La collaborazione tra il Maestro Riccardo Chailly e il Teatro alla Scala

Le opere di Giuseppe Verdi, dai titoli giovanili fino a Aida e Don Carlo, la scoperta delle versioni originali di titoli pucciniani, sono solo alcuni dei percorsi approfonditi dal Maestro in un rapporto sempre più stretto con l’Orchestra e il Coro scaligeri. Tra questi filoni, anche il repertorio russo: con Una Lady Macbeth del distretto di Mcensk Chailly corona un percorso iniziato nel lontano 199.

Il rapporto di Riccardo Chailly con la produzione operistica di Šostakovič risale a più di cinquant’anni fa; da una parte, la profonda tecnica compositiva di uno Šostakovič appena ventiquattrenne che realizza un’orchestrazione di rara fattura, dall’altra, una conoscenza capillare del patrimonio delle melodie popolari russe, fattore determinante per lo strabiliante successo riscosso nel periodo precedente alla sua censura, che porta questo titolo a essere rappresentato quasi duecento volte tra Leningrado e Mosca nell’arco di un anno e mezzo.

La regia

Vasily Barkhatov segna con questa regia il suo debutto scaligero. Quello tra direzione musicale e regia è stato in questo caso un lavoro capillare e profondo nella partitura, iniziato da molto tempo.  Ne deriva una regia concentrata sul personaggio di Katerina Izmajlova, in una drammaturgia che si sviluppa lungo i suoi ricordi e le sue confessioni, una donna che, lottando per la sua identità, compie un gesto efferato. 

Un’opera che parla ancora molto al presente e porta in scena, ad esempio, l’attuale tema della libertà sessuale, una delle conquiste della Rivoluzione Russa, che, come si diceva al tempo, avrebbe dovuto garantire che la possibilità di soddisfare i propri istinti dovesse essere semplice come “bere un bicchier d’acqua” quando si ha sete. Ma è nel 1934, anno di pubblicazione dell’opera, che l’Unione Sovietica introduce il divieto di aborto, cerca di assumere contromisure significative contro il divorzio e mette al bando l’omosessualità. Come ci ricorda Franco Pulcini, tra gli altri, “il successo dell’opera coincide con l’abolizione di tale libertà”, e rappresenta in qualche modo un riscatto di queste libertà perdute.

Del resto, Šostakovič ambienta la vicenda nel mondo provinciale del distretto di Mcensk, una società rurale, arretrata e patriarcale, che fa sì che il testo sia connotato da un linguaggio esplicito e prosaico, atto a rappresentare una società fortemente patriarcale in cui la considerazione della donna è estremamente arretrata, e che il compositore mette in scena per condannarla.

L’opera

Il compositore, autore anche del libretto tratto dal romanzo di Nikolaj Leskov, aveva immaginato l’opera come prima anta di un trittico che avrebbe descritto la condizione della donna in diverse epoche della storia russa. La vicenda, ambientata nella campagna russa negli anni 1860 (la servitù della gleba è abolita nel 1861), vede protagonista la giovane Katerina Izmajlova che, sposata contro la sua volontà a un giovane possidente imbelle e soggetta alle angherie anche sessuali del suocero, è attratta dal garzone Sergej, sfacciato e brutale. Quando il suocero li scopre e frusta Sergej, Katerina lo avvelena con una zuppa di funghi. Al ritorno del marito, Katerina e Sergej si liberano anche di lui e si sposano, ma durante la cerimonia un servo scopre il cadavere del primo marito nascosto in cantina. Katerina e Sergej (che nel racconto di Leskov uccidono anche un nipote per sottrargli l’eredità) sono condannati ai lavori forzati. Durante il viaggio Sergej preferisce a Katerina una ragazza più giovane: Katerina la uccide trascinandola con sé nelle acque ghiacciate del fiume.    

Dopo la doppia prima, il 22 gennaio 1934 a Leningrado e due giorni dopo a Mosca, l’opera gode di un clamoroso succès de scandale, sia per la spietata critica sociale sia per l’inedito realismo nella rappresentazione della sessualità. Šostakovič abbandona la vena satirica astratta e surreale della sua prima opera, Il naso, per rifarsi alla ruvida aderenza al vero di Musorgskij, e il pubblico risponde entusiasta: duecento rappresentazioni in due anni tra Leningrado e Mosca.

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L’appuntamento si è ormai consolidato come uno dei momenti più attesi della stagione, capace di unire eleganza, memoria storica e danza ai massimi livelli.

