Una mattina Anna è salita su un autobus e non si è più voltata indietro. Ha lasciato un padre insensibile e autoritario, una madre silenziosa e sottomessa, un fratello insoddisfatto e arrabbiato. A ventidue anni si è ritrovata a lavorare come badante per una donna anziana e ormai cieca, Maria. Ha imparato a prendersi cura di lei senza invadere la sua intimità, a essere una presenza costante, ma mai ingombrante. Le è stata vicino fino agli ultimi istanti e l’ha vista spegnersi silenziosamente in un giorno caldo d’estate. Prima di morire, però, Maria le ha fatto dei regali preziosi: alcuni dei suoi libri e il racconto fedele della sua vita totalmente dedicata al nipote, Giovanni.

Anna sente di conoscerlo anche se non lo ha mai visto e questo la spinge a prendere un treno per Torino per andare a cercarlo. Ancora una volta lascia dietro di sé un segreto indicibile: la stessa notte in cui Maria è morta lei ha partorito un bambino, figlio di uno sconosciuto e di qualche bicchiere di troppo. Per avere la possibilità di vederlo, si iscrive al corso di ballo tenuto da Giovanni. Lui la introdurrà ai misteri della danza sensibile che l’aiuterà a recuperare quell’energia che aveva perduto, a ritrovare la sirena che c’è in ognuno di noi e di cui però pochi conservano il ricordo. Questo le servirà per trovare la forza di ascoltare la confessione di Giovanni e il coraggio per fare la sua.

Perché “una confessione richiede sempre qualcuno che ascolti”. Questa è la storia di Anna e di tutti noi: di tutti quelli che tengono un segreto dentro e lo celano al mondo per paura del suo giudizio, della sua condanna. La nostra storia.

Titolo: Il primo gesto
Autore: Marta Pastorino
Editore: Mondadori
Pagine: 185
Prezzo: 17,00 €

(di Martina Carnovale)

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Vicini ma irraggiungibili. Divisi dalle leggi dell’universo…ma niente riuscirà a tenerli lontani!
La storia di “ UpsideDown ” si apre con la voce narrante di Adam (Jim Sturgess), il protagonista, che descrive il suo mondo reso unico dalla doppia gravità dovuta all’esistenza di due “Mondi”, piccoli pianeti che vivono l’uno accanto all’altro. Due mondi opposti, uno ricco e uno povero, ai cui cittadini non è permesso interagire in alcun modo. Passare da un mondo all’altro è severamente vietato e l’unico, quanto lecito, punto di contatto – ma non di transizione – è la società “TransWorld”, creata e controllata dal Mondo di Sopra.

Adam vive in un orfanotrofio, l’unica parente ancora in vita è una zia, che gli svela come un membro della loro famiglia scoprì che la polvere di alcune api , quelle della montagna su cui lei vive, provenga dai fiori di entrambi i mondi, e mostra singolari proprietà. Incuriosito, Adam si avventura sulla montagna tanto vicina al Mondo di Sopra, per raggiungerne la cima. Lì incontra una ragazzina di nome Eve (“Eden” nella versione originale). I due si incontrano ancora e poi ancora, e poi ancora, fino a diventare amanti.

I due ragazzi s’incontrano periodicamente sulla solita cima ed usano una corda per passare da un mondo all’altro. Tuttavia tale clandestino, seppur innocuo, transire viene notato. La fuga dei giovani innamorati non va a buon fine: Eve cade bruscamente nel suo mondo prima che Adam, colpito da un proiettile, riesca a calarla del tutto con la corda. La casa della zia viene bruciata e lei portata via nella notte. Da allora non farà più ritorno.

