In memoria di David Foster Wallace (DFW) il 10 settembre 2013 Einaudi dà alle stampe l’edizione italiana di “Di carne e di nulla”. Perché a cinque anni dalla scomparsa dello scrittore a 46 anni, come accade per i grandi traumi collettivi, molti lettori ricordano ancora dove si trovavano e cosa stavano facendo il 12 settembre 2008.

L’amore ai tempi dell’Aids, gli effetti sugli ideali americani dell’11 settembre, ma anche di Guantánamo, perché scrivere è tanto difficile e divertente, e tanti altri nodi e ossessioni nel libro “Di carne e di nulla”, un corposo volume che raccoglie tutta la non fiction di DFW: riflessioni sull’arte e suo ruolo nel mondo di fine millennio, considerazioni sul cinema e note di costume, due importanti interviste nonché un’esilarante conversazione con il regista Gus Van Sant.

L’Italia fu il primo Paese a riconoscerne la genialità, grazie alla casa editrice che ne acquistò i diritti e che nel 2000 pubblicò il suo romanzo più celebre, “Infinite Jest”, uscito in Germania nove anni più tardi. E nel 2006 DFW venne a Capri vincendo la fobia per l’aereo: era la prima volta che lasciava gli Stati Uniti. Amava Italo Calvino e la matematica, e si divertiva a inventare parole nuove, come scrisse in una lettera: “Fiction for me is a conversation between me and something that May Not Be Named. God, the Cosmos, The Unified Field, my own psychoanalitic catexies, Roqoq’oqu”.

Da “Una cosa divertente che non faro mai più” a “Considerata l’aragosta”, da “Tennis, tv, trigonometria e tornado” a “Il tennis come esperienza religiosa”, il saggio letterario e il reportage hanno segnato, in contrappunto continuo con le opere narrative, la carriera di David Foster Wallace, e “Di carne e di nulla” ne è la riprova.

I suoi contributi alla letteratura potrebbero essere elencati a forza di “eccetera”, in onore del termine che era solito usare, fino a “The best mind of his generation”, definizione del New York Times per il saggista e romanziere americano una settimana dopo la sua morte.

(di Giada Bertini)

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Cantante, attore di rivista, di prosa e di cinema, regista e padre. Tutto questa era Vittorio De Sica, il nostro primo divo moderno, comparabile alle stelle del firmamento cinematografico internazionale. Tutto questo è illustrato all’Ara Pacis di Roma fino al 28 aprile in una mostra che approfondisce e presenta le mille sfaccettature dell’uomo Vittorio De Sica. Un’esposizione fortemente voluta dai tre figli, Emi, Christian e Manuel.

Un percorso multimediale che apre il baule di un archivio prezioso e fino ad oggi mai svelato, come quello personale di Giuditta Rissone e Emi De Sica, un fiume di ricordi dal quale, come una continua sorpresa, esce senza sosta quella moltitudine di personaggi con il volto di Vittorio De Sica, in un gioco a cavallo tra realtà e finzione.

A raccontarlo, anzi a raccontarsi, è lo stesso De Sica, in una sorta di monumentale autobiografia espositiva dagli esordi da bambino nelle recite parrocchiali fino agli ultimi lavori e ospitate tv. Costruita attraverso circa 400 scatti tra foto di scena e album di famiglia che lo ritraggono al fianco dei tre figli Manuel, Christian ed Emi e delle due mogli Giuditta Rissone e Maria Mercader.

Il suo classico cappotto pied-de-poule appeso a una stampella, la registrazione di “Parlami d’Amore Mariù” che si alza da un vecchio giradischi, la più famosa bicicletta del cinema, un centinaio di documenti e lettere, articoli, manifesti, grafiche, costumi originali, appunti, oggetti e premi…fino ad arrivare all’Oscar per Ladri di Biciclette, senza trascurare una colonna sonora di cento brani incisi da De Sica stesso.

