Mine Vaganti di Ferzan Ozpetek a teatro

Mine Vaganti è la storia di Tommaso (Erasmo Genzini), un ragazzo salentino laureato in lettere col sogno di diventare scrittore. Tommaso vive a Roma, dove conduce una vita spensierata con i suoi amici e con il suo compagno, Marco (Luca Pantini), lontano dalla famiglia bigotta del Salento, proprietaria di uno storico pastificio industriale. Quando Tommaso decide finalmente di fare coming out con i parenti, suo fratello Antonio (Carmine Recano) gioca d’anticipo, stupendo tutti e dichiarando la sua omosessualità al padre (Francesco Pannofino), che, sconvolto dalla notizia, viene colpito da un infarto. A quel punto Tommaso è costretto a fare marcia indietro e a rivalutare tutte le sue scelte di vita.

Il film dal grandissimo successo cinematografico; si è prestato molto bene ad un riadattamento teatrale, ricreando una vicenda intrigante e umoristica fatta di storie di persone, scelte sessuali e fatica ad adeguarsi ai cambiamenti sociali. Trasportare sul palcoscenico i sentimenti, i momenti malinconici e le risate non è stato facile, per questo lo stesso regista ha ammesso di aver dovuto lavorare “per sottrazione sacrificando alcune scene e creandone di nuove per dare nuova linfa all’allestimento”.

Anche l’ambientazione è cambiata, dal Salento ci si sposta in realtà piccole come quella di Gragnano, dove un coming out susciterebbe ancora un grande scandalo. Lì dove il cinema scandisce il ritmo con dialoghi serrati e primi piani emozionanti, il teatro lascia spazio a punteggiatura, parole e silenzi travolgenti. Il ritmo è continuo e incalzante, non si ferma mai, per coinvolgere lo spettatore come parte integrante della messa in scena.

Tra gli interpreti, oltre a Francesco Pannofino, Erasmo Genzini e Carmine Recano, ci saranno Iaia Forte, Simona Marchini, Roberta Astuti, Sarah Falanga, Mimma Lovoi, Francesco Maggi, Luca Pantini, Edoardo Purgatori.

Nuovo Teatro diretta da Marco Balsamo in coproduzione con Fondazione Teatro della Toscana presenta Mine Vaganti, dall’8 al 20 marzo 2022 al Teatro Manzoni di Milano.

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Cinquanta ore di lavorazione per realizzare ciascun capo. E l’abile mano di Jaqueline Durran. Il risultato? Una nomination agli Oscar 2013. Perché ciò che rende magico e indimenticabile un film storico sono i costumi, creazioni fedelmente ispirate all’epoca e modellate sui corpi degli attori.

Per il suo ultimo lavoro cinematografico,  Anna Karenina , Joe Wright ha richiamato proprio la designer di “Espiazione” (sempre di Wright, e con Keira Knightley sempre protagonista), che in questo film ha espresso tutto il suo incredibile talento. In mostra, oltre che sul grande schermo, anche a Londra. Una selezione dei migliori costumi indossati da Keira Knightley in “Anna Karenina” si trova infatti alla Ham House (dove tra l’altro sono state girate alcune scene): le creazioni della Durran resteranno qui esposte fino al 4 aprile.

Intanto in Italia finalmente sta per arrivare (21 febbraio) nelle sale l’attesissima pellicola. Una storia di tradimenti, passioni. Un amore epico che sconvolse una nazione al crepuscolo di un impero. Abbiamo già accennato alla trama nel numero di settembre di Gilt.

