Woody Allen ci riporta davanti allo schermo con la sua nuova pellicola “Blue Jasmine” in uscita nelle sale il 5 dicembre.

La protagonista, interpretata da Cate Blanchett è una donna mondana e aristocratica, abituata a belle feste in ville al mare, a cene di gala, a gioielli e al lusso di Manhattan, dai quali dovrà però separarsi in seguito al fallimento del suo matrimonio con il facoltoso ed anche truffatore marito Hal (Alec Baldwin). Dalla morte di quest’ ultimo, la bella e elegante Jasmine cade in una crisi esistenziale e rimane senza nulla, così decide di trasferirsi nella casa modesta della sorella Ginger (Sally Hawkins) e la sua nuova vita di periferia non le si addice assolutamente. I cocktail di farmaci antidepressivi che sono una costante per tutto il film, la inducono a un’ostilità verso tutto ciò che la circonda, compreso il fidanzato della sorella, Chili (Bobby Cannavale), che lei reputa un fallito.

La pellicola è il ritratto dell’ America odierna, che porta con sé gli effetti di una crisi che negli ultimi dieci anni ha fatto perdere molto sia a ricchi sia alla classe media sia ai poveri. Come accade frequentemente nei film di Allen, il personaggio al centro della vicenda è una donna perché ritiene che siano proprio loro a saper emozionare emozionandosi e a saper essere drammatiche. Lo conferma la favolosa Cate Blanchett che con la sua umanità e fragilità trasmette un senso di precarietà della condizione umana, nonché di quella sociale. Piena di difetti, Jasmine si rende cieca di fronte alla realtà perché troppo concentrata ad ascoltare le opinioni altrui. E’ una donna che distoglie lo sguardo dalla mondo, nascondendosi dietro le certezze e quando queste le vengono a mancare rimane sola davanti alla sua vita che ormai le appare vuota.

Sara Caponetto

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Un italiano su tre ha paura di volare. Sarà forse la mancanza d’aria provocata dall’ambiente troppo angusto? O magari la scarsa possibilità di movimento dovuta alla vicinanza tra un sedile e l’altro? O magari la paura del vuoto? O la sfiducia nei confronti del pilota?

Per alcuni la più grande paura, e forse anche la più probabile, è quella di precipitare.

Questo è quello che accade in Flight, il film di Robert Zemeckis, dove un pilota di linea, Whip Whitaker (interpretato da Denzel Washington, che grazie a questo ruolo si è aggiudicato la sesta nomination all’Oscar), col vizio dell’alcool e dopo una notte di bagordi consumata con una giovane hostess, si ritrova a tentare un atterraggio di fortuna a causa di un cedimento della struttura che impedisce all’aereo di continuare a volare. Un semplice volo di linea tra Orlando e Atlanta si trasforma dunque nel peggiore incubo di qualunque passeggero, anche quello più temerario. In questo caso il comandante riesce a far fronte alla situazione e a evitare la catastrofe salvando 96 passeggeri e perdendone sei. Whitaker tenta infatti una manovra di emergenza che prova a mantenere in quota l’aereo, rivoltandolo per rallentarlo, rimettendolo in posizione dritta e tentando un atterraggio il più lontano possibile da case e civili. Manovra che non sarebbe riuscita a nessun altro e che non sono stati in grado di riprodurre neanche in laboratorio. Sarebbero morti tutti.

Ma se agli occhi della stampa Whitaker è un eroe, agli occhi della la NTSB (National Transportation Safety Board) non è altro che un alcolista che dovrà rispondere delle sue condizioni durante il volo. La strada sembra però lunga e tortuosa.

La vita del capitano precipiterà insieme a quell’assurdo volo o riuscirà a decollare di nuovo?

Flight è un film che ti fa riflettere, che pone interrogativi interessanti, che non vuole essere spettacolare ma invece il più realistico possibile sulla dipendenza e i suoi effetti non solo sugli alcolizzati, ma anche su chi gli sta intorno.

(di Martina Ingallinera)

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Elena (Anna Foglietta), bella e avvenente trentacinquenne, nasconde gelosamente un segreto: alle sue spalle un passato fatto di forti delusioni amorose e di scelte difficili, che hanno lasciato segni indelebili nella sua anima. Emotivamente distrutta dai suoi trascorsi, si trova ad un punto fermo della sua vita, sola, finché un giorno qualunque incontra le due persone che le cambieranno l’esistenza, smuovendola dal torpore in cui è sprofondata: Adriana (Lorena Cacciatore), diciottenne sessualmente libera e disinibita, ed Ettore (Bruno Wolkowitch), deciso e affascinante cinquantenne, con i quali si troverà a vivere una relazione parallela. Sballottata da un affetto incomprensibile e quasi perverso, dai risvolti sessuali inaspettati (quello di Adriana), a una relazione più stabile e matura (quella con Ettore), Elena sarà portata a vivere una specie di guarigione dal suo malessere interiore, che culminerà con la conquista della consapevolezza che l’amore non ha nulla di perfetto, tanto che sarà lei stessa a confessare: “Io non rinuncio più a niente. L’amore però, quello non me lo invento più. Mi prendo quello che viene, senza più regole…”.

Il film “L’amore è imperfetto“, diretto da Francesca Muci, adattamento dell’omonimo romanzo della regista, ha una struttura che alterna presente e passato, con continui flashback, quasi a sottolineare i progressi che Elena sta facendo come donna, sia sessuali sia sentimentali, in contrapposizione con ciò che invece ha interrotto il suo cammino di crescita interiore. Interessante perché sdogana tematiche spesso tralasciate e difficili da rappresentare sul grande schermo, quali l’amore saffico o il rifiuto della maternità, è un film assolutamente femminile, che racconta il complesso mondo dell’affettività di una donna, indagandone gli aspetti più intimi. Elemento determinante del racconto è l’ eros : la trama non manca di momenti ad alto contenuto erotico, rappresentati con estrema semplicità, senza marcarli troppo. Il messaggio è chiaro: nella sfera sentimentale e sessuale tutto è concesso e nell’avventuroso viaggio alla scoperta di se stessi, non deve esistere pudore, tanto che anche il sesso lesbico diventa del tutto naturale.

