un buon marito, non è un uomo di successo perché la sua carriera di calciatore si è interrotta per un grave infortunio, ma soprattutto non è la persona che vorrebbe essere. Se ne accorge tardi forse, ma quando se ne rende conto fa di tutto, lottando contro l’ombra di ciò che è stato, per riconquistare i suoi affetti: suo figlio Lewis e l’ex moglie (la splendida, anche se relegata a un ruolo non di spessore, Jessica Biel), unica vera donna che abbia mai amato nonostante la fama, non troppo lontana dalla realtà, di inguaribile donnaiolo. L’unico modo per riappropriarsi di ciò che ha perso è ritornare ad apprezzare le cose semplici che aveva dimenticato e così George da calciatore di successo diventa l’allenatore della squadra di calcio del figlio, squadra che neanche a dirlo non ha mai vinto un partita prima del suo arrivo e da uomo agiato abituato al lusso si ritrova a non riuscire a pagare l’affitto di una misera dependance.

L’unico aspetto che sembra non variare nonostante il cambio di vita è l’effetto che George ha sulle donne: nel suo lungo e tortuoso cammino di purificazione da se stesso dovrà tentare di resistere alle tentazioni delle sfacciate madri dei suoi allievi, interpretate dalle superbe Catherine Zeta Jones e Uma Thurman.

Riuscirà il nostro eroe nella sua impresa? Certo è che se da una parte molto spesso sbagli e sia sempre in bilico tra ciò che era e ciò che vorrebbe essere, George ha a suo favore l’amore incondizionato del figlio e dell’ex moglie, coloro che, nonostante abbiano subito le sue pazzie e il suo lavoro, sentimentalmente più maturi di lui, con pazienza e senza troppe spiegazioni, gli faranno capire cos’è l’amore, semplicemente dimostrandolo.

All’interno di una trama che lascia a desiderare, così semplice che dopo i primi due minuti non si fatica a capire quale sarà il finale, Muccino insiste più sui sentimenti che sui colpi di scena: l’amore, la fiducia (anche quella persa), il sentimento paterno, la responsabilità e la consapevolezza sono gli ingredienti di una ricetta facile, dal risultato quasi scontato e prevedibile, che vede diventare l’ex vincitore un perdente e poi ancora un vincitore, ma questa volta nella partita della vita.

(di Marina De Faveri)

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“Senza malizia verso alcuno,con carità verso tutti” (Abramo Lincoln). L’ultimo attesissimo film di Steven Spielberg narra la storia del sedicesimo presidente degli Stati Uniti d’America: Abramo Lincoln.

Il celebre regista non ha voluto raccontare l’intera vita dell’ex presidente, ma diversamente ha concentrato la narrazione sugli ultimi quattro mesi di presidenza, nei quali Lincoln maggiormente si impegnò per eliminare la schiavitù negli Stati Uniti, riuscendo a far approvare il tredicesimo emendamento. Spielberg racconta, in merito, un episodio della sua vita molto significativo riguardo il momento in cui si appassionò a quello che fu il più grande uomo del diciannovesimo secolo. Aveva sei anni quando suo zio lo portò a vedere da vicino la statua del “Lincoln Memorial”; inizialmente la trovò così mastodontica da riuscire a guardargli solo le mani, ma una volta superata la paura iniziale, quando riuscì ad osservarla pienamente, ne rimase così affascinato da non volersene più separare.

