La storia segue Dalia (Ydalie Turk), una giovane ragazza senza prospettive, costretta a trasferirsi nelle Langhe per prendersi cura del nonno Igor (Umberto Orsini), affetto da demenza senile. Con la loro casa minacciata dallo sfratto, Igor svela a Dalia i segreti della ricerca dei tartufi, sperando di trovare un raro tartufo bianco per salvare la loro dimora.

Il regista, Gabriele Fabbro, ha raccontato di aver tratto ispirazione dal rapporto con il proprio nonno, dedicando grande attenzione ai dettagli visivi e sonori per catturare l’essenza del paesaggio delle Langhe. Le scenografie evocano un’atmosfera nostalgica e poetica, che riflette lo spirito dei cacciatori di tartufi, mentre la colonna sonora, eseguita dall’Orchestra Sinfonica Bartolomeo Bruni, aggiunge profondità emotiva al film.

Nel cast spicca anche il grande Umberto Orsini, il cui ritorno sul grande schermo è segnato da una performance intensa, che restituisce la complessità di un personaggio anziano e dimenticato, ma ancora legato al suo passato.

“Trifole – Le radici dimenticate” non è solo una celebrazione della terra e delle tradizioni, ma anche un inno alla memoria, ai legami familiari e al sacrificio. Con il supporto della Film Commission Torino Piemonte e delle Istituzioni locali, il film si propone come un manifesto culturale delle Langhe e dell’Italia.

Un appuntamento imperdibile per chi ama le storie di famiglia, di lotta e di riscoperta delle radici.

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“Il destino mescola le carte e noi giochiamo” diceva Schopenhauer. In “Tutto può accadere a Broadway” sembra essere proprio così. L’elegante ma sempre ironico regista del pluripremiato “L’ultimo spettacolo” (1971), Peter Bogdanovich, è riuscito a creare un film in cui la coincidenza e l’intreccio sono la chiave per un’irresistibile comicità. Grazie all’aiuto dei produttori Wes Anderson e Noah Baumbach, egli tornò ad occuparsi di quella sceneggiatura accantonata 15 anni prima e ad effettuare le riprese, in soli 29 giorni, di “She’s funny that way” (titolo originale del film). Si può ammirare un cast brillante, con grandi nomi del cinema come Owen Wilson, star di “Midnight in Paris” (regia di  Woody Allen), Imogen Poots, che debuttò con il personaggio di Valerie in “V per vendetta”, o l’impeccabile Jennifer Aniston. Questi sono gli ingredienti di una trama leggera ma ricca di colpi di scena: un famoso regista di Broadway, Arnold Albertson, dopo aver passato una serata con la escort Isabella, decide di regalarle 30 mila dollari, facendosi promettere di smettere con quel mestiere. La giovane, appagata dalla generosità dell’uomo, decide di dargli retta e di realizzare il proprio sogno, diventare un’attrice. Viene chiamata per recitare la parte di una squillo in uno spettacolo teatrale dello stesso Albertson. Da quel momento le storie dei personaggi si mescoleranno, mostrando il loro spessore e il loro essere, con un susseguirsi di scene veloci e incalzanti. La protagonista si “auto-commenta”, analizza i propri stati d’animo, si caratterizza per la totale trasparenza, che ammalia non solo gli uomini del film, ma anche gli stessi spettatori. Jennifer Aniston, nei panni di una terapeuta sopra le righe, conferma la sua “malleabilità” nella recitazione. Il suo caschetto deciso, accompagnato da completi total-black, sembra essere in completa opposizione con gli attacchi nevrotici e poco professionali della dottoressa. Ma su una cosa non c’è dubbio: è proprio questo gioco di contrasti a generare la comicità del personaggio.

Di Federica Giampaolo 

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Amy – The Girl Behind the Name è il film documentario sulla cantante morta prematuramente Amy Winehouse. Presentato fuori concorso al Festival di Cannes 2015, questo ha riscosso un enorme successo da parte del pubblico e della critica in quanto non è solo un documentario, ma qualcosa di più.

Il regista è Asif Kapadia, noto al grande publico per il film documentario SENNA, uscito nel 2013. Il regista inglese ha voluto  raccontare la vita di  Amy Winehouse, morta il 23 luglio 2011,  attraverso i testi delle sue canzoni e le parole di chi veramente l’ha conosciuta come Yasiin Bey, Mark Ronson ,Tony Bennett e Pete Doherty.

