Vogue Italia celebra quest’anno il suo sessantesimo anniversario, un traguardo che rappresenta un’importante pietra miliare nella storia della moda e della cultura. Fondato nel 1964, il magazine si è affermato come emblema di rivoluzione e innovazione, diventando non solo una pubblicazione di riferimento, ma anche un vero e proprio laboratorio di idee e creatività. Attraverso i suoi contenuti, Vogue Italia ha sempre saputo andare oltre le pagine, raccontando le evoluzioni culturali e sociali, evidenziando figure pionieristiche nel mondo della moda e oltre.

Per festeggiare questo anniversario, Vogue Italia ha organizzato la mostra Sixty Years of Vogue Italia – Sessant’anni di Futuro, che si terrà a Milano presso Palazzo Citterio dal 19 al 21 settembre. La mostra, aperta al pubblico, offrirà un viaggio attraverso la storia della rivista, evidenziando i momenti più significativi e le trasformazioni che Vogue Italia ha vissuto e raccontato in sei decenni. Questo evento rappresenta il culmine delle celebrazioni e mira a coinvolgere tutti coloro che, negli anni, hanno seguito e apprezzato il magazine.

Durante questi sessant’anni, Vogue Italia ha collaborato con alcuni dei più grandi fotografi, artisti e creativi del mondo, costruendo un patrimonio culturale e visivo senza eguali. Oggi, il magazine continua a parlare a una vasta community di oltre 16 milioni di persone, tra lettori del mensile, utenti del sito e follower sui social media. Francesca Ragazzi, Head of Editorial Content di Vogue Italia, ha sottolineato come la rivista mantenga viva la sua missione di raccontare l’evoluzione del gusto e della creatività, guardando sempre al futuro. “Vogliamo ispirare una community sempre più globale, promuovendo valori come creatività, rispetto, inclusione e sostenibilità”, ha dichiarato. Questi principi, considerati sinonimi di bellezza, rappresentano l’eredità che Vogue Italia celebra oggi insieme al suo pubblico, continuando a plasmare il mondo della moda e della cultura contemporanea.

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Photo Vogue Festival 2020: la fotografia è il linguaggio per interpretare il mondo

Alessia Glaviano, Brand Visual Director di Vogue Italia, è la voce narrante della rassegna stampa dedicata al Photo Vogue Festival 2020. L’evento promosso da Vogue Italia è giunto con successo alla sua quinta edizione e, data la situazione attuale di emergenza globale, migra su una piattaforma digitale ideata appositamente per ospitare mostre, talk e proiezioni. “Cerchiamo di prendere il buono, come la possibilità di avere ospiti che vengono da ogni parte del mondo”, dice sorridendo Glaviano, raccontandoci un aneddoto su come è nata l’idea che risiede dietro questo evento tanto atteso.
“Durante il lancio dello scouting per la mostra ALL IN THIS TOGETHER il virus era appena scoppiato e, discutendone con Andrea Farneti, abbiamo deciso di dedicare gran parte del festival a quello che stava succedendo”. Dietro gli scatti protagonisti della mostra risiede il tentativo di costruire un futuro di diversità ed inclusione nel mondo della moda e dell’immagine, creando un ponte tra etica ed estetica.

Il background

Photo Vogue nasce nel 2011 come comunità caratterizzata da un forte senso di solidarietà, ed oggi conta oltre 230.000 fotografi amatoriali e professionisti da ogni parte del mondo. C’è una nuova generazione di fotografi d’arte e di moda che vengono chiamati “socially conscious” per via della loro capacità di introiettare dei temi sociali all’interno delle loro immagini, senza diventare mai pesanti.
Sono essi stessi parte integrante delle loro immagini, in quanto queste rispecchiano a pieno i loro ideali, quello in cui credono e si identificano. “Respirare in questo periodo un forte senso di comunità nei piccoli gesti della gente, come ad esempio aiutare un vicino a fare la spesa oppure suonare una canzone sul balcone per allietare gli altri, mi ha scaldato il cuore e mi ha spronata a creare questa mostra” conclude Alessia Glaviano, prima di lasciare la parola alle quattro artiste e curatrici della seconda mostra “IN THE PICTURE – Shifting perspectives in fashion photography”.