Lavorava da dodici anni a questo progetto. L’ossessione verso questo personaggio storico lo ha portato a concentrarsi a lungo sulla perfetta realizzazione di un film che riesce a mostrare in totale pienezza l’umanità che ha fatto di questo presidente un vero eroe. Dal momento in cui ha messo mano al progetto, il regista aveva in mente un unico solo attore al quale proporre questa parte: Daniel Day-Lewis, considerato da sempre un gigante nell’ambito della recitazione. Un attore di fama mondiale, vincitore di due premi Oscar (“Il mio piede sinistro” nel 1990 e “Il petroliere” nel 2008) che, nonostante abbia alle spalle una carriera ammirevole, ammette la timidezza e la soggezione iniziale nell’avvicinarsi a un uomo di tale grandezza. Quando gli venne proposta la parte, la rifiutò per ben due volte, ma il regista non smise di ritentare perché credeva fortemente che nessuno potesse interpretare sul grande schermo Lincoln meglio di Day-Lewis. Racconta in un’intervista che il film non avrebbe mai potuto prendere forma se Daniel non fosse riuscito ad identificarsi completamente con la sceneggiatura, tanto da non voler più uscire dai panni del personaggio dopo l’ultimo giorno di riprese. Ha avuto bisogno di un anno di tempo per potersi preparare al meglio e la sua straordinaria interpretazione è  stata premiata di recente ai Golden Globe con la vittoria nella categoria miglior attore protagonista. Inoltre è già considerato il film favorito agli Academy Awards di quest’anno con ben dodici candidature.

Nel cast recita anche Sally Field nei panni della moglie di Lincoln (Mary Todd Lincoln) che ebbe per la sua carriera un ruolo primario, in quanto lo spinse a compiere scelte che forse non avrebbe mai affrontato, oltre ad essere la sua più grande fan. Lo appoggiò in ogni scelta sempre.

Questo film è certamente un grande omaggio a un uomo che contribuì a rendere questo mondo migliore, che fu un grande esempio per tutti noi.
(di Hilary Tiscione)

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È l’ultimo film dell’autore di Baarìa, Giuseppe Tornatore, tra i registi italiani più apprezzati sulla scena internazionale. Un “maestro”, in questo caso, che ci presenta un’opera variegata, piena di sfumati, enigmatica e intensa con quella scorrevolezza simile a una lunga pennellata che solo lui, tra i registi nostrani, sa regalarci.

È di una minuziosa “cesellatura” che ci parla “La migliore offerta“. Pellicola sulle vicende di un brillante esperto antiquario apprezzato in tutto il mondo, Virgil Oldman (Geoffrey Rush), che un giorno viene chiamato da una misteriosa donna di nome Claire (Sylvia Hoeks) a effettuare una valutazione del suo ingente patrimonio artistico in quanto considerato dalla donna massimo esperto nel settore antiquario.

La vicenda si svolge in un’imprecisata città europea, in cui Oldman rifugge da autentici rapporti interpersonali, non a caso indossando metaforicamente un paio di guanti. Ricerca costantemente la compagnia di un’opera d’arte, sia essa un dipinto o una scultura, privilegiando la riflessione e il soliloquio, come quando si trova in presenza della sua collezione privata popolata da decine di ritratti femminili che lo guardano come ad attendere solo un suo sguardo di complice apprezzamento.

È una tematica non nuova, per Tornatore, quella della fobia degli spazi aperti. Infatti, come già in un suo film del 1998, il protagonista de “La leggenda del Pianista sull’Oceano” temeva l’accesso al mondo esterno, così ora il regista ci svela il multisfaccettato carattere della giovane Claire: sfuggente, malata di agorafobia e per questo timorosa anche del più piccolo contatto umano che vanifica con minuzia, comunicando unicamente da dietro una porta nascosta della villa.

Due personaggi, due mondi diversi con storie antitetiche che mostrano, però, un’umanità di fondo molto simile, tratti marcati e altri meno che combaciano e si fondono, come in un gioco d’incastri. Proprio come quegli insoliti ingranaggi, quei singoli tasselli che Oldman ritrova sparsi qua e là nella villa. L’uno è incompleto senza l’altro. Ed è proprio questo continuo fondersi di sentimenti la vera bellezza del film che combacia e si immerge perfettamente nel ritmo serrato, tipico del thriller più intenso e che solo alla fine svelerà l’opera compiuta: così come, pezzo dopo pezzo, si giunge, finalmente, a costruire l’antico automa, così accade per le vicende interpersonali tra Oldman e la seducente Claire.

Attraverso un costante gioco di sguardi si costruiscono le intrecciate vicende della storia tra l’antiquario e la donna, ma quello che il primo non sa è che aiutare la ragazza avrebbe cambiato persino se stesso. Lo avrebbe trasformato in un uomo nuovo, pronto ad affrontare anche la dura realtà che Claire stava architettando alle sue spalle.