La protagonista, in piena crisi esistenziale, rappresenta ognuno di noi, alle prese con le nostre debolezze e le nostre insicurezze; del resto nessuno può fuggire all’amore e alle sue sofferenze e tutti finiamo per accettarne l’eterna imperfezione.

(di Marina De Faveri)

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Sembrerebbe l’ennesima romantic comedy americana, leggera, divertente e senza tante pretese e invece Ruby Sparks , il nuovo film di Jonathan Dayton e Valerie Faris, è molto di più. I due registi, a sei anni di distanza dal fortunato “Little Miss Sunshine”, tornano a dirigere un ormai cresciuto e talentuoso Paul Dano insieme alla fidanzata Zoe Kazan, nipote del celebre Elia, nonché sceneggiatrice di quest’ultima pellicola presentata al Festival del Film Locarno e al Torino Film Festival.

Ruby Sparks è il nome della ragazza, interpretata dalla Kazan, creata dalla fervida immaginazione dello scrittore Calvin Weir-Fields (Paul Dano) dietro suggerimento del suo psicanalista, il Dottor Rosenthal (Elliott Gould), per superare una crisi creativa in piena regola dopo il clamoroso successo del primo romanzo. E così, giorno dopo giorno, la giovane prende forma nella mente e nel cuore del protagonista, nonché sulle pagine finalmente non più bianche, finché una mattina Calvin se la ritrova nella cucina del suo appartamento, intenta a far colazione con una tazza di corn flakes in mano. Come la statua d’avorio scolpita da Pigmalione si trasformò in una fanciulla in carne e ossa grazie al tocco divino di Afrodite (secondo il mito di Pigmalione, appunto, cui la Kazan ha confessato di essersi ispirata), così Ruby, personaggio inventato, diventa una ragazza a tutti gli effetti, ma completamente dipendente dalla volontà del suo autore.

Quale uomo non desidererebbe realizzata tale fantasia? Uno di questi è sicuramente il fratello di Calvin, Harry (Chris Messina), eppure un amore nato con queste premesse non è poi tanto perfetto come si potrebbe pensare… Calvin è infatti combattuto tra smettere di scrivere per lasciare Ruby libera di fare le proprie scelte (ma ciò comporta un inevitabile allontanamento della donna dei suoi sogni) e continuare nel suo racconto governando, così, ogni pensiero e azione della sua “creatura” che senza di lui ovviamente non sa stare e finisce per diventare appiccicosa. La svolta arriverà quando Ruby capirà di non essere davvero reale, ma di vivere la vita che Calvin ha deciso per lei. Con la sua scomparsa, Calvin riuscirà a terminare il romanzo che, come lui stesso dirà, “è la storia vera e impossibile del mio grandissimo amore”, ottenendo nuovamente il consenso del pubblico. Fra i due c’è, però, ancora molto in sospeso e questa volta Calvin incontrerà una Ruby con una propria identità, che non si lascia comandare a bacchetta ma che sarà, nel bene o nel male, semplicemente se stessa e dovrà relazionarsi, come tutti, senza trucchi né inganni, con una compagna che potrebbe contrariarlo e persino insultarlo ma che se lo amerà, sarà solo perché lo vorrà veramente.

L’espediente magico serve,quindi ad approfondire, in modo lieve ed esilarante, argomenti importanti e forse ancora poco esplorati quali la natura purtroppo egoista dell’amore, il controllo, il potere e il senso di superiorità esercitati, in questo caso e come spesso accade, da un uomo all’interno di una coppia.

Da non dimenticare sono poi le interpretazioni di Annette Bening e Antonio Banderas nei rispettivi ruoli della madre di Calvin e del suo convivente, un duo hippie e stravagante quanto basta da conferire il giusto brio a una commedia già pienamente riuscita.

(di Giulia Bellini)

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Cosa succede quando un delinquente di Glasgow con un talento innato per la degustazione di whisky incontra una cleptomane, un alcolizzato svampito e uno che sotto l’effetto di sostanze stupefacenti si diverte a “vandalizzare” i monumenti della città in maniera creativa? Semplice: nasce l’idea geniale di rubare da una pregiatissima botte il whisky più costoso al mondo.

Questa la trama del prossimo film di Ken Loach, “La parte degli angeli”, un po’ dramma, un po’ commedia, sempre in bilico tra crisi esistenziali e british humour. Il regista infatti, già autore di opere ambientate nelle periferie urbane britanniche, si concentra sulle oggettive difficoltà di Robbie, delinquente di periferia col talento per il whisky, nel lasciarsi alle spalle cattive compagnie e conti in sospeso con bande rivali. La catarsi del protagonista arriverà grazie all’aiuto del supervisore ai lavori socialmente utili che, memore di precedenti esperienze, gli darà una chance per cambiar vita.

Cosa aspettarsi da un film del genere? Di sicuro uno humour intelligente che nasce da situazioni reali, credibili e a volte drammatiche, e poi senso di riscatto, speranza e l’idea che solo con la giusta motivazione si può avere la forza necessaria per cambiare il proprio destino. Un film particolare che non deluderà né i fan di Loach né tutti coloro che cercano qualcosa di più dei soliti film buonisti che escono in prossimità del Natale.

La parte degli angeli
di Ken Loach
dal 13 dicembre

(di Ylenia Manfredi )

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