Goliarda Sapienza: femminista folle

Dall’1 al 6 giugno al Teatro Franco Parenti sarà possibile entrare nella mente di una donna molto speciale, controcorrente e poliedrica, attrice, scrittrice, femminista, rivoluzionaria, disperata amante, buffona, psicologicamente instabile: Goliarda Sapienza.

Il filo della storia psichica di Goliarda Sapienza

Attraverso le pagine del romanzo postumo Il filo di mezzogiorno (1969), la sceneggiatrice Ippolita di Majo ci accompagna in un difficile e tortuoso viaggio attraverso la psiche di questa scrittrice, nel tentativo di dipanare la matassa, di trovare e seguire il filo della sua storia di donna, di amante, di malata di mente.

Non è stato facile per la sceneggiatrice cercare di fare chiarezza sulla storia psichica di Goliarda Sapienza, che dopo essere caduta in una pesante depressione, sfociata in un tentativo di suicidio, si sottopone a degli incontri con uno psicoterapeuta e all’elettro-shock. Il romanzo è infatti testimonianza di uno dei primi, maldestri e violenti approcci italiani alla psicanalisi; un tentativo, questo, che non avrà un esito felice.

La regia di Mario Martone

Per rappresentare le due facce della malattia mentale, il regista teatrale e cinematografico Mario Martone (L’amore molesto, Il giovane favoloso e Capri-revolution) opta per una scenografia “manichea”, che fa da contraltare alle uniche due presenze in scena, Donatella Finocchiaro nei panni di Goliarda e Roberto de Francesco nei panni dello psicoterapeuta; la stanza viene divisa in due parti, l’una è la sua casa, il luogo della realtà, della quotidianità, della relazione; l’altra parte, vuota, oscura, rappresenta i meandri dell’inconscio della protagonista, in cui lei stessa si perde per non trovarsi mai più. 

Il groviglio inestricabile e inspiegabile dell’animo umano

Due persone, una mente da esplorare, studiare, dissezionare, una stanza divisa a metà: uno spettacolo apparentemente semplice, con pochi elementi, ma che nascondono dietro di essi tutta la complessità, il groviglio inestricabile e inspiegabile dei sentimenti, delle gioie, dei dolori e incubi dell’animo umano. 

di Alessandra Baio

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L’Arteterapia si basa sulla centralità della dimensione espressiva all’interno del processo artistico. Questa potenzialità dell’arte permette di farci entrare in contatto con dimensioni dell’esperienza che faticano ad emergere con le sole parole. Inoltre, consente di dare loro forma e colore e di tradurle in un codice condivisibile.

La nascita dell’Arteterapia

Fin dai tempi antichi la storia delle arti creative si è spesso intrecciata con quella della salute mentale. Gli antichi Greci credevano che il teatro e la musica potessero favorire la catarsi e aiutassero a liberare le emozioni represse. Dal Rinascimento l’opera d’arte viene considerata come una sorta di strumento terapeutico che consente l’esprimersi di una realtà che, altrimenti, avrebbe potuto portare alla follia. Nel XX secolo si delinea la concezione di arteterapia così come viene intesa oggi grazie all’avvento della psicoanalisi e al contributo di Freud e Jung. L’opera artistica è considerata l’espressione dell’inconscio e come un derivato del processo di sublimazione degli istinti di base.  Le immagini esprimono i conflitti e i tormenti interni, che in questa nuova veste appaiono più comprensibili, e quindi più facilmente interpretabili. La relazione terapeuta-paziente gioca un ruolo importante nel processo terapeutico e il prodotto artistico diviene lo strumento che rafforza tale relazione.

Nel cuore dell’Arteterapia

L’Arteterapia favorisce la conoscenza di sé e delle proprie potenzialità, rendendo possibile l’integrazione di tutte le risorse di cui disponiamo per poter vivere meglio. I materiali e le tecniche che il paziente utilizza gli consentono di esprimere, plasmare ed esternare il mondo interiore. Attraverso la relazione con il terapeuta la persona può raggiungere una nuova visione di tale difficoltà, poiché affiancata nella comprensione e risoluzione delle proprie problematicità. L’arteterapeuta deve saper accogliere, legittimare e amplificare i messaggi dell’altro con parole, disegni e consigli. Infatti, quello che conta è la comprensione e l’accettazione di ciò che il paziente intende comunicare con la propria opera. Ciò che viene prodotto non subisce interpretazioni, poiché si estrapola il significato attraverso il colloquio, cosicché il paziente possa ricercare il messaggio della propria creazione. L’Arteterapia svolge dunque la funzione non solo di trattamento di eventuali patologie, ma anche di trasformazione, evoluzione e di crescita personale dell’individuo.