Con un salto temporale, la storia prosegue dieci anni dopo; Adam è cresciuto e lavora come ricercatore, portando avanti studi inerenti la polvere delle api che la zia gli aveva fatto conoscere. Un giorno, il giovane nota Eve in televisione: la ragazza è viva e lavora alla TransWorld. Per trovarla, Adam ha un solo modo: farsi assumere da quell’azienda. Lo strumento per farsi ingaggiare? Le sue api, naturalmente, e la ricerca che Adam sta conducendo. Relazioni strette con le persone del mondo sopra/sotto-stante sono, oltre che difficili, severamente vietate alla TransWorld, ma sul posto di lavoro Adam incontra Bob, un lavoratore del Mondo di Sopra, che si mostrerà come una prima occasione per rivedere Eve.

Un flirt d’infanzia che si trasforma in un amore impossibile pronto a sfidare le leggi della gravità e a superare qualsiasi ostacolo. Quasi un nuovo “Romeo e Giulietta” a testa in giù che farà sognare tutti gli spettatori ad occhi aperti.

L ’Italia batte gli Stati Uniti con un’uscita anticipata di due mesi con pellicola 3D, il 23 febbraio. Dunque non ci resta che metterci comodi, indossare i nostri occhialini, e trasferirci in un altro mondo, o meglio due, col rischio di qualche giramento di testa…per il cast ovviamente. Un favoloso Jim Sturgess attualmente nelle sale con “La migliore offerta” di Tornatore e il fantascientifico “Cloud Atlas” e una pluripremiata Kirsten Dunst nel ruolo della ragazza con la testa sottosopra.

(di Martina Ingallinera)

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“Senza malizia verso alcuno,con carità verso tutti” (Abramo Lincoln). L’ultimo attesissimo film di Steven Spielberg narra la storia del sedicesimo presidente degli Stati Uniti d’America: Abramo Lincoln.

Il celebre regista non ha voluto raccontare l’intera vita dell’ex presidente, ma diversamente ha concentrato la narrazione sugli ultimi quattro mesi di presidenza, nei quali Lincoln maggiormente si impegnò per eliminare la schiavitù negli Stati Uniti, riuscendo a far approvare il tredicesimo emendamento. Spielberg racconta, in merito, un episodio della sua vita molto significativo riguardo il momento in cui si appassionò a quello che fu il più grande uomo del diciannovesimo secolo. Aveva sei anni quando suo zio lo portò a vedere da vicino la statua del “Lincoln Memorial”; inizialmente la trovò così mastodontica da riuscire a guardargli solo le mani, ma una volta superata la paura iniziale, quando riuscì ad osservarla pienamente, ne rimase così affascinato da non volersene più separare.

Lavorava da dodici anni a questo progetto. L’ossessione verso questo personaggio storico lo ha portato a concentrarsi a lungo sulla perfetta realizzazione di un film che riesce a mostrare in totale pienezza l’umanità che ha fatto di questo presidente un vero eroe. Dal momento in cui ha messo mano al progetto, il regista aveva in mente un unico solo attore al quale proporre questa parte: Daniel Day-Lewis, considerato da sempre un gigante nell’ambito della recitazione. Un attore di fama mondiale, vincitore di due premi Oscar (“Il mio piede sinistro” nel 1990 e “Il petroliere” nel 2008) che, nonostante abbia alle spalle una carriera ammirevole, ammette la timidezza e la soggezione iniziale nell’avvicinarsi a un uomo di tale grandezza. Quando gli venne proposta la parte, la rifiutò per ben due volte, ma il regista non smise di ritentare perché credeva fortemente che nessuno potesse interpretare sul grande schermo Lincoln meglio di Day-Lewis. Racconta in un’intervista che il film non avrebbe mai potuto prendere forma se Daniel non fosse riuscito ad identificarsi completamente con la sceneggiatura, tanto da non voler più uscire dai panni del personaggio dopo l’ultimo giorno di riprese. Ha avuto bisogno di un anno di tempo per potersi preparare al meglio e la sua straordinaria interpretazione è  stata premiata di recente ai Golden Globe con la vittoria nella categoria miglior attore protagonista. Inoltre è già considerato il film favorito agli Academy Awards di quest’anno con ben dodici candidature.