Una sezione è dedicata al sodalizio artistico tra i più felici della storia del cinema: quello con Cesare Zavattini, conosciuto nel 1939, dalla cui penna sono nati Sciuscià, Ladri di biciclette, Miracolo a Milano. La numerosa raccolta di lettere intercorse negli anni mostra il rapporta di stima, di amicizia e di scambio emotivo, intellettuale e creativo dei due. “Eravamo diversi per geografia, carattere, formazione culturale, atteggiamento verso la vita e la società, eppure ci siamo intesi”, scrisse lo sceneggiatore il giorno della morte del “suo” regista.

Tutti elementi che svelano come De Sica non sia stato un attore e regista monodimensionale ma, come egli stesso amava dire, «Io sono nato e rinato alla vita artistica almeno cinque volte».

(di Priscilla Nappi)

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Con 12 nomination “Lincoln” di Steven Spielberg è il film favorito, ma le recenti previsioni dei bookmakers mostrano le quotazioni di “Argo” (ultimo film di Ben Affleck) in continua crescita, al punto da prevedere una dura battaglia tra i due.
A concorrere nella stessa categoria come miglior film ci sono anche “Django Unchained” di Quentin Tarantino, “Il lato positivo” di David O. Russel, il musical “Lès Miserables” con la regia di Tom Hooper, “Vita di Pi” di Ang Lee, “Zero dark thirty”, film sulla cattura e l’uccisione di Osama Bin Laden diretto da Kathryn Bigelow, “Re della terra selvaggia” di Benh Zeitlin e in ultimo “Amour” film francese di Michael Haneke.

Quest’anno Daniel Day-Lewis potrebbe vincere il terzo Oscar della sua vita per la sbalorditiva interpretazione dell’ex presidente degli Stati Uniti: Abramo Lincoln. Le previsioni lo preannunciano già vincente nella categoria miglio attore protagonista, ma si sa che nelle competizioni le sorprese non mancano, specialmente trovandosi come lui a contendere il premio con attori di grande talento come Hugh Jackman (“Lès MIseables”), Joaquin Phoenix (“The master”), Danzel Washinton (“Flight”) e Bradley Cooper (“Il lato positivo”).

La candidata favorita per la vittoria finale nella categoria miglior attrice non protagonista è Anne Hathaway per l’interpretazione di Fantine (ruolo che precedentemente interpretò anche sua madre a teatro quando lei era bambina) nell’illustre musical “Lès Miserables”, ma insieme a lei corrono per l’ambita statuetta anche Sally Field nel ruolo di Mary Todd Lincoln, Amy Adam, Helen Hunt e Jaki Weaver.

Nella categoria miglior attrice protagonista spicca il nome di Jessica Chastain diretta da Kathryn Bigelow in “Zero dark thirty” (film intorno al quale ci sono state molte polemiche di recente) che gareggia contro Naomi Watts, grande interprete nel dramma “The impossible”, capace di raccontare perfettamente il terribile tsunami avvenuto in Thailandia nel 2004, Jennifer Lawrence (“Il lato positivo”) già vincitrice del Golden Globe, la veterana Emmanuelle Riva (85 anni) per l’interpretazione in “Amour” e Quvenzhanè Wallis, attrice di nove anni e in assoluto la più giovane mai candidata all’Oscar nella storia della manifestazione.

Non poteva mancare Robert De Niro candidato come miglior attore non protagonista sempre per “Il lato positivo” in gara insieme a Christoph Waltz per l’indimenticabile interpretazione nel western di Tarantino “Django Uncained”, Tommy Lee Jones in “Lincoln”, Philip Seymour Hoffman per “The Master” e Alan Arkin per “Argo”. L’unico italiano in gara per la statuetta è Dario Marianelli che ha ottenuto la nomination per la colonna sonora di “Anna Karenina”; il musicista aveva già vinto un Oscar quattro anni fa per il film “Espiazione”.

Adesso non resta che attendere la diretta che incomincerà con lo speciale red carpet alle 22.50 del 24 febbraio, seguito dallo show alle 2.30 su Sky Cinema Oscar.

