Quando a luglio ho notato per la prima volta lo spoiler — o meglio, il teaser — sui canali social, non potevo crederci. Ho sempre avuto grande stima del collega Aldo Vitali e non pensavo che, dopo 25 anni, sarebbe riuscito nella magica impresa di riportare in vita un evento che ha segnato la storia della televisione italiana: il Gran Premio Internazionale dello Spettacolo.

È vero, non sarà trasmesso in televisione, ma è già tanto che torni a essere vissuto dal vivo. Qualcuno potrebbe obiettare che in Italia abbiamo già i David di Donatello, ma il Festival dello Spettacolo (questo il nuovo nome) è un’altra cosa: premiamo i volti di chi anima la nostra televisione e la cultura popolare, dalla musica ai programmi d’informazione, passando per l’intrattenimento più leggero e brillante. A partire, naturalmente, dal celebre “micione”, simbolo iconico e affettuoso del premio.

Il format cambia rispetto al passato – a mio avviso, in meglio – e non poteva capitare in un mese più appropriato. Ottobre, infatti, è proprio il mese che noi della redazione abbiamo deciso di dedicare al tema dello spettacolo, filo conduttore del numero e delle nostre pubblicazioni.

Restando in tema di intrattenimento, non possiamo non citare il Festival del Cinema di Roma, giunto a una nuova e attesissima edizione. Quest’anno la giuria è presieduta da Paola Cortellesi, reduce dal successo straordinario di C’è ancora domani. Tra le novità internazionali più attese troviamo i nuovi film di Ridley Scott e Sofia Coppola, insieme a diverse anteprime che promettono di accendere la Capitale di glamour e talento.

E parlando di show, come dimenticare il ritorno del Victoria’s Secret Show, tra spettacolo, musica e sensualità, o la Frieze di Londra, che come sempre anima Regent’s Park con le opere d’arte più interessanti e visionarie del panorama contemporaneo.

Non mancano, come sempre, i nostri approfondimenti su concerti, viaggi, hi-tech e supercar, insieme alle recensioni dei migliori prodotti per la cura della pelle e del corpo, per continuare a raccontare il benessere in tutte le sue forme. E naturalmente, il nostro occhio attento alla cultura, che non smette mai di osservare, raccontare e stupire.Che dire, direi che è tutto sotto controllo per partire con grande energia.

Buona lettura a tutti!

L'articolo Apri la finestra, lo spettacolo ti aspetta! proviene da Gilt Magazine.

Quante volte abbiamo pensato “Ah, se queste pareti potessero parlare!”? Beh, Neil Simon lo ha immaginato davvero: ha dato voce a una suite dell’iconico Hotel Plaza di New York, e il risultato è una brillante commedia che esplora le dinamiche di tre coppie in crisi. Con Corrado Tedeschi e Debora Caprioglio protagonisti, il pubblico viene trasportato in un viaggio attraverso le sfaccettature dell’amore e delle relazioni, tutte ambientate nella stessa suite di lusso.

Presentato presso Teatro Manzoni a Milano, verremo trasportati nella vita di una coppia sposata in piena crisi: il tradimento ha ormai minato le basi del loro matrimonio, e ritrovarsi nella suite della loro luna di miele è l’ultima occasione per cercare di riaccendere una fiamma spenta. Una situazione in cui molti potrebbero rispecchiarsi, o forse temere di vivere.

Nella seconda parte, l’atmosfera si fa più segreta e intrigante: una relazione clandestina tra un famoso produttore e una “mogliettina modello”, due ex compagni di scuola che si incontrano di nascosto nella suite. Il loro incontro fa emergere sentimenti nascosti, insicurezze e desideri mai sopiti. E chissà, magari anche tra di voi c’è chi si è chiesto come sarebbe rincontrare il proprio “vecchio amore”.

La terza parte è la più divertente e dissacrante: una coppia di genitori disperati che tenta in ogni modo di convincere la propria figlia a uscire dal bagno il giorno del suo matrimonio! L’esilarante susseguirsi di equivoci e situazioni grottesche farà ridere di gusto, mentre non si può fare a meno di riflettere su quanto la famiglia, in tutte le sue sfumature, sia il centro di tante nostre vite.

