L’impeccabile Serena Rossi, madrina di Venezia 78, è tornata sul palco del Palazzo del Cinema per presentare la cerimonia di premiazione della Mostra Internazionale D’Arte Cinematografica di Venezia. Prima dell’assegnazione dei premi, la Rossi ha ringraziato lo staff della Biennale e ha esortato il pubblico a ritornare nelle sale cinematografiche. “Il cinema riparte da qui, dal Lido di Venezia, finalmente!”. L’attrice ha esordito così “Quest’anno abbiamo messo al centro gli esseri umani e la loro fragilità, storie bellissime ci hanno incantato. Sono stati giorni gioiosi, perché la Mostra è gioiosa”.

Tre premi all’Italia

Come ha sottolineato il Ministro Franceschini, il cinema italiano è in ottima salute. L’Italia si aggiudica tre importanti riconoscimenti: il Gran Premio della Giuria, assegnato al film È stata la mano di Dio di Sorrentino, il Premio Mastroianni a Filippo Scotti e il Premio Speciale assegnato a Michelangelo Frammartino con Il Buco.

La coppa Volpi 

La Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile è andata a Penelope Cruz per Madres Paralelas di Pedro Almodovar. L’attrice era in concorso anche con la pellicola argentina Competencia oficial. «Grazie alla giuria di questo premio – ha detto Cruz in italiano – che mi fa molto felice, un vero onore. Sappiamo quanto è difficile organizzare un festival in questo periodo, siamo qui a celebrare il cinema grazie alla vostra tenacia. Grazie a Pedro, questo premio è tuo al 100%, la tua etica del lavoro è straordinaria, non potrei essere più orgogliosa di far parte del tuo film. Voglio dedicare il premio a mio marito che è qui e alle mie figlie e a due madri parallele, mia mamma e a mia suocera, Pilar Bardem, che ci ha lasciato due mesi fa e ha fatto tanto per le attrici di tutto il mondo. Le sue ultime parole sono state ti voglio bene, poi mi ha detto: Coppa Volpi. Chissà come lo sapeva. Questo premio è per tutte le madri». John Arcilla ritira a distanza la Coppa Volpi maschile per il film filippino On the job: the missing 8 di Erik Matti.

Il Leone d’Oro 

Audrey Diwan commossa ritira il Leone d’Oro di Venezia 78 per la pellicola L’Événement. Ad assegnarlo, la giuria presieduta da Bong Joon Ho e composta da Saverio Costanzo, Virginie Efira, Cynthia Erivo, Sarah Gadon, Alexander Nanau e Chloé Zhao. L’Èvenément tratta la storia di Anamaria Vartolomei, studentessa francese che decide di sfidare la legge per interropere la gravidanza con un aborto clandesitino. Un film in difesa dell’autodeterminazione delle donne contro le convenzioni. «Qual è il destino di una giovane donna che si misura con un aborto clandestino? Spesso possiamo solo cercare di indovinare la risposta», ha detto la regista-sceneggiatrice, giornalista e scrittrice francese.

di Emanuela Bruschi

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C’è una sottile linea di separazione tra il bene e il male, tra vittima e carnefice: il seme della discordia può nascere anche negli ambienti più impensabili, frutto di una società che non considera i problemi dei più giovani. Con il film “La Scuola Cattolica” il regista Stefano Mordini ricostruisce uno dei fatti di cronaca nera più angosciosi nella storia del nostro Paese attraverso gli occhi di una generazione annoiata e dannata, che fa della violenza un’arma per esternare le proprie frustrazioni. 

Il film è tratto dal libro di Edoardo Albinati 

Il titolo della pellicola, presentata a Venezia fuori concorso, è “La scuola cattolica”, come l’omonimo libro di Edoardo Albinati, che vinse il premio Strega nel 2016. C’è un motivo: il racconto sposta l’attenzione dal contesto «fascista», cui certa narrazione ha tradizionalmente attribuito l’orrenda violenza esercitata da Angelo Izzo, Andrea Ghira e Gianni Guido su Donatella Colasanti e Rosaria Lopez, nella purtroppo celebre villa del Circeo, a un altro contesto, che finisce per essere incarnato qui, appunto, nella scuola cattolica San Leone Magno, frequentata anche dallo stesso Albinati.

