Nel panorama contemporaneo, moda e arte non sono più discipline parallele, ma linguaggi intrecciati che si alimentano reciprocamente. Le passerelle si trasformano in installazioni, gli abiti diventano opere concettuali, e i musei accolgono la moda come una delle espressioni artistiche più rilevanti del nostro tempo. Il 2026 conferma questa tendenza con una serie di collaborazioni, sfilate e mostre che sanciscono definitivamente la fusione tra estetica sartoriale e ricerca artistica.

Le passerelle come spazi artistici

Le ultime fashion week hanno evidenziato un approccio sempre più curatoriale alla sfilata. Non si tratta più solo di presentare collezioni, ma di costruire narrazioni visive complesse. Emblematico è il lavoro della designer Simone Rocha, che nelle sue recenti collezioni ha incorporato riferimenti diretti all’arte contemporanea, come le opere di Louise Bourgeois, traducendone le suggestioni in silhouette scultoree e tessuti evocativi. Il suo atteso debutto maschile al Pitti Uomo 2026 promette di proseguire questo dialogo tra identità, corpo e forma artistica.

Restiamo alla London Fashion Week, dove Erdem, in occasione della collezione Autunno Inverno 2025, ha portato in passerella le opere dell’artista contemporaneo Kaye Donachie. Erdem Moralıoğlu aveva commissionato all’artista un ritratto della madre defunta, solo anni dopo ha pensato di riprodurre le figure femminili eteree dell’artista, stampandole direttamente sui capi, fondendo pittura e sartoria. 

Il 2025 è stato l’anno del centenario della nascita dell’architetta Cini Boeri, che in occasione di Prada Invites, nel 2018 disegnò per la griffe italiana un accessorio in nylon che rivive in 100 pezzi. Nacque una borsa fatta di tasche, maniglie per alzarla e una buona e semplice struttura interna. Quest’anno potrebbe arrivare una mostra celebrativa dell’architetta rivoluzionaria in Triennale. 

Le mostre da non perdere nel 2026

Se le passerelle rappresentano il presente, le mostre offrono una chiave di lettura critica e storica di questo dialogo tra moda e arte. Il calendario espositivo del 2026 è particolarmente ricco e internazionale.

Tra gli appuntamenti più rilevanti:

• Schiaparelli: Fashion Becomes Art al Victoria and Albert Museum di Londra, che celebra la visione surrealista della stilista, pioniera nel trasformare l’abito in opera d’arte.
• Westwood/Kawakubo: Icons of Rebellion alla National Gallery of Victoria di Melbourne, un confronto tra due figure rivoluzionarie che hanno ridefinito il linguaggio della moda.
• Alaïa: L’Art de la ligne e The Antwerp Six, mostre che esplorano il rapporto tra costruzione sartoriale e ricerca artistica.
• La grande esposizione Costume Art al Metropolitan Museum of Art di New York, che mette in dialogo capi di moda e opere d’arte attraverso cinquemila anni di storia, ridefinendo la moda come medium artistico a tutti gli effetti.

In Italia, Milano si conferma capitale di questo dialogo con una serie di mostre che attraversano moda, arte e design:

• Giorgio Armani. Milano, per amore alla Pinacoteca di Brera, dove il percorso dello stilista dialoga con il patrimonio artistico della città.
• Giorgio Armani Privé agli Armani Silos, un’immersione nell’alta moda come forma d’arte contemporanea.
• Tacchi su tela: Manolo Blahnik tra arte e colore, progetto che trasforma la calzatura in soggetto pittorico.

Da segnalare anche EXPOSURE a Trieste, che apre le sue porte il 26 marzo, dedicata al ruolo creativo dello stylist, figura chiave nel costruire l’immaginario visivo della moda contemporanea.

L'articolo Moda e Arte: un dialogo in continua evoluzione proviene da Gilt Magazine.

In un periodo in cui le grandi multinazionali giocano alla fashion roulette per trovare il giusto direttore creativo che faccia rialzare gli introiti, e il senso dell’arte nella moda sembra venire meno, i musei rispondono all’esigenza di riconnettersi con la ricerca della bellezza. Non basterebbe un giro intorno al mondo per ammirare i musei dedicati alla moda, ma se un viaggio è quello che avete in programma, che sia in America, in Europa o in Italia, questo sarà un anno costellato da grandi esposizioni, alla scoperta dei nomi e delle fogge che hanno fatto la storia.