Un dialogo con le protagoniste

Alexandra von Fuerst, Camila Falquez, Nadine Ijewere e Ruth Ossai sono le fotografe di moda “socialmente consapevoli” che hanno dato vita a scatti incredibilmente potenti che parlano di gender, femminismo e squilibri razziali. Nella conferenza stampa di oggi sono Alexandra e Camila a parlare, quest’ultima esordendo con un timido “I wish I could answer in italian, but I am working on it”.
Von Fuerst introduce il suo lavoro spiegando come oggi viviamo in un periodo dove stiamo rivalutando i nostri ideali e per questo aprire le frontiere della mente non è solamente astuto, ma fondamentale. Per l’artista la moda è uno spazio che permette di esprimere una libertà sociale, politica, ambientale e sessuale, rendendo così esplicito il legame tra queste realtà e la bellezza, esaltata dalla combinazione di moda e fotografia.
Alexandra prosegue affermando “la mia arte è la condivisione della bellezza, che può aiutare il mondo a riscoprire il femminile: per me la creazione di ogni cosa dentro l’uomo, la donna, la natura”. In ultima istanza l’artista specifica che non considera il suo approccio alla fotografia strettamente legato al mondo della moda, ed esprime un pensiero affettuoso nei confronti delle altre fotografe che hanno collaborato con lei in questo progetto ambizioso, dichiarando in loro delle somiglianze nel lavorare con il cuore.
É il turno della Falquez, che esordisce esprimendo il forte senso di responsabilità che ha la moda nel plasmare i desideri e le aspirazioni della società, dando dignità anche alle voci più irrilevanti. L’artista parla a nome di tutte le donne, incoraggiandole ad esprimere la propria libertà nel modo in cui si sentono, non come è stato loro insegnato. Anche lei dedica un pensiero alle sue colleghe spiegando come, nonostante provengano da ambienti e da background differenti, parlino allo stesso modo e si capiscano. “Tutte stiamo cercando di rompere gli schemi e non solo in modo estetico, e questo è potente. Diamo ai nostri soggetti la possibilità di esistere attraverso le foto”, conclude.
L’ultimo a prendere parola è Emanuele Coccia, filosofo ed esperto di moda, che annovera il festival come un evento di influenza mondiale definendo Photo Vogue “un laboratorio di riflessione culturale ed estetica, uno spazio di invenzione culturale e morale dove è evidente che la moda non sia solamente un sistema produttivo ma un vero e proprio cavallo di troia per entrare nella vita delle persone e costruire un senso di comunità che rivoluzioni i costumi e corregga le norme”.
Nonostante la mostra sia interamente digitale, per tutta la sua durata saranno situati nelle zone più centrali di Milano dei maxiled firmati Urban Vision che mostreranno le opere offrendo un’autentica mostra a cielo aperto.
 
di Martina Tronconi

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Nemo Lighting, l’azienda italiana fondata da Franco Cassina

Si è conclusa a Milano, una delle settimane più famose e attese dell’anno, la Design Week, che ha portato in città migliaia di visitatori, esperti del settore ed imprese italiane (e non), pronte ad esporre i loro oggetti e arredamenti, più o meno strani e particolari. Ad arredare questa edizione del Salone del Mobile è stata la luce: un’illuminazione dal mood industriale, metropolitano e materico predomina nelle collezioni presentate dalle oltre 450 aziende in esposizione.

Un mix perfetto fra tecnologia e natura, fra miniaturizzazione e digitalizzazione, che ha permesso di creare lampade sempre più piccole, in grado di adattarsi perfettamente agli ambienti con luce e intensità. A riprendere minuziosamente tutte queste caratteristiche, mantenendo così un file rouge con l’esposizione, è Nemo Lighting, azienda italiana specializzata nella progettazione di lampade di design fondata da Franco Cassina, proprietario della storica e omonima Cassina spa.

“We like the search of the new. Among  other things, because there are no given rules, but infinite possibilities for charismatic ideas”, questa la filosofia dell’azienda.

Nemo Lighting: un connubio perfetto tra moda e design

Ed è proprio il discostarsi dalla semplicità e dalle canoniche regole di progettazione a fare da padrone nello stile di Nemo: una continua ricerca di idee nuove e carismatiche, collaborazioni con alcuni fra i designer e architetti più famosi del mondo, tra cui Mario Bellini, Charles Kalpakian e Jean Nouvel, che hanno permesso all’azienda di diffondersi con una distribuzione in più di 40 Paesi e filiali, oltre che a Milano, anche a Parigi e negli Stati Uniti.

La progettazione, che unisce leggerezza e precisione tecnologica, permette di dar forma ad oggetti illuminotecnici di gran tendenza e adattabili perfettamente agli spazi circostanti. Non a caso Nemo, nell’appena conclusa edizione del Salone del Mobile, ha partecipato come main partner a Life in Vogue, evento promosso da Vogue Italia per invitare il pubblico a scoprire nuove possibilità di confronto fra moda e design.