Proprio come l’assistente di Virgil riuscirà ad aprirgli gli occhi affermando che “i sentimenti umani sono come le opere d’arte, si possono simulare”, così Oldman comprende che è una strada che può percorrere esclusivamente da solo.

Un film sull’amore nella cornice del mondo delle aste, dunque, ma, più in generale, un lavoro sull’eterna dicotomia tra verità e finzione che molto spesso non sono distinguibili con chiarezza e lucidità. Tutto è sfumato, ma è proprio da questa nebbia che risalta ancor più il talento di un regista che riesce a creare un’opera come un pittore dipingerebbe e si perderebbe, come un infante, nella perpetua scoperta dei sentimenti umani; nell’ossessione del continuo percorrere quel filo tagliente fino a godere, infine, della tela compiuta, del lavoro portato a termine ma da cui si sprigiona ancora un alone magico, misterioso ed infinito, proprio come se ancora fosse in corso d’opera. Un film che riesce a mostrare solo alla fine l’autentico nella finzione per metterci alla prova, per ritemprarci e farci rinascere più forti. Perché è questa, dopotutto, la forza che spinge l’uomo ad affrontare il presente e a proseguire il cammino nonostante le avversità della vita.

(di Luca Schirripa)

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Adattamento del nono libro di Lee Child “One Shot”, la pellicola Jack Reacher – La prova decisiva si propone vincente sin da subito. Jack Reacher, un ex militare dell’esercito, diventa un investigatore privato.

Assoldato da James Barr, un esperto cecchino accusato di aver sparato su una folla all’impazzata uccidendo cinque persone e incastrato da prove schiaccianti, Jack cercherà di dimostrare la verità a modo suo: senza regole. E anche Tom Cruise, che interpreta Jack Reacher, ha cambiato le regole recitando in prima persona anche le scene più pericolose: “Come attore dai tutto al tuo personaggio e se rischi in prima persona per il film è sempre meglio. Io non ho paura. A volte qualcosa va storto ma è tuo dovere dare al pubblico più che puoi”, spiega l’attore.

La premiere è stata rimandata dalla Paramount in America a causa della strage dei bambini di Newtown, a cui il pubblico poteva ricollegare, in maniera dannosa per gli incassi, i primi cinque minuti del film dove un killer spara sulla folla in un centro commerciale.

La pellicola sbanca il botteghino con 45 milioni di dollari nei primi dieci giorni e i fans assicurano che la vita privata di Tom Cruise, che nell’ultimo anno ha dovuto affrontare il divorzio dalla terza moglie Katie Holmes, la battaglia per l’affido della figlia, gli screzi con Scientology, non ha assolutamente influenzato il giudizio sul suo ritorno in scena con questo nuovo personaggio che ha tutte le carte per diventare una franchise.

Il cast è arricchito dalla presenza di Rosamund Pike, Richard Jenkins, Robert Duvall e dal regista Werner Herzog.

(di Martina Ingallinera)

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“Se devi dire una bugia dilla ancora più grossa”, commedia vincitrice del prestigioso premio “Lawrence Oliver” come migliore dell’anno a Londra, debutta al Teatro Franco Parenti mercoledì 26 dicembre nella versione italiana di Luca Barcellona. Dopo il successo mondiale di “Se devi dire una bugia dilla grossa“, il commediografo e drammaturgo britannico Ray Cooney torna con un sequel che non ha nulla da invidiare all’opera precedente. Diretto dal regista Gianluca Guidi (figlio del grande Johnny Dorelli), il cast, quasi al completo, del fortunato “Chat a due piazze” (sempre di Cooney), si trova coinvolto in una serie di vicende davvero divertenti.