Le più attese a New York

In ordine geografico e cronologico è il continente americano che nel mese di gennaio ha inaugurato una mostra dal tema insolito ma decisamente interessante e curioso. Statement Sleeves presso il Museo del Fashion Institute of Technology di New York omaggia un dettaglio di cui si parla poco ma che ha assunto nel corso della storia del vestiario vari significati e un’espressione di status symbol e di stile: le maniche. Cristóbal Balenciaga ne era ossessionato; stilista che mai avrebbe ceduto al pret-à-porter, le rendeva più che perfette fino all’attimo prima del defilè. Da quelle a campana, raglan, a palloncino, con spalline o di ruches, firmate da Madame Grès, Marc Bohan per Dior, Hubert de Givenchy e molti altri, saranno in mostra fino al 25 agosto 2024.

Il MET Gala

L’esposizione più attesa dell’anno sarà quella che verrà inaugurata il 10 maggio successivamente al MET Gala, che si terrà come di consueto il primo lunedì di maggio, il 6. Il red carpet avrà come tema The Garden of Time, al quale seguirà la cena finalizzata alla raccolta fondi del Costume Institute del Metropolitan Museum di New York. Il titolo della mostra sarà invece Sleeping Beauties: Reawakening Fashion, in cui sarà centrale la natura e il suo potere di rinascita e rinnovamento; suddividendosi nelle tematiche Terra, Mare e Cielo, sarà visitabile fino al 2 settembre 2024.

L’offerta delle capitali europee della Moda

Questo 2024 è iniziato con la riapertura delle porte del Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti di Firenze dopo quattro anni, per merito di Eike Schmidt. Un palazzo che ha fatto la storia del pret-à-porter italiano grazie alla lungimiranza dell’imprenditore Giovanni Battista Giorgini e alla prima sfilata di moda presso la Sala Bianca nel 1951. Saranno allestite 50 creazioni e innumerevoli accessori firmati Armani, Chanel, Elsa Schiaparelli, Emilio Schubert, Ferrè, Mariano Fortuny, Prada e Versace, e si attende l’apertura di altre sale questa primavera; una ripartenza in continuo rinnovamento che non vedevamo l’ora di riavere.

Restando in Toscana, riprende uno spazio che mai gli è stato propriamente riconosciuto lo stilista Walter Albini; noto a pochi, è considerato il padre del pret-à-porter italiano passando dall’atelier alle industrie, dopo gli inizi come illustratore. Sarà fruibile dal 23 marzo al 22 settembre 2024 presso il Museo del Tessuto di Prato.

Sarà la prima volta al museo anche per Dolce&Gabbana, che con l’esposizione Dal Cuore alle Mani: Dolce&Gabbana, curata da Florence Müller, festeggiano i loro 40 anni di carriera al Palazzo Reale di Milano, dal 7 aprile al 31 luglio.

Parigi

Un’offerta in costante aggiornamento è quella della capitale francese, con ben quattro appuntamenti. La moda ospite del tempio dell’arte contemporanea, il Centre Pompidou fino al 23 aprile con La traversée des apparences, quand la mode s’invite au national d’art moderne in cui 17 creazioni di moda di Christian Dior, Chanel, Iris van Herpen, Azzedine Alaïa, Thebe Magugu, Jean-Paul Gaultier e altri dialogheranno con le opere del museo.

Attualmente in corso fino al 28 aprile al Musée des Arts Décoratifs di Parigi, anche Iris van Herpen; un nome, un brand che racchiude sperimentazione, alta moda e alta tecnologia. 

Leggerezza ed eleganza in autentico stile parisienne saranno in mostra fino al 25 agosto con Transparences – Le pouvoir des matières presso il Museo Yves Saint Laurent di Parigi, un altro dei temi che si susseguono all’interno del museo dedicato allo stilista della seduzione androgina e sussurrata. 

Non molto distante, vale una corsa al Palais Galliera, dove si mette in risalto la moda che lascia libertà di movimento attraverso l’abbigliamento sportivo, con La Mode en mouvement, dal 16 giugno 2023 al 7 settembre 2025.

Londra

E come lei stessa è abituata a fare in passerella, chiude questa sfilza di appuntamenti la top model Naomi Campbell, con una mostra dedicata ai suoi look più iconici che si terrà a Londra, al Victoria & Albert Museum, dal 22 giugno 2024 al 22 aprile 2025. Come si chiamerà? Semplicemente Naomi.