Un programma che racconta Carla Fracci

Il cartellone della serata è costruito nel segno della continuità e del rispetto per la tradizione, senza particolari sorprese ma con un filo conduttore ben preciso: evocare le tappe artistiche di Carla Fracci attraverso brani iconici del repertorio scaligero. Non è un caso che a far battere il cuore dei cultori della danza sia soprattutto il ritorno alla Scala del Romeo e Giulietta con la celebre coreografia di John Cranko, assente da anni dal palcoscenico milanese.

Ad aprire il Gala, come da tradizione, sarà il Defilé su musica di Richard Wagner, con cui il direttore del Corpo di Ballo Frédéric Olivieri presenta al pubblico l’intera compagnia. Un’apertura solenne che dà subito il tono dell’evento.

I grandi classici e i protagonisti della serata

Il programma prosegue con estratti da alcuni dei titoli più amati del repertorio: Giselle, Don Chisciotte, La Vedova Allegra, Onegin, La Strada, La Bella Addormentata e Excelsior. Un florilegio che dimostra la forza della tradizione scaligera ma anche la versatilità degli interpreti.

Tra gli ospiti di punta troviamo Marianela Nuñez, étoile del Royal Ballet di Londra, che danzerà La Vedova Allegra in coppia con Reece Clarke, e l’Adagio della Rosa da La Bella Addormentata accanto a Marco Agostino, Gabriele Corrado, Massimo Garon e Navrin Turnbull. Clarke sarà inoltre protagonista del passo a due del terzo atto di Onegin con Nicoletta Manni, mentre Romina Contreras, Prima Ballerina del Czech National Ballet, interpreterà la struggente scena del balcone da Romeo e Giulietta con Claudio Coviello.

Tra gli artisti di casa, spiccano le presenze di Martina Arduino con Marco Agostino in Giselle, Alice Mariani e Nicola Del Freo in Don Chisciotte, Virna Toppi e Mattia Semperboni ancora ne La Vedova Allegra, Antonella Albano e Christian Fagetti ne La Strada. Il gran finale, affidato a Excelsior, vedrà brillare Nicoletta Manni, Timofej Andrijashenko, tutto il Corpo di Ballo e gli allievi della Scuola di Danza.

La direzione musicale della serata è affidata a Valery Ovsyanikov, che guiderà l’orchestra del Teatro alla Scala in un viaggio musicale denso di storia, emozione e tecnica.

Un omaggio vivo e fedele all’eredità di Fracci

Pur senza stravolgimenti o novità radicali, il Gala Fracci 2025 mantiene il suo ruolo fondamentale: ricordare una delle più grandi ballerine di sempre attraverso la bellezza e la potenza evocativa del linguaggio del corpo. Non solo un tributo, ma un’esaltazione collettiva della danza come patrimonio vivo.

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Il Teatro alla Scala si prepara a sorprendere il pubblico non solo con l’inaugurazione della stagione, ma anche con una straordinaria esposizione che mette in luce la genesi di uno dei capolavori di Giuseppe Verdi.

Dal 4 dicembre al 2 gennaio infatti, il Museo Teatrale alla Scala ospiterà per la prima volta alcune pagine della stesura preliminare del libretto della Forza del destino del 1861, recentemente riscoperta. Questo manoscritto, frutto della collaborazione tra Francesco Maria Piave e Giuseppe Verdi nell’estate del 1861 a Busseto, rappresenta un documento unico e affascinante.

L’inaugurazione della stagione scaligera con La forza del destino non è solo un evento musicale, ma una celebrazione della cultura e della storia operistica italiana. L’esposizione del manoscritto, accompagnata da un rigoroso lavoro di conservazione e divulgazione, sottolinea ancora una volta l’importanza di preservare e valorizzare il nostro straordinario patrimonio.

Un manoscritto immortale

La stesura include appunti e varianti di rilievo: annotazioni di Verdi nelle scene chiave dell’opera, sostanziali modifiche al testo del celebre Rataplan e numerosi interventi sulla parte del protagonista Alvaro. Le carte, arricchite da dettagli come filigrane e numerazioni d’epoca, raccontano non solo l’opera in sé, ma anche il rapporto tra Verdi e Piave, segnato da intensi scambi creativi e una passione travolgente per l’arte, la scrittura e la musica. 