And the winner is…

(di Hilary Tiscione)

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Il prossimo primo marzo si terrà a Los Angeles una cerimonia in onore della stella che porta il nome di Richard Burton che apparirà postuma sulla famosa “Walk of fame”. La stella risiederà accanto a quella del suo grande amore: Liz Taylor. Alla cerimonia saranno presenti le due figlie di Burton (Kate e Maria Burton) e Martin Sheen, anche lui attore di origini gallesi, pronuncerà un discorso in suo onore.

Burton incominciò a studiare recitazione giovanissimo e nel 1950 firmò un importante contratto con la 20th Century Fox, grazie al quale presto diventò una stella del cinema a Hollywood e nel mondo, in quello che per molti è considerato il periodo d’oro del cinema. Quando iniziò a farsi strada a Hollywood era sposato con l’attrice gallese Sybil Williams, ma ben preso si guadagnò la fama, in tutto l’ambiente, di irresistibile amante, incurabile donnaiolo e grande bevitore.
In occasione di una festa in California, Burton si trovava ospite in una casa di lusso, circondato da bellissime donne che elogiavano il suo trionfo sociale, quando ad un certo punto andò a posarsi su di lui lo sguardo di una giovane ragazza seduta dall’altro lato della piscina che, come lui stesso scrisse in uno dei suoi tanti diari, “alzò gli occhi dal suo libro, si tolse gli occhiali da sole e mi guardò. Era così straordinariamente bella che mi venne quasi da ridere […], era indubbiamente stupenda. Era sontuosa. Una mora di una generosità incontenibile. Era in poche parole davvero troppo, e non solo: mi ignorava completamente.” Era Liz.

All’inizio Liz Taylor lo considerava infatti un uomo volgare e non era certo interessata ad un tipo di quel genere.  Non si rividero più per nove anni, entrambi erano sposati e con vite distinte. Ma nel 1962 a farli avvicinare fu il set di “Cleopatra”, uno dei film più costosi di tutti i tempi, al punto da mandare quasi in fallimento la 20th Century Fox. Durante le riprese i due si innamorarono follemente e nacque così la storia d’amore più importante, discussa e tormentata del mondo del cinema. Quello che successe dopo è storia. Si sposarono e poi divorziarono per poi sposarsi ancora e divorziare nuovamente senza mai smettere di amarsi.

Un amore travagliato, una storia senza fine, fuori e dentro i set cinematografici (hanno recitato insieme in diverse pellicole, tra cui “International hotel”, “Castelli di sabbia”, “Chi ha paura di Virginia Woolf?” e “La bisbetica domata” di Franco Zeffirelli, regista e amico di Burton), sempre sotto i riflettori, sempre  sotto lo sguardo indiscreto di un pubblico che di quell’amore non sembrava proprio poter fare a meno. Dopo il secondo divorzio con la Taylor nel 1976, Burton tentò un altro matrimonio con la modella Suzy Hunt che fallì, per poi in fine sposare la sua segretaria Sally Hay, ma l’amore smisurato per Liz lo accompagnò sempre, sino all’ultimo giorno della sua vita quando, a causa di una emorragia celebrale, morì ancora giovane a soli 58 anni all’ospedale di Ginevra. Era il 5 agosto 1984.

Questa volta il loro destino li riunirà sulla celebre “Walk of fame” dove potranno rimanere insieme per sempre uno di fianco all’altra.