È una commedia molto attuale con chiari riferimenti ad alcuni fatti della nostra politica e non solo: il ministro De Mitri, interpretato da Antonio Catania, e Susanna, l’ufficio stampa del leader dell’opposizione (Miriam Mesturino), entrambi sposati, hanno una relazione estremamente segreta ed è così che dovrebbe rimanere se non fosse per i mille inconvenienti in cui malauguratamente incappano quando decidono di trascorrere una notte di fuoco nel lussuoso hotel Palace di Roma. I due, mentre si stanno preparando al loro incontro galante, scoprono infatti un cadavere (Antonio Pisu) sul davanzale della suite. Per evitare che lo scandalo dilaghi all’interno del governo e anche dell’albergo, il ministro chiederà aiuto al suo fidato segretario particolare Mario Girini (Gianluca Ramazzotti) e insieme daranno vita a una spirale di bugie e fraintendimenti combinandone di tutti i colori con la complicità dell’amante di De Mitri.

In questa situazione, a dir poco surreale, verranno coinvolti, loro malgrado, altri personaggi: una vecchia gloria quale Raffaele Pisu nel ruolo del furbo cameriere, un altro grande maestro dello spettacolo leggero italiano, Ninì Salerno, nella parte del moralista direttore dell’hotel che cerca di controllare la sarabanda di circostanze un po’ osé da cui viene travolto, svelando un risvolto decisamente a sorpresa nel finale, la moglie del ministro (Licinia Lentini), Domenico De Santi nei panni di Paolo Rolandi, marito di Susanna, che si precipita nella camera come una furia perché sospettoso della tresca fra sua moglie e De Mitri e per finire, la Signorina Levi (Selene Rosiello), infermiera a domicilio con forte accento tedesco della madre di Girini.

Uno spettacolo, dunque, dissacrante, satirico, che s’inserisce nella più grande tradizione del teatro brillante, con attori di grandissimo spessore che assicurano che si ride tanto!

Per la serata di Capodanno, il Teatro Franco Parenti farà il bis con due repliche; nella seconda è previsto un brindisi d’auguri per festeggiare tutti insieme la fine dell’anno e l’arrivo di quello nuovo.

Teatro Franco Parenti
Via Pier Lombardo, 14, Milano
dal 26 dicembre al 6 gennaio
mercoledì alle ore 19.30
da giovedì a sabato alle ore 21.15
domenica alle ore 16.30
lunedì 31 dicembre alle ore 19.30 e 22.30
martedì 1 gennaio alle ore 18.30

I biglietti sono acquistabili sul sito di TicketOne e direttamente alla biglietteria del teatro.

(di Giulia Bellini)

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Il nuovo episodio dell’acclamato James Bond inizia in medias res, come la maggior parte degli 007 a cui il pubblico è abituato. Sam Mendes (conosciuto per il pluri-premiato American Beauty e, più recentemente, per Revolutionary Road) catapulta lo spettatore a Istanbul, nel mezzo di un entusiasmante inseguimento alla 007. Bond, in missione per conto dell’MI6, deve recuperare un file top secret nel quale sono celati i nomi degli agenti NATO infiltrati in tutto il mondo. A seguito di una lotta corpo a corpo con il killer che è in possesso del file, l’agente segreto viene erroneamente colpito dal fuoco amico e precipita in un fiume . Travolto dall’acqua e privo di sensi, viene dato per “disperso e probabilmente morto”.

Ma Bond, si sa, ha sette vite come i gatti, e dopo aver ricevuto la notizia dell’attentato al quartiere generale dell’ MI6, esce dal “buio” e torna in patria. Volato a Shanghai sulle orme del killer che aveva rubato il file a Istanbul, conosce il mandante degli attentati, ossia colui che vuole distruggere M e l’intero dipartimento dei servizi segreti: Silva, un megalomane ex agente operativo dell’MI6, a suo tempo pupillo di M, a suo tempo tradito da M, visionario disposto a tutto pur di avere la sua vendetta. Ha inizio così una lotta a colpi di pistola e di ingegno tra  Bond e il suo alter ego Silva: entrambi agenti ribelli, caduti nel buio e sopravvissuti all’oblio, entrambi scampati alla morte per un tradimento di M, uniti da un passato comune ma da un futuro ben diverso.

Ma Skyfall non è solo adrenalina e colpi di scena e di pistola. Come ogni “James Bond” che si rispetti, sesso e belle donne non potevano mancare a fianco dell’agente di sua maestà: ecco dunque Naomi Harris e Berenice Marlohe, le Bond Girl di questo 23esimo episodio della saga che quest’anno compie mezzo secolo. La Harris interpreta l’agente Eve, la  Marlohe indossa i panni di Severine, donna misteriosa e temibile che James incontra in un casinò a Shanghai.

