Sabato 24 maggio 2025, la cerimonia di chiusura al Grand Théâtre Lumière ha celebrato non solo il film vincitore della prestigiosa Palma d’Oro, ma anche una selezione di opere e artisti che hanno lasciato il segno in questa edizione ricca di emozioni, impegno e glamour.

Una giuria d’eccezione

A guidare la giuria quest’anno è stata l’attrice francese Juliette Binoche, affiancata da un gruppo eterogeneo e internazionale di personalità del cinema e della cultura: Halle Berry, Alba Rohrwacher, Payal Kapadia, Leïla Slimani, Dieudo Hamadi, Hong Sangsoo, Carlos Reygadas e Jeremy Strong. Insieme, hanno avuto il compito di valutare le opere in concorso e assegnare i riconoscimenti più ambiti del festival.

I premi già assegnati: trionfa la diversità

In attesa della Palma d’Oro, alcuni premi hanno già indicato la direzione e il respiro internazionale di questa edizione:

• Un Certain Regard Miglior Film: La misteriosa mirada del flamenco di Diego Céspedes, un’opera prima che ha incantato con la sua visione poetica e originale.
• Miglior Regia (ex aequo): Once Upon a Time in Gaza dei fratelli Arab e Tarzan Nasser, film dal forte impatto sociale e visivo.
• Miglior Attore: Frank Dillane per Urchin di Harris Dickinson.
• Miglior Attrice: Cleo Diàra per O Riso e a Faca di Pedro Pinho.
• Premio Sceneggiatura: Pillion di Harry Lighton, anch’esso un debutto promettente.
• Premio della Giuria: Un poeta di Simón Mesa Soto, racconto lirico di grande intensità.

Palma d’Oro d’Onore: due leggende a Cannes

Standing ovation per due giganti del cinema che hanno ricevuto la Palma d’Oro d’Onore: Robert De Niro e Denzel Washington, premiati per le rispettive carriere straordinarie che hanno influenzato generazioni di spettatori e cineasti.

Nuovi talenti e cinema emergente

Cannes 2025 ha anche puntato i riflettori sui giovani cineasti con i premi della Cinéfondation:

• First Summer di Heo Gayoung ha conquistato il primo premio,
• seguito da 12 Moments Before the Flag-Raising Ceremony di Qu Zhizheng (secondo premio),
• e da un terzo posto ex aequo per Ginger Boy (Separated) di Miki Tanaka e Winter in March di Natalia Mirzoyan.

Attesa per l’annuncio finale

Mentre i riflettori si spengono sul tappeto rosso, resta l’attesa per conoscere chi si aggiudicherà la Palma d’Oro e se, come successo nel 2024 con Anora di Sean Baker, il vincitore di Cannes riuscirà a brillare anche agli Oscar 2026. Una cosa è certa: Cannes 2025 ha confermato ancora una volta la sua centralità nel panorama cinematografico mondiale, tra grandi nomi e nuove scoperte.

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La protagonista è una straordinaria June Squibb, nei panni dell’imprevedibile e carismatica Eleanor Morgenstein, una donna di 94 anni che, dopo una perdita personale dolorosa, sceglie di raccontare la propria storia — o almeno, una sua versione.

Ciò che inizia come una narrazione privata diventa ben presto qualcosa di più grande, quasi incontrollabile, dando vita a un racconto che sfuma tra ricordo, invenzione e desiderio. Eleanor The Great esplora con umorismo e tenerezza il modo in cui le storie che ci vengono raccontate diventano quelle che usiamo per raccontare noi stessi. E lo fa con un tono agrodolce, fatto di nostalgia, colpi di scena e riflessioni sulla vecchiaia, la perdita e la necessità tutta umana di riscrivere il passato.

Johansson dirige con leggerezza e profondità, tratteggiando una protagonista che sfugge ai cliché dell’età avanzata: Eleanor non è una vecchietta tenera o rassegnata, ma una forza della natura capace di mettere in crisi chiunque le stia accanto. La regista costruisce così un racconto che è insieme personale e universale, con una regia pulita e toccante che valorizza ogni sfumatura emotiva.