L’intento del regista

L’intenzione meritevole del film, enunciata dallo stesso regista, è quella di concentrare l’attenzione sulla violenza di genere, al di là dei contesti, presunti politici o sociali che siano. «Volevamo raccontare come l’uomo si permette di esercitare una violenza gratuita per scopi gratuiti sul femminile. Non c’è necessariamente un conflitto politico, c’è senz’altro un conflitto tra uomo e donna. Non c’è necessariamente un conflitto di classe: l’impunità c’è nelle borgate come nella borghesia» ha spiegato il cineasta. L’uscita del film è prevista per il prossimo 7 ottobre e noi di Gilt Magazine vi garantiamo che non ne rimarrete delusi.

di Emanuela Bruschi

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Sir Ridley Scott presenta fuori concorso a Venezia il suo ultimo film The Last Duel, con Ben Affleck, Matt Damon, Adam Driver e Jodie Comer. Nell’ultimo giorno di Festival arriva dunque l’attesissimo film del grande regista britannico capace di muovere il grande pubblico. Alla Mostra sono accorse infatti migliaia di persone per vedere in anteprima mondiale proprio The Last Duel. 

La pellicola è in costume e ispirata al romanzo storico del 2004 dal titolo “La storia vera di un crimine, uno scandalo e una prova per combattimento nella Francia medievale” di Eric Jager. 

La sceneggiatura del film è stata curata da Nicole Holofcener e dalla coppia Ben Affleck e Matt Damon, che tornano alla scrittura dopo quasi venticinque anni dalla sceneggiatura premio Oscar di “Will Hunting – Genio ribelle”.  

La trama 

Ridley Scott divide il film in tre capitoli, ognuno dei quali presenta i fatti dal punto di vista di un personaggio. Il primo blocco racconta la verità secondo il cavaliere Jean de Carrouges, Matt Damon, segue il blocco di Jacques Le Gris, Adam Driver, e infine il blocco che presenta la verità secondo Marguerite de Carrouges, Jodie Comer, moglie di Jean. Siamo nella Francia del 1300 e Marguerite afferma di essere stata stuprata da Jacques Le Gris, amico del marito. I due uomini si sfidano dunque a duello, il duello di Dio all’epoca legittimo dalla legge francese, l’uno per difendere l’onore della moglie, l’altro per difendere il proprio. 

Perché andare a vederlo 

Il film è diretto magistralmente da Scott, le scene di battaglia ricordano quelle del Trono di Spade già di ottima messa in scena; Matt Damon in particolare svolge un lavoro perfetto sul personaggio, e musiche ed effetti sonori trasportano lo spettatore nel mondo medievale, costruito in maniera impeccabile. Purtroppo la debolezza del film sta proprio nella sua divisione in capitoli.

La pellicola dura quasi due ore e mezza e alla verità secondo Marguerite, evidentemente la più importante, viene dedicato solo il blocco finale, il più breve e il più debole. È un film dunque che strizza l’occhio al Movimento Me too e al pubblico femminista, non riuscendo però ad essere incisivo nonostante la potenza della storia. Merita però di essere visto al cinema, sarà nelle sale italiane dal prossimo 14 ottobre. Non vediamo l’ora di sapere se avrà successo e aspettiamo con ansia il prossimo film di Ridley Scott, House of Gucci. 

di Ludovica Ungari

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Damiano e Fabio D’Innocenzo riescono a inquietare gli spettatori con un thriller psicologico unico nel suo genere. La forza del film sta nel riuscire, attraverso momenti di quotidiana realtà, a scavare negli angoli più tenebrosi e remoti del nostro io. Il pericolo è proprio nella casa del protagonista, precisamente nella cantina, che funge in questo caso proprio da luogo dove riporre oscuri segreti.

Come una memoria dal sottosuolo, si spalanca l’abisso. In una pellicola fatta da primissimi piani di volti e sguardi, ci avvolge, ci abbraccia un perturbante crescendo di emozioni selvagge e destituzioni dolorose. I fratelli D’Innocenzo confermano di essere forse gli unici, ad oggi, capaci di trovare modi nuovi e personali di raccontare una storia. Il loro cinema parla una lingua fatta di figure libere, di suoni taglienti, silenzi assordanti, dettagli minuziosi e vastità angoscianti.