Questo ultimo episodio di 007 è un film di scissione: la rottura è lampante già nel personaggio interpretato da Daniel Craig, che perde il suo spirito di ribellione, la sua aura oscura: diversamente dal passato, infatti, Bond si spoglia della sua perfezione di eroe postmoderno, vestendosi di umanità imperfetta. La volontà di scindersi dal passato deve essere recepita come slancio al futuro, come totale rottura con tutto ciò che fino ad oggi aveva connotato la saga di 007: Mendes costringe lo spettatore a denigrare ciò che è trascorso, rappresentandolo attraverso il personaggio di Silva, feticcio di un mondo che non può più tornare, emblema di un passato che deve essere dimenticato. Seguendo questa idea, il regista riporta in vita la famosissima Aston Martin DB5, utilizzata da Sean Connery nei primi 007, che in una cornice dolce-amara viene distrutta, spezzando qualsiasi legame con i gloriosi episodi della saga. Bond, attraverso un’ottima interpretazione di Craig, muore e risorge, letteralmente “cade dal cielo” e si rialza, ricomincia da zero e dimentica ciò che è stato finora. Nonostante “this is the end” sia la frase che riecheggia durante tutto il film, Skyfall non sembra avere una vera fine: termina con un nuovo inizio, che preannuncia una lunga serie di avventure future.

Per finire, però, degna di nota è la colonna sonora: Skyfall, come il titolo del film, di Adele. 77 elementi più gli Abbey Road Studios, per una canzone che punta dritto agli Oscar, grazie alla straordinaria voce della cantante inglese, riuscita a vendere qualcosa come 20 milioni di dischi negli ultimi 2 anni. Il brano è stato presentato ufficialmente il 5 ottobre, data in cui ricorre il 50° anniversario dell’uscita di Dr.No, e quindi della serie di film di James Bond, e che verrà celebrato come la Giornata mondiale di James Bond/the Global James Bond Day.

(di Alice Cella)

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Il Torino Film Festival compie 30 anni e sceglie di spegnere le candeline con un titolo e un’ospite d’eccezione. Ad aprire la rassegna cinematografica, il 23 novembre, sarà infatti “Quartet”, dell’esordiente Dustin Hoffman alla regia, mentre la madrina della serata sarà la splendida Claudia Gerini. Ad abbassare il sipario sulla manifestazione, il 1° dicembre, sarà invece “Ginger & Rosa” di Sally Potter e la madrina della serata finale sarà l’attrice Ambra Angiolini.

1982-2012: trent’anni di successi, pellicole di valore internazionale, ospiti d’eccezione, premi esclusivi. Era il 25 settembre 1982 quando nel capoluogo piemontese si formava il primo embrione del Torino Film Festival, con l’intento di esplorare le tematiche della cinematografia giovanile. Edizione dopo edizione quel piccolo e ambizioso embrione che aveva il nome di Festival Internazionale Cinema Giovani si trasforma via via in una straordinaria rassegna capace di indagare sulle forme innovative, periferiche e sperimentali del cinema internazionale: un cinema “giovane” imperniato sul rinnovamento linguistico che si contrappone alle forme consolidate di cinematografia. Per rispondere a tale proposito il festival  accoglie sin dalla sua prima edizione la vasta gamma di nuove modalità espressive dell’immagine elettronica.

Il festival risponde anche alle esigenze dei giovani film-maker e video-maker di trovare spazi riconosciuti (sezione TorinoFilmLab) dove mostrare le loro opere e attraverso cui avere un rapporto diretto di confronto con il pubblico. Primo festival metropolitano in Italia, il “TFF” riesce a creare fin da subito un forte legame col proprio pubblico, aumentando costantemente la complessità dell’offerta cinematografica, miscelando nei suoi programmi cinema d’autore e cinema di genere, ricerca-sperimentazione e riscoperta di grandi classici
dimenticati, cinematografie nazionali ancora inesplorate e autori sconosciuti e trascurati in Italia.