Con Eleanor The Great, Scarlett Johansson sorprende, emoziona e diverte, dimostrando che anche a 94 anni si può essere protagonisti assoluti della propria storia — anche se quella storia non è mai esattamente come è accaduta.

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È mito, rivoluzione, contraddizione. Un’icona femminile che ha sedotto il pianeta per poi voltargli le spalle, scegliendo il silenzio di La Madrague alla voce stonata della fama.

Bardot non ha solo recitato ruoli: li ha demoliti. Mentre il mondo la guardava con occhi carichi di desiderio, lei cercava spazi di libertà in un tempo che non era pronto per una donna come lei: indipendente, selvaggia, allergica al compromesso.

Musa, simbolo, ribelle

Negli anni ’50 e ’60 Brigitte Bardot non era semplicemente un’attrice: era il simbolo di un nuovo immaginario femminile. Non più solo femme fatale o madre devota, ma una giovane donna che viveva seguendo solo le proprie regole, sfidando le convenzioni sociali, morali e sessuali. Una bellezza naturale, quasi animale, che sconvolgeva perché sfuggiva alla classificazione.

Ma quella stessa libertà che la rese musa ispiratrice di registi e artisti, la rese anche bersaglio di giudizi, scandali, pressioni. Così, nel momento più alto della sua carriera, Bardot lasciò tutto e si ritirò dalla scena pubblica.

Lontano dai riflettori, vicino alla terra

Da decenni Brigitte Bardot vive a Saint-Tropez, nella sua casa sul mare, circondata da animali, protetta dalla fondazione che porta il suo nome e dalla distanza volontaria dal mondo dello spettacolo. Oggi continua a far parlare di sé, non per i film, ma per il suo attivismo radicale nella difesa degli animali e dell’ambiente, temi che aveva abbracciato ben prima che diventassero mainstream.

Un biopic tra luci e ombre

A raccontare questa vita fuori dal comune ci pensa il regista Alain Berliner, con Bardot, un biopic che promette di mostrare tanto la leggenda quanto la donna. Non un’agiografia, ma un ritratto sfaccettato e lucido di chi ha vissuto troppe vite in una sola. Dall’ascesa travolgente alla fuga dai riflettori, dal simbolo sexy degli anni ’60 alla pioniera dell’attivismo animalista.

Oltre il tempo, oltre le etichette

Brigitte Bardot è stata amata, desiderata, idolatrata… ma spesso fraintesa. Oggi, mentre le nuove generazioni riscoprono la sua figura, il suo percorso ci ricorda quanto possa essere rivoluzionario essere semplicemente se stessi, anche quando il mondo non è pronto ad accettarlo.

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Proiettata in versione restaurata 4K, la satira politica di Nanni Moretti incanta il pubblico della Croisette

Il 18 maggio 2025, il Festival di Cannes ha accolto con entusiasmo il ritorno di uno dei capolavori del cinema italiano: “Palombella rossa” di Nanni Moretti, presentato nella sezione Cinéma de la Plage in una versione restaurata in 4K. Un’occasione speciale per riscoprire un film che ha segnato una generazione, capace ancora oggi di interrogare lo spettatore con la sua intelligenza satirica e il suo linguaggio cinematografico anticonvenzionale.

Un film che parla al presente, con la forza del passato

Uscito nel 1989, “Palombella rossa” racconta la storia surreale di Michele Apicella, dirigente del PCI e giocatore di pallanuoto, che perde la memoria dopo un incidente e si ritrova a ricostruire frammenti di sé durante una partita. Una metafora ironica e struggente della sinistra italiana in crisi d’identità, che si snoda tra dialoghi taglienti, citazioni colte e momenti di puro nonsense.

Il film, girato prevalentemente nella piscina delle terme di Acireale, ottenne il Ciak d’oro per la miglior regia nel 1990 e si impose come una delle opere più emblematiche di Moretti, capace di fondere impegno politico, ironia e introspezione in modo inconfondibile.

