Non più case da sogno, yacht scintillanti o supercar da collezione. Oggi, il vero status symbol tra l’1% più ricco del pianeta ha un volto molto diverso: quello dei figli. Non uno, non due, ma intere tribù. Il Financial Times racconta come, nell’era del calo della natalità globale, avere una famiglia numerosa sia diventato un segno inequivocabile di potere economico e sociale.

Secondo Eliza Filby, autrice di Inheritocracy: It’s Time to Talk About the Bank of Mum and Dad, il lusso estremo non si misura più in metri quadri o in borse iconiche, ma nella possibilità di crescere più figli senza scendere a compromessi sul proprio stile di vita. «Anche avere un solo figlio, in condizioni dignitose, è un calcolo economico importante», spiega. Per chi appartiene alla classe media, due figli sono già un traguardo. Tre o più? Appannaggio dei super-ricchi.

Gli esempi non mancano: Alec Baldwin e la moglie Hilaria con i loro sette figli, Elon Musk che ne ha fatti una dichiarazione di fiducia nel futuro, fino ai miliardari americani che, secondo Forbes, spesso arrivano a sette o più eredi. Persino l’Upper East Side di Manhattan ha trasformato la famiglia numerosa in un segno di appartenenza all’élite: «Cinque non è più follia o religiosità», scrive Wednesday Martin, «ma semplice ricchezza».

La moda, come sempre, intercetta i trend prima degli altri. Brand e maison di lusso guardano già a questo segmento esclusivo: famiglie numerose che possono permettersi di mantenere un tenore di vita altissimo anche con più bambini. Ovviamente con il supporto di staff dedicati: Kim Kardashian, ad esempio, avrebbe dieci tate a rotazione per i suoi quattro figli.

E mentre la natalità crolla in Corea del Sud (meno di un figlio per donna), in Italia (1,18) o in Giappone (1,2), il vero lusso diventa creare una nuova dinastia. Un privilegio che non appartiene a chiunque, ma che oggi ridefinisce i confini stessi dell’opulenza.

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Cantante, attore di rivista, di prosa e di cinema, regista e padre. Tutto questa era Vittorio De Sica, il nostro primo divo moderno, comparabile alle stelle del firmamento cinematografico internazionale. Tutto questo è illustrato all’Ara Pacis di Roma fino al 28 aprile in una mostra che approfondisce e presenta le mille sfaccettature dell’uomo Vittorio De Sica. Un’esposizione fortemente voluta dai tre figli, Emi, Christian e Manuel.

Un percorso multimediale che apre il baule di un archivio prezioso e fino ad oggi mai svelato, come quello personale di Giuditta Rissone e Emi De Sica, un fiume di ricordi dal quale, come una continua sorpresa, esce senza sosta quella moltitudine di personaggi con il volto di Vittorio De Sica, in un gioco a cavallo tra realtà e finzione.

A raccontarlo, anzi a raccontarsi, è lo stesso De Sica, in una sorta di monumentale autobiografia espositiva dagli esordi da bambino nelle recite parrocchiali fino agli ultimi lavori e ospitate tv. Costruita attraverso circa 400 scatti tra foto di scena e album di famiglia che lo ritraggono al fianco dei tre figli Manuel, Christian ed Emi e delle due mogli Giuditta Rissone e Maria Mercader.

Il suo classico cappotto pied-de-poule appeso a una stampella, la registrazione di “Parlami d’Amore Mariù” che si alza da un vecchio giradischi, la più famosa bicicletta del cinema, un centinaio di documenti e lettere, articoli, manifesti, grafiche, costumi originali, appunti, oggetti e premi…fino ad arrivare all’Oscar per Ladri di Biciclette, senza trascurare una colonna sonora di cento brani incisi da De Sica stesso.

Una sezione è dedicata al sodalizio artistico tra i più felici della storia del cinema: quello con Cesare Zavattini, conosciuto nel 1939, dalla cui penna sono nati Sciuscià, Ladri di biciclette, Miracolo a Milano. La numerosa raccolta di lettere intercorse negli anni mostra il rapporta di stima, di amicizia e di scambio emotivo, intellettuale e creativo dei due. “Eravamo diversi per geografia, carattere, formazione culturale, atteggiamento verso la vita e la società, eppure ci siamo intesi”, scrisse lo sceneggiatore il giorno della morte del “suo” regista.

Tutti elementi che svelano come De Sica non sia stato un attore e regista monodimensionale ma, come egli stesso amava dire, «Io sono nato e rinato alla vita artistica almeno cinque volte».