Passato e presente

Il manoscritto è stato digitalizzato con uno scanner planetario Metis Gamma nei laboratori dell’Università Cattolica del Sacro Cuore, per garantire una riproduzione ad altissima definizione: questo lavoro rappresenta il primo passo verso una pubblicazione anastatica, prevista per il 2025, che renderà il documento consultabile anche agli studiosi e agli appassionati di tutto il mondo.

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La stagione autunnale del Teatro alla Scala di Milano si è aperta con un’esplosione di energia e leggerezza grazie a Il Cappello di Paglia di Firenze, opera di Nino Rota che ha debuttato il 4 settembre. La produzione, affidata ai giovani talenti dell’Accademia del Teatro alla Scala, ha portato sul palco una rivisitazione vivace e moderna di un classico del repertorio operistico italiano, capace di coniugare la tradizione del vaudeville con un approccio contemporaneo.

Un vaudeville riscoperto

Composta nel 1945, ma rappresentata per la prima volta nel 1955, l’opera è una commedia brillante in quattro atti ispirata all’omonima farsa di Eugène Labiche. La trama segue le disavventure di Fadinard, un giovane gentiluomo che, nel giorno del suo matrimonio, si imbarca in una corsa frenetica per recuperare un cappello di paglia distrutto dal suo cavallo. Questo pretesto narrativo dà il via a una serie di malintesi e situazioni comiche che si intrecciano in una vera e propria girandola di equivoci.

Una regia fresca e innovativa

La regia di Mario Acampa, noto per la sua capacità di coinvolgere il pubblico più giovane, ha saputo dare nuova vita a un’opera raramente rappresentata, senza tradire lo spirito originale del testo. Le scenografie di Riccardo Sgaramella e i costumi di Chiara Amaltea Ciarelli hanno reso omaggio al periodo storico in cui è ambientata la vicenda, pur introducendo elementi stilistici che strizzano l’occhio alla modernità.

Una direzione orchestrale di alto livello

Sotto la guida esperta di Donato Renzetti, l’Orchestra dell’Accademia ha saputo esaltare le qualità della partitura di Rota, una composizione che alterna momenti di raffinata melodia a passaggi ritmicamente più incisivi, in un continuo gioco tra il serio e il faceto. Il risultato è stato un’esecuzione brillante, capace di mantenere il ritmo sostenuto richiesto da una commedia degli equivoci.

Giovani talenti in crescita

Il cast, composto dagli allievi dell’Accademia, ha ricevuto ampi consensi per l’energia e la freschezza con cui ha interpretato i ruoli principali. In particolare, Andrea Tanzillo e Pierluigi D’Aloia, che si sono alternati nel ruolo di Fadinard, hanno saputo incarnare con verve e precisione il protagonista della storia, mantenendo alta l’attenzione del pubblico per tutta la durata dello spettacolo.

Il Cappello di Paglia di Firenze ha segnato un inizio di stagione perfettamente riuscito per il Teatro alla Scala. Con la sua combinazione di tradizione e innovazione, l’opera ha offerto al pubblico un’esperienza divertente e raffinata, confermando la vitalità e la rilevanza del repertorio operistico italiano anche per le nuove generazioni.

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Dal 16 aprile al 5 maggio il celebre teatro meneghino ospita la storica rappresentazione di Pietro Mascagni sotto l’affidabile direzione di Giampaolo Bisanti e un cast che vanta nomi del calibro di Elina Garanca, nei panni della giovane contadina Santuzza; Irina Lungu, come Nedda; Brian Jagde nelle vesti di Turiddu; Fabio Sartori e Amartuvshin Enkhbat, rispettivamente Canio e Tonio/Alfio.

La trama

L’opera di Mascagni è tratta dall’omonima novella verghiana della raccolta Vita dei campi. La vicenda è caratterizzata da comportamenti e rituali tipici del mondo cavalleresco, ambientati però in un ambiente rustico e rurale nel cuore di un piccolo paese siciliano.

La Pasqua porta con sé un dramma di passioni e tradimenti. Turiddu, tornato dopo un lungo periodo di assenza, scopre che la sua amata Lola è ora sposata con Alfio, il carrettiere. Per scacciare l’ombra del suo amore per Lola, si avvicina a Santuzza, ma il fuoco della passione per la prima brucia più forte che mai. Santuzza, ferita dalla gelosia, tenta di raggiungere Turiddu, ma viene respinta con disprezzo. Umiliata, rivela a Alfio l’infedeltà di sua moglie, innescando una catena di eventi tragici. Tra festeggiamenti e tensioni, Turiddu affronta Alfio in un duello disperato, cercando di proteggere Santuzza. Ma la tragedia è inevitabile, e il paese si trova a piangere la perdita di Turiddu, vittima delle sue stesse passioni.  