L’arte è uno strumento potente che consente di esprimere la nostra interiorità, non sopprimiamolo, ma lasciamo che prenda la sua forma!

di Alice Garzonio

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Per questa stagione d’opera, il Teatro alla Scala di Milano ospiterà Elektra, tragedia in un atto, con musiche di Richard Strauss e libretto di Hugo von Hofmannsthal. Messa in scena fino al 29 novembre, comprenderà una data, il 23 novembre, che sarà indirizzata al pubblico under 30, con un prezzo decisamente ridotto. Un modo per permettere, anche a chi non mastica spesso un’opera lirica, di poter entrare nel vivo di questa tragedia e assaporarla appieno.

Elektra, direzione e regia

La direzione è stata affidata al maestro Christoph von Dohnányi. Berlinese e protagonista indiscusso della vita musicale e teatrale della seconda metà del Novecento, è considerato uno dei maggiori esponenti della musica contemporanea. Ma la parte più interessante di questa rappresentazione è sicuramente la regia di Patrice Chéreau. La Scala ha deciso di omaggiare il famoso registra, a cinque anni dalla sua scomparsa, riprendendo punto per punto l’allestimento creato nel 2013.

Per quanto riguarda le scenografie, non si poteva fare scelta diversa da Richard Peduzzi. Questa rappresentazione è considerata una delle più ben riuscite produzioni dei nostri tempi, come ha affermato il New York Times nel 2016. Un modo di presentare il personaggio di Elettra che riesce a enfatizzare il suo dolore e quella che sarà poi la sua follia. Per questo difficile ruolo è stata scelta Ricarda Merbeth, che già aveva calcato il palcoscenico della Scala interpretando Leonore in Fidelio.

L’opera

La prima rappresentazione di Elektra al Teatro alla Scala risale all’aprile del 1909, pochi mesi dopo la prima rappresentazione in assoluto alla Königliches Opernhaus. La tragedia scritta da Sofocle è ambientata subito dopo la Guerra di Troia a Micene, patria di Agamennone. Il sentimento d’odio pervade tutta la tragedia e sarà proprio quello, insieme all’invidia, a spezzare la famiglia di Elettra, la vittima di quest’opera. Prima isolata e maltrattata, si trova poi in un momento di quasi rivincita data dalla riapparizione dell’amato fratello Oreste. Insieme riescono a porre fine alla loro sofferenza solo grazie alla vendetta. Elettra, però, troppo provata da queste emozioni che la pervadono, sprofonda in una danza folle che la condurrà con serenità alla morte.

Il libretto di Strauss

Strauss interpreta l’intensità di queste scene con dei componimenti forti e inquietanti. La sua è un’interpretazione moderna di un mito antico, e lo fa creando delle armonie musicali che rendono tutto decisamente ipnotico. Decide di dare un’immagine della Grecia completamente diversa dal paradiso aureo che era sempre stata, e la trasforma in un luogo cupo e barbarico. Strauss, inoltre, riesce a trattare questi temi in maniera molto contemporanea per il tempo, grazie agli studi di quegli anni sulla psicanalisi e sull’isteria femminile.

Per il contorno, il compositore mantiene la sua concezione musicale basata sulla sorpresa, creando una macchina perfetta che rende questa opera una rivoluzione. Odio, passione, vendetta, famiglia e follia, tutti ingredienti che formano un’opera dal valore storico e culturale molto forte. Una tragedia che si presta ad essere completa in ogni suo aspetto, non farsi trascinare da essa sarebbe una pazzia talmente grande che potrebbero scriverci un’opera.

di Eleonora Valente

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Sembrerebbe l’ennesima romantic comedy americana, leggera, divertente e senza tante pretese e invece Ruby Sparks , il nuovo film di Jonathan Dayton e Valerie Faris, è molto di più. I due registi, a sei anni di distanza dal fortunato “Little Miss Sunshine”, tornano a dirigere un ormai cresciuto e talentuoso Paul Dano insieme alla fidanzata Zoe Kazan, nipote del celebre Elia, nonché sceneggiatrice di quest’ultima pellicola presentata al Festival del Film Locarno e al Torino Film Festival.