Nel cast recita anche Sally Field nei panni della moglie di Lincoln (Mary Todd Lincoln) che ebbe per la sua carriera un ruolo primario, in quanto lo spinse a compiere scelte che forse non avrebbe mai affrontato, oltre ad essere la sua più grande fan. Lo appoggiò in ogni scelta sempre.

Questo film è certamente un grande omaggio a un uomo che contribuì a rendere questo mondo migliore, che fu un grande esempio per tutti noi.
(di Hilary Tiscione)

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Il film “Il Figlio dell’altra” è stato presentato al Torino Film Festival e uscirà nelle sale il 31 gennaio 2013. Interpretato da ottimi attori tra i quali spicca la dolcezza di Emmanuelle Devos (la mamma israeliana), tratta di uno scambio che cambierà le vite di due famiglie e non solo.

Due ragazzi, Joseph (Jules Sitruk), ebreo, e Yacine (Mehdi Dehbi), arabo, scambiati per errore e dati a madri diverse, dopo aver scoperto la verità cercheranno di avvicinarsi e abbattere le barriere del Muro che separa Tel Aviv dai territori arabi della Cisgiordania.
La rivelazione porta sconforto tra le famiglie che coltivano entrambe dissensi di tipo razzista, ma il coraggio delle rispettive madri e il desiderio di capirsi dei due ragazzi si riveleranno più forti dei pregiudizi razzisti che covano il padre di Joseph e il fratello maggiore di Yacine.

Un film commovente, ma mai indulgente o buonista, che rivela l’insensata assurdità biologica del razzismo e la volontà di pace comune ad entrambi i popoli. Facendo leva sul dramma della gente comune, la regista francese Lorraine Lévy, di origini ebraiche, affronta un tema delicatissimo e attuale come quello dell’eterna guerra tra israeliani e palestinesi.

La soluzione non si trova nella “Storia” fatta solo di litigi tra potenti, ma sta nelle “Storie” delle persone comuni che hanno nel cuore la capacità di riuscire a trovare una via di fuga a questo assurdo odio. La Lévy, inoltre, delega il ruolo di pacificatrici alle donne le quali, a differenza dei padri che si oppongono ad accettare la verità, possono spingere gli uomini a essere migliori e a tendere la mano verso l’altro.

(di Martina Ingallinera)

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È un film tremendamente ben recitato “The Master” di Paul Thomas Anderson (Il petroliere, Magnolia), ma quando si prova a voler cogliere qualche riferimento ulteriore che esuli dal rigido sentiero della narrazione di una semplice storia, il nostro sguardo si perde nel buio. Scova solo qua e là qualche flebile raggio di luce.

Due attori da Oscar ma dov’è il filo logico, l’introspezione? È un film piatto, eccessivamente piatto, nonostante l’eccellente fotografia.

La prolissa vicenda ambientata negli anni ’50 si basa su un gruppo riunito attorno al capo di una setta battezzata “La Causa”, Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), sedicente “scrittore, medico, fisico nucleare e filosofo teoretico” che col suo credo funge da collante tra i fedeli, inclusa la figlia Mary-Sue (Amy Adams).

Un giorno, tra i preparativi per il matrimonio della figlia, Dodd chiede aiuto a Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un ex marine che si risveglia sulla nave di Dodd, in qualità di marinaio e preparatore di bevande alcoliche “miracolose” sfruttando come ingrediente, tra gli altri, del solvente per vernici.

I primi contatti tra i due non sono dei migliori. Quell, del resto, non viene da un passato facile: tra una madre finita qualche anno prima in manicomio, un padre deceduto per alcol e gli orrori della guerra dai quali cerca di fuggire, resta sempre marchiato dal trauma mentale che si porta dietro dalla fine del conflitto.