L’opera verrà rappresentata insieme a Pagliacci di Ruggero Leoncavallo, mantenendo quello che oramai è uno dei dittici più famosi dell’ambiente teatrale; le due rappresentazioni hanno una durata complessiva di 3 ore e 5 minuti, intervallo incluso.

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Un’opera complessa, bensì affascinante

La vicenda si svolge nella Spagna di Filippo II, e dipinge un affresco che raffigura da una parte amore, amicizia e libertà, dall’altra il senso di potere, supremazia estrema e solitudine. I personaggi, spesso solitari, vivono un intreccio di tradimenti, sospetti e delusioni. Il regista di questa edizione è Lluis Pasqual, i costumi sono di Franca Squarciapino e le scene di Daniel Blanco; il direttore è Riccardo Chailly. Il cast davvero eccezionale, è composto da Michele Pertusi, nei panni di Filippo II, Francesco Meli è Don Carlo, Anna Netrebko è Elisabetta di Valois, Elina Garanca la principessa di Eboli e Luca Salsi Rodrigo, il marchese di posa. 

La tematica del potere assoluto

Dopo Macbeth di Verdi nel 2021 e Boris Godunov nel 2022, con Don Carlo quest’oggi si riflette nuovamente sulle logiche di chi detiene il potere assoluto: esso disintegra, annulla la felicità individuale di chi detiene il potere ma anche degli oppressi; degli oppressori e dei vinti.

Questa produzione di Don Carlo rispecchia le due facce di una medaglia composta da dramma storico da una parte, e manifesto romantico dall’altra: i temi proposti sono la libertà del sentimento, la relazione tra padri e figli, e la liberazione dei popoli oppressi. A fare da sfondo, il conflitto tra potere spirituale e quello temporale.

L’abbigliamento dei personaggi interpreti riprende quello di un tempo, ma lo alleggerisce nei materiali per donare una libertà di movimento e una certa vitalità romantica. I personaggi sono sì collocati nella loro epoca, presentando però caratteristiche, comportamenti ed emozioni anche attuali. Questo senso di potere supremo è intrinseco nel colore nero, il più utilizzato nella scenografia; non a caso, nel ‘500 i velluti e broccati neri erano stoffe di grande pregio, che solo gli uomini davvero potenti potevano permettersi.

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Tutta la storia di “La bohème”

“La bohème” è un vero e proprio pezzo di storia del teatro; messa in scena per la prima volta nel 1963, e da allora è entrata a far parte sempre di più dell’identità scaligera. L’opera narra la storia di un gruppo di giovani artisti nella Parigi degli anni Trenta: quattro bohèmien che vivono sotto le stesse mura condividendo emozioni, sentimenti e vari aneddoti quotidiani. “La Bohème” è anche un viaggio un po’ nostalgico attraverso i sentimenti, nonché una celebrazione della vita e della morte.

Il Teatro alla Scala, il più azzeccato di sempre

Zeffirelli in un’intervista dichiarò che Il Teatro alla Scala è risultato il luogo perfetto per l’allestimento di quest’opera, poiché ha saputo conservarla in modo fresco e sempre attuale nel tempo. Anche le esecuzioni musicali hanno trovato nella Scala la loro destinazione armonica perfetta. Il regista considera “La bohème” l’opera più riuscita di tutta la sua carriera operistica.

Tutti gli attori di spicco

La direttrice coreana Eun Sun Kim fa il suo debutto alla Scala. In scena, Marina Rebeka nei panni di Mimì, Irina Lunga come Musetta, Luca Micheletti è Marcello, Alessio Arduini Schaunard, Jongmin Park Colline. A completare il cast Hyun-Seo Davide Park e Giuseppe de Luca.

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La sua storia e i nomi di spicco

Salome era andato in scena in precedenza solamente nel 2021 per una ripresa televisiva. Quest’oggi, il Teatro alla Scala di Milano si dichiara lieto di ospitare lo spettacolo teatrale. Infatti, per la prima volta nella sua storia, l’allestimento di Salome di Damiano Michieletto incontra il pubblico in sei magnifiche rappresentazioni che si svolgono dal 14 al 31 gennaio, con Axel Kober e Michael Guttler.