Un restauro che restituisce luce e intensità

Il restauro in 4K è stato curato dal Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale, con il contributo tecnico del direttore della fotografia Giuseppe Lanci, che ha collaborato alla color correction. L’intervento è stato realizzato presso il laboratorio Augustus Color di Roma, e restituisce al film la sua vibrante estetica originale, esaltando contrasti, colori e dettagli spesso trascurati nelle versioni precedenti.

Una cura filologica che non è solo tecnica, ma anche culturale: Moretti ha seguito personalmente ogni fase del progetto, dimostrando ancora una volta l’attenzione rigorosa verso la propria opera e il desiderio di mantenerla viva e accessibile alle nuove generazioni.

Dalla Croisette alle sale: il ritorno di una voce lucida e ironica

Dopo la proiezione a Cannes, “Palombella rossa” sarà distribuito in sala in Francia a partire da settembre 2025, e successivamente arriverà anche in edizione home video. Una nuova vita per un film che, a più di trent’anni dalla sua uscita, continua a sorprendere per la sua capacità di leggere la realtà con acume politico e sguardo personale.

La serata sulla spiaggia del festival si è trasformata in un momento di cinema collettivo e riflessivo, tra nostalgia e attualità. Moretti, ancora una volta, ci ricorda che il cinema può essere specchio, denuncia e confessione, anche con un pallone in mano e un microfono acceso sul bordo di una piscina.

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Jennifer Lawrence è irriconoscibile, esplosiva, ferita e furiosa in “Die My Love”, il film in concorso al Festival di Cannes 2025 che affronta uno dei tabù più resistenti della società contemporanea: la depressione post-partum. Al suo fianco Robert Pattinson, in un dramma psicologico che deflagra scena dopo scena, firmato dalla regista britannica Lynne Ramsay, già nota per le sue narrazioni cupe e spietate (…e ora parliamo di Kevin, A Beautiful Day).

Un amore malato, una maternità che devasta

Tratto dal romanzo omonimo di Ariana Harwicz, Die My Love racconta l’apparente idillio di una giovane coppia che si trasferisce in campagna per costruire una famiglia, ma finisce per affondare nei propri disastri interiori. Grace (Lawrence) è un’ex aspirante scrittrice, seducente, inquieta, che smette di scrivere e di vivere. Jackson (Pattinson) è un compagno assente, precario e impotente di fronte alla frattura emotiva che si apre nella donna dopo il parto.

Il film segue un lento ma inesorabile crollo. Il bambino diventa un’entità silenziosa e incompresa, quasi un corpo estraneo in una casa sempre più disordinata e claustrofobica. La maternità, anziché redimere, annienta.

Grace: oltre il limite della sopportazione

L’esperienza psicotica di Grace è una spirale disturbante resa viva da una regia invasiva, fatta di rumori assordanti, musica disturbante, lamenti, urla, graffi sulle pareti e porte sfondate. Il dolore mentale si fa fisico, animale. Ogni gesto della protagonista è un grido di aiuto che nessuno è disposto a riconoscere. La sua è una rabbia contro il corpo, contro il ruolo di madre, contro il mondo che pretende che tutto sia “normale”.

Il film non cerca di edulcorare, ma al contrario porta lo spettatore in un territorio scomodo e crudo. L’interpretazione di Lawrence è radicale: si taglia, si colpisce, esplode. Nessuna scena è gratuita, ogni dolore ha un peso. È un’esperienza viscerale, che lascia senza respiro.

Un cinema che osa: la maternità senza filtri

Die My Love non parla solo di una donna. Parla del fallimento collettivo nel riconoscere la sofferenza femminile, nel comprendere che esistono forme di dolore che non possono essere curate con una passeggiata o con l’attesa. Ramsay ci mostra che esistono madri che non ce la fanno, che crollano, che non trovano più la loro voce. E ci chiede di guardarle, senza giudizio.

Questo film è una dichiarazione di guerra ai cliché sulla maternità, e un atto politico. In un panorama spesso anestetizzato da storie rassicuranti, Ramsay firma una pellicola ruvida, incandescente, necessaria.

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Wes Anderson non cambia rotta, eppure riesce sempre a sorprenderci. Con La trama fenicia, presentato in concorso al Festival di Cannes 2025, il regista americano torna a mescolare estetica maniacale e humour surreale per costruire un’opera che è al tempo stesso un puzzle narrativo, un libro pop-up da sfogliare, e un’ode malinconica al caos dell’eredità familiare.