(di Hilary Tiscione)

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L’attesa è finita. Le luci in sala si spengono. Tre, due, uno… In origine fu il romanzo più famoso di Victor Hugo, nel 1980 fu trasformato in un musical colossale da Claude-Michel Schönberg, che si occupò delle musiche e da Alain Boublil, cui si devono i testi. Ora quello straordinario show approda sul grande schermo, per la regia di Tom Hooper. Siamo nella Francia della prima metà dell’Ottocento. Protagonista de “Les Miserables” è Jean Valjean (magistralmente interpretato da Hugh Jackman), appena uscito di prigione in cerca di redenzione. Sotto falso nome, diventa un fortunato imprenditore e sindaco di una città della provincia francese. Perseguitato dall’ispettore Javert (cui dà il proprio volto Russell Crowe) per aver violato la libertà condizionata, è costretto a fuggire nuovamente, portando con sé la piccola orfana Cosette, che alleva come una figlia (interpretata dalla bellissima Anne Hathaway.

Il film, estremamente commovente e ricco di sentimenti, offre al pubblico la possibilità di apprezzare le doti canore di Hugh Jackman, che in “Who am I?” dà il meglio di sé, incarnando i travagli personali di un uomo che, dopo essersi costruito una nuova vita, la deve distruggere e abbandonare nel nome di un bene superiore. A lui Tom Hooper ha affidato il ruolo di protagonista, non solo per le sue capacità artistiche e per la provenienza da un passato ricco di esperienze nei musical, ma soprattutto per “la straordinaria grazia e bontà che lo contraddistinguono”, doti così simili a quelle possedute dal personaggio immaginato da Hugo, per cui “sceglierlo per interpretare Jean Valjean è stata una decisione assolutamente naturale ”.

Con ben 8 nomination, tra cui Miglior Attore (Hugh Jackman), Migliore Attrice Non Protagonista (Anne Hathaway) e Miglior Film, Les Miserables è dunque uno dei favoriti alla Notte degli Oscar.

Il 2013, non vi è alcun dubbio, è l’anno di Hugh Jackman, cinematograficamente parlando. L’attore australiano, già vincitore di un Golden Globe , dopo averci accompagnato nei tumultuosi sobborghi della Parigi del 1832 (con Les Miserables ), ci porterà nelle moderne strade di Tokyo con il nuovo film di James Mangold, “The Wolverine”, e sarà uno dei protagonisti della commedia americana “Movie 43″.

“The Wolverine”, tratto dall’omonima serie a fumetti di Frank Miller (300, Sin City), è un film estremamente adrenalinico ed è stato definito dal regista un “fever dream” per il mix di elementi tradizionali nipponici (ninja, yakuza, samurai) e lo stile d’interpretazione realistico dei protagonisti. Per interpretare il suo ruolo, Jackman si è sottoposto ad una preparazione fisica speciale perché “ potesse essere percepita fisicamente la rabbia presente nel corpo di Wolverine”. In “The Wolverine” non mancherà nemmeno l’ elemento romantico: Mariko (la modella Tao Okamoto), figlia di un boss giapponese, intreccerà una relazione non facile con l’uomo dalle lame di adamantio.

“Movie 43”, infine, permetterà al pubblico di apprezzare le capacità comiche dell’attore australiani che, in questa pellicola, è l’affascinante scapolo ambito da una imbarazzatissima Kate Winslet.

Con tutti questi film in uscita, il 2013 sarà proprio l’anno di Hugh Jackman.

Les misérables
Regista: Tom Hooper
31 gennaio – 152 minuti

(di Ylenia Manfredi)

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Il protagonista del nuovo film di Muccino, Quello che so sull’amore, più che svelarsi secondo le caratteristiche che ha, si può facilmente descrivere in negativo, ovvero secondo ciò che non è.

George Dryer (interpretato dall’affascinante Gerard Butler) non è un buon padre, non è un buon marito, non è un uomo di successo perché la sua carriera di calciatore si è interrotta per un grave infortunio, ma soprattutto non è la persona che vorrebbe essere. Se ne accorge tardi forse, ma quando se ne rende conto fa di tutto, lottando contro l’ombra di ciò che è stato, per riconquistare i suoi affetti: suo figlio Lewis e l’ex moglie (la splendida, anche se relegata a un ruolo non di spessore, Jessica Biel), unica vera donna che abbia mai amato nonostante la fama, non troppo lontana dalla realtà, di inguaribile donnaiolo. L’unico modo per riappropriarsi di ciò che ha perso è ritornare ad apprezzare le cose semplici che aveva dimenticato e così George da calciatore di successo diventa l’allenatore della squadra di calcio del figlio, squadra che neanche a dirlo non ha mai vinto un partita prima del suo arrivo e da uomo agiato abituato al lusso si ritrova a non riuscire a pagare l’affitto di una misera dependance.