Quando quella che sembra la fine di un abito, perché non è più indossato, non è altro che l’inizio della sua contemplazione.

L'articolo Moda al Museo 2024 proviene da Gilt Magazine.

Terminato il Fashion Month, Milano si prepara ancora una volta al consueto susseguirsi di settimane che animeranno la città premiando e promuovendo la creatività del nostro Paese. Stiamo parlando della Milano Art Week e della Design Week, dove anche il settore moda riuscirà a contraddistinguersi specialmente con alcuni brand e le loro linee Home. E infatti, in termini di arredamento, allestimento degli spazi espositivi e ospitalità, le grandi griffe si sono già date molto da fare in occasione della presentazione delle collezioni Autunno Inverno 2023.

Cosa rende tale un’opera d’arte? Forse il suo essere fruibile e liberamente interpretata dal momento in cui è stata creata fino all’infinito dei suoi giorni? Ed è per lo stesso motivo forse che un capo evergreen diventa tale? La moda e l’arte hanno sempre più elementi in comune, soprattutto quando si tratta di celebrazione dell’artigianalità e quindi del lavoro manuale, e quando si vuole veicolare un preciso messaggio. 

La Parata di Bottega Veneta e le sculture italiane

Il messaggio veicolato a Milano dallo stilista Matthieu Blazy, direttore creativo di Bottega Veneta, è stato ancora una volta l’omaggio all’Italia. Paese di parate, religiose e pagane, uniscono il popolo con un comune denominatore e portano in piazza la loro irripetibile varietà.

È così la sfilata di Blazy: capi completamente diversi tra di loro che sfilano tra i Corridori di Ercolano, copia romana del primo secolo a.C. di una coppia di statue greche ritrovate negli scavi della Villa dei Papiri Ercolano prestati dal Museo Archeologico Nazionale di Napoli, e la scultura futurista Forme uniche della continuità nello spazio di Umberto Boccioni del 1913, già fonte di ispirazione della collezione Primavera Estate 2023. Il tutto su una moquette dal motivo maculato che riprende i pavimenti dei palazzi veneziani e il gusto preferito dello stilista, la stracciatella alla menta, facendo accomodare gli ospiti sulle sedie Superleggere di Gio Ponti. Come essere al museo.

Il mondo onirico di Joana Vasconcelos per Dior

Dall’atmosfera decisamente più onirica è invece l’allestimento scelto da Maria Grazia Chiuri per veicolare ancora una volta il suo messaggio femminista. Un’altra artista donna, la portoghese Joana Vasconcelos, nota per le sue installazioni che trasformano oggetti e stanze in luoghi immaginari grazie all’utilizzo di pizzo, crochet e pattern floreali che distinguono il suo patchwork da ogni altro.

Valkyrie Miss Dior è stata denominata l’opera, sfruttando il significato mitologico che si cela dietro a questa parola di origine nordeuropea che definiva quelle donne che avevano il potere di decidere le sorti degli uomini in guerra. Gocce che cascano dal soffitto come morbide stalattiti hanno condotto gli spettatori, accomodati su divani dalle forme astratte, a godere della collezione ispirata ad altrettante donne francesi che hanno fatto la storia come Edith Piaf, cantante iconica, Catherine Dior, sorella dello stilista a cui è stata dedicata la fragranza Miss Dior, e Juliette Gréco, attrice e cantante.

Le passerelle continuano a voler ampliare il loro effetto sorpresa e il fattore coinvolgimento, e questa sembra proprio essere la strada giusta.

L'articolo L’incontro dell’Arte e della Moda tra Milano e Parigi proviene da Gilt Magazine.

Arte/Moda

Mercoledì 23 marzo 2022 dalle ore 18.30 ci sarà un incontro alla libreria della Fondazione Sozzani con Claudia Migliore, curatore di arte e fotografia e Nadia Nava, in occasione della presentazione del suo libro, dal titolo “Arte/Moda”, pubblicato da SilvanaEditoriale.