Digitalizzazione, miniaturizzazione e lifestyle design

Fra le installazioni che durante l’esposizione hanno maggiormente catturato la nostra attenzione e quella di esperti del settore rientrano: Mario Bellini con “Nuvola Minor”, una lampada a sospensione, mix tra digitalizzazione e miniaturizzazione, con luce diffusa e confortevole; Arihiro Miyake con “Kaplan Minor & Gold”, lampada a sospensione che riprende uno stile industriale dato dalle finiture opache bianco, nero e oro, e “Titia”, lampada LED per un’ottima efficienza luminosa. Infine, “La casa Museo Nemo” progettata da Massimo Colagrande, che ripropone uno spazio pulito ed elegante che consente al visitatore un viaggio unico ed esperienziale in un percorso espositivo, tra luci ed ombre, che racconta la collezione Nemo.

di Amalia Malagrinò

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Vogue Italia e il progetto Life in Vogue

Vogue, la Bibbia di tutte le fashion victim, nel corso della Milano Design Week 2019 ha dato ai visitatori la possibilità di accedere alla redazione di Vogue Italia per scoprire cosa si cela all’interno. Stiamo parlando di un mondo magico, da sogno, con file di scarpe perfettamente ordinate in scala cromatica, accessori preziosi, abiti provenienti dalle più sognate passerelle.

Il progetto Life in Vogue, come spiega il Direttore di Vogue Italia, Emanuele Farneti, si fa portavoce del concetto della partnership tra la moda e il design. Due mondi che sono più vicini di quanto si possa pensare. L’idea è stata quella di reinterpretare gli spazi della redazione dando voce ad otto creativi di fama internazionale, che si sono messi in gioco al fine di portare in auge il legame moda-design.

Life in Vogue: i designers

Jonathan Anderson / Ufficio

Proprietario di un brand, Jw Anderson, e direttore creativo di Loewe, Jonathan Anderson ha voluto inserire nel suo progetto per l’ufficio gli elementi ricorrenti nel suo brand. Tendenze d’ispirazione inglese si uniscono ad una modernità tale da rendere possibile uno stacco tra passato e presente. In particolar modo, la sua attenzione si focalizza sull’armadio aumbry Henry VII. Anderson elimina dalla sua trasformazione tutto ciò che veniva ampiamente utilizzato nelle età signorili.

David Nicolas / Ufficio del Direttore

Una delle stanze più importanti, se non la più importante, è stata ispirazione per il lavoro del duo di designers beirutiani David Raffoul e Nicolas Moussallem. Occupandosi sia di interni di lusso che di design dell’arredamento, riescono ad offrire un servizio made-to-measure con lo scopo di soddisfare il committente al 100%. Sono stati in grado di cogliere il mood aziendale italiano, e la risposta l’hanno trovata in uno stile classico ed elegante, contraddistinto da tonalità calde provenienti dai colori della terra, pensando anche alla loro cara Beirut, che rendono l’atmosfera più leggera e rilassante.

Rafael de Cardenas – Architecture at l’arte / Ufficio

RDC/AAL (acronimo del nome del designer) oltre ad occuparsi di design di oggetti, fornisce consulenze artistiche e opera nel settore della realizzazione di interni residenziali. Non è facile tradurre il messaggio che l’artista vuole lanciare. Si tratta di un pensiero al limite dell’onirico, dove la mente è proiettata verso il futuro ma al contempo pondera tutte le sfumature del momento. Riflettiamo, facendo fede alla sua frase: “Piú capiamo, meno appare la nostra fisicità”.

Ana Kras / Ufficio del Direttore Creativo

Serba trapiantata a New York, Ana Kras non dimentica i ricordi della sua infanzia, di quando si recava nella tipografia familiare per creare modellini in carta. Quest’ufficio, dove il colore predominante è il grigio, le riporta alla mente i vecchi mobili che avevano i suoi genitori, e per la sua riproduzione si è avvalsa di tutti i mezzi che abitualmente utilizza per esprimere la sua arte (disegni, oggetti vari d’arredo, dipinti).

Massimiliano Locatelli / Sala Riunioni

Un omaggio alla multietnicità è quello su cui la Locatelli Partners ha puntato. L’idea di voler portare all’interno dello spazio il Castello e il Parco si è rivelata un’ottima scelta, perfetta per il dejeuner sur l’herbe , ovvero le declinazioni di verde pensate per la Sala Riunioni.