America Latina, la trama

Massimo Sisti è un dentista gentile e pacato che nella vita ha conquistato tutto ciò a cui ambiva: una villa immersa nella quiete di Latina e una famiglia che ama e che lo accompagna nello scorrere dei giorni, dei mesi, degli anni. La moglie e le figlie sono la sua unica ragione di vita, la sua felicità, la ricompensa a un’esistenza improntata all’abnegazione e alla correttezza. È in questa primavera imperturbabile e calma che irrompe l’imprevedibile: un giorno come un altro Massimo scende in cantina e l’assurdo si impossessa della sua vita ordinaria.

Le parole dei Fratelli D’Innocenzo 

“Abbiamo scelto di raccontare questa storia perché, semplicemente, era quella che ci metteva più in crisi. In crisi come esseri umani, come narratori, come spettatori. Una storia che sollevava in noi domande alle quali non avevamo (e non abbiamo, nemmeno a film ultimato) risposte che non si contraddicessero l’una con l’altra. Interrogarci su noi stessi è la missione più preziosa che il cinema ci permette, e America Latina prende alla lettera questa possibilità raccontando un uomo costretto a rimettere in discussione la propria identità. Essendo gemelli, anche i nostri due film precedenti raccontavano storie di famiglie, di senso di appartenenza, di sangue, ma non ci eravamo mai addentrati così a fondo nel tema e abbiamo scelto la via per noi più rischiosa: la dolcezza. La dolcezza e tutte le sue estreme conseguenze. America Latina è un film sulla luce e abbiamo scelto il punto di vista privilegiato dell’oscurità per osservarla”.

di Emanuela Bruschi

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Passate le zone rosse e i distanziamenti, Venezia ritorna a brillare e così anche il suo storico Palazzo Grassi. La 78esima Mostra del Cinema di Venezia riporta le star internazionali nel place to be della Laguna. 

Teatro di eventi esclusivi, Palazzina Grassi ha sempre sfoggiato una ricca varietà di ospiti stellari e raffinate feste in occasione della Mostra del Cinema a Venezia. Da Johnny Depp a Natalie Portman, da Angelina Jolie fino ad arrivare alla giovanissima Emma Stone, negli anni le celebrities più famose hanno cenato, ballato e chiacchierato nelle elegantissime sale del luxury boutique hotel sul Canal Grande.

Anche quest’anno, quando la 78esima Mostra del Cinema volge al termine, Palazzina Grassi ha visto risorgere la propria fama dopo il cupo periodo di chiusura imposto dalla pandemia. Una settimana di late cocktails e cene di gala con ospiti internazionali fanno tornare l’hotel al lustro di un tempo. 

Progettato nel 2009 dall’architetto Philippe Starck, l’hotel di lusso è nato inizialmente come un concept innovativo applicato all’arte dell’ospitalità. Sin dall’apertura, i vip di tutto il mondo identificano Palazzina Grassi come la loro seconda casa, per l’atmosfera accogliente ma discreta, il design di lusso delle sue stanze e il personale attento che coccola il cliente tenendolo protetto dal trambusto esterno della città sull’acqua. 

Non solo cinema 

Ma non è solo la Mostra del Cinema a tenere impegnate le sale di Palazzina Grassi. Fulcro della vita artistica della città veneta, l’hotel si presta ad essere il melting pot di design, moda e cinema 365 giorni all’anno. Dal 5 settembre ospita infatti la mostra fotografica “Hypervenezia”, dedicata ai 1600 anni della Serenissima. Un percorso che conta 12.000 scatti in bianco e nero e lascia assaporare allo spettatore i sentieri di Venezia vuoti e affascinanti, quasi come se fosse un mosaico della città. 

Lo scorso 15 luglio, tra i mondani eventi di Palazzina Grassi, la maison francese Yves Saint Laurent ha scelto il luxury hotel come location del party di chiusura della sfilata uomo Primavera/Estate 2022. Lo stilista Rick Owens, i registi Oscar Garcia Blesa e Christian Coppola, insieme a molti altri nomi del firmamento artistico internazionale, hanno partecipato al private party di lusso. 