(di Priscilla Nappi)

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“Non c’è niente di più comico dell’infelicità”, diceva Samuel Beckett e proprio in questa frase è racchiusa l’essenza di “Occidente solitario”, la commedia noir in scena al Tieffe Teatro Menotti fino al 10 febbraio con la regia di Juan Diego Puerta Lopez.

L’autore è Martin McDonagh, pluripremiato commediografo inglese di origine irlandese e regista del film “In Bruges – La coscienza dell’assassino”, che propone un testo forte, dal linguaggio crudo, spesso volgare che potrebbe urtare la sensibilità di qualcuno e per questo rischioso, ma perlomeno non lascia indifferenti e riesce persino a divertire grazie al tono grottesco che trapela in ogni battuta.

A Claudio Santamaria e Filippo Nigro spetta l’arduo compito, perfettamente riuscito, di rendere in qualche modo simpatici due personaggi per nulla accattivanti, che il pubblico non può amare in nessun momento, ma che non abbandona fino alla fine e che può anche comprendere nonostante la loro brutalità. A tal proposito, azzeccata è l’associazione di Santamaria: “Faccio sempre questo paragone: mi ricorda un po’ la vecchia commedia all’italiana che aveva la capacità di farti sorridere di cose veramente terribili come ne “I Mostri” con Vittorio Gassman o, penso a “Parenti serpenti” di Monicelli”.

L’intera vicenda ruota intorno a due fratelli: Coleman e Valene, due disadattati, due eterni bambini che nonostante giochino a massacrarsi, a vendicarsi e a ricattarsi, regredendo di scena in scena, non possono fare a meno l’uno dell’altro perché paradossalmente l’unico modo che conoscono di volersi bene, di dimostrare affetto, è proprio odiarsi. Del resto sono cresciuti con un padre ubriacone e rozzo e violenta è la realtà in cui vivono, un paesino della provincia irlandese dove omicidi e suicidi sono all’ordine del giorno, dove si respira quotidianamente rabbia, risentimento, cinismo, dove i buoni sentimenti sono tenuti ben nascosti o addirittura totalmente assenti.

L’ambientazione principale è il salotto di casa dei protagonisti e ciò che salta subito all’occhio è la quantità di statuine religiose disseminate un po’ ovunque, oltre a una grande “V” segnata di rosso su ogni mobile e parete. Già da queste stranezze si evince la personalità problematica, disturbata e maniacale di Valene che colleziona oggetti sacri e con la propria iniziale vuole sottolineare al fratello le sue proprietà, il quale lo stuzzica di continuo mangiando le sue patatine o peggio rovesciandogliele in testa, cuocendo nel forno le sue statuine e altri dispetti di vario genere. Immancabile è la bottiglia di whisky bevuto come se fosse acqua, non solo dai fratelli, ma anche da Padre Welsh (interpretato da Massimo De Santis), un prete dalla fede vacillante che vorrebbe essere d’aiuto ai suoi parrocchiani e soprattutto ai due uomini affinché pongano fine alle loro stupide liti, ma che perderà miseramente la sua battaglia e travolto dal fallimento si toglierà la vita. A nulla servirà il conforto della giovane Mary, chiamata da tutti “ragazzina” (Azzurra Antonacci, che sostituisce in questa seconda stagione Nicole Murgia) che spaccia a domicilio alcool di contrabbando, innamorata di Padre Welsh e molto più saggia, a dispetto dell’età, di quanto potrebbe sembrare. Particolarmente intenso è l’ultimo faccia a faccia tra i due sul molo, appena prima dell’insano gesto del prete che congeda la ragazza con un tenero bacio sulla fronte consegnandole una lettera destinata ai due fratelli nella quale li prega di salvare la sua anima, condannata a bruciare fra le fiamme dell’inferno, perdonando a vicenda i torti subiti e imparando ad andare d’accordo. Così, in un primo tempo, cercheranno di fare i due in virtù di quel foglio di carta che Valene appende sotto il crocefisso che, simbolicamente, viene illuminato per ricordare le parole dell’amico scomparso, ma tutto si trasforma in una sorta di gara a chi rivela lo sgarbo maggiore, le scuse, quindi, non saranno mai realmente sincere e, andare a bere al pub è l’unica soluzione per interrompere l’ennesima lotta…almeno per qualche istante!