Da allora la fatica cinematografica di Wright ha ottenuto numerosi successi nel mondo: lo scorso 2 febbraio sono stati assegnati i premi della 17esima edizione degli Art Directors Guild Awards e Sarah Greenwood, per “Anna Karenina”, candidato all’Oscar, ha ottenuto il premio Best Art Direction for a Period Film. Candidata all’Oscar come miglior colonna sonora anche la musica di Dario Marianelli che accompagna i protagonisti per l’intero film. Sulla candidatura a Miglior Scenografia alcuni critici ritengono ci sarebbe molto da discutere, data la scelta del regista di proporre l’intera pellicola all’interno di un teatro dalle mille facce col rischio di non rendere giustizia ad un film d’epoca che si presta a scenografie di più ampio respiro; secondo altri critici la scelta atipica di creare un’intera storia all’interno di un teatro sarebbe invece la particolarità, il valore aggiunto di questo film. Discordanza nella critica l’ha suscitata anche l’interpretazione di Keira Knightley , per alcuni troppo giovane e poco esperta per un ruolo così controverso e psicologicamente insidioso, per altri invece bravissima interprete dallo sguardo intenso ed ammaliante che ha saputo donare eleganza e sublime femminilità al suo personaggio come già aveva fatto nel film “Espiazione”.

Adesso non ci resta che prenotare il miglior posto al cinema e un volo per Londra.

(di Martina Ingallinera)

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Non solo una grande stilista, ma una figura simbolo della cultura popolare del Novecento che, seppure non amasse definirsi femminista, rivoluzionò il disegno dell’abito femminile proprio, per paradosso, attraverso la rivisitazione di capi tipicamente maschili, contribuendo all’imponente trasformazione del ruolo della donna.

“Fino a quel momento avevamo vestito donne inutili, oziose, donne a cui le cameriere dovevano infilare le maniche; invece, avevo ormai una clientela di donne attive; una donna attiva ha bisogno di sentirsi a suo agio nel proprio vestito. Bisogna potersi rimboccare le maniche”.  Queste le parole dell’emancipata Coco, all’anagrafe Gabrielle Bonheur Chanel e a lei è dedicato “C come Chanel” , lo spettacolo in scena al Teatro Franco Parenti fino al 17 febbraio.

A interpretarla la poliedrica Milena Vukotic che passa con disinvoltura dalla televisione d’intrattenimento al cinema d’autore e al teatro più impegnato. Sul palco anche David Sebasti che ricopre tutti i ruoli maschili come il fedele maggiordomo, l’amatissimo Boy Capel e il poeta Jean Cocteau, per le cui opere Coco lavorò come costumista. Roberto Piana firma la regia, gli splendidi costumi sono di Alessandro Lai, mentre il testo è scritto dalla giovane Valeria Moretti.

L’intento dell’autrice non è stato quello di raccontare dettagliatamente l’intera esistenza di “Mademoiselle”, anche perché ricca di avvenimenti e articolata è la sua vita così come il lungo periodo storico che fa da cornice (1883 – 1971), quanto piuttosto di evocare, attraverso un succedersi di immagini quasi oniriche, di suggestioni e di emozioni, a tratti dolorose e anche ironiche, il sapore di quegli anni trascorsi intensamente dalla regina indiscussa dell’eleganza, tanto forte quanto fragile, che però si considerava “solo una semplice sarta”.

Teatro Franco Parenti
Via Pier Lombardo, 14, Milano
dal 5 al 17 febbraio
martedì alle ore 20.30
mercoledì alle ore 19.45
da giovedì a sabato alle ore 20.30
domenica alle ore 16.00

I biglietti sono acquistabili direttamente alla biglietteria del teatro e online.

(di Giulia Bellini)

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Dal 16 maggio nelle sale cinematografiche italiane sarà proiettato “Il Grande Gatsby”, rivisitazione del classico di Francis Scott Fitzgerald, con Leonardo Di Caprio nei panni di Gay Gatsby, Tobey Maguire in quelli di Nick Carraway, mentre Carey Mulligan sarà Daisy Buchanan. Girato in 3D, il film è affidato alla sapiente regia dell’australiano Baz Luhrmann (già noto per Moulin Rouge e Romeo+Juliet), che ne firma anche la sceneggiatura. A comporre poi le musiche della pellicola Jay-Z e Jeymes Samuel, cantante e produttore dei The Bullitts.

Per l’occasione Prada e Miu Miu, in collaborazione con la celebre costumista Catherine Martin, hanno disegnato 40 esclusivi abiti da cocktail e da sera su misura, ispirati alla moda dei ruggenti anni Venti.