Il film non racconta solo la storia di Amy Winehouse ma ci accompagna dentro la sua vita,i suoi momenti intimi e privati. È una pellicola che rispecchia perfettamente lo spirito voyeuristico dei nostri tempi ed il desiderio morboso di entrare dentro la vita dei nostri idoli.

Il montaggio mostra una serie di filmati inediti e privati, intersecati alle immagini più note della cantante per farci assaporare il suo mondo, distruttivo e tormentato come la sua figura. Questa è la figura di una donna soggiogata dalla fama, dall’amore e dalle dipendenze a tal punto da venirne divorata. Nel film l’artista viene dipinta  dai suoi cari e dalle persone che l’hanno amata in modo sincero e questo regala toni sia toccanti ed allo stesso tempo crudeli.

Amy non viene idealizzata  e neppure raccontata. Amy viene descritta con tutti i suoi difetti e  che non possiamo non amare perché questi , più di tutti  ci rendono umani , mortali e fragili.

Il film uscirà nelle sale italiane  il 15, 16,17 settembre, proprio in occasione del compleanno di Amy Winehouse, nata il 14 settembre.

di Vittoria De Marco

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Uscito nelle sale il 2 Giugno, Fury ci catapulta nell’Aprile 1945 al fianco di Don Collier detto Wardaddy, interpretato magistralmente da Brad Pitt, nel pieno battaglia della Resistenza contro quello che rimane dell’impero Nazista sulla via della disfatta.

Wardaddy viene scelto per guidare un’unità di cinque uomini con una giovane quanto inesperta recluta nel plotone: Norman. Trattasi di una missione suicida a bordo del carro armato ribattezzato Fury, nel cuore della Germania nazista che li vedrà in netta inferiorità numerica in territorio nemico potendo contare solo su loro stessi. Questa missione li porterà ad aver a che fare con i più terribili orrori della guerra e gli effetti psicologici che ne conseguono. Il film è però anche il manifesto del cameratismo creatosi all’interno della squadra, mettendo in luce i rapporti che si creano all’interno di un plotone sul campo di guerra costretto a poter contare solo sulla forza della squadra per poter sopravvivere.

Questo film nasce dalla collaborazione tra David Ayer, Bill Block, Ethan Smith e John Lesher e trascina il plubblico in uno spaccato decisamente realistico del secondo conflitto mondiale, con l’intento di ricreare un’ambiente il più possibile attinente alla storia. L’idea di fondo che permea il film in ogni sua scena è quella di attribuire una nuova accezione alla guerra della liberazione che è sempre stata definita come “giusta”, ed il risultato è una contrapposizione continua del modo in cui viene percepita la guerra tra i due eserciti.

Lo stesso Lesher definisce il personaggio di Norman come personaggio chiave, in quanto rappresenta come la guerra viene vista dal pubblico. Norman è la nuova recluta, chiamata per sostituire il secondo pilota di Fury, e per questo è totalmente inesperto ed impreparato alle conseguenze della guerra, è un credente convinto nonchè un ragazzino che viene strappato dalla sua sedia di dattilografo al quartier generale e catapultato in un carro armato in corsa pronto a sterminare milioni di vite umane. Il pubblico viene spinto ad avere un legame empatico con lui ed incosciamente portato a vedere la guerra con i suoi stessi occhi.

Coinvolgente, realistico, patriottico ed angosciante al punto giusto, Fury si conferma essere una più che valida esperienza alternativa per tentare di dare un senso a tanta disumanità.

di Federica Luzzio

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Cinquanta ore di lavorazione per realizzare ciascun capo. E l’abile mano di Jaqueline Durran. Il risultato? Una nomination agli Oscar 2013. Perché ciò che rende magico e indimenticabile un film storico sono i costumi, creazioni fedelmente ispirate all’epoca e modellate sui corpi degli attori.

Per il suo ultimo lavoro cinematografico,  Anna Karenina , Joe Wright ha richiamato proprio la designer di “Espiazione” (sempre di Wright, e con Keira Knightley sempre protagonista), che in questo film ha espresso tutto il suo incredibile talento. In mostra, oltre che sul grande schermo, anche a Londra. Una selezione dei migliori costumi indossati da Keira Knightley in “Anna Karenina” si trova infatti alla Ham House (dove tra l’altro sono state girate alcune scene): le creazioni della Durran resteranno qui esposte fino al 4 aprile.