L’unico aspetto che sembra non variare nonostante il cambio di vita è l’effetto che George ha sulle donne: nel suo lungo e tortuoso cammino di purificazione da se stesso dovrà tentare di resistere alle tentazioni delle sfacciate madri dei suoi allievi, interpretate dalle superbe Catherine Zeta Jones e Uma Thurman.

Riuscirà il nostro eroe nella sua impresa? Certo è che se da una parte molto spesso sbagli e sia sempre in bilico tra ciò che era e ciò che vorrebbe essere, George ha a suo favore l’amore incondizionato del figlio e dell’ex moglie, coloro che, nonostante abbiano subito le sue pazzie e il suo lavoro, sentimentalmente più maturi di lui, con pazienza e senza troppe spiegazioni, gli faranno capire cos’è l’amore, semplicemente dimostrandolo.

All’interno di una trama che lascia a desiderare, così semplice che dopo i primi due minuti non si fatica a capire quale sarà il finale, Muccino insiste più sui sentimenti che sui colpi di scena: l’amore, la fiducia (anche quella persa), il sentimento paterno, la responsabilità e la consapevolezza sono gli ingredienti di una ricetta facile, dal risultato quasi scontato e prevedibile, che vede diventare l’ex vincitore un perdente e poi ancora un vincitore, ma questa volta nella partita della vita.

(di Marina De Faveri)

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È un film tremendamente ben recitato “The Master” di Paul Thomas Anderson (Il petroliere, Magnolia), ma quando si prova a voler cogliere qualche riferimento ulteriore che esuli dal rigido sentiero della narrazione di una semplice storia, il nostro sguardo si perde nel buio. Scova solo qua e là qualche flebile raggio di luce.

Due attori da Oscar ma dov’è il filo logico, l’introspezione? È un film piatto, eccessivamente piatto, nonostante l’eccellente fotografia.

La prolissa vicenda ambientata negli anni ’50 si basa su un gruppo riunito attorno al capo di una setta battezzata “La Causa”, Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), sedicente “scrittore, medico, fisico nucleare e filosofo teoretico” che col suo credo funge da collante tra i fedeli, inclusa la figlia Mary-Sue (Amy Adams).

Un giorno, tra i preparativi per il matrimonio della figlia, Dodd chiede aiuto a Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un ex marine che si risveglia sulla nave di Dodd, in qualità di marinaio e preparatore di bevande alcoliche “miracolose” sfruttando come ingrediente, tra gli altri, del solvente per vernici.

I primi contatti tra i due non sono dei migliori. Quell, del resto, non viene da un passato facile: tra una madre finita qualche anno prima in manicomio, un padre deceduto per alcol e gli orrori della guerra dai quali cerca di fuggire, resta sempre marchiato dal trauma mentale che si porta dietro dalla fine del conflitto.

Una volta giunti a terra si scopre di più su “La Causa”, chiamata così per fuorviare ogni collegamento a Scientology, nata più o meno negli stessi anni, e sul suo modo di “curare” i pazienti. Il “Maestro” Dodd basa infatti le proprie teorie su una “nuova scienza” nettamente contrapposta a quella ufficiale. Anche se in teoria il metodo sembra funzionare, in pratica non è così. Quell si sottopone alla curiosa terapia di Dodd a base di domande su amori, affetti, istinti sessuali repressi ricevendo, di contro, risposte costantemente monosillabiche.