Pierre Marie / Pattern corridoio e Talent Room

Uno stile pop, eccentrico e colorato, quello di Pierre Marie, l’eterno bambino appassionato dal mondo Disney. Il corridoio è una delle zone a cui difficilmente viene prestata attenzione, ma in questo caso sarà difficile restare impassibili davanti ad ornamenti importanti come quelli proposti da Marie. La Talent Room è stata tinta invece di un giallo solare, che ispira al solo ingresso. Per l’occasione Pierre Marie ha creato una firma ad hoc: due razzi futuristici e una vetrata in grado di affievolire, colorandola, la luce proveniente da Piazza Cadorna.

Storagemilano / Ufficio attualità

Ghidoni, Donati e Pasini sono gli architetti fondatori di Storage, e basano il loro lavoro sulla ricerca di un’estetica pulita e chiara. “The golden love” è il titolo che hanno dato al progetto pensato per Life in Vogue; un richiamo all’eleganza che dovrebbe regnare in tutte le professioni, che evidenzia due aspetti contrapposti quali simmetria e disordine. Come dire, gli opposti si attraggono.

Studio Proba / Break Room per San Carlo

San Carlo, celebre marchio produttore di deliziosi snacks, per reinterpretare la Break Room della redazione di Vogue Italia si affida al newyorkese Studio Proba, famoso per i suoi lavori di alto livello nel graphic design. Il risultato? Pareti dai colori brillanti e patatine San Carlo come spezzafame, rigorosamente avvolte da un packaging in limited edition!

Life in Vogue è un progetto che ha visto protagonisti anche svariati partners: Nemo Lighting, Alcantara, Guerlain, San Carlo, Lavazza, Molinari, Cantine Riunite & Civ, Baxter, Caparol Icons e Texture.

di Agnese Pasquinelli

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WHITE, evento milanese cardine della Moda Donna, trova anche nell’edizione 2019 il modo di sorprendere il suo audience globale puntando sull’ecosostenibilità. La sensibilità verso il Pianeta si fa spazio nel sistema moda riscuotendo successo ed approvazione.

WHITE, Focus the Unfocused

Per l’edizione 2019, WHITE ci presenta il GIVE A FOK-us | Focus the Unfocused: un green project per eccellenza che ci permette di esplorare concetti apparentemente lontani dall’immaginazione, ma che possiamo focalizzare e fare nostri. Si tratta infatti di una vera e propria proposta di esperienza interattiva in grado di risvegliare emozioni finalizzate ad avvicinarci al fulcro del tema proposto: save the planet being trendy. La relazione Moda-Natura e Moda-Società viene così rivisitata tramite un’ottica più sensibile ed eco-friendly.

Inoltre, per non fermare il processo di innovazione alla base della rete moda italiana, il Salone di via Tortona, propone due novizie al suo pubblico: la sezione Knit Lab e Lounge | Sphere. La prima presenta una realtà dedicata al mondo della maglieria in tutte le sue più creative declinazioni; la seconda rappresenta invece l’homewear, dove verranno ospitate collezioni loungewear e lingerie.

Come ogni evento di tale calibro prevede, è insindacabile la scelta di uno Special Guest, che quest’anno ricade sul brand australiano Strateas Carlucci. La decisione di coinvolgere un talento proveniente dall’altra parte del mondo non fa altro che confermare il puntuale impegno di WHITE nella ricerca di talenti di nicchia. Facendo ricadere la scelta sulla label di Peter Strateas e Mario-Luca Carlucci, viene data la possibilità al brand di raccontarsi su una vetrina imponente della moda.

Le collaborazioni che WHITE ha instaurato e mantenuto nel tempo sono di fondamentale importanza. Tramite la partnership con Vogue Italia, ad esempio, viene portato avanti il progetto #Shareable, essenziale per vivacizzare la comunicazione tra i brand protagonisti. Essendo WHITE il rappresentante della qualità Made in Italy, non poteva mancare alla manifestazione Confartigianato Imprese, di indiscutibile importanza per quel che riguarda la promozione dei segreti dell’industria moda italiana.

Esplorando WHITE

Il Salone milanese è suddiviso in aree differenti, proprio per poter convogliare le necessità e gli interessi del pubblico con più facilità nel luogo giusto. La sezione Inside WHITE, per esempio, è stata ideata proprio per creare situazioni comunicative e di interscambio fra i talenti e i buyer ospiti all’evento. Dirimpetto a Superstudio Più, location indiscutibile nella storia di WHITE, è possibile addentrarsi nell’area Tortona 54|Ex Ansaldo-Base, dove vengono ospitati marchi come Paloma Barcelò, United Nude, American Vintage e Free People.