In seta scintillante, con cristalli e paillettes, questi capi non passano di certo inosservati! Morbide pellicce, velluti e frange, simbolo del lusso ostentato e delle feste più sfrenate che Gatsby organizza nella sua sontuosa villa per conquistare l’amata Daisy, cui è riservato anche il pezzo forte della collezione: un abito da sera Prada d’oro, carico di cristalli. Anche i colori e le sfumature ricalcano la stessa atmosfera: guizzi d’oro, smeraldo, giada e topazio.

Prada e Baz Luhrmann si conoscono già bene. Infatti Baz è stato il consulente creativo della mostra Elsa Schiaparelli and Miuccia Prada’s Impossible Conversations, tenutasi recentemente al Metropolitan Museum of Art e la loro amicizia risale a sedici anni fa, quando Miuccia vestì “il Romeo-DiCaprio” nel suo film shakespeariano.

Qui invece rivive l’era del jazz di un’ America ottimista e festaiola rivive nello scintillio degli abiti, che ricreano lo stile europeo degli anni Venti.
(di Paola Redaelli)

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Due statuette per Ben Affleck, che ottiene la sua rivincita confermando il suo talento. Migliori attori drammatici Daniel Day-Lewis e Jessica Chastein, ma la sorpresa più inattesa è stato Bill Clinton in veste di presentatore. In massima sintesi ecco cosa è accaduto ai Golden Globe 2013. Ma ora scendiamo un po’ più nel dettaglio.

La consegna dei riconoscimenti si è svolta al Beverly Hills Hotel di Los Angeles. Come di consueto un trionfo di star hanno sfilato sul tappeto rosso indossando stupefacenti abiti firmati dai più grandi stilisti del pianeta.

Ben Affleck si è rivelato senza dubbio il protagonista della serata con il suo “Argo”: conquista ben due vittorie nelle principali categorie aggiudicandosi le statuette per il miglior film e per la miglior regia. Batte l’avversario più temibile, Steven Spielberg, considerato da lungo tempo uno dei più grandi veterani nella storia del cinema mondiale. Il film di Spielberg (“Lincoln”) guadagna ugualmente una statuetta per il miglior attore drammatico consegnata a Daniel Day-Lewis, ritenuto il favorito della categoria sin dal momento delle nomination. Indimenticabile il momento in cui viene presentato il film perché a farlo è stato l’ex presidente degli Stati Uniti d’America: Bill Clinton, accompagnato da una emozionante standing ovation del pubblico, è stato la più grande sorpresa dell’intera premiazione.

Quentin Tarantino si aggiudica il premio miglior sceneggiatura per il suo western “Django Uchained” che ottiene una seconda statuetta nella categoria miglior attore non protagonista per Christoph Waltz, che lascerà nuovamente a mani vuote Leonardo Di Caprio, nonostante la formidabile interpretazione.

Il capolavoro di Victor Hugo “Les Misérables” ha vinto nella categoria miglior commedia, ma non è l’unico premio che si aggiudica in quanto al momento della consegna del Golden Globe per la miglior attrice non protagonista brilleranno sul palco anche la bellissima Anne Hathaway e Hugh Jackman come miglior attore brillante.

Rimarrà nella memoria l’interpretazione di Jessica Chastain che si aggiudica il premio per la miglior attrice drammatica nel film diretto da Kathryn Bigelow sull’uccisione in seguito alla cattura di Osama Bin Laden.

Il premio alla carriera è andato a Jodie Foster. L’attrice ha da poco compiuto 50 anni e vanta una grandiosa carriera cominciata sin dai primi anni di vita. Sul palco ha simpaticamente ironizzato sulla sua omosessualità, abbandonando per un momento la sua riservatezza, dichiara “Sono… single” e lasciando a bocca aperta chi invece avrebbe immaginato che la frase concludesse con un pubblico coming out. La Foster dedica ugualmente la sua vittoria alla ex compagna Cydey Bernard (definendola apertamente “sorella d’anima di una vita”) e ai loro due figli.