Ruby Sparks è il nome della ragazza, interpretata dalla Kazan, creata dalla fervida immaginazione dello scrittore Calvin Weir-Fields (Paul Dano) dietro suggerimento del suo psicanalista, il Dottor Rosenthal (Elliott Gould), per superare una crisi creativa in piena regola dopo il clamoroso successo del primo romanzo. E così, giorno dopo giorno, la giovane prende forma nella mente e nel cuore del protagonista, nonché sulle pagine finalmente non più bianche, finché una mattina Calvin se la ritrova nella cucina del suo appartamento, intenta a far colazione con una tazza di corn flakes in mano. Come la statua d’avorio scolpita da Pigmalione si trasformò in una fanciulla in carne e ossa grazie al tocco divino di Afrodite (secondo il mito di Pigmalione, appunto, cui la Kazan ha confessato di essersi ispirata), così Ruby, personaggio inventato, diventa una ragazza a tutti gli effetti, ma completamente dipendente dalla volontà del suo autore.

Quale uomo non desidererebbe realizzata tale fantasia? Uno di questi è sicuramente il fratello di Calvin, Harry (Chris Messina), eppure un amore nato con queste premesse non è poi tanto perfetto come si potrebbe pensare… Calvin è infatti combattuto tra smettere di scrivere per lasciare Ruby libera di fare le proprie scelte (ma ciò comporta un inevitabile allontanamento della donna dei suoi sogni) e continuare nel suo racconto governando, così, ogni pensiero e azione della sua “creatura” che senza di lui ovviamente non sa stare e finisce per diventare appiccicosa. La svolta arriverà quando Ruby capirà di non essere davvero reale, ma di vivere la vita che Calvin ha deciso per lei. Con la sua scomparsa, Calvin riuscirà a terminare il romanzo che, come lui stesso dirà, “è la storia vera e impossibile del mio grandissimo amore”, ottenendo nuovamente il consenso del pubblico. Fra i due c’è, però, ancora molto in sospeso e questa volta Calvin incontrerà una Ruby con una propria identità, che non si lascia comandare a bacchetta ma che sarà, nel bene o nel male, semplicemente se stessa e dovrà relazionarsi, come tutti, senza trucchi né inganni, con una compagna che potrebbe contrariarlo e persino insultarlo ma che se lo amerà, sarà solo perché lo vorrà veramente.

L’espediente magico serve,quindi ad approfondire, in modo lieve ed esilarante, argomenti importanti e forse ancora poco esplorati quali la natura purtroppo egoista dell’amore, il controllo, il potere e il senso di superiorità esercitati, in questo caso e come spesso accade, da un uomo all’interno di una coppia.

Da non dimenticare sono poi le interpretazioni di Annette Bening e Antonio Banderas nei rispettivi ruoli della madre di Calvin e del suo convivente, un duo hippie e stravagante quanto basta da conferire il giusto brio a una commedia già pienamente riuscita.

(di Giulia Bellini)

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In parte sarà per i viaggi, in parte per la massiccia immigrazione che ha silenziosamente colonizzato l’occidente, ma è innegabile che ci troviamo di fronte a un crogiolo di culture e di razze mai visto prima. Roma aveva aperto molti orizzonti con le sue conquiste, popolazioni barbare avevano invaso l’impero agonizzante portando mutamenti culturali e sociali. Poi Marco Polo e Cristoforo Colombo, con le loro scoperte di aree geografiche nuove, avevano dato ulteriori aperture, ma nulla di paragonabile alla situazione che stiamo vivendo. Complice di questo abbattimento di barriere è stato sicuramente internet: possiamo parlare con tutto il mondo, qualunque notizia ci arriva in tempo reale. Si consumano storie d’amore a migliaia di chilometri di distanza e, a volte, per periodi non troppo lunghi, può funzionare, perché la sera ci si può anche dare il bacio della buonanotte in diretta, con la web-cam.

Viviamo ormai in un villaggio globale. All’inizio sembrava interessante, addirittura stimolante, poi si è scoperto che non tutto era così facile. Le culture sono tante, le possibilità di fraintendersi pure. Ognuno ha le proprie regole, ognuno ha il proprio Dio. Impossibile andare d’accordo? Dobbiamo richiudere tutto?

Ormai non è più fattibile. Allora, proviamo a capire come può funzionare. Abbiamo parlato di ‘villaggio globale’ a cui siamo arrivati. Ebbene oggi sappiamo che da un villaggio globale siamo anche partiti. Le bellissime ricerche genetiche e antropologiche, di cui anche l’italiano Cavalli-Sforza è stato partecipe, hanno dimostrato che la razza umana è partita da un punto tra l’Africa e il Medio Oriente e da lì si è diffusa in tutto il pianeta. Il nostro patrimonio genetico, il DNA, ce lo dimostra. E anche le lingue, così come le culture e le religioni, si sono diversificate man mano che si allontanavano dal punto di origine, con evoluzioni più o meno rapide a seconda dei popoli o dei luoghi, in rapporto anche alla minor o maggior facilità di vita.