Sullo sfondo di questa suite ricca di agi e lusso, i protagonisti ci ricordano che, nonostante lo sfarzo, le sfide e le difficoltà delle relazioni sono universali. E voi, vi siete mai trovati a vivere una di queste situazioni? Forse non in una suite a cinque stelle, ma certo in qualche angolo della vostra vita.

L'articolo “Se queste pareti potessero parlare”: Tre coppie e un’unica suite all’Hotel Plaza proviene da Gilt Magazine.

Ottobre annuncia il suo arrivo rendendosi portavoce di un autunno che ormai ha fatto capolino nell’aria. Le giornate si accorciano, le temperature si raffreddano e dell’estate non resta che un ricordo sbiadito. Ma in questa malinconia dal sapore dolce-amaro si può cogliere della sana bellezza, basta solo saperla scovare (e apprezzare).

Ed è quindi un focus sull’Entertainment, sul mondo dello spettacolo a 360 gradi, il filo conduttore del nuovo numero di Gilt. Protagonista in copertina, l’attrice e regista Monica Guerritore. Nata a Roma, fin da giovanissima nutrì un amore viscerale per il teatro, tanto che a 16 anni esordì a Milano diretta dall’illustre Giorgio Strehler, a cui rende omaggio quest’anno (in veste di attrice e regista) dirigendo la pièce teatrale “L’anima buona” di Sezuan e interpretando i due personaggi principali. Nella sezione Interviews, Monica ci racconta qualcosa in più sullo spettacolo in scena, sulla sua carriera e sull’immensa stima nei confronti di Strehler.

E se di spettacolo e intrattenimento si parla, la moda è pronta a rispondere. La sfera del Lifestyle vede infatti soggetto principale un evento iconico che coinvolge la città di Milano, in particolare il Quadrilatero della Moda: La Vendemmia, manifestazione volta a omaggiare due settori che esaltano il Made in Italy, fashion & wine. Tantissime saranno le boutique che ospiteranno al loro interno degustazioni di vini esclusivi. Previsti inoltre svariati Winery Tour e la possibilità di gustare pranzi o cene nei venti ristoranti affiliati, con menù studiati ad hoc per l’occasione. E come si suol dire, in alto i calici!

Largo sì a divertimento e svago, ma senza dimenticare la tutela e la salvaguardia dell’ambiente, tematiche che nel 2021 stanno ricevendo sempre più considerazione e importanza. La rubrica Greenworld ci porta alla scoperta di Escape4Change, che nasce da Associazione Eufemia, realtà interamente italiana che si occupa di promozione sociale. Tra i vari progetti, il gioco per adulti. I temi? Ambiente, cambiamento climatico ed economia circolare, ma anche lotta al razzismo e mondo senza frontiere. Chiunque può partecipare, non servono particolari competenze, solo tanta voglia di divertirsi in un contesto informale e libero. Il principio è quello utilizzato nelle ormai conosciute Escape Room, nate negli Stati Uniti alcuni anni fa.

Pronti dunque ad andare in scena, perché come ci ricorda l’immenso poeta e scrittore Charles Bukowski: “La gente è il più grande spettacolo del mondo. E non si paga il biglietto”.

Clara Bacchetta

L'articolo Ottobre: un occhio a 360 gradi sullo Spettacolo proviene da Gilt Magazine.

Prende il via lunedì 19 novembre la seconda edizione della Milano Music Week, e il programma dell’evento prevede numerosi appuntamenti tra concerti, showcase, incontri e momenti di formazione, mostre, presentazioni di nuovi progetti discografici e molto altro. La settimana, che sarà ancora più internazionale rispetto alla scorsa edizione, vedrà alternarsi per la città più di 200 artisti da ogni continente che si esibiranno tra live, dj set, ma saranno anche protagonisti di diversi momenti di incontro.