Nadia Nava è un’artista e textile designer di origini lombarde. Dopo aver conseguito gli studi in filosofia presso l’Università Statale di Milano e quelli artistici presso l’Accademia delle Belle Arti di Brera, compie numerosi viaggi e soggiorni all’estero per poi iniziare la sua attività artistica nel 1980. Quest’ultima si sviluppa in un duplice percorso: da una parte la realizzazione di opere pittoriche, dall’altra lo studio e la creazione di disegni su tessuti. Nel mondo di Nadia Nava, arte e moda sono due realtà strettamente interconnesse. Grazie all’innata sensibilità per la materia e un’approfondita conoscenza dei procedimenti tecnici che da sempre caratterizzano la ricerca dell’artista, Nadia Nava ha sviluppato una fortunata e variegata produzione, dal ready-made all’installazione, dal disegno alla stampa tradizionale, fino alla creazione di texture applicate ai tessuti, che l’hanno portata a collaborare con alcuni tra i più importanti designer internazionali, tra cui Dior, Prada, Louis Vuitton e Jil Sander. Così nasce il testo Arte/Moda come sintesi dei suoi studi e come rappresentazione dei due mondi che costituiscono la sua realtà.

Tra i lavori più recenti ci sono installazioni che diventano racconti descrittivi di vari temi, come il teatro, il gioco, la letteratura. Inoltre, da anni, è impegnata in un percorso di sperimentazione e studio sulla decorazione dei tessuti realizzando più di 700 mostre, tra cui: l’Internazionale Grafica di Venezia (46° Biennale di Venezia, 1995); Canto sospeso, Museo del Castello San Giorgio, La Spezia, 2007; Biblioteca Nazionale Braidense, Milano, a cura di Mariella Goffredo, 2016.

Il racconto personale di Nadia Nava è accompagnato dal contributo di Chiara Gatti e Ugo La Pietra, intrecciando la narrazione con tre linguaggi diversi ma complementari: arte, letteratura e teatro.

Claudia Nava vi aspetta il 23 marzo alle ore 18.30 presso la libreria della Fondazione Sozzani a Milano.

Arte / Moda di Nadia Nava
testi di Chiara Gatti e Ugo La Pietra
176 pagine, 240 illustrazioni, 24 x 28 cm
SilvanaEditoriale (2021) 30 €

L'articolo Nadia Nava e la fusione tra moda e arte proviene da Gilt Magazine.

The show must go on: mentre colossi come LVMH, Richemont, Hermès e Chanel chiudono i loro negozi in Russia, a Parigi va avanti la settimana della moda. A conclusione di un altro fashion month che rimarrà nella storia, il dialogo tra moda e arte continua ad andare in passerella mostrando la sua vicinanza al conflitto mondiale.

Le donne di una nuova Era – Dior e Mariella Bettineschi

Uno dei messaggi più forti, portato avanti dalle collaborazioni con artiste femministe, è la collezione Christian Dior Fall/Winter 2022-2023 presentata da Maria Grazia Chiuri.

Delle cyber-donne con bar jacket rinforzate da air bag e dettagli fluorescenti sfilano sotto gli occhi vigilanti delle Grandi Donne dell’Arte. Queste donne sono opera dell’artista Mariella Bettineschi, bresciana, classe 1948, conosciuta per il ciclo denominato L’Era successiva, preso in prestito dalla Chiuri come “The Next Era”.

L’era successiva in realtà la stiamo già vivendo, perché questo ciclo nasce nel 2008, successivamente alla crisi economica mondiale. Una triste coincidenza, la grande vetrina offerta da Dior a Mariella Bettineschi, che si ritrova nel bel mezzo di un conflitto mondiale, a seguito di una pandemia.

Il punto di vista che unisce Mariella e Maria Grazia in questa sfilata è quello delle donne eroine. La centralità della donna, con il suo potere visionario (per questo gli occhi raddoppiati) e le infinite capacità di mettere al mondo il mondo, come ha affermato l’artista in una sua recente intervista. 

Quale mezzo migliore se non il proprio corpo per esprimere questa forza. Ed è per questo che Maria Grazia si affida ad un’altra eccellenza italiana, l’azienda D-Air Lab, start-up creata da Lino Dainese, nome legato all’abbigliamento sportivo, motociclistico e industriale. Le linee che hanno fatto la storia del marchio francese si fondono con la performance di imbottiture protettive, guanti da pilota e cinturini anti-torsione.

Che fine farà il nostro corpo – Fondazione Prada e Elmgreen & Dragset

Un corpo da difendere, su cui un altro binomio Arte e Moda pone la sua attenzione. L’esibizione questa volta si terrà a Milano, più precisamente alla Fondazione Prada. La casa d’arte di Miuccia ospiterà nei suoi 3000 metri quadrati il duo scandinavo Elmgreen & Dragset con Useless Bodies?.