Una volta giunti a terra si scopre di più su “La Causa”, chiamata così per fuorviare ogni collegamento a Scientology, nata più o meno negli stessi anni, e sul suo modo di “curare” i pazienti. Il “Maestro” Dodd basa infatti le proprie teorie su una “nuova scienza” nettamente contrapposta a quella ufficiale. Anche se in teoria il metodo sembra funzionare, in pratica non è così. Quell si sottopone alla curiosa terapia di Dodd a base di domande su amori, affetti, istinti sessuali repressi ricevendo, di contro, risposte costantemente monosillabiche.

Sembra essere perplesso anche lo spettatore in sala che si aspetta continuamente quel fil-rouge, quella flebile lucina che pare scorrerci dinanzi agli occhi all’inizio ma che poi si affievolisce via via e non perviene più fino alla fine del film, in cui Freddie, semplicemente, scompare, con una risatina. Ma è forse proprio l’impianto di una sceneggiatura piatta che si lega alle teorie pseudo-scientifiche di Dodd il vero leitmotiv da seguire. Le lente vicende che si susseguono sembrano infatti funzionali alla pedanteria che circonda tutto il film. Per ricostruire il mondo devastato dalla guerra è allora necessario effettuare un processo di trasmigrazione dei propri ricordi traumatici nell’immaginazione come unica possibilità di riscatto, nella ferma credenza che tutto sia ancora possibile. Non a caso un’adepta domanda al maestro come mai, nel suo libro, si sia passati da un “riesci a ricordare?” ad un “riesci a immaginare?”.

Questa continua ricerca “a tentoni” di un tracciato da seguire, da parte dello spettatore vanifica, ad ogni modo, tutta l’aura mistica che invano il regista cerca di evidenziare.
The Master tradisce le attese come l’allievo, prima o poi, è tradito dal maestro. Anche se con qualche buono spunto, nel complesso resta un film ridondante e di debole impatto emotivo.

(di Luca Schirripa)

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Per descrivere quello che si sta scatenando attorno all’uscita europea di Django Unchained si potrebbe parafrasare il duca di La Rochefoucauld: “Tutti ne parlano ma pochi l’hanno visto”.

Non passa giorno, infatti, che i quotidiani nazionali non riportino le polemiche d’Oltreoceano sull’ultimo film di Quentin Tarantino, nonostante l’uscita di Django Unchained sia prevista per il 17 gennaio in Italia e il 18 in Gran Bretagna.

Si è detto che il film non rappresenti fedelmente la tratta degli schiavi, che la figura dei bianchi venga demonizzata, e che le action figures, le riproduzioni in plastica dei personaggi, siano deplorevoli in quanto mera banalizzazione di un periodo oscuro e doloroso della storia americana. Queste discussioni hanno senso negli Stati Uniti poiché si riallacciano a questioni di un passato storico non troppo lontano ma, in Europa, si corre il rischio che l’attenzione del pubblico si concentri sui dibattiti piuttosto che sul film.

D’altronde Tarantino non è mai stato famoso per la sua vena documentaristica (Inglorious Bastard è un magnifico esempio di fantapolitica, non di storia) quanto per la verve, l’originalità e lo stile un po’ kitsch, un po’ splatter che rende i suoi film degli autentici must da vedere al cinema.

Il regista stesso, intervistato dalla CBC, una radio canadese, ha dichiarato di essersi allontanato volontariamente dalla tradizione cinematografica americana che tende a produrre film su questo periodo molto attenti ai dettagli storici ma poco empatici nei confronti degli schiavi, “quasi fosse la storia di una sottoclasse ”.

Con “Django Unchained” Tarantino non vuole trasmettere messaggi universali ma, semplicemente, raccontare una “romantic quest” ambientata in America del sud, prima della guerra civile. Anche Jamie Foxx , l’attore texano protagonista del film, ha enfatizzato nelle interviste l’importanza della storia d’amore tra Django e Broomhilda, centro della trama del film, nel quale uno schiavo, liberato da un cacciatore di taglie (Christoph Waltz), diventa un abile pistolero e cerca di portare in salvo la moglie dalla piantagione di Calvin Candie (Leonardo di Caprio).