Tortona 31 | Opificio, new entry nello spazio espositivo milanese, ha come scopo quello di raggruppare tante sezioni quanti sono i messaggi di moda che si propone di lanciare l’evento. L’Hotel Nhow sarà invece palcoscenico di tutte le novità che riguardano il settore womenswear e WHITE Bijoux. Troviamo qui le creazioni del designer Guillaume Gaveriaux, padre del marchio Urbahia Paris.

Insomma, trovarsi a Milano tra il 22 ed il 25 Febbraio 2019 è una vera e propria fortuna da sfruttare se si vuole assistere ad uno dei più acclamati eventi moda. Mancare al WHITE sarebbe un atto di ingenuità. Le proposte accattivanti presenti nel Fashion District milanese in questi giorni sono tappa d’obbligo per aggiornarsi sulle collezioni Primavera/Estate 2019 e per toccare con mano l’evoluzione della moda.

di Sara Steccanella  

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Con Altaroma al via la Settimana della Moda romana

Come ormai da tradizione, dopo gli eventi di Parigi al via la Settimana della Moda romana organizzata da Altaroma. L’edizione di Gennaio 2019 si svolge dal 24 al 27, e promette di essere ancor più rinnovata ed eclettica. Si assiste ad una continua evoluzione dell’evento stesso, dove resta un punto fermo il dialogo tra l’alta moda e il prêt-à-porter, e ancora, sapiente la mescolanza tra brand emergenti e storiche case di moda.

Sono desuete le location e la scelta del nuovo Headquarter ricade sul PratiBus District: spazio polifunzionale di 5mila mq. Il sito è oggetto di un intervento di riqualificazione di una porzione dell’ex deposito Vittoria dell’ATAC, che si compone di quattro macro aree dedicate alle diverse tipologie di attività ed eventi.

Ferma attenzione ai dettagli nel continuo intreccio di saperi e artigianalità, dove Altaroma valorizza ogni forma di espressione legata al mondo del fashion. Difatti, l’illustrazione come immagine coordinata che rappresenta questa edizione è realizzata da Faeze Mohammadi (fashion designer, selezionata durante l’edizione Gennaio 2017 di Portfolio Review), la quale si ispira a un abito di Arthur Arbesser, vincitore di “Who Is OnNext? 2013”.

Commistione tra antico e moderno nella cerimonia di apertura della manifestazione, che vede la premiazione del progetto promosso dal Parco Archeologico del Colosseo e da Altaroma, dedicato alle accademie e alle scuole di moda italiane per la creazione di una linea di divise del personale tecnico e di vigilanza del Parco. Progetto caratterizzato dai valori di un’antica istituzione uniti al dialogo con innovazione e modernità.

Rimane inviariato il format delle tre sezioni: Fashion Hub, dedicata a scouting, formazione e promozione della creatività emergente; Atelier, contenitore di sfilate e presentazioni di maison di couture, neo-couture, piccoli atelier, sartorie e artigianalità; In Town, destinata a iniziative e attività connesse alla moda che colgono l’occasione per promuoversi e instaurare contatti utili al proprio business in città.

Resta inoltre significativo il sostegno dei Soci (Camera di Commercio di Roma, Regione Lazio, Risorse per Roma, Città metropolitana di Roma Capitale) e il supporto determinante del Ministero dello Sviluppo Economico e dell’ICE – Agenzia per la promozione all’estero e l’internazionalizzazione delle imprese italiane – consentendo di attirare attenzione internazionale sulle proprie iniziative.

Fashion Hub

Terza edizione del progetto Showcase, che coinvolge numerosi brand emergenti, alternati nel corso delle quattro giornate della manifestazione Altaroma nell’esibire le ultime collezioni. Showcase come vocazione di Altaroma nella continua ricerca di giovani creativi, nel sostegno del Made in Italy, con il forte proposito di guidare i nuovi brand della moda italiana verso successo e internazionalità. Tanti i nomi coinvolti, tra cui Adrianhats, Giulia Boccafogli, La Débraillée, Lucilla Paci, My Golden Cage, Roi du Lac, Yojiro Kake (24 gennaio); Camera Creativa, Co.Ro, Coolt, Damiano Marini, Hibourama, Martina Cella, Obligé, The Al, Vittorio Ceccoli Jewelry Design (25 gennaio); 0770, Adelaide C., Alessandra Micolucci, Ecletta, Federica Berardelli, Giulia Barela Jewelry, Lalla’s, Les Jeux du Marquis, Morfosis, RARO, Spendthrift (26 gennaio); 011eyewear, Bav Tailor, Beblasé, Caterina Moro, Italo Marseglia, Maiorano, Ninael, Saisei, Sylvio Giardina, Yekaterina Ivankova (27 gennaio) e molti altri.