Dal 31 marzo al 22 agosto una serie di installazioni immersive, tra performance e scultura, indagheranno sulla domanda che si pongono i due artisti. In un’epoca in cui non si parla d’altro se non di Metaverso, dove si mercificano i nostri dati personali e le aziende tecnologiche dettano i tempi della nostra vita, che ruolo avrà il nostro corpo nel futuro?

Da sempre strumento di divulgazione del cambiamento sociale, la moda racconta così gli ultimi quesiti. Le donne, governeranno meglio il mondo come si augurano Chiuri e Bettineschi? E il nostro corpo non sarà più indispensabile tra Metaverso e NFT?

L'articolo Il corpo come intermediario tra moda e arte proviene da Gilt Magazine.

In questo momento storico in cui i musei sono costretti a chiudere, ci pensa la moda italiana a condurci verso la bellezza dell’arte. Un mese intenso quello compreso tra la fine di febbraio e l’inizio di marzo, che ha visto il fashion month femminile riservato alle collezioni Autunno/Inverno 2021. Il tutto svoltosi naturalmente in digitale, come ha scelto di fare anche in nome dell’Arte il capoluogo meneghino con la sua Milano MuseoCity tra il 2 e 7 marzo.

La nuova percezione della moda e dell’arte

Ancora una volta questi due mondi si incontrano, lungo la strada della loro evoluzione, premendo sull’acceleratore di un motore che alimenta la vita di chi è in una costante ricerca della bellezza; ma anche di chi non lo è, perché inevitabile è scontrarvisi. Inevitabile percepire il cambiamento della fruizione della moda grazie a Instagram e in generale al World Wide Web. 

E se la moda si fa più democratica, direttamente proporzionale lo diventa anche l’arte. Lo abbiamo visto alla Milano Fashion Week, grazie ad alcuni tra i grandi nomi che ne hanno omaggiato di altrettanto grandi del mondo dell’arte. Si arricchisce la lunga lista che, partendo dal binomio Dalì-Schiaparelli, vede forme e stampe che permettono al corpo di indossare le idee di chi ha raccontato attraverso i colori, le tele e i metodi meno convenzionali la storia dell’uomo. 

MSGM e Alessandro Calabrese per la Fall/Winter 2021

Poco convenzionale l’approccio artistico di Alessandro Calabrese, trentino di base a Milano, laureato in architettura e fotografia, scelto dallo stilista Massimo Giorgetti in occasione della collezione FW21. Simili per temperamento e approccio al colore, MSGM ha colto da Calabrese i frutti della serie The Long Thing del 2017. Evoluzione della serie precedente, denominata The Failed Entertainment, in cui utilizzava lo scanner in maniera tradizionale, in The Long Thing ha lasciato che il digitale misto al caso prendesse il sopravvento. È così che, una volta poggiati oggetti da cancelleria da ufficio e agendo sulla zona sensibile dello scanner, sono nate campiture dai colori saturi degne della palette MSGM FW21. Un’alleanza così contemporanea non si vedeva probabilmente dai tempi di Alexander McQueen e Damien Hirst, e che onore vederla sotto il segno del Made in Italy.

Moschino cita Picasso ancora una volta

Una citazione più che un binomio diretto è una delle scene del video Jungle Red firmato Moschino. Jeremy Scott presenta la collezione FW 2021 mostrando la donna in diverse sfaccettature e momenti della sua vita. Tra questi la visita al museo, dove tre donne in un look monocromo nei toni del nero, giallo e blu stanno ammirando quello che sembra un moderno Les Demoiselle d’Avignon picassiano, composto da cinque donne vestite di abiti stampati di pennellate. Non è la prima volta che Moschino si rifà all’arte e soprattutto a Pablo Picasso, come nella SS 20; ma se prima erano loro stesse a indossare le tele, le modelle prendono vita uscendo dalla cornice. Sarà la voglia di riappropriarsi della propria libertà di rivedere l’arte ad aver ispirato Jeremy Scott?

di Pamela Romano

L'articolo La moda ci porta al museo proviene da Gilt Magazine.