È il suo cinema nel senso più puro: una coreografia visiva piena di simmetrie, costumi iconici e personaggi al limite del grottesco, ma anche un racconto stratificato sul peso della memoria, la ricerca di una seconda possibilità e il tentativo – per quanto folle – di cambiare il mondo.

Utopie, attentati e risate amare: il sogno (pericoloso) di Anatol Zsa-zsa Korda

Nel 1950 immaginato da Anderson, tutto comincia con un disastro aereo. Sopravvive Anatol Zsa-zsa Korda, magnate del settore bellico interpretato da un magnetico Benicio Del Toro. Sulle orme di un improbabile Charles Foster Kane, Korda sogna di costruire “La trama fenicia”: un colossale progetto infrastrutturale tra dighe e ferrovie, che richiama le mitologie commerciali del Mediterraneo antico. Ma dietro la visione utopica si cela un uomo spietato, braccato da governi, terroristi e persino familiari.

In un gesto imprevedibile, Korda nomina erede Liesl, sua figlia cresciuta in convento (una sorprendente Mia Threapleton). Tra rosari di diamanti, benedizioni bizzarre e dinamiche da commedia assurda, la giovane si ritrova a dover ricucire i fili di una genealogia spezzata.

Famiglie allargate, cast corale e l’arte della digressione visiva

Come sempre, Anderson mette in scena una famiglia allargata e impossibile, un carosello di personaggi che appaiono e scompaiono come figurine: Tom Hanks, Bryan Cranston, Scarlet Johansson, Rupert Friend, Benedict Cumberbatch, Michael Cera e Bill Murray (nei panni esilaranti di un “Dio” barbuto) si muovono tra deserto e bunker segreti, cascate di dialoghi e siparietti teatrali.

Diviso in capitoli come un vecchio romanzo d’avventura, il film è una riflessione elegante e ironica sul fallimento e sulla rinascita, sulla possibilità di rimettere insieme i pezzi, anche quando sembra tutto perduto. E anche questa volta, lo stile – palette ipnotiche, scenografie minuziose, costumi firmati dalla leggendaria Milena Canonero – non è solo estetica, ma sostanza narrante.

Wes Anderson non delude: il suo cinema è ancora un rifugio visionario

C’è chi lo accusa di ripetersi. Ma Anderson dimostra che la coerenza può essere rivoluzionaria, se sa rigenerarsi. La trama fenicia non è solo l’ennesimo capitolo del suo universo stilizzato: è una riflessione sulla possibilità di costruire un’eredità diversa, su come la bellezza – anche se fragile, anche se imperfetta – possa ancora salvarci.

E se il mondo traballa, se gli aerei precipitano e le dinastie crollano, c’è ancora spazio per un atterraggio morbido: basta affidarsi al suo cinema, dove ogni cosa ha un posto, anche il disordine.

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Non è il Bono degli stadi, né il simbolo degli U2. A Cannes 2025, Paul David Hewson – in arte Bono – si spoglia del mito per mostrarsi uomo, marito, figlio, superstite. Con il documentario Stories of Surrender, presentato nella sezione Special Screenings e accolto da sette minuti di applausi, il frontman si mette a nudo in un racconto che mescola musica unplugged, memorie personali e ironia dolente.

Dal Beacon Theatre di New York a Napoli: un racconto in bianco e nero

Girato tra il 2023 e il 2024, Stories of Surrender nasce dallo spettacolo dal vivo tenuto da Bono al Beacon Theatre di New York, con una coda emozionante al Teatro San Carlo di Napoli. Diretto da Andrew Dominik (già regista di documentari su Nick Cave), il film è ispirato al memoir Surrender: 40 Songs, One Story e si presenta in bianco e nero, come se volesse eliminare ogni filtro tra l’artista e lo spettatore.