Sembra essere perplesso anche lo spettatore in sala che si aspetta continuamente quel fil-rouge, quella flebile lucina che pare scorrerci dinanzi agli occhi all’inizio ma che poi si affievolisce via via e non perviene più fino alla fine del film, in cui Freddie, semplicemente, scompare, con una risatina. Ma è forse proprio l’impianto di una sceneggiatura piatta che si lega alle teorie pseudo-scientifiche di Dodd il vero leitmotiv da seguire. Le lente vicende che si susseguono sembrano infatti funzionali alla pedanteria che circonda tutto il film. Per ricostruire il mondo devastato dalla guerra è allora necessario effettuare un processo di trasmigrazione dei propri ricordi traumatici nell’immaginazione come unica possibilità di riscatto, nella ferma credenza che tutto sia ancora possibile. Non a caso un’adepta domanda al maestro come mai, nel suo libro, si sia passati da un “riesci a ricordare?” ad un “riesci a immaginare?”.

Questa continua ricerca “a tentoni” di un tracciato da seguire, da parte dello spettatore vanifica, ad ogni modo, tutta l’aura mistica che invano il regista cerca di evidenziare.
The Master tradisce le attese come l’allievo, prima o poi, è tradito dal maestro. Anche se con qualche buono spunto, nel complesso resta un film ridondante e di debole impatto emotivo.

(di Luca Schirripa)

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Per descrivere quello che si sta scatenando attorno all’uscita europea di Django Unchained si potrebbe parafrasare il duca di La Rochefoucauld: “Tutti ne parlano ma pochi l’hanno visto”.

Non passa giorno, infatti, che i quotidiani nazionali non riportino le polemiche d’Oltreoceano sull’ultimo film di Quentin Tarantino, nonostante l’uscita di Django Unchained sia prevista per il 17 gennaio in Italia e il 18 in Gran Bretagna.

Si è detto che il film non rappresenti fedelmente la tratta degli schiavi, che la figura dei bianchi venga demonizzata, e che le action figures, le riproduzioni in plastica dei personaggi, siano deplorevoli in quanto mera banalizzazione di un periodo oscuro e doloroso della storia americana. Queste discussioni hanno senso negli Stati Uniti poiché si riallacciano a questioni di un passato storico non troppo lontano ma, in Europa, si corre il rischio che l’attenzione del pubblico si concentri sui dibattiti piuttosto che sul film.

D’altronde Tarantino non è mai stato famoso per la sua vena documentaristica (Inglorious Bastard è un magnifico esempio di fantapolitica, non di storia) quanto per la verve, l’originalità e lo stile un po’ kitsch, un po’ splatter che rende i suoi film degli autentici must da vedere al cinema.

Il regista stesso, intervistato dalla CBC, una radio canadese, ha dichiarato di essersi allontanato volontariamente dalla tradizione cinematografica americana che tende a produrre film su questo periodo molto attenti ai dettagli storici ma poco empatici nei confronti degli schiavi, “quasi fosse la storia di una sottoclasse ”.

Con “Django Unchained” Tarantino non vuole trasmettere messaggi universali ma, semplicemente, raccontare una “romantic quest” ambientata in America del sud, prima della guerra civile. Anche Jamie Foxx , l’attore texano protagonista del film, ha enfatizzato nelle interviste l’importanza della storia d’amore tra Django e Broomhilda, centro della trama del film, nel quale uno schiavo, liberato da un cacciatore di taglie (Christoph Waltz), diventa un abile pistolero e cerca di portare in salvo la moglie dalla piantagione di Calvin Candie (Leonardo di Caprio).

Il film (candidato a ben cinque Oscar, tra cui miglior film, miglior attore non protagonista – Christoph Waltz -, miglior fotografia – Robert Richardson -, miglior sceneggiatura originale e miglior montaggio audio) convincerà sia gli appassionati del genere, grazie alle numerose citazioni di grandi classici, non solo nelle scene ma anche nella colonna sonora (dall’originale Django di Corbucci a Lo chiamavano Trinità, con brani di Morricone e Elisa), sia i meno avvezzi ai western per le storie d’amore e d’amicizia che si creano tra i protagonisti del film.