Che la moda sia un’arte oppure no rimarrà un dilemma su cui vigeranno sempre pareri discordanti. Eppure, mai come prima, oggi è la Moda a supportare l’Arte. Come nuovi mecenati, le grandi griffe dell’alta moda, negli ultimi anni hanno approfittato, nel miglior senso del termine, della bellezza di vari siti artistici.

Il mecenatismo nella moda

Tralasciando le storiche influenze come Schiaparelli e Dalì, Yves Saint Laurent e Mondrian, McQueen e Hirst. Connubi dove era lo stilista a cogliere il messaggio dell’artista e farlo proprio; ad oggi è il brand a supportare l’arte. Ma come? Per esempio, mettendo a disposizione il proprio flagship store di Dover Street a Londra come Victoria Beckham. Che in collaborazione con Sotheby’s, nel 2018 ha esposto la loro asta dedicata alle opere dei Maestri del Rinascimento e della Golden Age olandese e del XVIII secolo britannico. Che risulti strano l’interesse per l’arte dalla posh spice è lecito, ma è certamente un’astuta mossa di marketing che giova ad entrambe le parti.

Advertising e Arte

Non da meno, sia in termini di supporto economico che divulgativo, quello delle campagne pubblicitarie. Di grande impatto le collaborazioni firmate Gucci e Alessandro Michele. A partire da Guccigram, alla ricerca di talenti digital attraverso Instagram, per dare il via a GucciArtWall insieme all’artista spagnolo Ignasi Monreal. Un mix di arte fiamminga, surrealismo e glamour che ancora oggi tinge le mura di New York, Milano e Hong Kong. Tra queste, nel 2018, memorabile per irriverenza come solo Maurizio Cattelan sa fare, il manifesto della sua mostra, che Gucci ha promosso. The artist is present, non la performance di Marina Abramovic, bensì quella del Museo Yuz di Shanghai, dove insieme ad artisti internazionali si esponevano opere con filo conduttore il falso. Tutto copiato, a partire dal nome, invitando a riflettere sull’infinita riproduzione delle immagini sui nostri schermi e la veridicità di esse.

Marina Abramovic e la moda

Ha a che fare con la già citata artista, madre della performance, la notizia apparsa su tutti i giornali di pochi giorni fa: Ulay è morto. L’artista tedesco, alla nascita Frank Uwe Laysiepen, noto per i 12 anni trascorsi a fianco di Marina Abramovic. Una storia, la loro, d’arte che diventa amore e di amore che diventa tormento e denunce di diritti d’autore, che ha avuto il suo culmine nel 2010. Emozionando milioni di telespettatori, dal vivo e on line, grazie a Youtube, con il loro incontro inaspettato durante la performance The artist is present. Nella quale l’artista sedette 700 ore su una sedia, accogliendo col proprio sguardo ogni visitatore, suscitando ogni tipo di emozione. Quando a sedersi fu Ulay,  Abramovic non riuscì a trattenere un pianto e stringergli le mani. È con la morte di Ulay che si chiude un’epoca della storia dell’arte contemporanea e dell’arte di Marina Abramovic.

Amante della moda e amica dello stilista Riccardo Tisci, ha figurato su innumerevoli copertine e collaborato con vari brand. Nel 2014 con Adidas, reinterpretando una sua stessa performance del 1978, Work Relation, in occasione della Coppa Mondo Fifa 2014. Portando avanti il messaggio dell’importanza della cooperazione e del lavoro di squadra. È nel 2015 invece, con Riccardo Tisci per Givenchy, che porta un messaggio di umanità, fratellanza e spiritualità durante la sfilata SS16 della NYFW. Attraverso l’allestimento da lei realizzato e i riti simbolici svolti da performers che richiamavano le usanze delle svariate religioni nel mondo.

Il Cretto di Burri protagonista

Questo quel che è stato, mentre quel che sarà è sotto il nome di Hermès, che ha scelto il museo en plein air di Gibellina. La cittadina trapanese, colpita dal terremoto del Belice del 1968, sarà il set della campagna pubblicitaria della linea di accessori Hermès Silk. Ricoperta di cemento per volere dell’artista Alberto Burri negli anni Ottanta, la parte vecchia della città, completamente distrutta, tiene vivo il ricordo della devastazione. Una devastazione superata, che chiede la sua rivincita affascinando chi come già Bottega Veneta, nella campagna FW16.

Che moda e arte possano venirsi incontro sempre!

di Pamela Romano

L'articolo Moda a supporto dell’Arte proviene da Gilt Magazine.