Ma non ci siamo differenziati più di tanto nei bisogni psicologici più profondi. Ogni popolo ha utilizzato ciò che lo circondava creando forme, immagini, mode, dipendentemente dall’ambiente intorno, dai materiali che poteva trovare, ma il modo di capire, intendere, amare, i bisogni più veri sono sempre stati gli stessi. Ce lo dimostra il linguaggio universale che il grande psicanalista E. Fromm ha così ben studiato, che ancora tutti comprendiamo e che tutti parliamo ogni notte, nei sogni: il linguaggio simbolico dell’inconscio, fatto di immagini archetipe, antiche quanto la storia dell’uomo.

E allora impariamo a vivere questa globalizzazione come un vero arricchimento, quale è.

Rispettiamo le culture degli altri, ma insegniamo anche agli altri a rispettare la nostra, perché la vera ricchezza è unire le diversità, ma lasciando, apprezzando, a volte anche esaltando le caratteristiche, i valori di ognuna. Non un amalgama informe, ma tanti piccoli capolavori. Questo è ben apprezzabile sia nei popoli sia negli individui che hanno imparato a farlo, come dimostrano le coppie che funzionano, in cui l’uno non viene appiattito e schiacciato dall’altro, ma ognuno è valutato e apprezzato per ciò che sa e può dare. Come ci dimostra la moda con i suoi colori, le sue forme diverse, ma ugualmente affascinanti e seduttive, da qualunque parte del mondo arrivino.

(di Marina Zaoli)

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“… e presto fu tardi nella mia vita” dice Marguerite Duras in uno dei suoi romanzi. Pare essere questa la sensazione comune di chi arrivato a un punto cruciale della propria esperienza di vita chiede aiuto a quella forma di cura che il Novecento ha scoperto al capezzale del sofferente: la psicanalisi. Alcuni eventi hanno assunto nella vita del soggetto il valore di trauma. Non sempre si tratta di situazioni che il senso comune potrebbe agilmente definire come tali, bensì di accadimenti che non sembrano scostarsi grandemente dalla quotidianità. Basta ricordare il caso celebre di Anna O. colpita dall’immagine della governante a lei antipatica che fa bere il cane da un bicchiere. Questa scena in sé non particolarmente “forte” pare essere all’origine del sua successiva difficoltà ad alimentarsi e soprattutto a bere; sintomo che insieme ad altri malesseri la porteranno a chiedere aiuto. Il suo tempo sembra essersi fermato là, davanti a quell’immagine che seppur inconsueta non sembrerebbe avere in sé nulla che possa dirsi appunto traumatico. Anna O. continuerà a tornare a quel momento, non ricordandolo ma impedendosi di bere; in questo senso il suo tempo si ferma e un periodo non breve della sua vita sarà dominato dal “ruotare” attorno all’indicibile di quel momento. Ricordiamo infatti che Anna O., per educazione, era rimasta in silenzio di fronte a quella scena per lei tanto raccapricciante. Proprio il poter dire,  durante la cura analitica, dell’orrore provato in quell’occasione pare portare alla scomparsa del sintomo. Non voglio addentrarmi nella valutazione degli esiti del caso su cui tanto si è scritto, ma porre un interrogativo circa il fatto che la scomparsa del sintomo sia il vero,  essenziale e incontrovertibile esito positivo di una cura psicologica. Vi sono infatti sintomi assai resistenti a cui i soggetti restano fissati per anni, altri che – come anni fa mi diceva un mio anziano maestro –  “non vanno via”, altri ancora che “se ne vanno” ma per lasciare il posto a maggiori sofferenze; è sovente il caso delle giovani oggi colpite dai cosiddetti disturbi alimentari che “guarite” da questi precipitano in profonde depressioni. In breve, a volte il sintomo è come l’aria inquinata e malsana che il paziente respira, ma pur sempre di aria si tratta e guai a privarlo di ciò che per lui è comunque vitale. Il buon esito pare dunque non essere così eclatante, certamente distante da una guarigione miracolosa, probabilmente più attinente al rendere il paziente avvertito della presenza dell’inconscio che lo pungola e capace di negoziare con lui dandogli parola.

Marco Farina

Psicoterapeuta

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