Il film (candidato a ben cinque Oscar, tra cui miglior film, miglior attore non protagonista – Christoph Waltz -, miglior fotografia – Robert Richardson -, miglior sceneggiatura originale e miglior montaggio audio) convincerà sia gli appassionati del genere, grazie alle numerose citazioni di grandi classici, non solo nelle scene ma anche nella colonna sonora (dall’originale Django di Corbucci a Lo chiamavano Trinità, con brani di Morricone e Elisa), sia i meno avvezzi ai western per le storie d’amore e d’amicizia che si creano tra i protagonisti del film.

Degni di nota sono il cameo di Franco Nero, primo volto di Django nella versione del 1966 di Corbucci e Samuel Lee Jackson nel ruolo di Stephen, lo schiavo che comanda sugli altri prigionieri, a suo dire “il più spregevole nero della storia del cinema”.

Scheda del film
Titolo: Django Unchained
Regista: Quentin Tarantino
Uscita del film: 17 gennaio
Durata: 165 min.

(di Ylenia Manfredi )

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Dopo un periodo di pausa, Tom Hanks torna a recitare sul grande schermo. E lo fa interpretando sei diversi personaggi in diverse epoche storiche, ma tutte parte di un’unica esperienza spirituale tratta dal romanzo “L’atlante delle nuvole” di David Mitchell.

Si tratta di un progetto di straordinaria grandezza, un film indipendente che si è rivelato il più costoso mai realizzato in Germania. Porta la firma di Tom Tykner e dei geniali fratelli Wachowsky (trilogia di “Matrix”) che hanno utilizzato diverse troupe per lavorare parallelamente: Tykwer si è occupato delle storie riguardanti gli anni ’30 e ’70, immergendosi anche nella modernità, mentre i Wachowsky hanno dedicato la loro attenzione alle storie future e al XIX secolo.

Proprio per questi incastri la trama non presenta un carattere omogeneo e regolare, anche per via dell’ampio lasso temporale: essa racchiude infatti ben cinquecento anni. I nizialmente complessa perché costruita su più livelli nei quali i protagonisti si incontrano e si scontrano reincarnandosi di volta in volta, si dipana magnificamente verso il finale, dove finalmente tutto è chiaro e l’evoluzione della storia dell’umanità viene svelata.

Ogni singolo personaggio ( un avvocato del 1849 in viaggio per il Pacifico, un compositore inglese, una giornalista che indaga negli anni ’70 su una centrale nucleare, un editore pieno di debiti, un clone e un uomo che abita in un villaggio primitivo del futuro) è collegato in un viaggio che parla di vita, morte, nascita, amore, fede, paura, coraggio e speranza, passando attraverso il passato, il presente e il futuro. I personaggi affrontano difficoltà di ogni genere, dai problemi morali a quelli di mera sopravvivenza, e, in base alle scelte che compiono, influenzano in maniera positiva o negativa il corso degli eventi dell’umanità intera.

Oltre all’avvincente storia, un cast d’eccellenza contribuisce a rendere questo capolavoro cinematografico un kolossal da non perdere. Accanto al due volte premio oscar Tom Hanks (“Philadelphia”, “Forrest Gump”,”Salvate il soldato Ryan”,”Il miglio verde” “Cast away”), troviamo Halle Berry, Susan Sarandon e Hugh Grant, sottoposti a estenuanti sedute di make-up per cambiar pelle e tratti pur di calzare i panni dei personaggi creati da Mitchell. Ottima l’interpretazione di Doona Bae, attrice coreana conosciuta in occidente per aver recitato in “Mr. Vendetta” di Park Chan Wook, qui nel ruolo di Sonmi 451, capace di emozionare lo spettatore con la sua espressività orientale.

Hanks ha definito questo film una benedizione del cielo perché si tratta di un’opportunità irripetibile per un attore, in quanto l’interpretazione di personaggi così diversi in un’unica esperienza lavorativa è una circostanza di assoluta rarità.