Ben presto il festival si trasforma in una vetrina internazionale, in un palcoscenico per le novità cinematografiche, con l’istituzione di sezioni competitive e spazi aperti alle più svariate opere, collocando a buon diritto la manifestazione tra i principali eventi cinematografici internazionali.

Ma veniamo all’edizione di quest’anno. Il programma della rassegna è vastissimo: 223 titoli, di cui 70 lungometraggi opere prime e seconde, 43 anteprime mondiali, 11 anteprime internazionali, 13 anteprime europee e 81 anteprime italiane, che sono stati selezionati su circa 4000 film visionati (tra corti, medi e lungometraggi). Tra questi figurano i nuovi film di alcuni degli autori “scoperti” dall’evento torinese e le opere di cineasti di fama internazionale. Nelle ultime cinque edizioni, sotto la direzione di Nanni Moretti (2007-2008) e Gianni Amelio (2009-2010-2011) il Torino Film Festival ha ospitato registi del calibro di Francis Ford Coppola, Wim Wenders, Roman Polanski, Oliver Stone, Emir Kusturica, John Boorman.
Ma il Torino Film festival non sarà solo un grande schermo su cui proiettare le produzioni cinematografiche. Sarà infatti anche, come di consuetudine, un momento di riconoscimento del valore di alcune di queste opere. E così ecco che il Gran Premio Torino, il più prestigioso della rassegna, sarà assegnato a Ken Loach e Ettore Scola, per aver contribuito al rinnovamento del linguaggio cinematografico, alla creazione di nuovi modelli estetici, alla diffusione delle tendenze più significative del cinema contemporaneo. Tra gli altri riconoscimenti vanno ricordati Torino 30, dedicato ai lungometraggi internazionali e volto alla ricerca e alla scoperta di talenti innovativi, TFFdoc, per il miglior film internazionale.doc e il miglior film italiana.doc, Italiana.corti, dedicato ai cortometraggi nostrani, Premio Cipputi, che premierà il miglior film sul mondo del lavoro e Spazio Torino, dedicato ai registi piemontesi.

Informazioni
www.torinofilmfest.org
info@torinofilmfest.org

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Da un lato il Festival Internazionale del Cinema di Roma, dall’altro il Torino Film Festival. Sul primo fronte il direttore artistico della rassegna romana, Marco Muller, sull’altro l’omologo torinese, Gianni Amelio.

A Roma 59 lungometraggi in prima mondiale e 5 in prima internazionale, 12 mediometraggi  e 34 cortometraggi, un concorso per 13 film in prima mondiale e un fuori concorso con 5 film gala in prima mondiale e 4 in prima internazionale, e poi, ancora, 21 lungometraggi in prima mondiale, 1 lungometraggio in prima internazionale, 8 mediometraggi e 23 cortometraggi, 33 pellicole (tra documentari e lungo-medio-corto metraggi) tutti in prima mondiale, 16 lungometraggi italiani e 14 lungometraggi opere prime e seconde, in tutto 26 Paesi partecipanti.
A Torino, invece, 223 titoli, di cui 70 lungometraggi opere prime e seconde, 43 anteprime mondiali, 11 anteprime internazionali, 13 anteprime europee e 81 anteprime italiane, selezionati su circa 4000 film visionati (tra corti, medi e lungometraggi).

Da una parte la settima edizione romana che si svolgerà dal 9 al 17 novembre, all’Auditorium Parco della Musica; dall’altra 30 anni di manifestazione cinematografica in programma dal 23 novembre al 1 dicembre.

In mezzo scorre un fiume. Di polemiche e scintille. “C’è chi vorrebbe da noi opere prime e seconde, ma solo di registi mongoli”, ha tuonato Gianni Amelio in terra ‘nemica’, Roma appunto, presentando la trentesima edizione del suo Torino Film Festival. Una frecciata diretta senza mezze misure al suo alter ego capitolino alla guida del Festival cinematografico in quel della Capitale, che non aveva risparmiato mai una certa ironia nei confronti del festival piemontese. “Noi mettiamo anche film di uno che dirige esordendo a 75 anni come Dustin Hoffman (“Quartet, ndr)”, ha proseguito Amelio, sottolineando come Torino vada considerato “futuro e avvenire. Tutti oggi parlano e si riempiono la bocca di Sundance e Tribeca. Io ne parlo da sempre, noi non ci siamo mai vergognati di prendere film da loro, né abbiamo mai avuto il vizio dello ‘ius primae noctis’ . Oggi si propongono solo vecchie cose vestite da modernità. Insomma chi sparla di Torino si rimangi presto quello che ha detto”.