Rimane inaspettatamente a mani vuote Maryl Streep, non aggiudicandosi il premio come migliore attrice brillante nella commedia “Il matrimonio che vorrei”, che invece viene consegnato a Jennifer Lawrence per il suo ruolo ne “Il lato positivo”. “Amour” vince nella categoria miglior film straniero, mentre il premio per il miglio film di animazione se lo aggiudica la Walt Disney con “Ribelle”.

In sala è presente anche la cantante di successo e neo mamma Adele, candidata per l’interpretazione di “Skyfoll” (colonna sonora dell’ultimo film di James Bond), che trionfa aggiudicandosi il premio per la miglior canzone originale.

A questo punto non resta che attendere gli Oscar 2013 che verranno assegnati il 24 febbraio.

(di Hilary Tiscione)

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Dopo un periodo di pausa, Tom Hanks torna a recitare sul grande schermo. E lo fa interpretando sei diversi personaggi in diverse epoche storiche, ma tutte parte di un’unica esperienza spirituale tratta dal romanzo “L’atlante delle nuvole” di David Mitchell.

Si tratta di un progetto di straordinaria grandezza, un film indipendente che si è rivelato il più costoso mai realizzato in Germania. Porta la firma di Tom Tykner e dei geniali fratelli Wachowsky (trilogia di “Matrix”) che hanno utilizzato diverse troupe per lavorare parallelamente: Tykwer si è occupato delle storie riguardanti gli anni ’30 e ’70, immergendosi anche nella modernità, mentre i Wachowsky hanno dedicato la loro attenzione alle storie future e al XIX secolo.

Proprio per questi incastri la trama non presenta un carattere omogeneo e regolare, anche per via dell’ampio lasso temporale: essa racchiude infatti ben cinquecento anni. I nizialmente complessa perché costruita su più livelli nei quali i protagonisti si incontrano e si scontrano reincarnandosi di volta in volta, si dipana magnificamente verso il finale, dove finalmente tutto è chiaro e l’evoluzione della storia dell’umanità viene svelata.

Ogni singolo personaggio ( un avvocato del 1849 in viaggio per il Pacifico, un compositore inglese, una giornalista che indaga negli anni ’70 su una centrale nucleare, un editore pieno di debiti, un clone e un uomo che abita in un villaggio primitivo del futuro) è collegato in un viaggio che parla di vita, morte, nascita, amore, fede, paura, coraggio e speranza, passando attraverso il passato, il presente e il futuro. I personaggi affrontano difficoltà di ogni genere, dai problemi morali a quelli di mera sopravvivenza, e, in base alle scelte che compiono, influenzano in maniera positiva o negativa il corso degli eventi dell’umanità intera.

Oltre all’avvincente storia, un cast d’eccellenza contribuisce a rendere questo capolavoro cinematografico un kolossal da non perdere. Accanto al due volte premio oscar Tom Hanks (“Philadelphia”, “Forrest Gump”,”Salvate il soldato Ryan”,”Il miglio verde” “Cast away”), troviamo Halle Berry, Susan Sarandon e Hugh Grant, sottoposti a estenuanti sedute di make-up per cambiar pelle e tratti pur di calzare i panni dei personaggi creati da Mitchell. Ottima l’interpretazione di Doona Bae, attrice coreana conosciuta in occidente per aver recitato in “Mr. Vendetta” di Park Chan Wook, qui nel ruolo di Sonmi 451, capace di emozionare lo spettatore con la sua espressività orientale.

Hanks ha definito questo film una benedizione del cielo perché si tratta di un’opportunità irripetibile per un attore, in quanto l’interpretazione di personaggi così diversi in un’unica esperienza lavorativa è una circostanza di assoluta rarità.

Chi ama i film che sfidano gli spettatori nel gioco della comprensione, non rimarrà deluso: Cloud Atlas è un eccezionale rompicapo pronto a ricompensare generosamente lo spettatore capace di cogliere al volo riferimenti a classici del genere fantascientifico (Blade Runner in primis) e capace di tenere le fila di sei narrazioni distinte ma unite dal medesimo filo conduttore.