Negli spazi espositivi si aggiungono le 5 collezioni dei finalisti dell’edizione 2018 di Who Is On Next?: Delirious Eyewear (menzione speciale per l’approccio intelligente e sostenibile nei confronti della ricerca dei materiali e la valorizzazione della lavorazione italiana), Maissa, Woobag per gli accessori; MTF Maria Turri (vincitrice Who Is On Next? 2018) e Cancellato per l’abbigliamento.

Mentre gli ex finalisti della passata edizione di Who Is On Next?, Angelia Ami, Leo Studio Design, MRZ – Simona Marziali, proseguono il loro percorso di crescita portando in passerella le loro collezioni AI 19/20; a loro si uniscono Asciari, Edithmarcel, Federica Tosi, Federico Cina, Morfosis e Martina Cella. Tra questi Italo Marseglia, attraverso una performance tra moda e teatro, ci condurrà̀ nel suo viaggio Zinaida & Le Troiane con la partecipazione speciale di Sonia Bergamasco.

La promozione della formazione dei giovani si riconferma con la presentazione dei final work delle diverse Accademie di Arte e Moda della Capitale. A corollario, la sfilata collettiva International Couture, promossa dall’Istituto Culturale Italo Libanese, evidenzia l’interesse nelle collaborazioni con giovani talenti provenienti da diverse parti del mondo. E anche per questa stagione torna il progetto Portfolio Review, giunto alla sua ottava edizione e dedicato a giovani creativi emergenti. L’iniziativa è un appuntamento dove Sara Sozzani Maino, Deputy Editor Vogue Italia (Progetti Speciali) e Head of Vogue Talents, e Simonetta Gianfelici, Fashion Consultant e Talent Scout, Head of Project Who Is On Next? di Altaroma, potranno visionare i Portfolio.

La Fashion Digital Night è invece un’iniziativa promossa da Fondazione Mondo Digitale in collaborazione con Altaroma in cui saranno esposti 40 progetti di wearable technology provenienti da 14 paesi (Argentina, Francia, passando per Turchia, Usa e Venezuela), insieme a Fashion Hub 4.0: esposizione temporanea dedicata a biomaterial e wearable technology, uno spazio di digital fabrication con live show e produzione di accessori personalizzati.

Altaroma e l’importanza dei brand più iconici

Nonostante l’affermato ruolo di Altaroma nel talent scouting, rimane significativa e importante la presenza delle storiche maison, che ben si intrecciano con le nuove realtà dall’alta moda italiana e internazionale. Scelgono ancora una volta Roma Gattinoni, che presenterà la sua collezione couture negli spazi del MACRO Asilo con un progetto sperimentale di Giorgio de Fini; Sylvio Giardina, che proporrà negli spazi del MATTATOIO “…Vertigo…”, una performance/installazione con abiti couture creati appositamente per calare il visitatore in un’atmosfera intimista ed emozionale; Giada Curti torna a sfilare a Roma, e ancora Sabrina Persechino presenta Dynamic. Le eccellenze del Made in Italy, poi, entrano in scena con la collezione uomo/donna di Malo.

The Artist’s Table è la nuova sfida e consiste in un sincero invito a sedersi al tavolo di lavoro, luogo dove si concretizza il pensiero creativo, per “fare” insieme a quattro maestri contemporanei. Fa parte di A.I. Artisanal Intelligence, curata da Clara Tosi Pamphili e Alessio De Navasques in collaborazione con l’art space della rivista Cura, Basement Roma. Progetto espositivo che si dedica al Made in Italy, pone l’accento sulla creatività contemporanea e ricrea l’ambiente del lavoro manuale per far sperimentare all’ospite l’esperienza della creazione.

In Town

Si conferma al suo quinto appuntamento Roman’s Romance: talk, dialogo confidenziale e informale con personalità internazionali, volto ad enfatizzare l’amore per la città di Roma e il suo valore inestimabile come luogo della creatività, accolto nell’ormai abituale spazio dell’Auditorium del MAXXI – Museo delle Arti del XXI Secolo. Ospite della conversazione Lavinia Biagiotti Cigna, Presidente e CEO della Biagiotti Group.

Poi Love, Cecil, la proiezione di un documentario dinamico e lirico sulla vita del fotografo, costumista, regista, scenografo e premio Oscar britannico Cecil Beaton. Al termine seguirà l’incontro con la regista Lisa Immordino Vreeland, eclettico personaggio e già autrice del documentario “Diane Vreeland: The eye has to travel”.

Tanti altri ancora sono i professionisti coinvolti nel programma di Altaroma, che si conferma una grande occasione per i talenti emergenti, per le affermate case di moda, ma anche una preziosa occasione di riscatto per la città di Roma.