C’è da scommettere che la guerra cinematografica sia appena iniziata… Ma tralasciando sarcasmo scaramucce, veniamo alle due rassegne che a breve allieteranno la Capitale e il capoluogo piemontese. E non certo per una presa di posizione a favore dell’uno o dell’altro, ma procedendo in un ordine rigorosamente cronologico, andiamo a sbirciare un po’ nel profondo di questi due rinomatissimi eventi riconosciuti a livello internazionale.

Festival Internazionale del Film di Roma – Per la prima volta diretto da Marco Muller, vede in concorso 13 film, di cui tre italiani: “Alì ha gli occhi azzurri”, di Claudio Giovannesi, “E la chiamano estate”, di Paola Franchi e “Il volto di un’altra”, di Pappi Corsicato. La Selezione Ufficiale è formata da un Concorso internazionale, un Fuori Concorso che ospita proiezioni di gala del 2012, la linea di concorso dedicata alle nuove correnti del cinema mondiale senza distinzione di genere e durata, e Prospettive Italia che intende fare il punto sulle nuove linee di tendenza del cinema nostrano. Sezione autonoma e parallela, ‘Alice nella città’ organizzerà, secondo un proprio regolamento, una rassegna di film per ragazzi.

E merita sicuramente di essere ricordato l’impegno del Festival romano per il sociale – attraverso la collaborazione con Enel Cuore, UNHCR, Telethon – e per l’ambiente, con il progetto di riduzione e compensazione in collaborazione con Impatto Zero® di LifeGate, grazie al sostegno di Ricola. Inoltre, anche in questa settima edizione verranno assicurati i servizi di audio-descrizione e sottotitolazione digitale per le persone con disabilità visive o uditive che potranno così fruire oltre che partecipare alle proiezioni. L’iniziativa sarà coordinata da Blindsight Project e Consequenze.

Torino Film Festival – Giunto quest’anno alla sua 30esima edizione, sceglie di spegnere le  candeline con due ospiti d’eccezione. Ad aprire la rassegna cinematografica sarà infatti l’esordiente Dustin Hoffman alla regia, mentre la madrina della serata sarà la splendida Claudia Gerini. Ad abbassare il sipario sulla manifestazione, il 1° dicembre, sarà invece “Ginger & Rosa” di Sally Potter; madrina della serata finale sarà l’attrice Ambra Angiolini. Da quel 25 settembre 1982 quando nel capoluogo piemontese si formava il primo embrione del Torino Film Festival, con l’intento di esplorare le tematiche della cinematografia giovanile, di strada ne è stata fatta. Edizione dopo edizione quel piccolo e ambizioso embrione che aveva il nome di Festival Internazionale Cinema Giovani si è infatti trasformato in una straordinaria rassegna capace di indagare sulle forme innovative, periferiche e sperimentali del cinema internazionale: un cinema “giovane” imperniato sul rinnovamento linguistico che si contrappone alle forme consolidate di cinematografia.

Durante questa edizione numerosi saranno i riconoscimenti assegnati: primo tra tutti il Gran Premio Torino, che andrà a Ken Loach e Ettore Scola, per aver contribuito al rinnovamento del linguaggio cinematografico, alla creazione di nuovi modelli estetici, alla diffusione delle tendenze più significative del cinema contemporaneo. E non mancheranno premi ai lungometraggi internazionali, documentari e cortometraggi made in Italy e al miglior film sul mondo del lavoro.

Ma ora basta così: il red carpet è pronto. Si spengano le luci in sala. Buona visione…

Informazioni

http: //www.torinofilmfest.org
mail: info@torinofilmfest.org

http: //www.romacinemafest.it
mail: info@romacinemafest.org

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