Intanto in Italia finalmente sta per arrivare (21 febbraio) nelle sale l’attesissima pellicola. Una storia di tradimenti, passioni. Un amore epico che sconvolse una nazione al crepuscolo di un impero. Abbiamo già accennato alla trama nel numero di settembre di Gilt.

Da allora la fatica cinematografica di Wright ha ottenuto numerosi successi nel mondo: lo scorso 2 febbraio sono stati assegnati i premi della 17esima edizione degli Art Directors Guild Awards e Sarah Greenwood, per “Anna Karenina”, candidato all’Oscar, ha ottenuto il premio Best Art Direction for a Period Film. Candidata all’Oscar come miglior colonna sonora anche la musica di Dario Marianelli che accompagna i protagonisti per l’intero film. Sulla candidatura a Miglior Scenografia alcuni critici ritengono ci sarebbe molto da discutere, data la scelta del regista di proporre l’intera pellicola all’interno di un teatro dalle mille facce col rischio di non rendere giustizia ad un film d’epoca che si presta a scenografie di più ampio respiro; secondo altri critici la scelta atipica di creare un’intera storia all’interno di un teatro sarebbe invece la particolarità, il valore aggiunto di questo film. Discordanza nella critica l’ha suscitata anche l’interpretazione di Keira Knightley , per alcuni troppo giovane e poco esperta per un ruolo così controverso e psicologicamente insidioso, per altri invece bravissima interprete dallo sguardo intenso ed ammaliante che ha saputo donare eleganza e sublime femminilità al suo personaggio come già aveva fatto nel film “Espiazione”.

Adesso non ci resta che prenotare il miglior posto al cinema e un volo per Londra.

(di Martina Ingallinera)

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Un italiano su tre ha paura di volare. Sarà forse la mancanza d’aria provocata dall’ambiente troppo angusto? O magari la scarsa possibilità di movimento dovuta alla vicinanza tra un sedile e l’altro? O magari la paura del vuoto? O la sfiducia nei confronti del pilota?

Per alcuni la più grande paura, e forse anche la più probabile, è quella di precipitare.

Questo è quello che accade in Flight, il film di Robert Zemeckis, dove un pilota di linea, Whip Whitaker (interpretato da Denzel Washington, che grazie a questo ruolo si è aggiudicato la sesta nomination all’Oscar), col vizio dell’alcool e dopo una notte di bagordi consumata con una giovane hostess, si ritrova a tentare un atterraggio di fortuna a causa di un cedimento della struttura che impedisce all’aereo di continuare a volare. Un semplice volo di linea tra Orlando e Atlanta si trasforma dunque nel peggiore incubo di qualunque passeggero, anche quello più temerario. In questo caso il comandante riesce a far fronte alla situazione e a evitare la catastrofe salvando 96 passeggeri e perdendone sei. Whitaker tenta infatti una manovra di emergenza che prova a mantenere in quota l’aereo, rivoltandolo per rallentarlo, rimettendolo in posizione dritta e tentando un atterraggio il più lontano possibile da case e civili. Manovra che non sarebbe riuscita a nessun altro e che non sono stati in grado di riprodurre neanche in laboratorio. Sarebbero morti tutti.

Ma se agli occhi della stampa Whitaker è un eroe, agli occhi della la NTSB (National Transportation Safety Board) non è altro che un alcolista che dovrà rispondere delle sue condizioni durante il volo. La strada sembra però lunga e tortuosa.

La vita del capitano precipiterà insieme a quell’assurdo volo o riuscirà a decollare di nuovo?

Flight è un film che ti fa riflettere, che pone interrogativi interessanti, che non vuole essere spettacolare ma invece il più realistico possibile sulla dipendenza e i suoi effetti non solo sugli alcolizzati, ma anche su chi gli sta intorno.