Degni di nota sono il cameo di Franco Nero, primo volto di Django nella versione del 1966 di Corbucci e Samuel Lee Jackson nel ruolo di Stephen, lo schiavo che comanda sugli altri prigionieri, a suo dire “il più spregevole nero della storia del cinema”.

Scheda del film
Titolo: Django Unchained
Regista: Quentin Tarantino
Uscita del film: 17 gennaio
Durata: 165 min.

(di Ylenia Manfredi )

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“Una lettura emotivamente agitata ”, così viene definito da Patrick Rossi Gastaldi “Nel nome del padre”, il reading-spettacolo di cui è protagonista insieme a Margherita Buy e di cui cura la regia. Il testo di Luigi Lunari, tradotto in diverse lingue e già rappresentato con successo a Londra, Parigi, Tokyo e New York andrà in scena al Teatro Franco Parenti da venerdì 11 gennaio.

Questa “commedia sentimentale”, seppure incentrata sulla vita di due personaggi realmente esistiti, è tuttavia ambientata in una dimensione surreale: Rosemary Kennedy, figlia del vecchio Kennedy e sorella di John Fitzgerald (il presidente assassinato nel ’63) e Aldo Togliatti, figlio di Palmiro, segretario e capo del Partito Comunista Italiano, si incontrano in un luogo immaginario, una specie di limbo, forse un purgatorio, dove a poco a poco si confidano, confrontando le loro drammatiche esperienze e condividendo il peso di ricordi dolorosi da cui cercano di affrancarsi.

Probabilmente in pochi conoscono la vera storia di Rosemary, in quanto a lungo tenuta segreta dai Kennedy: “È devastante quello che lei dice” , commenta la Buy, “perché la storia della sua vita è quella di una ragazza che a un certo punto il padre decide di lobotomizzare, di ridurre a un vegetale per non aver commesso proprio niente, per essere solo un po’ diversa dagli altri ”. All’età di 23 anni, infatti, Rosemary subì la lobotomia per volere del padre che nascose l’intervento al resto della famiglia, stanco dei suoi sbalzi d’umore e della sua condotta sessualmente libera e disinibita che avrebbe potuto rovinare la carriera politica degli altri figli. Venne poi rinchiusa in un istituto fino alla morte avvenuta a 86 anni.

Una sorte altrettanto infelice toccò ad Aldo: nato quando il padre si trovava in carcere, seguì i genitori nell’esilio in Unione Sovietica e, dopo la loro separazione, fu sballottato dalla Russia all’Italia. Tutto ciò, unito al distacco dal padre, interessato esclusivamente alla sua missione di costruire un mondo più giusto, lo fece sprofondare in una depressione che degenerò in schizofrenia rendendo necessario il ricovero in una clinica psichiatrica modenese dove trascorse gli ultimi trent’anni di vita.

“Non credo perdonino, ma dimenticano e si abbandonano alla serenità della notte”, ed è proprio nella morte, come sottolinea Gastaldi, che i due trovano il meritato riposo e possono persino sognare di essere stati semplicemente un uomo e una donna proprio come tutti gli altri.

Kennedy e Togliatti, simbolo del capitalismo l’uno e del comunismo l’altro, due uomini così diversi eppure così simili nell’essere accecati dalle loro disumane ambizioni tanto da distruggere l’esistenza dei loro stessi figli che chiedevano soltanto di essere amati e accettati per quello che erano.

Teatro Franco Parenti
Via Pier Lombardo, 14, Milano
Sala grande
dal 11 al 13 gennaio
venerdì e sabato alle ore 21.30
domenica alle ore 17.30

I biglietti sono acquistabili sul sito di TicketOne e direttamente alla biglietteria del teatro.