Tra confessione e performance: una resa dei conti in musica

Bono ripercorre la propria vita in modo quasi teatrale, dividendo il racconto in capitoli: dalla crisicardiaca del 2016 al dolore per la morte della madre Iris, dall’amore eterno per la moglie Ali al complicato rapporto col padre Bob, fino all’incontro con Luciano Pavarotti e alla missione umanitaria post-Live Aid. In parallelo, esegue versioni acustiche di brani iconici degli U2 – tra cui Sunday Bloody Sunday e With or Without You – accompagnato da arpa e violoncello.

“Non sono la persona che vorrei essere”

«Quando diventi un personaggio pubblico, rischi di scadere nella caricatura», dichiara Bono nel film. «Scrivere questo racconto è stato un modo per togliere l’armatura». Un’affermazione che riecheggia come un manifesto d’intenti: Stories of Surrender non è solo un documentario, ma un esercizio di umiltà e autocritica, un atto di sincerità disarmante che rivela l’uomo dietro l’icona.

Un grande narratore, prima ancora che un frontman

Oltre ad essere uno showman e attivista globale, Bono si rivela anche un narratore straordinario, capace di tenere il pubblico incollato a ogni parola. La regia di Dominik non sovrasta mai la forza del racconto, lasciando che siano la voce e i ricordi a guidare lo spettatore.

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Una regista istintiva e coraggiosa

Adattamento dell’autobiografia cult di Lidia Yuknavitch, The Chronology of Water è tutto tranne che un’opera convenzionale. Stewart affronta la sua prima regia con una potenza visiva e una sincerità brutale, portando sullo schermo una storia fatta di trauma, desiderio e trasformazione. «Ho messo tutto sullo schermo, non ho altro da aggiungere», ha dichiarato, visibilmente emozionata, sul palco del Palais des Festivals.

Il film, girato tra Lettonia e Malta in appena sei settimane, è prodotto dalla Scott Free Productions di Ridley Scott, a testimonianza dell’ambizione e del valore cinematografico del progetto. Kristen Stewart, che ha scritto la sceneggiatura insieme ad Andy Mingo, ha voluto mantenere il flusso di coscienza e lo stile frammentato dell’opera originale, creando un’esperienza visiva intensa e profondamente personale.

Il corpo come linguaggio: una performance da ricordare

La protagonista Imogen Poots è al centro di questo viaggio emotivo, offrendo una performance fisica e viscerale, tanto che la stessa Stewart ha detto: «Il tuo corpo è questo film». Al suo fianco, un cast eterogeneo e sorprendente che include Thora Birch, Earl Cave, Jim Belushi e Kim Gordon (leggenda dei Sonic Youth), a sottolineare l’anima punk e ribelle del progetto.

Poots, in lacrime, ha definito Stewart “la miglior regista che potessi avere”, evidenziando il legame umano e artistico nato sul set. E in effetti, al di là della tecnica, è proprio l’intimità autentica e la vulnerabilità a rendere questo esordio così potente.

Un sogno lungo vent’anni

Kristen Stewart non è nuova al rischio: da icona pop con Twilight a musa d’autore per registi come Olivier Assayas e Pablo Larraín, ha sempre scelto strade non convenzionali. Ma dietro la macchina da presa realizza un sogno coltivato fin dall’infanzia: «Volevo dirigere da quando avevo nove anni», ha confessato. Il risultato? Un’opera che non chiede il permesso, ma si impone con grazia ruvida e spiazzante sincerità.

Il futuro di una regista nata

Cannes ha accolto The Chronology of Water non solo come un esordio, ma come l’inizio di una nuova voce autoriale nel panorama cinematografico contemporaneo. Una regista è nata, e ha scelto di raccontare il dolore e la bellezza di esistere, senza filtri.

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Un’icona rinasce sulla Croisette

A trentatré anni dalla sua uscita, Hard Boiled torna a far parlare di sé con una nuova versione presentata al Festival di Cannes 2025. Il film, diretto da John Woo, è stato proiettato in una versione restaurata che ha riportato in vita l’azione frenetica e lo stile distintivo che lo hanno reso un cult del cinema d’azione. La proiezione ha suscitato entusiasmo tra i nostalgici e ha introdotto una nuova generazione al mondo del poliziotto Tequila, interpretato da Chow Yun-fat.