Eleganza, mondanità e sfarzo, Palazzina Grassi regala un’esperienza da sogno a 360 gradi con la ricercatezza dei suoi interni e l’esclusività dei suoi eventi. 

di Annastella Versace

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Ci sono voluti ben sei anni per concludere e distribuire Freaks Out, secondo film del regista e produttore romano Gabriele Mainetti. La lavorazione è stata molto lunga e travagliata, ci sono volute molte più settimane del previsto per girare l’intero film e un budget più consistente di quello fissato in partenza.

Mainetti ha raccontato in conferenza stampa che dopo Lo chiamavano Jeeg Robot e l’incredibile successo ottenuto, insieme con Nicola Guaglianone, sceneggiatore e amico, si è chiesto “E adesso che famo?”. Racconta che li divertiva l’idea di accostare al freak un elemento fortemente conflittuale, ovvero il Nazismo.

Freaks Out racconta infatti la storia di quattro circensi dai poteri soprannaturali e delle loro avventure picaresche in una Roma scossa dai bombardamenti del 1943. Il film è un vero e proprio kolossal, come non se ne vedono spesso in Italia. 

La trama

Matilde, Cencio, Mario e Fulvio, interpretati rispettivamente da Aurora Giovinazzo, Pietro Castellitto, Giancarlo Martini e Claudio Santamaria, sono quattro freak, come dice il titolo, guidati da Israel, Giorgio Tirabassi, direttore del circo Mezza Piotta di cui sono i protagonisti. Fuori imperversa la guerra e con essa l’occupazione nazista. Quando Isreal sparisce, i quattro decidono di partire alla sua ricerca dando vita a scene da Armata Brancaleone.

Il circo Mezza Piotta non è il solo circo in città, c’è anche il Zircus Berlin gestito dai Nazisti, in particolare da Franz, anch’esso freak, interpretato dall’attore tedesco Franz Rogowski. Franz è alla ossessiva ricerca di altri come lui, mosso dalle visioni generate dall’assunzione di etere cui si dedica ossessivamente dopo gli spettacoli. I destini di Matilde, Cencio, Mario e Fulvio sono dunque legati al destino del giovane freak tedesco. Ci sono i buoni e i cattivi, i ruoli però continuano a invertirsi, poiché la guerra, come si dice nel film, “non ha vincitori, solo sconfitti”.

Perché andare a vederlo

Freaks out significa impazzire, ma sottintende anche il momento in cui i quattro protagonisti si ritrovano fuori dal circo, fuori dal mondo infantile che li protegge. Il titolo, dice il regista, è anche un omaggio a Freaks di Tod Browning, considerato uno dei più grandi film del genere macabro sul mondo circense. I personaggi che Mainetti costruisce sono quasi da commedia all’italiana, ci sono momenti divertenti alternati a momenti drammatici e scene di battaglie. È un film complesso, che ha diviso il pubblico in sala tra gli entusiasti e gli scettici. Sicuramente, come è stato detto durante la conferenza stampa, è un film spartiacque di cui, in ogni caso, abbiamo bisogno oggi nel panorama del cinema italiano. 

di Ludovica Ungari

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Torna a Venezia la coppia Cohn-Duprat 

Mariano Cohn e Gaston Duprat sono decisamente degli habitué del Festival. Prima di “Competencia Oficial” avevano infatti presentato “Il mio capolavoro” nel 2016 e “Il cittadino illustre” nel 2018. I due registi argentini sono tornati alla Mostra del Cinema con un film che ha riscosso da subito un ottimo successo di pubblico e critica.

Competencia Oficial è una commedia irriverente che non ha paura di colpire. Durante la proiezione la sala è stata trascinata per le quasi due ore di film in un susseguirsi di gag e battute politicamente scorrette, da sempre marchio di fabbrica della coppia. 

La trama 

Un miliardario giunto alla fine della sua carriera come presidente di una casa farmaceutica si chiede come fare per essere ricordato benevolmente dai posteri. Le soluzioni sono due: la costruzione di un ponte o la produzione di un film.