Cloud Atlas
regia di Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski
al cinema da oggi, 10 gennaio

(di Hilary Tiscione e Ylenia Manfredi)

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“Se devi dire una bugia dilla ancora più grossa”, commedia vincitrice del prestigioso premio “Lawrence Oliver” come migliore dell’anno a Londra, debutta al Teatro Franco Parenti mercoledì 26 dicembre nella versione italiana di Luca Barcellona. Dopo il successo mondiale di “Se devi dire una bugia dilla grossa“, il commediografo e drammaturgo britannico Ray Cooney torna con un sequel che non ha nulla da invidiare all’opera precedente. Diretto dal regista Gianluca Guidi (figlio del grande Johnny Dorelli), il cast, quasi al completo, del fortunato “Chat a due piazze” (sempre di Cooney), si trova coinvolto in una serie di vicende davvero divertenti.

È una commedia molto attuale con chiari riferimenti ad alcuni fatti della nostra politica e non solo: il ministro De Mitri, interpretato da Antonio Catania, e Susanna, l’ufficio stampa del leader dell’opposizione (Miriam Mesturino), entrambi sposati, hanno una relazione estremamente segreta ed è così che dovrebbe rimanere se non fosse per i mille inconvenienti in cui malauguratamente incappano quando decidono di trascorrere una notte di fuoco nel lussuoso hotel Palace di Roma. I due, mentre si stanno preparando al loro incontro galante, scoprono infatti un cadavere (Antonio Pisu) sul davanzale della suite. Per evitare che lo scandalo dilaghi all’interno del governo e anche dell’albergo, il ministro chiederà aiuto al suo fidato segretario particolare Mario Girini (Gianluca Ramazzotti) e insieme daranno vita a una spirale di bugie e fraintendimenti combinandone di tutti i colori con la complicità dell’amante di De Mitri.

In questa situazione, a dir poco surreale, verranno coinvolti, loro malgrado, altri personaggi: una vecchia gloria quale Raffaele Pisu nel ruolo del furbo cameriere, un altro grande maestro dello spettacolo leggero italiano, Ninì Salerno, nella parte del moralista direttore dell’hotel che cerca di controllare la sarabanda di circostanze un po’ osé da cui viene travolto, svelando un risvolto decisamente a sorpresa nel finale, la moglie del ministro (Licinia Lentini), Domenico De Santi nei panni di Paolo Rolandi, marito di Susanna, che si precipita nella camera come una furia perché sospettoso della tresca fra sua moglie e De Mitri e per finire, la Signorina Levi (Selene Rosiello), infermiera a domicilio con forte accento tedesco della madre di Girini.

Uno spettacolo, dunque, dissacrante, satirico, che s’inserisce nella più grande tradizione del teatro brillante, con attori di grandissimo spessore che assicurano che si ride tanto!

Per la serata di Capodanno, il Teatro Franco Parenti farà il bis con due repliche; nella seconda è previsto un brindisi d’auguri per festeggiare tutti insieme la fine dell’anno e l’arrivo di quello nuovo.

Teatro Franco Parenti
Via Pier Lombardo, 14, Milano
dal 26 dicembre al 6 gennaio
mercoledì alle ore 19.30
da giovedì a sabato alle ore 21.15
domenica alle ore 16.30
lunedì 31 dicembre alle ore 19.30 e 22.30
martedì 1 gennaio alle ore 18.30

I biglietti sono acquistabili sul sito di TicketOne e direttamente alla biglietteria del teatro.

(di Giulia Bellini)

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Torna a recitare il premio oscar Clint Eastwood, nel ruolo da protagonista, diretto da Robert Lorenz, suo assistente alla regia in molti dei suoi film. Come in “Million dollar baby” (pellicola di grande successo del 2004, vincitrice di quattro premi Oscar, diretto e interpretato proprio da Eastwood), in “Di nuovo in gioco” l’attore veste nuovamente i panni di un importante talent scout sportivo (Gus Lobel).