L’autore si limita a rappresentare la vita di queste persone senza esprimere alcun giudizio morale. Aspra è, invece, la critica verso un certo bigottismo cattolico; si accenna infatti al problema della pedofilia dei preti irlandesi e al fatto che si può uccidere anche venti persone, ma se poi ci si pente si può aspirare comunque al Regno dei Cieli, mentre se ci si suicida si precipita inesorabilmente all’inferno come spiegherà Padre Welsh.

“Occidente solitario” una pièce che, nonostante tutto, rimane nel cuore e che i due protagonisti sono ben contenti di interpretare: “È un testo che ho adorato dalla prima lettura – racconta Filippo Nigro – ero convinto che fosse un bel testo e lo sono ancora”.

Tieffe Teatro Menotti
Via Ciro Menotti, 11, Milano

dal 29 gennaio al 10 febbraio
martedì, giovedì, venerdì e sabato alle ore 21:00
mercoledì alle ore 19.30
domenica alle ore 17:00
I biglietti sono acquistabili direttamente alla biglietteria del teatro e online.

(di Giulia Bellini)

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Maria (Naomi Watts) ed Enrique Belon (Evan McGregor) iniziano le vacanze invernali e partono per la Thailandia insieme ai loro tre figli: Lucas, Simon e Thomas.

Trascorrono allegramente insieme il giorno di Natale uniti e spensierati, ma la mattina del 26 dicembre, mentre sono immersi nella calda meraviglia di quel paradiso terrestre, vengono travolti da un gigantesco muro d’acqua che sommerge tutto. Maria ed Enrique si trovano separati: lei rimane con il figlio più grande, mentre lui riesce a trovare i due figli più piccoli, dopo la paura per aver creduto di averli persi per sempre. Da quel momento non si daranno pace nel continuo tentativo di ritrovarsi per riunirsi.

Ogni membro di questa famiglia esprime una straordinaria forza d’animo, lottando contro un destino crudele. Questo dimostra quanto può essere forte la natura sulle nostre vite, senza lasciarci nessuna possibilità di controllo, ma anche come solo la voglia di vivere senza arrendersi mai diventi l’unica possibilità di salvezza.

Si tratta di una storia vera, ispirata alla tragica esperienza della famiglia Belon che nel 2004, durante le vacanze, è stata sconvolta da un terribile tsunami, colpevole della morte di 200 mila persone. La potenza di questo film sta nel realismo delle scene, che trasmettono pienamente lo stato di angoscia, di caos e perdizione di queste persone al punto da lasciare col fiato sospeso lo spettatore per tutta la visione.

Bayona ha voluto ricostruire tutto nei minimi dettagli. Per esserle il più possibile vicino alla verità, registrato le scene in un albergo di Phuket che realmente venne sommerso dall’acqua. Acqua anch’essa reale, cosa insolita anche nei film ad alto budget, perché troppo pericolosa.

Naomi Watts per preparare al meglio il suo personaggio ha incontrato la vera Maria; attraverso i suoi racconti, le sue emozioni riaffiorate, il terrore che ancora si legge nei suoi occhi, l’attrice ha cercato di cogliere ogni suo sentimento legato a questa vicenda che ha segnato per sempre la sua vita. L’essere madre di due bambini, inoltre, l’ha aiutata a interpretare al meglio la sofferenza provata nel momento in cui credeva di aver perso due dei suoi tre figli e il marito. Ha portato sul grande schermo un’interpretazione forte e sincera, tanto da farle guadagnare una nomination agli Oscar di quest’anno.

(di Hilary Tiscione)

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Il protagonista del nuovo film di Muccino, Quello che so sull’amore, più che svelarsi secondo le caratteristiche che ha, si può facilmente descrivere in negativo, ovvero secondo ciò che non è.

George Dryer (interpretato dall’affascinante Gerard Butler) non è un buon padre, non è un buon marito, non è un uomo di successo perché la sua carriera di calciatore si è interrotta per un grave infortunio, ma soprattutto non è la persona che vorrebbe essere. Se ne accorge tardi forse, ma quando se ne rende conto fa di tutto, lottando contro l’ombra di ciò che è stato, per riconquistare i suoi affetti: suo figlio Lewis e l’ex moglie (la splendida, anche se relegata a un ruolo non di spessore, Jessica Biel), unica vera donna che abbia mai amato nonostante la fama, non troppo lontana dalla realtà, di inguaribile donnaiolo. L’unico modo per riappropriarsi di ciò che ha perso è ritornare ad apprezzare le cose semplici che aveva dimenticato e così George da calciatore di successo diventa l’allenatore della squadra di calcio del figlio, squadra che neanche a dirlo non ha mai vinto un partita prima del suo arrivo e da uomo agiato abituato al lusso si ritrova a non riuscire a pagare l’affitto di una misera dependance.