Si apre così Competencia Oficial, lasciando poi spazio proprio alla preparazione del film per il quale il miliardario decide di ingaggiare la regista sopra le righe Lola Cuevas, interpretata da Penelope Cruz, e i due attori Felix e Ivan, interpretati rispettivamente da Antonio Banderas e Oscar Martinez.

Felix e Ivan sono due attori molto diversi tra loro, il primo è una star hollywoodiana pluripremiata, l’altro è l’attore impegnato sempre in cerca del personaggio complesso. Il conflitto tra i due è inevitabile. I registi Cohn e Duprat, anche autori della sceneggiatura, hanno l’idea geniale di far fare ai due attori proprio un film che racconti la storia di due fratelli in crisi. 

Perché andare a vederlo 

Cohn e Duprat riescono perfettamente nell’intento di attaccare la classe privilegiata di coloro che lavorano nel mondo del cinema senza risparmiare nessuno. I personaggi caricaturali e sicuramente ridotti a stereotipo sono ideali per mostrare le criticità di un ambiente che troppo spesso si rivolge a se stesso senza riuscire a parlare al pubblico. Competencia Oficial è un film autoreferenziale, che parla agli addetti ai lavori criticandoli e al pubblico scusandosi della condotta dei colleghi. È sicuramente un film da non perdere, uno dei più interessanti visti fino ad ora in questa edizione del Festival. 

di Ludovica Ungari

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Il regista messicano Michel Franco torna a Venezia dopo il successo ottenuto con “Nuevo Orden” lo scorso anno, con il quale ha vinto il Leone d’Argento – Gran premio della giuria. In questa edizione presenta “Sundown”, con Tim Roth e Charlotte Gainsbourg; un film interessante, drammatico, con una vena thriller. Anche questa pellicola è in concorso nella sezione ufficiale in corsa per il Leone d’Oro, ma sembra meno favorita per la vittoria. La programmazione di Sundown è prevista anche al Toronto Film Festival, che si terrà dal 10 al 18 settembre. 

La trama 

Siamo ad Acapulco, in Messico, in un lussuoso resort. Neil Bennet, Tim Roth, è in vacanza con la sorella Alice, interpretata da Charlotte Gainsbourg, e i figli della sorella. Il film si apre come dramma familiare quando Alice riceve una telefonata da Londra che la avvisa della morte improvvisa della madre. La famiglia riparte di tutta fretta, tranne Neil che, fingendo di aver perso il passaporto, decide di restare in città. La vita dell’uomo trascorre così serena tra spiaggia, incontri e bevute. Tutto cambia però dopo un altro tragico evento. 

Perché andare a vederlo 

Il film scorre in modo lineare e nonostante i momenti di tensione, la storia non riesce mai a raggiungere un apice. Il lavoro di Michel Franco colpisce, la regia è accurata e riesce a raccontare perfettamente la psicologia del personaggio principale. Tim Roth è molto bravo a restituire la personalità complessa e misteriosa di uomo sempre malinconico e schivo. 

Purtroppo però la mancata soddisfazione della tensione e l’eccessiva ricerca del turbamento dello spettatore non convincono del tutto. Il film è comunque ben strutturato e piacevole. Da ricordare anche l’interpretazione dell’attrice messicana Iazua Larios, ovvero Bernice, ragazza con la quale Neil stringe un legame amoroso nei giorni ad Acapulco. 

di Ludovica Ungari

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Mario Martone racconta la storia di Eduardo Scarpetta e del teatro napoletano

Secondo regista napoletano in concorso in questa edizione del Festival del Cinema dopo il collega Paolo Sorrentino, che il secondo giorno di Mostra ha presentato il suo “È stata la mano di Dio” riscuotendo grande successo di pubblico e di critica. Mario Martone prosegue dunque con il racconto di Napoli iniziato da Sorrentino tornando ancora più indietro nel tempo.

Siamo infatti nei primi anni del Novecento, e quella che viene mostrata è una città dall’intenso fervore culturale. Martone è al quinto film di fila presentato a Venezia, a undici anni da “Noi credevamo” e dopo il successo dello scorso anno con “Il sindaco del rione Sanità”, torna con la storia del grande Eduardo Scarpetta, del suo teatro e della sua famiglia. 