Questa volta lo sport al centro della trama è il baseball. Gus è capace di scovare talenti anche da un aereo, ma secondo i proprietari degli Atlanta Braves per lui è ormai giunto il momento di andare in pensione. Ma lui si rifiuta di finire “in panchina” e la voglia di rimanere in gioco è tanta, come lo sono le difficoltà dovute all’età avanzata. La vista, per esempio, non è più quella di prima. Però, Gus ha una carta vincente che ignora ancora: la figlia Mickey (Amy Adams, attrice già nominata all’Oscar per “The Fighter”), che gli propone tutto il suo aiuto. Nel percorso che affronteranno insieme, padre e figlia avranno modo di rimettere pace nel loro rapporto divenuto estremamente tormentato dopo la morte della madre. Mickey metterà da parte la sua promettente carriera da avvocato per aiutare quella del papà e per la buona riuscita della sua ultima impresa. La passione per il baseball avvicinerà i due, colmando quelle lacune che li avevano fatti allontanare: Gus e Mickey avranno quindi modo di mettersi in gioco anche nella vita oltre che in campo.

Nel cast anche Justin Timberlake nel ruolo dello scout rivale di Eastwood, la cui presenza è ancora una volta una garanzia. Le sue interpretazioni ( tra le tante cito “Gli spietati”, “Mistic River”,”Gran Torino”,”I ponti di Madison County”) sono ormai considerate parte significativa della storia del cinema nel mondo.

(di Hilary Tiscione)

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In un’Ostia grigia e uggiosa, l’occhio indagatore della telecamera segue, quasi sbattendoci contro, l’Alì moderno di questo film, Nader (Nader Sarhan). Il ragazzino, musulmano per nascita, ma pienamente occidentale per tutto il resto, trascorre quella che sarà la settimana di ribellione destinata a cambiare per sempre la sua vita.

Tutto inizia con uno sgarro: un coprifuoco non rispettato significa infrangere le rigide regole familiari e necessita una punizione per meditare sull’errore, come per esempio dormire fuori dalla porta di casa. Questa è solo la goccia che fa traboccare il vaso, colmo di trasgressioni che Nader compie, sprezzante dello stile di vita che gli viene imposto. Non ci pensa troppo a lungo prima di rubare o accoltellare un coetaneo durante una rissa, né tanto meno di non cedere al ricatto dei genitori lasciando la fidanzata di origini italiane, nonostante la madre gli ripeta più volte: “Loro non sono cattivi, ma noi siamo diversi in tante cose, soprattutto nella religione”. Eppure Nader di tutte queste storie non ne vuole proprio sapere: mangia carne di maiale, indossa lenti a contatto azzurre e quando i genitori lo lasciano fuori casa commenta: “Come fai a lasciare un figlio fuori casa, lo vedi che sono proprio arabi?”.

Quella che appare come una guerra contro tutti, si rivela essere anche un lacerante conflitto interiore: Nader è davvero così occidentale come crede? È infastidito quando la sua “pischella” (Brigitte Apruzzesi) indossa la minigonna e quasi spara al suo migliore amico, Stefano (Stefano Rabatti), colpevole di aver baciato sua sorella. Lei è una donna musulmana non può avere una relazione come lui. Il dubbio si scioglie l’ultimo giorno del racconto, venerdì (non un giorno a caso, è infatti il giorno di preghiera per i musulmani), quando il ragazzo si reca alla moschea, vede la madre in lacrime e scappa di corsa dalla sua ragazza: questa volta le lacrime scendono a lui. Il dramma si è sciolto e la battaglia interiore si chiude con una scena silenziosa e quasi malinconica: la famiglia di Nader, a cena dopo la consueta preghiera, siede intorno a un tavolo preparato inutilmente per quattro. Un posto, il posto del nostro Alì, rimarrà vuoto, per sempre.