(di Martina Ingallinera)

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Elena (Anna Foglietta), bella e avvenente trentacinquenne, nasconde gelosamente un segreto: alle sue spalle un passato fatto di forti delusioni amorose e di scelte difficili, che hanno lasciato segni indelebili nella sua anima. Emotivamente distrutta dai suoi trascorsi, si trova ad un punto fermo della sua vita, sola, finché un giorno qualunque incontra le due persone che le cambieranno l’esistenza, smuovendola dal torpore in cui è sprofondata: Adriana (Lorena Cacciatore), diciottenne sessualmente libera e disinibita, ed Ettore (Bruno Wolkowitch), deciso e affascinante cinquantenne, con i quali si troverà a vivere una relazione parallela. Sballottata da un affetto incomprensibile e quasi perverso, dai risvolti sessuali inaspettati (quello di Adriana), a una relazione più stabile e matura (quella con Ettore), Elena sarà portata a vivere una specie di guarigione dal suo malessere interiore, che culminerà con la conquista della consapevolezza che l’amore non ha nulla di perfetto, tanto che sarà lei stessa a confessare: “Io non rinuncio più a niente. L’amore però, quello non me lo invento più. Mi prendo quello che viene, senza più regole…”.

Il film “L’amore è imperfetto“, diretto da Francesca Muci, adattamento dell’omonimo romanzo della regista, ha una struttura che alterna presente e passato, con continui flashback, quasi a sottolineare i progressi che Elena sta facendo come donna, sia sessuali sia sentimentali, in contrapposizione con ciò che invece ha interrotto il suo cammino di crescita interiore. Interessante perché sdogana tematiche spesso tralasciate e difficili da rappresentare sul grande schermo, quali l’amore saffico o il rifiuto della maternità, è un film assolutamente femminile, che racconta il complesso mondo dell’affettività di una donna, indagandone gli aspetti più intimi. Elemento determinante del racconto è l’ eros : la trama non manca di momenti ad alto contenuto erotico, rappresentati con estrema semplicità, senza marcarli troppo. Il messaggio è chiaro: nella sfera sentimentale e sessuale tutto è concesso e nell’avventuroso viaggio alla scoperta di se stessi, non deve esistere pudore, tanto che anche il sesso lesbico diventa del tutto naturale.

La protagonista, in piena crisi esistenziale, rappresenta ognuno di noi, alle prese con le nostre debolezze e le nostre insicurezze; del resto nessuno può fuggire all’amore e alle sue sofferenze e tutti finiamo per accettarne l’eterna imperfezione.

(di Marina De Faveri)

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Sembrerebbe l’ennesima romantic comedy americana, leggera, divertente e senza tante pretese e invece Ruby Sparks , il nuovo film di Jonathan Dayton e Valerie Faris, è molto di più. I due registi, a sei anni di distanza dal fortunato “Little Miss Sunshine”, tornano a dirigere un ormai cresciuto e talentuoso Paul Dano insieme alla fidanzata Zoe Kazan, nipote del celebre Elia, nonché sceneggiatrice di quest’ultima pellicola presentata al Festival del Film Locarno e al Torino Film Festival.

Ruby Sparks è il nome della ragazza, interpretata dalla Kazan, creata dalla fervida immaginazione dello scrittore Calvin Weir-Fields (Paul Dano) dietro suggerimento del suo psicanalista, il Dottor Rosenthal (Elliott Gould), per superare una crisi creativa in piena regola dopo il clamoroso successo del primo romanzo. E così, giorno dopo giorno, la giovane prende forma nella mente e nel cuore del protagonista, nonché sulle pagine finalmente non più bianche, finché una mattina Calvin se la ritrova nella cucina del suo appartamento, intenta a far colazione con una tazza di corn flakes in mano. Come la statua d’avorio scolpita da Pigmalione si trasformò in una fanciulla in carne e ossa grazie al tocco divino di Afrodite (secondo il mito di Pigmalione, appunto, cui la Kazan ha confessato di essersi ispirata), così Ruby, personaggio inventato, diventa una ragazza a tutti gli effetti, ma completamente dipendente dalla volontà del suo autore.

Quale uomo non desidererebbe realizzata tale fantasia? Uno di questi è sicuramente il fratello di Calvin, Harry (Chris Messina), eppure un amore nato con queste premesse non è poi tanto perfetto come si potrebbe pensare… Calvin è infatti combattuto tra smettere di scrivere per lasciare Ruby libera di fare le proprie scelte (ma ciò comporta un inevitabile allontanamento della donna dei suoi sogni) e continuare nel suo racconto governando, così, ogni pensiero e azione della sua “creatura” che senza di lui ovviamente non sa stare e finisce per diventare appiccicosa. La svolta arriverà quando Ruby capirà di non essere davvero reale, ma di vivere la vita che Calvin ha deciso per lei. Con la sua scomparsa, Calvin riuscirà a terminare il romanzo che, come lui stesso dirà, “è la storia vera e impossibile del mio grandissimo amore”, ottenendo nuovamente il consenso del pubblico. Fra i due c’è, però, ancora molto in sospeso e questa volta Calvin incontrerà una Ruby con una propria identità, che non si lascia comandare a bacchetta ma che sarà, nel bene o nel male, semplicemente se stessa e dovrà relazionarsi, come tutti, senza trucchi né inganni, con una compagna che potrebbe contrariarlo e persino insultarlo ma che se lo amerà, sarà solo perché lo vorrà veramente.