Chi ama i film che sfidano gli spettatori nel gioco della comprensione, non rimarrà deluso: Cloud Atlas è un eccezionale rompicapo pronto a ricompensare generosamente lo spettatore capace di cogliere al volo riferimenti a classici del genere fantascientifico (Blade Runner in primis) e capace di tenere le fila di sei narrazioni distinte ma unite dal medesimo filo conduttore.

Cloud Atlas
regia di Tom Tykwer, Andy Wachowski, Lana Wachowski
al cinema da oggi, 10 gennaio

(di Hilary Tiscione e Ylenia Manfredi)

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Adattamento del nono libro di Lee Child “One Shot”, la pellicola Jack Reacher – La prova decisiva si propone vincente sin da subito. Jack Reacher, un ex militare dell’esercito, diventa un investigatore privato.

Assoldato da James Barr, un esperto cecchino accusato di aver sparato su una folla all’impazzata uccidendo cinque persone e incastrato da prove schiaccianti, Jack cercherà di dimostrare la verità a modo suo: senza regole. E anche Tom Cruise, che interpreta Jack Reacher, ha cambiato le regole recitando in prima persona anche le scene più pericolose: “Come attore dai tutto al tuo personaggio e se rischi in prima persona per il film è sempre meglio. Io non ho paura. A volte qualcosa va storto ma è tuo dovere dare al pubblico più che puoi”, spiega l’attore.

La premiere è stata rimandata dalla Paramount in America a causa della strage dei bambini di Newtown, a cui il pubblico poteva ricollegare, in maniera dannosa per gli incassi, i primi cinque minuti del film dove un killer spara sulla folla in un centro commerciale.

La pellicola sbanca il botteghino con 45 milioni di dollari nei primi dieci giorni e i fans assicurano che la vita privata di Tom Cruise, che nell’ultimo anno ha dovuto affrontare il divorzio dalla terza moglie Katie Holmes, la battaglia per l’affido della figlia, gli screzi con Scientology, non ha assolutamente influenzato il giudizio sul suo ritorno in scena con questo nuovo personaggio che ha tutte le carte per diventare una franchise.

Il cast è arricchito dalla presenza di Rosamund Pike, Richard Jenkins, Robert Duvall e dal regista Werner Herzog.

(di Martina Ingallinera)

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Famiglia perfetta cercasi. Questo film di Paolo Genovese, uscito nelle sale il 29 novembre, racconta la storia di Leone: uomo ricco, potente e solo  interpretato da un eccezionale Sergio Castellitto), che non avendo una famiglia propria se ne inventa una.

Per il giorno di Natale affitta una compagnia di attori, composta dalla finta moglie Carmen (Claudia Gerini), dal finto fratello Fortunato (Marco Giallini) e la compagna Sole (Carolina Crescentini), la nonna e tre figli, tutti pagati per recitare un severissimo copione scritto dallo stesso Leone. A interrompere la commedia arriva Alicia (Francesca Neri), un’affascinante donna appena lasciata dal suo amante, che capita per caso a casa del protagonista perché ha la macchina in panne e sta cercando aiuto. Davanti ai suoi occhi l’idillio di una famiglia perfetta, unita e affettuosa: una perfezione destinata però a sgretolarsi, intaccata dalla realtà. I due pseudo figli pian piano si innamorano, Carmen e Fortunato sono agitati dalla reciproca gelosia e la vita reale si insinua nella finzione turbandone i delicati equilibri.