Da sempre Altaroma non segue un predeterminato sistema di indirizzo, ma sceglie e armonizza i principi che ritiene migliori per il contesto a cui si relaziona. Consolida il suo ruolo come importante piattaforma di incontro e crocevia dei nuovi trend della moda italiana, vetrina e incubatore di idee per designer emergenti.

Più di 100 i designer nazionali e internazionali, in crescita la presenza della stampa e dei buyer; la riqualificazione di location dismesse nella città di Roma e la celebrazione di luoghi culto sono i fattori determinanti per il successo della manifestazione. Altaroma promette ancora una volta di rinnovare e sorprendere, affermandosi come uno degli appuntamenti più intrigante e da monitorare nel settore moda italiana, e non solo.

di Camilla Stella

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A cavallo fra la settimana della moda maschile e quella femminile non si può certo ignorare il fascino che da sempre esercita lo stile unisex nel fashion system e nel beauty. Più che mai attuale, se consideriamo il successo di modelli androgini, mutevoli e assolutamente irriconoscibili a seconda della passerella calcata, come Andrej Pejic, testimonial di push-up in abito da sposa per Jean Paul Gaultier, ma anche protagonista della sfilata maschile di Marc Jacobs e poi di nuovo  trasformato in una di “Venus in furs” per Vogue Italia fotografato da Steven Meisel. E inoltre il glamour unisex verrà riproposto per questa primavera/ estate  2012 con uno stile Garçonne e tagli corti. Non ci stupisce dunque che fragranze come le acque profumate di Bulgari con base di thè verde, bianco e rosso, create da Jacques Cavallier, adatte sia per uomo che per donna, siano ormai grandi classici di profumeria come anche il profumo “One” di Calvin Klein, altro pioniere del genere. A loro si aggiungono Costume National 21, floreale e legnoso al contempo e quindi più che mai adatto a entrambi i sessi, i profumi spagnoli “Campos de Ibiza”, “Classic” di Banana Republic e moltissimi altri. Ma a coronare l’ascesa dello stile androgino in campo beauty lo stilista spagnolo Carlos Diez fa sfilare in occasione della Madrid Mercedes Benz Fashion Week ogni sua modella con i baffi! Celebrare il rito della confusione e abbattere gli schemi classici sarà dunque la vera tendenza beauty e non solo di questa p/e 2012!

Gaia Ginevra Pignataro

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Giordano, adottato dall’Italia nel 1979, laureato in Architettura, con la sua macchina fotografica ha “firmato” le piu importanti testate internazionali di moda e non solo: Arena, The Face, Vogue Italia, l’Uomo Vogue, Rodeo, Gasby, Front, Kult, Sport & Street. Incontriamo il grande Mustafa Sabbagh, il grande fotografo di moda e artista contemporaneo italo-giordano un venerdì di questo fine ottobre. Niente domande convenzionali, botta e risposta standard, preparate, ma “improvvisazione”.
E il perché lo spiega lui stesso: “Le domande generano solo alibi, contribuiscono a costruire muri, le risposte sono già li, sono in ciò che vedi, che vivi, questo è il vero concetto di Contemporaneo”. E ancora: “In un ‘era dove la rivoluzione del web sta imperando, è fondamentale e prioritario conoscere le regole, non adeguarsi e reinventarsi se occorre”.
“E’ finita l’epoca in cui si può sedere sugli allori, un buon lavoro, seppur un capolavoro è facilmente dimenticabile, superabile, sostituibile… Troppe informazioni corrono e si rincorrono sulla rete, nulla è più statico e nulla è più veramente rappresentativo di un luogo o di una popolazione, quale gadget o souvenir non è globalizzato o non puoi avere con un semplice click senza viaggiare ma comodamente seduto sulla poltrona di casa tua?”

Cosa resta allora?

Resta quello che siamo, resta la nostra pelle… una trasmissione di dati incredibile, una potenza, un diario che parla e racconta di noi.

Ed è quello che catturi in About Skin, 50 scatti full page, dove però non ci sono solo persone e la loro pelle..

About skin in una parola è l’essere umano, e per capirlo, trasferirlo, raccontarlo, devi parlare anche di dove vive, come vive, con cosa vive e cosa vuole, ed ecco allora l’innesto di stil ife, paesaggi, scatti moda.

Già … moda, ma anche arte, cultura, passione, tanta passione…

Non mi sono mai piaciuti gli steccati, perché volere sempre affannarsi per clusterizzare tutto?, Nemmeno noi siamo così per natura! Non siamo una cosa sola ma composti da tanti piccoli dettagli, bisogni, voglie, sogni.