La trama 

Non poteva che essere Toni Servillo a interpretare il grande attore comico. Con lui nel cast anche Maria Nazionale, Cristiana Dell’Anna e Eduardo Scarpetta, discendente dello Scarpetta raccontato nel film. Martone segue una parte della vita dell’attore.

Sceglie di raccontare uno Scarpetta già avviato, noto e acclamato dal pubblico; sceglie di raccontare la sua complessa vita familiare e un episodio in particolare che lo lega a Gabriele D’Annunzio. Scarpetta decide infatti di parodiare un’opera di D’Annunzio, La figlia di Iorio.

Nonostante il poeta e Vate avesse ricevuto la notizia in anteprima e sembrasse appoggiare il progetto, al momento della messa in scena lo spettacolo dell’attore napoletano viene fischiato e D’Annunzio procede con la denuncia per plagio. Inizia così una fase decadente per Eduardo Scarpetta, che si vede superato da giovani astri nascenti e dal nuovo modo di fare spettacolo, il cinematografo. Martone introduce anche i personaggi di Eduardo, Peppino e Titina De Filippo, figli illegittimi di Scarpetta. 

Perché andare a vederlo 

Il film del regista napoletano è ben costruito. Nonostante la difficoltà nel mostrare davanti alla macchina da presa il complesso mondo del teatro, Martone riesce a non rendere le scene sul palco pesanti o eccessivamente statiche. Si serve del collega e amico Servillo in modo intelligente, creando un personaggio a cui è facile affezionarsi e di cui è facile avere stima. Le musiche e le scenografie aiutano lo spettatore a immergersi nella Napoli della Belle Epoque, conquistandolo. “Qui rido io” esce nelle sale a partire dal 9 settembre, da non perdere. 

di Ludovica Ungari

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L’attrice, per il suo primo film dietro la macchina da presa, porta Elena Ferrante a Venezia 78

The Lost Daughter è l’opera cinematografica che segna l’esordio alla regia di Maggie Gyllenhaal, l’attrice statunitense ha infatti deciso di presentare in concorso alla 78esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia un film tratto dal romanzo La figlia oscura di Elena Ferrante, che uscirà su Netflix alla fine di quest’anno. 

La sinossi del film 

Leda, interpretata da Olivia Colman, è una donna di mezza età che lavora come professoressa di letteratura italiana. Le sue figlie un giorno partono per il Canada per raggiungere il padre e Leda resta da sola. Questa condizione che aveva dimenticato in realtà non le dispiace; riassapora gradualmente un senso di libertà e di leggerezza che la fa stare bene.

Parte per una vacanza al mare dove fa nuove conoscenze e, in particolare, resta colpita dal rapporto di una giovane mamma (Dakota Johnson) con la sua bambina. Con il passare dei giorni la donna viene sopraffatta dai ricordi legati allo sgomento, allo smarrimento e all’intensità della sua maternità. Un gesto impulsivo la getta nello strano e minaccioso universo della sua stessa mente, in cui è costretta a fare i conti con le scelte anticonformiste di quando era una giovane madre, e con le loro conseguenze.

La Gyllenhaal alla regia 

Mentre la produzione era originariamente fissata negli States, la pandemia ha costretto la regista a spostare l’ambientazione della pellicola, optando per un’isola della Grecia. Alla realizzazione del suo primo lungometraggio sulla sedia del regista, la Gyllenhaal ha affermato: “Non mi sono mai sentita più viva e nella corrente della mia vita di quanto mi sentissi come regista”.

Pur con alcuni dubbi e con mille domande, la Gyllenhaal ha voluto portare avanti la sua idea e realizzare questo film: “Ovviamente esiste una sorta di sgomento e pericolo nel relazionarsi a qualcuno alle prese con cose che ci sono state dipinte come vergognose o sgradevoli. Ma quando quelle esperienze vengono portate sullo schermo, esiste anche la possibilità di trovare conforto: se qualcun altro formula quegli stessi pensieri e prova quelle stesse sensazioni, forse non si è soli. Questa è una parte della nostra esperienza che di rado trova espressione e, quando ciò accade, è per lo più attraverso l’aberrazione, la dissociazione o il sogno”.

di Emanuela Bruschi

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