L’unico aspetto che sembra non variare nonostante il cambio di vita è l’effetto che George ha sulle donne: nel suo lungo e tortuoso cammino di purificazione da se stesso dovrà tentare di resistere alle tentazioni delle sfacciate madri dei suoi allievi, interpretate dalle superbe Catherine Zeta Jones e Uma Thurman.

Riuscirà il nostro eroe nella sua impresa? Certo è che se da una parte molto spesso sbagli e sia sempre in bilico tra ciò che era e ciò che vorrebbe essere, George ha a suo favore l’amore incondizionato del figlio e dell’ex moglie, coloro che, nonostante abbiano subito le sue pazzie e il suo lavoro, sentimentalmente più maturi di lui, con pazienza e senza troppe spiegazioni, gli faranno capire cos’è l’amore, semplicemente dimostrandolo.

All’interno di una trama che lascia a desiderare, così semplice che dopo i primi due minuti non si fatica a capire quale sarà il finale, Muccino insiste più sui sentimenti che sui colpi di scena: l’amore, la fiducia (anche quella persa), il sentimento paterno, la responsabilità e la consapevolezza sono gli ingredienti di una ricetta facile, dal risultato quasi scontato e prevedibile, che vede diventare l’ex vincitore un perdente e poi ancora un vincitore, ma questa volta nella partita della vita.

(di Marina De Faveri)

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Il film “Il Figlio dell’altra” è stato presentato al Torino Film Festival e uscirà nelle sale il 31 gennaio 2013. Interpretato da ottimi attori tra i quali spicca la dolcezza di Emmanuelle Devos (la mamma israeliana), tratta di uno scambio che cambierà le vite di due famiglie e non solo.

Due ragazzi, Joseph (Jules Sitruk), ebreo, e Yacine (Mehdi Dehbi), arabo, scambiati per errore e dati a madri diverse, dopo aver scoperto la verità cercheranno di avvicinarsi e abbattere le barriere del Muro che separa Tel Aviv dai territori arabi della Cisgiordania.
La rivelazione porta sconforto tra le famiglie che coltivano entrambe dissensi di tipo razzista, ma il coraggio delle rispettive madri e il desiderio di capirsi dei due ragazzi si riveleranno più forti dei pregiudizi razzisti che covano il padre di Joseph e il fratello maggiore di Yacine.

Un film commovente, ma mai indulgente o buonista, che rivela l’insensata assurdità biologica del razzismo e la volontà di pace comune ad entrambi i popoli. Facendo leva sul dramma della gente comune, la regista francese Lorraine Lévy, di origini ebraiche, affronta un tema delicatissimo e attuale come quello dell’eterna guerra tra israeliani e palestinesi.

La soluzione non si trova nella “Storia” fatta solo di litigi tra potenti, ma sta nelle “Storie” delle persone comuni che hanno nel cuore la capacità di riuscire a trovare una via di fuga a questo assurdo odio. La Lévy, inoltre, delega il ruolo di pacificatrici alle donne le quali, a differenza dei padri che si oppongono ad accettare la verità, possono spingere gli uomini a essere migliori e a tendere la mano verso l’altro.

(di Martina Ingallinera)

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“Una lettura emotivamente agitata ”, così viene definito da Patrick Rossi Gastaldi “Nel nome del padre”, il reading-spettacolo di cui è protagonista insieme a Margherita Buy e di cui cura la regia. Il testo di Luigi Lunari, tradotto in diverse lingue e già rappresentato con successo a Londra, Parigi, Tokyo e New York andrà in scena al Teatro Franco Parenti da venerdì 11 gennaio.

Questa “commedia sentimentale”, seppure incentrata sulla vita di due personaggi realmente esistiti, è tuttavia ambientata in una dimensione surreale: Rosemary Kennedy, figlia del vecchio Kennedy e sorella di John Fitzgerald (il presidente assassinato nel ’63) e Aldo Togliatti, figlio di Palmiro, segretario e capo del Partito Comunista Italiano, si incontrano in un luogo immaginario, una specie di limbo, forse un purgatorio, dove a poco a poco si confidano, confrontando le loro drammatiche esperienze e condividendo il peso di ricordi dolorosi da cui cercano di affrancarsi.