Il regista, Claudio Giovannesi, non può non pensare all’Alì di Pasolini, personaggio simbolo della lotta (sempre inevitabile) per l’integrazione, e vince per la grande aderenza alla realtà, proponendo un film ricco di silenzi necessari (mai una parola di troppo, aggiunta solo per colmare il vuoto) e lasciando ai personaggi i nomi originali degli attori che li interpretano. Un film dalla nuda e cruda realtà, che paradossalmente rappresenta una storia di non accettazione della stessa; e non è un caso che nella scena in cui Nader e Stefano rubano i soldi a una prostituta, decidano di indossare una maschera, quella maschera che Nader deciderà di indossare anche tutti gli altri giorni, insieme alle sue lenti a contatto azzurre.

(di Marina De Faveri)

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“Nel bene o nel male, purché se ne parli”. Così parafrasa un brano de “Il ritratto di Dorian Gray” di Oscar Wilde e a giudicare dalla bagarre scoppiata al Festival del cinema di Roma dopo la visione di “E la chiamano estate”, titolo che ricalca l’omonima canzone di Bruno Martino del 1965, sembrerebbe proprio che il regista Paolo Franchi si sia ispirato a questa celebre citazione.

O forse no, si è semplicemente lasciato guidare dal sacro fuoco dell’arte, cercando e sperimentando nuove strade anticonformiste per sfuggire all’appiattimento creato dalla tv (come lui stesso ha dichiarato) e poco importa se il film non arriva a tutti per il suo linguaggio un po’ troppo ermetico. Questi tutti sono coloro che all’anteprima hanno fischiato e deriso con risa e fischi la pellicola in concorso, mentre la giuria, formata dai temerari Valentina Cervi e P.J.Hogan tra gli altri, ha premiato il regista e Isabella Ferrari come miglior attrice di un film coraggioso che non pretende il consenso a ogni costo. A tale avventura ha partecipato, per la prima volta, anche Nicoletta Mantovani in veste di produttrice per “Pavarotti International”, la cui figlia, Alice, ha recitato una piccola parte.

Ciò che colpisce, che fa arrabbiare, che desta stupore e che scandalizza non sono tanto le scene di sesso più o meno hard nei club per scambisti o quelle con prostitute e trans, che costituiscono buona parte del film, quanto piuttosto il paradosso di una storia d’amore considerata speciale, unica, irraggiungibile, ma basata sulle menzogne del protagonista, Dino, stimato anestesista, interpretato da Jean-Marc Barr, che non riesce a far l’amore con la persona che ama, sfogando, così, le sue pulsioni con donne a pagamento o mogli altrui, con tanto di complicità dei mariti, come il bel Filippo Nigro.

Difficile per il pubblico femminile non risentirsi di fronte a una donna come Anna (Isabella Ferrari) che, nonostante scopra le “porcherie” – da lei così definite davanti allo psicanalista – del marito, continua ad amarlo e a sentirsi amata proprio in virtù della disperazione del suo uomo. Altrettanto assurdi sono poi i tentativi di convincimento di Dino agli ex di sua moglie (tra cui spicca Luca Argentero) per farli riavvicinare a lei, o le suppliche direttamente a Anna, mentre lo accarezza, di farsi un amante. Lei, paradossalmente, non si scompone nè scandalizza. Ma risponde: “Io voglio solo te, se chiudo gli occhi non vedo che te”.

Per dare maggior risalto al tormento vissuto dal protagonista, Franchi ha utilizzato alcuni artifici stilistici che rivelano lo sforzo innovativo che percorre l’intera pellicola: le scene che ritraggono i due innamorati nella loro casa, dove predomina il bianco, sono volutamente offuscate, quasi a voler sottolineare un senso d’irrealtà ed esclusività che sottende la loro storia. Inoltre l’intera vicenda non segue un lineare sviluppo cronologico, ma il tempo appare dilatato e circolare alla maniera di Bergson, come spiega il regista, e la lettera d’addio di Dino, prima dell’estremo gesto,  letta e riletta a più riprese quasi fosse una sorta di refrain, ne è un chiaro esempio così come le fotografie che ritraggono istanti della vita dei due personaggi principali descritte e commentate da voci fuoricampo.

È un cinema d’autore  quello di Franchi, che piaccia oppure no, e come tale è provocatorio, irriverente, scomodo, ma se non altro scuote gli animi e le menti.

(di Giulia Bellini)

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