L’espediente magico serve,quindi ad approfondire, in modo lieve ed esilarante, argomenti importanti e forse ancora poco esplorati quali la natura purtroppo egoista dell’amore, il controllo, il potere e il senso di superiorità esercitati, in questo caso e come spesso accade, da un uomo all’interno di una coppia.

Da non dimenticare sono poi le interpretazioni di Annette Bening e Antonio Banderas nei rispettivi ruoli della madre di Calvin e del suo convivente, un duo hippie e stravagante quanto basta da conferire il giusto brio a una commedia già pienamente riuscita.

(di Giulia Bellini)

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Cosa succede quando un delinquente di Glasgow con un talento innato per la degustazione di whisky incontra una cleptomane, un alcolizzato svampito e uno che sotto l’effetto di sostanze stupefacenti si diverte a “vandalizzare” i monumenti della città in maniera creativa? Semplice: nasce l’idea geniale di rubare da una pregiatissima botte il whisky più costoso al mondo.

Questa la trama del prossimo film di Ken Loach, “La parte degli angeli”, un po’ dramma, un po’ commedia, sempre in bilico tra crisi esistenziali e british humour. Il regista infatti, già autore di opere ambientate nelle periferie urbane britanniche, si concentra sulle oggettive difficoltà di Robbie, delinquente di periferia col talento per il whisky, nel lasciarsi alle spalle cattive compagnie e conti in sospeso con bande rivali. La catarsi del protagonista arriverà grazie all’aiuto del supervisore ai lavori socialmente utili che, memore di precedenti esperienze, gli darà una chance per cambiar vita.

Cosa aspettarsi da un film del genere? Di sicuro uno humour intelligente che nasce da situazioni reali, credibili e a volte drammatiche, e poi senso di riscatto, speranza e l’idea che solo con la giusta motivazione si può avere la forza necessaria per cambiare il proprio destino. Un film particolare che non deluderà né i fan di Loach né tutti coloro che cercano qualcosa di più dei soliti film buonisti che escono in prossimità del Natale.

La parte degli angeli
di Ken Loach
dal 13 dicembre

(di Ylenia Manfredi )

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Wes Anderson, regista de “I Tenenbaum” e de “Le avventure acquatiche di Steve Zissou”, torna a dicembre con un’opera fresca e delicata sul primo amore e sulla ricerca della felicità.

Suzy e Sam, i protagonisti, sono due dodicenni difficili: lei è sveglia ma non riesce a controllare gli attacchi di rabbia mentre lui, orfano in balia dei servizi sociali, viene isolato dai coetanei. Entrambi sono soli ma fortemente determinati a cambiar vita. Quando si incontrano per la prima volta, lei vestita da corvo e lui da boy-scout, si sentono immediatamente in sintonia, quasi come delle anime affini, e decidono dopo qualche tempo di darsi a una fuga rocambolesca.

Il film, pur trattando di argomenti importanti come l’abbandono di minori e l’incomunicabilità tra adulti e adolescenti, si sviluppa con grazia e leggerezza, toccando addirittura il fiabesco in alcuni punti. Basti pensare che è ambientato quasi completamente in mezzo alla natura selvaggia ed incontaminata di una pacifica isoletta del New England, minacciata da una spaventosa tempesta in arrivo. Ad aggiungere brio, una colonna sonora intrigante e romantica curata da Alexandre Desplat (Carnage, Il discorso del re) che ben si sposa con le atmosfere anni ’60 del film.

Per questa piccola perla cinematografica, scelta come film d’apertura per la 65esima edizione del Festival di Cannes, Wes Anderson ha voluto attori del calibro di Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray e Tilda Swinton, bravissimi ad impersonare figure ricche di dubbi e dilemmi ma capaci di dare una svolta positiva alla vita dei protagonisti.

Moonrise kingdom 
di Wes Anderson
Dal 6 dicembre

(di Ylenia Manfredi )

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