(di Giulia Bellini)

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È l’ultimo film dell’autore di Baarìa, Giuseppe Tornatore, tra i registi italiani più apprezzati sulla scena internazionale. Un “maestro”, in questo caso, che ci presenta un’opera variegata, piena di sfumati, enigmatica e intensa con quella scorrevolezza simile a una lunga pennellata che solo lui, tra i registi nostrani, sa regalarci.

È di una minuziosa “cesellatura” che ci parla “La migliore offerta“. Pellicola sulle vicende di un brillante esperto antiquario apprezzato in tutto il mondo, Virgil Oldman (Geoffrey Rush), che un giorno viene chiamato da una misteriosa donna di nome Claire (Sylvia Hoeks) a effettuare una valutazione del suo ingente patrimonio artistico in quanto considerato dalla donna massimo esperto nel settore antiquario.

La vicenda si svolge in un’imprecisata città europea, in cui Oldman rifugge da autentici rapporti interpersonali, non a caso indossando metaforicamente un paio di guanti. Ricerca costantemente la compagnia di un’opera d’arte, sia essa un dipinto o una scultura, privilegiando la riflessione e il soliloquio, come quando si trova in presenza della sua collezione privata popolata da decine di ritratti femminili che lo guardano come ad attendere solo un suo sguardo di complice apprezzamento.

È una tematica non nuova, per Tornatore, quella della fobia degli spazi aperti. Infatti, come già in un suo film del 1998, il protagonista de “La leggenda del Pianista sull’Oceano” temeva l’accesso al mondo esterno, così ora il regista ci svela il multisfaccettato carattere della giovane Claire: sfuggente, malata di agorafobia e per questo timorosa anche del più piccolo contatto umano che vanifica con minuzia, comunicando unicamente da dietro una porta nascosta della villa.

Due personaggi, due mondi diversi con storie antitetiche che mostrano, però, un’umanità di fondo molto simile, tratti marcati e altri meno che combaciano e si fondono, come in un gioco d’incastri. Proprio come quegli insoliti ingranaggi, quei singoli tasselli che Oldman ritrova sparsi qua e là nella villa. L’uno è incompleto senza l’altro. Ed è proprio questo continuo fondersi di sentimenti la vera bellezza del film che combacia e si immerge perfettamente nel ritmo serrato, tipico del thriller più intenso e che solo alla fine svelerà l’opera compiuta: così come, pezzo dopo pezzo, si giunge, finalmente, a costruire l’antico automa, così accade per le vicende interpersonali tra Oldman e la seducente Claire.

Attraverso un costante gioco di sguardi si costruiscono le intrecciate vicende della storia tra l’antiquario e la donna, ma quello che il primo non sa è che aiutare la ragazza avrebbe cambiato persino se stesso. Lo avrebbe trasformato in un uomo nuovo, pronto ad affrontare anche la dura realtà che Claire stava architettando alle sue spalle.

Proprio come l’assistente di Virgil riuscirà ad aprirgli gli occhi affermando che “i sentimenti umani sono come le opere d’arte, si possono simulare”, così Oldman comprende che è una strada che può percorrere esclusivamente da solo.

Un film sull’amore nella cornice del mondo delle aste, dunque, ma, più in generale, un lavoro sull’eterna dicotomia tra verità e finzione che molto spesso non sono distinguibili con chiarezza e lucidità. Tutto è sfumato, ma è proprio da questa nebbia che risalta ancor più il talento di un regista che riesce a creare un’opera come un pittore dipingerebbe e si perderebbe, come un infante, nella perpetua scoperta dei sentimenti umani; nell’ossessione del continuo percorrere quel filo tagliente fino a godere, infine, della tela compiuta, del lavoro portato a termine ma da cui si sprigiona ancora un alone magico, misterioso ed infinito, proprio come se ancora fosse in corso d’opera. Un film che riesce a mostrare solo alla fine l’autentico nella finzione per metterci alla prova, per ritemprarci e farci rinascere più forti. Perché è questa, dopotutto, la forza che spinge l’uomo ad affrontare il presente e a proseguire il cammino nonostante le avversità della vita.

(di Luca Schirripa)

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