Per quanto riguarda i musicisti italiani, ricordiamo la Open Night con Elisa, che si esibirà al Teatro del Verme lunedì sera. Il Linecheck Music Meeting and Festival vedrà, tra gli altri, Motta, Premio Tenco 2018, che si esibirà nella performance “Motta & Les Filles des Illighadad” insieme a un gruppo di sole donne tuareg. Eros Ramazzotti sceglie proprio la città meneghina per la presentazione del suo nuovo progetto discografico “Vita ce n’è”. Ancora, il gruppo TheGiornalisti, Ghemon, Boosta (Subsonica), Emma Marrone, Dolcenera.

Milano Music Week, il taglio del nastro con Porsche Italia

L’inaugurazione della Milano Music Week avverrà ufficialmente lunedì 19 alle ore 12.00 in Via Conchetta (angolo Via Troilo), dove Porsche Italia e il collettivo Orticanoodles presenteranno il Macan Music Wall by Porsche Italia. “Music is a neverending journey”. Si tratta di un murales di 400 metri quadri, un regalo da parte di Porsche Italia alla città di Milano e una dedica all’universo della musica, un’opera che racconta generi e strumenti musicali.

Lo spunto per la realizzazione del murales è venuto dalla nuova Macan, un’auto nata per rappresentare la libertà di vivere fino in fondo le proprie emozioni. Nello specifico, il soggetto dell’opera è un cuore da cui partono flussi e tendenze; intorno ad esso orbitano i pianeti rappresentanti i diversi generi e, accanto, le costellazioni-strumenti musicali.

Un appuntamento da non mancare per gli amanti della musica a 360°

Con la Music Week, Milano si conferma ancora il punto di riferimento per il mondo dello spettacolo e della musica, a tutti i livelli. A detta dell’Assessore alla Cultura Filippo Del Corno “Questa seconda (edizione) conferma la volontà di far dialogare i diversi mondi della formazione, della produzione e della distribuzione mettendo in connessione il mondo della musica anche in senso verticale, dal top player alle piccole case discografiche e ai locali indipendenti”.

Impossibile, dunque, non partecipare all’evento che consacra nuovamente Milano come Music City italiana per eccellenza.

di Maria Giulia Gatti

L'articolo Milano Music Week: torna l’evento più rock dell’anno proviene da Gilt Magazine.

Lino Musella e Paolo Mazzarelli ideatori dello spettacolo Who is the King?

Potere, gloria, ammirazione, sangue. Da sempre le vicende umane accadono, governate dalla forza di questi desideri. Territori conquistati, trionfi, rivolte, uccisioni, tradimenti: la volontà di potere scorre nell’animo umano, trascinando in spirali di perdizione, follia e bramosia anche gli uomini più nobili. È la storia del mondo, ed è la storia che William Shakespeare, a cavallo tra XIV e XV secolo ha raccontato, portando in scena con i suoi Drammi Storici le vicende degli otto Re di Inghilterra che si susseguirono durante la Guerra Delle Due Rose. Una storia lontana, ma che avremo presto il piacere di riascoltare. Proprio con il cadere delle foglie, l’avanzare della nebbia e l’arrivo dell’autunno, potremo immergerci nuovamente nelle vicende misteriose dell’Inghilterra del Quindicesimo Secolo e riviverne l’oscura e affascinante atmosfera.

Lino Musella e Paolo Mazzarelli alla riscoperta dei Re shakespeariani

Al Teatro Franco Parenti di Milano, andrà in scena Who is the King?, un percorso di riscoperta delle vicende dei Re shakespeariani che, per la prima volta, si presentano a teatro tutti insieme, raccontandosi in un nuovissimo e coraggioso percorso ideato da Paolo Mazzarelli e Lino Musella, sviluppato in quattro macro episodi. Una vera e propria serie che abbandona la comfort-zone della televisione e si avventura  a teatro, raccontando in modo episodico e unico, un intero secolo di storia.

Il percorso, sapientemente costruito dagli autori, vedrà ogni Re conquistare il palco e raccontare le proprie vicende, nell’arco della vita che va dalla giovane età sino alla vecchiaia, per giungere poi  alla morte, momento in cui il nuovo Re calpesterà il palco, conquistando il potere. Si partirà dal racconto di Riccardo II, un Re intimamente lacerato dal potere, emotivo, volubile e in balia degli eventi, passando per i trionfi di Enrico V, saggio, leale e autorevole, fino ad arrivare all’inferno, nell’animo di Riccardo III, un Re spietato, deforme, oscuro.