Viene da chiedersi “Che senso ha costruire tutto questo se è così fragile?”. E cos’è più fragile? La realtà o la finzione? La risposta ce la regala lo stesso Leone, in un momento di saggezza: “La famiglia non è fatta per nessuno ma nella vita bisogna buttarsi, non si può stare fermi”. Leone non è che l’esempio di un uomo che ha rinunciato all’amore e che ora è pronto a fare i conti con il proprio passato. Questa è l’occasione per svelare i suoi rimpianti o per cancellarli definitivamente, quasi fosse un’analisi di se stesso, che porta il protagonista alla consapevolezza di aver perso qualcosa (la famiglia per quanto imperfetta sia è un grande dono), ma che allo stesso tempo lo rassicura della sua scelta. Ognuno decide di vivere la vita che più gli si addice, motivo per cui il finale del film vede opporsi due possibilità diverse: da una parte Leone, rimasto in compagnia di Alicia nella casa dove ha trascorso il suo Natale in affitto, dall’altra Fortunato che invita la moglie ad abbandonare la finzione, chiedendole espressamente di andare a vivere la realtà della loro famiglia, la loro scelta di vita, sulle note di una canzone (Nothing real but love) che è un inno alla realtà dell’amore in ogni sua forma, sia esso nei confronti di se stessi o degli altri.

(di Marina De Faveri)

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Quattordici protagonisti tutti diversi tra di loro e che si passano il testimone di capitolo in capitolo, sette giorni da vivere su un’isola vulcanica ai margini estremi del Mediterraneo meridionale, un eccezionale resort di lusso. Questi gli ingredienti dell’ultimo capolavoro di Andrea De Carlo. “Villa Metaphora”, romanzo narrativo di difficile inquadratura, a causa dei differenti stili narrativi presenti, ma al tempo stesso accattivante, coinvolgente, ricco di aspettative e colpi di scena, che tengono sempre alta l’attenzione del lettore. Che, rapito, non sa staccarsi dalle pagine.

Un giovane marinaio nato sull’isola, un architetto milanese ideatore del resort, la sua manager e amante, un potentissimo banchiere tedesco di spicco con la moglie, uno chef spagnolo insofferente all’isola e all’assenza di ogni contatto col mondo esterno, un politico dalle mille facce, una saccente giornalista francese in incognito, due anziani e rispettabili coniugi italiani, una star del cinema americano e suo marito, una giovane italo-irlandese alla ricerca delle sue origini e della verità su un padre inesistente, un falegname dall’animo artistico e libertino: è attraverso queste numerose personalità opposte e anche per certi versi complementari che la storia prende forma pagina dopo pagina. E giorno dopo giorno.
La trama è tutt’altro che scontata: un continuo susseguirsi di coincidenze, complicazioni, contrattempi rendono la lettura serrata, coinvolgente, scorrevole. L’autore non smette nemmeno per un momento di offrire il punto di vista di ciascun personaggio, servendosi abilmente non solo dell’uso di diverse lingue, ma anche di diversi stili a seconda del personaggio che racconta la sua prospettiva della storia. Il finale, in tutta la sua apertura, ci lascia liberi di immaginare quali potrebbero essere le sorti di una civiltà così internamente corrotta e distante dagli elementi naturali.

Insomma, anche in questa diciassettesima opera, l’intento dell’autore è evidente: servirsi di questo eccentrico gruppo per cercare di raccontare il mondo con le sue infinite contraddizioni e i suoi esasperanti conflitti. Con “Villa Metaphora”, sicuramente il suo romanzo più ambizioso, ironico, cattivo, avventuroso, polemico, De Carlo mette a disposizione tutta la sua esperienza e la sua maturità artistica per descrivere una fetta di mondo con le sue virtù e i suoi difetti peggiori, i suoi vizi, le sue paure, le sue insostenibili contraddizioni, un’attenta panoramica della società, una riflessione sui valori attuali.

Certo, raccontare il mondo non è mai facile, ma questo non sembra essere un grosso problema per lo scrittore milanese che è sempre pronto a nuove sfide. Profondamente attuale, reale e diretto non si può fare a meno di considerarlo già come l’ ennesimo colpo di genio di una penna che dal suo esordio, avvenuto nel 1981 con il noto “Treno di panna”, regala sempre intense storie di destini pronti a incrociarsi.

Villa Metaphora
di Andrea De Carlo
Bompiani – pp. 921

(di Simona Di Via)

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