Sogni?

Sì: i sogni devono rimanere tali, quando mi chiedono se ho sogni nel cassetto dico che no, ho dei progetti ma i sogni hanno una loro perfezione, una loro vita, ed è li nel sospeso che devono rimanere.

A proposito di perfezione, tu giuri fedeltà solo alla fotografia, amore innato e viscerale, ma l’amore spesso fa soffrire e a volte invece tradisce, contro ogni previsione o aspettativa tradisce, mi chiedo se anche a te è capitato di essere deluso, possibile che mai un progetto che nasceva da o con un’ idea mano a mano che lo eseguivi e si completava non abbia rivelato una luce completamente diversa, non si sia trasformato in altro?

La fotografia in sé non mi ha mai deluso, posso esserlo stato da alcuni fotografi o da me stesso per non essere riuscito a cogliere il vero intimo, ma Lei, in sé, mai, non mi ha mai tradito, e anzi mi ha insegnato, tante sono le volte che cambio in divenire il progetto..per me lo scatto è come un rapporto amoroso, certo platonico, ma è uguale come con l’essere umano, devi arrivarci dentro e fonderti con lui e per farlo mano a mano che lo conosci ti ritagli su di lui con amore e passione.

Amore, passione, un’artista…. e una musa: Antigone (http://www.antigonekouloukakos.com), come è stato conoscerla come ci si accorge che in una stanza entra e si materializza quella che sarà l’ispirazione che animerà non solo un singolo progetto ma che probabilmente rivivrà in tutti?

Luce, la luce, lo sguardo, la verità..non quella leziosa a tutti i costi, un magnetismo che ti porta a costruire intorno sapendo che il resto è intoccabile.

http://www.mustafasabbagh.com/

Federica Piacenza

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Franca Sozzani, direttrice storica di Vogue Italia, è ormai più un’icona che una giornalista.
Migliaia di donne desidererebbero essere al suo posto, ma pochissime probabilmente riuscirebbero a fare ciò che ha fatto lei per la  moda. Nel mondo del fashion, fatto di colori e lusso,  lei ha saputo guardare sempre oltre e oggi questo merito le è stato riconosciuto.
Il 19 settembre Franca Sozzani è stata nominata primo Goodwill Ambassdor da Fashion 4 Development, partner operativo dell’Onu, che promuove lo sviluppo economico attraverso la moda.

In occasione della 65esima sessione delle Nazioni Unite, alla presenza di capi di Stato, di governo e first lady, la “zarina” ha ricevuto l’incarico di incentivare una nuova idea di moda: Giving Back is the New Luxury.
Restituire, che per la Sozzani significa creare lavoro partendo dall’artigianato locale, sostenendo piccole realtà in un sistema globale: un fashion business che tenga conto delle abilità tipiche di alcuni Paesi, come i ricami indiani e le stampe dei tessuti della Costa d’Avorio.
Non è un caso che sia proprio la direttrice di Vogue Italia la prima personalità in assoluto, in Italia e nel mondo, a ricoprire la carica di ambasciatrice della moda. Franca si è sempre  impegnata per sfatare l’idea della moda solo come questione di immagine: dall’edizione For Africa di Uomo Vogue, i cui ricavi pubblicitari furono devoluti ad associazioni impegnate nei Paesi in via di sviluppo, al black issue, numero con sole modelle nere.

Ilaria Forastieri

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‘I capricci della moda’ è il primo libro scritto da Franca Sozzani, la nota direttrice del mensile fashion più patinato d’Italia: Vogue. Non si tratta di una Bibbia modaiola e nemmeno di un manuale d’uso sul mondo del fashion, ma è semplicemente una raccolta di tutti i post scritti dalla stessa Sozzani, pubblicati, quotidianamente, sul suo blog del sito vogue.it.
“Oggi tutto è moda o fa moda o diventa di moda. Sia che parliamo di una macchina, di un attore, di un film o di un libro, oltre che naturalmente di vestiti, di modelle e stilisti. E tutti a modo loro di capricci ne fanno tanti, anzi tantissimi.” Lo scrive la direttrice come post per rispondere alla domanda: “perché I capricci della moda?”
Nella parte finale del libro, Franca Sozzani fa un piccolo regalo ai suoi lettori, pubblicando tutti i post scritti durante la scorsa estate nei quali spiega come si fa una rivista: dalla scelta della copertina ai fotografi, dagli stylist al guardaroba e ogni altro ruolo del lavoro di redazione.

Melissa Ceccon

I capricci della moda, edito da Bompiani, si trova già in tutte le librerie al costo di 18,00 €.

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