Secondo le parole di Mazzarelli: “Who is the King è una domanda e un’affermazione insieme […] è la domanda che tiene banco in tutti i drammi storici, è una domanda attorno alla quale si costruiscono tutte le dinamiche di congiura, guerra, alleanza, sfida, amore, che riempiono e animano i testi”. Ed è anche una domanda che ben si adatta a questo progetto, ideato da varie teste pensanti e organizzative, che collaborano senza tregua a un processo creativo fecondo e innovativo. Lo spettacolo andrà in scena per la Prima Nazionale, con due episodi iniziali al Teatro Franco Parenti di Milano questo Ottobre.

di Sara Pacella

L'articolo Lino Musella e lo spettacolo Who is the King? proviene da Gilt Magazine.

Alessandro Preziosi torna a Milano al Teatro Manzoni con uno spettacolo impegnativo e toccante sul pittore Vincent Van Gogh. Il testo, già vincitore del Premio Tondelli a Riccione Teatro 2005, è di  Stefano Massini e, sotto la regia di Alessandro Maggi, andrà in scena dal 15 novembre al 2 dicembre. Per l’occasione, Alessandro ha risposto alle domanda di Gilt, facendo luce sul difficile lavoro dietro a questo progetto.

Parliamo del suo ultimo spettacolo, “Vincent Van Gogh L’odore assordante del Bianco”. Come si è preparato per interpretare il tormentato artista, oltretutto negli ultimi e più duri anni della sua vita?

Sicuramente la documentazione migliore sono state le lettere che Vincent scriveva al fratello Theo, quasi 300, molte delle quali non ottennero nemmeno risposta. Devo dire la verità, non mi sono concentrato molto sull’aspetto pittorico, quello è arrivato subito dopo, il primo impatto che ho avuto invece è stato proprio nella conoscenza reale di chi fosse Van Gogh senza filtri. E quale mezzo migliore delle lettere scritte di suo pugno? È stato uno studio più sull’uomo che sull’artista, considerando ovviamente poi che tutto quello che noi vediamo “inchiodato sulla tela” – come diceva Theo – nacque proprio dalla natura dell’uomo. C’è quindi da chiedersi piuttosto come mai da una mente così contorta, schizofrenica ed allucinata sia nata invece una pittura così secca.

In questi ultimi tempi i confini dell’arte pittorica si stanno espandendo sempre più: uscita dai musei entra in televisione, al cinema ed ora anche a teatro. Numerosissimi sono i recenti film e spettacoli incentrati sulla vita o le opere di famosi pittori. Come si spiega questa tendenza?

È fisiologico. Io credo che l’arte sia sempre uscita fuori dai musei, forse in Italia questo è accaduto meno. Prendiamo Van Gogh: su di lui sono stati fatti molti film, per esempio quello di Robert Altman (Vincent & Theo ndr.), e innumerevoli documentari come Loving Vincent. Quindi non mi sembra ci sia un particolare eccezionalità in questo periodo, sicuramente però si tratta di una scelta funzionale a comprendere meglio l’arte. C’è un percorso che va in direzione di una sua maggiore accessibilità e comprensione.

E in questo che ruolo gioca il teatro?

Il fatto che l’arte si “inteatri” – e quindi diventi doppiamente arte – per raccontare la storia di un artista sembra un fatto scontato, ed invece non lo è per nulla. È molto complesso perché significa trasportare l’arte all’ennesima potenza, rischiando quasi di renderla eccessiva. In ogni caso, credo che il ruolo di questo spettacolo, così come degli altri che sono stati fatti in passato sui grandi pittori, sia molto importante perché comunque permetterà di capire meglio un quadro di Van Gogh quando ce lo si ritroverà davanti. O per lo meno, speriamo!

Il titolo è molto evocativo…il bianco è un colore che fa paura: per un pittore è sinonimo di una tela vuota, per uno scrittore della famosa pagina bianca. Per un attore invece cos’è il bianco?