Probabilmente in pochi conoscono la vera storia di Rosemary, in quanto a lungo tenuta segreta dai Kennedy: “È devastante quello che lei dice” , commenta la Buy, “perché la storia della sua vita è quella di una ragazza che a un certo punto il padre decide di lobotomizzare, di ridurre a un vegetale per non aver commesso proprio niente, per essere solo un po’ diversa dagli altri ”. All’età di 23 anni, infatti, Rosemary subì la lobotomia per volere del padre che nascose l’intervento al resto della famiglia, stanco dei suoi sbalzi d’umore e della sua condotta sessualmente libera e disinibita che avrebbe potuto rovinare la carriera politica degli altri figli. Venne poi rinchiusa in un istituto fino alla morte avvenuta a 86 anni.

Una sorte altrettanto infelice toccò ad Aldo: nato quando il padre si trovava in carcere, seguì i genitori nell’esilio in Unione Sovietica e, dopo la loro separazione, fu sballottato dalla Russia all’Italia. Tutto ciò, unito al distacco dal padre, interessato esclusivamente alla sua missione di costruire un mondo più giusto, lo fece sprofondare in una depressione che degenerò in schizofrenia rendendo necessario il ricovero in una clinica psichiatrica modenese dove trascorse gli ultimi trent’anni di vita.

“Non credo perdonino, ma dimenticano e si abbandonano alla serenità della notte”, ed è proprio nella morte, come sottolinea Gastaldi, che i due trovano il meritato riposo e possono persino sognare di essere stati semplicemente un uomo e una donna proprio come tutti gli altri.

Kennedy e Togliatti, simbolo del capitalismo l’uno e del comunismo l’altro, due uomini così diversi eppure così simili nell’essere accecati dalle loro disumane ambizioni tanto da distruggere l’esistenza dei loro stessi figli che chiedevano soltanto di essere amati e accettati per quello che erano.

Teatro Franco Parenti
Via Pier Lombardo, 14, Milano
Sala grande
dal 11 al 13 gennaio
venerdì e sabato alle ore 21.30
domenica alle ore 17.30

I biglietti sono acquistabili sul sito di TicketOne e direttamente alla biglietteria del teatro.

(di Giulia Bellini)

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Il Chiostro del Bramante a Roma ospiterà la mostra “Brueghel- Meraviglie dell’arte fiamminga” dedicata alla dinastia di quei pittori fiamminghi, attivi tra il XVI e il XVII secolo. Un complesso di cento opere, tra cui una ventina mai esposte prima al pubblico, curate da Sergio Gaddi e Doran J. Lurie, per illustrare attraverso la storia di una famiglia l’evoluzione dell’arte pittorica fiamminga. Il percorso espositivo parte da opere proveniente da una collezione privata di New York e nella sua completezza l’esposizione si avvale di 70 dipinti e 30 tra disegni e incisioni.
Una mostra che ben si sposa col periodo natalizio per la sua grande abbondanza di paesaggi invernali bianchi di neve, su cui spiccano gli abiti variopinti dei popolani che animano con scene di folklore le opere di Pieter Brueghel il Vecchio, capostipite della dinastia, con cui si apre il percorso espositivo. La sua produzione è particolarmente importante perché si distacca dalla tradizione religiosa dei connazionali, Jan Van Eyck e Rogier Van der Weyden, per abbracciare la visione più umanistica della pittura di genere. Questa influenza, risultato dei suoi numerosi viaggi in Italia, conduce a un’altra ben documentata da questa mostra, ovvero l’influsso del connazionale Hieronymus Bosch: da lui, Brueghel, ha appreso il gusto per le rappresentazioni allegoriche delle sue prime opere. Ne è un esempio “I sette atti di pietà”, parallelo a “I sette peccati capitali” di Bosch.
Tra i suoi figli, Pieter Brueghel il Giovane ha conservato una certa predilezione per le scene di vita popolare e i paesaggi fiamminghi, mentre Jan Brueghel il Vecchio maturò una voce più originale. I suoi paesaggi manierati, dove la natura è l’assoluta protagonista, precorrono il romanticismo inglese di J.M.W. Turner e J. Constable, come in “La tentazione di Sant’Antonio nel bosco”).

La mostra si conclude con le opere degli ultimi membri della famiglia Brueghel, imparentati con Pieter il Vecchio, ma non per discendenza diretta, come Jan Van Kessel e David Teniers il Giovane.
Chiostro del Bramante
Roma
dal 18 dicembre al 2 giugno
 
(di Chiara Lavagetto)

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