La grande attesa ed emozione è soprattutto per Vida Markeviciute, che fa il suo debutto scaligero e riveste questa volta i panni di protagonista. Le scene geometriche di Paolo Fantin sono caratterizzate da un’intensa e minacciosa luce nera che si riferisce a una pittura simbolista, la quale a sua volta rappresenta una torbida infanzia. I costumi sono di Carla Teti, le luci di Alessandro Carletti e la coreografia di Thomas Wilhelm.

Il rimando dello spettacolo teatrale

Questa edizione di Salome sarebbe dovuta andare in scena già nell’apparente lontano marzo 2020: le prove erano ormai avanzate, era tutto pronto per essere messo in scena, ma le ordinanze restrittive  hanno deciso di interrompere l’attività teatrale. Ecco che quest’oggi viene presentato un lavoro lasciato in sospeso e ripreso ancora meglio; il Teatro alla Scala è pronto ad accogliere con il sorriso l’allestimento dello spettacolo.

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Nonostante le restrizioni, il Teatro alla Scala celebra il 7 dicembre con una serata di musica e danza ripresa da Rai Cultura. L’evento, denominato “A riveder le stelle”, sostituirà la storica Prima della Scala che apre ogni anno la stagione di opera e balletto.

Uno spettacolo “mai visto prima”

La decisione di far coincidere l’inaugurazione della stagione artistica e il giorno di Sant’Ambrogio risale al 1951. Quel primo 7 dicembre Victor de Sabata diresse per esprimere il legame tra la città e il suo teatro, ricostruito dopo i bombardamenti del ‘43. Il significato dell’appuntamento operistico non è cambiato da allora. Anche nel 2020, in una Milano colpita ma decisa a non fermarsi, il Piermarini celebrerà il suo Santo Patrono con una serata straordinaria. Per merito della direzione di Riccardo Chailly e la regia di Davide Livermore, assisteremo a un qualcosa di “mai visto prima”. Dopotutto, in tempi eccezionali, nulla può essere normale, neppure la Prima delle Prime. “Sognavamo di fare il 7 dicembre ma il nostro sogno quest’anno non può diventare realtà. Quindi facciamo di necessità virtù e offriamo qualcosa di mai fatto. Vogliamo mandare un messaggio di speranza”, spiega il sovrintendente del teatro Dominique Meyer.

A riveder le stelle: la musica d’opera raccontata in tv

Quest’anno la Scala e la Rai porteranno in tutte le case il valore dell’arte, ribandendo la sua centralità nella vita culturale e civile italiana. Questa sarà la serata dei cantanti, del corpo di ballo, dell’orchestra e del coro. Ma anche di tutti quei lavoratori che, di fronte alla seconda ondata di Coronavirus, hanno dovuto sospendere le loro attività. Sarà una serata di speranza e determinazione in cui, per la prima volta, ad andare in scena non sarà un’opera, bensì un progetto speciale. Non un concerto, ma un cammino tematico che abbraccerà un secolo di musica, partendo dal Guglielmo Tell di Rossini e arrivando alla Turandot di Puccini. Le arie e i balletti saranno collegati e contestualizzati da testi recitati da attori di prosa. Parole originali o conosciute, a significare quella continuità tra le arti indicata dal titolo che riprende il dantesco “e quindi uscimmo a riveder le stelle”.

Una lista di 24 cantanti e 16 titoli

Il viaggio narrativo, lungo 16 titoli, si concentra sul repertorio operistico italiano, ma include anche pagine di grandi compositori europei. Passando da estratti di opere di Verdi, Rossini, Giordano, Puccini e Donizetti, si arriverà a toccare brani di Wagner, Bizet e Massenet. In programma anche la musica leggera. Emblematica, in questo senso, la scelta di “Fragile” di Sting. Si alterneranno sul palco 24 tra le più grandi voci liriche del nostro tempo, a cominciare da Lisette Oropesa e Juan Diego Flórez. I due avrebbero dovuto essere i protagonisti della Lucia di Lammermoor, il capolavoro donizettiano che era stato inizialmente selezionato per la Prima della Scala 2020. A seguire Placido Domingo, che nel 2019 ha festeggiato il 50° del suo debutto al Piermarini. Tra gli altri anche Francesco Meli, il Cavaradossi della Tosca di Livermore, e Vittorio Grigolo, il tenore applaudito lo scorso gennaio con Romeo et Juliet.