Azione coreografata e stile inconfondibile

Hard Boiled è celebre per le sue sequenze d’azione coreografate con maestria, che combinano sparatorie spettacolari con una regia dinamica. La scena dell’ospedale, in particolare, è considerata una delle più iconiche del genere, con un piano sequenza di cinque minuti che ha richiesto un coordinamento impeccabile tra attori e troupe. La scelta di Woo di utilizzare effetti pratici e stunt reali conferisce al film un realismo che ancora oggi impressiona.

Tematiche senza tempo

Oltre all’azione, Hard Boiled esplora temi di lealtà, giustizia e redenzione. Il personaggio di Tequila incarna il dilemma morale del poliziotto che cerca di fare la cosa giusta in un mondo corrotto. La sua relazione con l’infiltrato Alan, interpretato da Tony Leung, aggiunge profondità emotiva alla narrazione, mostrando come la fiducia possa nascere anche nelle circostanze più difficili.

Un’eredità duratura

La proiezione a Cannes ha sottolineato l’influenza duratura di Hard Boiled sul cinema d’azione. Registi contemporanei continuano a citare Woo come fonte d’ispirazione, e il film ha contribuito a definire lo stile “heroic bloodshed” che ha caratterizzato il cinema di Hong Kong degli anni ’80 e ’90. La sua combinazione di estetica visiva e narrazione emotiva rimane un punto di riferimento per gli appassionati del genere.

Un classico che non invecchia mai

Hard Boiled dimostra che un film ben realizzato può resistere alla prova del tempo. La sua presenza a Cannes 2025 non è solo un omaggio al passato, ma anche un promemoria del potere del cinema di raccontare storie avvincenti con stile e cuore. Per chi non l’ha mai visto, è un’occasione imperdibile; per chi lo conosce già, è un ritorno emozionante a un mondo dove l’azione e l’umanità si intrecciano in modo indimenticabile

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Il film, scritto a quattro mani con Louise Peter, segue quattro protagoniste femminili vissute nella stessa fattoria ma in epoche diverse del Novecento, le cui vite si intrecciano in un racconto sospeso nel tempo, dove l’eco del passato riverbera sul presente.

Un affresco femminile tra epoche e identità

La pellicola affronta il tema della ripetitività della condizione femminile, riproposta come un ciclo che si rinnova sotto forme diverse, ma che spesso conserva la stessa struttura di costrizione e invisibilità. Una riflessione di grande attualità che avrebbe potuto essere trattata con più asciuttezza, se non fosse per l’evidente volontà autoriale della regista di dimostrare una piena padronanza tecnica e stilistica.

Un’estetica ipnotica, ma a tratti sovraccarica

Schilinski possiede indubbiamente un talento visivo: il film alterna momenti di crudezza emotiva à la Haneke a inquadrature che ricordano la pittura fiamminga, immerse in una fotografia elegante e ricercata. Il formato 1:1.33, ormai ricorrente nei festival, accentua l’effetto claustrofobico e pittorico. Tuttavia, l’eccesso di virtuosismo tecnico rischia di appesantire la narrazione, rendendola meno accessibile e talvolta manierata, con personaggi che si sovrappongono e relazioni che faticano a definirsi chiaramente.

Il suono, vero protagonista invisibile

Nonostante il titolo, è il sonoro a emergere come uno degli elementi più riusciti del film. Schilinski gioca con il silenzio, le raffiche di vento, i suoni ovattati della natura e i respiri, creando un paesaggio acustico che amplifica le emozioni e i non detti. Qui la regista dimostra una finezza autoriale notevole, riuscendo a trasformare il rumore in linguaggio e l’atmosfera in contenuto.

Un talento in cerca di equilibrio

Mascha Schilinski si conferma una regista visionaria, capace di fondere elementi autobiografici, esperienze performative (è stata anche artista circense, maga e danzatrice del fuoco) e una poetica del reale che sfiora il magico. Ma in Sound of Falling c’è la sensazione che la ricchezza formale sovrasti talvolta l’urgenza narrativa. Una maggiore essenzialità avrebbe forse giovato a un film che, seppur imperfetto, resta uno dei più audaci e affascinanti del concorso.

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