La danza: Roberto Bolle e i ballerini scaligeri

La parte dedicata alla danza sarà diretta dal maestro Michele Gamba, con le coreografie di Manuel Legris, Rudolf Nureyev e Massimiliano Volpini. Ci saranno tre intermezzi di balletto, ispirati alle partiture di Pëtr Il’ič Čajkovskij, Davide Dileo, Erik Satie e Giuseppe Verdi. Immancabile l’étoile Roberto Bolle, che porterà a teatro un pezzo contemporaneo. Sul palco anche i primi ballerini Timofej Andrijashenko, Martina Arduino, Claudio Coviello, Nicoletta Manni, Virna Toppi, oltre ai solisti Marco Agostino e Nicola Del Freo.

La scenografia e i costumi

La scena curata dal regista insieme a Giò Forma, con le scenografie digitali di D-Wok, vedrà protagonista il teatro con l’orchestra al centro della platea. Gli artisti non saranno collocati solo in palcoscenico, ma collegati dai palchi e in diversi spazi dell’edificio. L’impianto scenico così creato verrà inserito all’interno di un ambiente in 3d, con elementi rilevabili unicamente dalla ripresa televisiva. Grazie a un accordo con la Camera Nazionale Moda Italiana, i costumi porteranno la firma di alcuni dei più prestigiosi stilisti italiani. La vestizione avverrà comunque con il coordinamento del costumista Gianluca Falaschi.

Questo 7 dicembre il Teatro alla Scala non resta in silenzio. La grande musica deve andare avanti. Ed è grazie alla collaborazione con Rai Cultura che “quest’anno saremo tutti in prima fila”. L’appuntamento con “A riveder le stelle” è fissato per le ore 17, quando l’evento sarà trasmesso su Rai 1, Radio 3 e Rai Play.

di Asya Manzoni

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I palchetti del Teatro alla Scala, come mai prima d’ora in un sito dedicato

Il Teatro alla Scala ed il museo rendono accessibile la mostra sulla storia dei palchetti, permettendo agli appassionati di continuare il viaggio nella cultura meneghina. Il sito storiadeipalchi.teatroallascala.org rende pubbliche le ricerche sulla proprietà dei palchi scaligeri dal 1778 al 1920, sotto il coordinamento di Franco Pulcini. Una ricostruzione minuziosa, disponibile fino all’inizio dell’espropriazione dei palchi in seguito alla costituzione dell’ente autonomo, svolta dai ragazzi del conservatorio sotto supervisione scientifica degli esperti.

La mappa digitale riproduce il Teatro grazie ai disegni di Gianluca Biscalchin; tutti i 155 palchi sono numerati e cliccabili, ed è altresì possibile applicare filtri per evidenziare status sociale e genere dei palchettisti proprietari. Gli approfondimenti svelano inoltre cenni storici molto curiosi che variano dall’arredamento interno dei palchi al gioco d’azzardo, fino alla componente femminile. Viene persino evidenziato come molti ospiti della vita culturale milanese, da Manzoni alla contessa Maffei, frequentassero assiduamente i palchi senza in realtà possederne uno.

Il pubblico fa parte dello spettacolo

Gli spettatori in un teatro reattivo come la Scala determinano il successo o meno della messa in scena. Ma lo spettacolo non è solo sul palco principale, bensì lo è anche sui palchetti, dove la buona società faceva mostra di sé. L’etimologia della parola non nasconde nulla, tanto che i palchetti più ambiti all’epoca erano quelli più vicini al boccascena: così si era più in vista e ci si sentiva parte dello spettacolo.

Dai palchetti ci si può mostrare, ma anche nascondersi e spiare senza essere visti. Non tutti i posti nel palchetto garantiscono una buona visibilità, ma lo spettacolo era solo uno degli elementi che attiravano il pubblico nell’Ottocento. All’opera si andava per la musica, per incontrare amici, ma anche per affari o per intrighi amorosi. La lumiera centrale veniva fatta disporre infatti per controllare le frequentazioni pericolose. Due palchi destavano principalmente sospetti: il n°14, II ord. sin., e  il n°5, I ord. des., rispettivamente di proprietà di Lambertenghi e Confalonieri.

Per maggiori informazioni, approfondimenti o curiosità, vi consigliamo di visitare il sito.

di Giovanna Somma

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