Gustosa questa domanda! Mi verrebbe da rispondere che la pagina bianca per un attore sia il non sapere, il non avere nulla da dire. Allo stesso tempo però reputo questa paura, questo stato di pericolo sulla scena, un momento di grande teatro. L’attore è una razza molto strana, credo che una soluzione per sconfiggere la paura del bianco la trovi sempre.

Come è stato lavorare con Alessandro Maggi?

Abbiamo un rapporto di grandissima stima e fiducia. Da lui ho imparato che realmente un grande artista non vive più per se stesso ma per far vivere le cose. Lo ritengo un vero e proprio fratello è questo è il massimo che potevo chiedere da un rapporto di lavoro iniziato già con il Don Giovanni. Costruire questo progetto insieme è stato emotivamente esaltante perché quando è arrivato il momento di dar voce a Van Gogh ho trovato davanti un pilastro, aveva le idee molto chiare.

Lei ha una formazione accademica ai Filodrammatici di Milano, ma poi la sua carriera si è sempre destreggiata tra la televisione, il cinema ed il teatro. Quale di questi mezzi predilige e in quale tipo di recitazione si trova più a suo agio?

Nel fare le interviste! (ride ndr.) In realtà io non conosco l’agio, mi esalta di più la difficoltà. Ed onestamente la difficoltà la trovo soprattutto nella preparazione di uno spettacolo e nell’esecuzione di alcune recitazioni cinematografiche. Diciamo che recitare di fronte alla macchina da presa rimane ancora un viaggio tutto da scoprire, anche il teatro resta una scoperta ma sulla quale ho battuto più a lungo la testa.

La redazione ringrazia di cuore Alessandro Preziosi per la disponibilità e gentilezza.

di Gaia Lamperti

L'articolo Alessandro Preziosi, a teatro nei panni di Van Gogh proviene da Gilt Magazine.

“Il teatro non è il paese della realtà : ci sono alberi di cartone, palazzi di tela, un cielo di cartapesta, diamanti di vetro, oro di carta stagnola, il rosso sulla guancia, un sole che esce da sotto terra. Ma è il paese del vero: ci sono cuori umani dietro le quinte, cuori umani nella sala, cuori umani sul palco.”
(Victor Hugo)
Il teatro nasce per rendere tangibile l’aspirazione umana di creare un rapporto con le divinità, attraverso riti e danze, e allo stesso tempo intrattenere rapporti sociali. Dal medioevo ai giorni nostri, ha subito infinite evoluzioni e sfumature, rimanendo sempre un nodo di congiunzione tra le varie arti.
L’aspetto che rende il teatro infinitamente affascinante è la sua casualità: “Teatro” è una relazione tra un attore e uno spettatore, ed è una relazione così personale che ognuno potrebbe dire di vivere storie differenti ogni volta.
Il confine tra palco e realtà è sempre labile, indossare una maschera è un atto prima di tutto ludico: infatti in alcune lingue, come l’inglese (“to play”), il francese (“jouer”) e l’ungherese (játszik), il termine coincide con il verbo “giocare”.
Ludico sì, ma è il modo in cui spesso ci presentiamo alla realtà. E allora aveva ragione Camus quando, nel suo teatro dell’assurdo, diceva che la vita si trasforma in un palcoscenico, dove tutti noi recitiamo delle parti ed indossiamo delle maschere, talvolta senza neanche accorgercene.
De Filippo diceva che il teatro è una delle testimonianze più certe del bisogno dell’uomo di provare in una sola volta più emozioni possibili, da qui il titolo che Gilt ha voluto dedicare alla più attuale delle sette arti, chiamando questo numero “ Metropolitan’s scenography”.
Racchiudendo in chiave contemporanea e parafrasando a 360 gradi il tema, Joseph Chen , fotografo newyorkese , firma un bellissimo servizio fotografico che Gilt Magazine ha voluto reinterpretare omaggiando uno dei più grandi padri del teatro moderno , Pirandello , da cui il titolo “9 LOOKS IN SEARCH OF A MODEL”.
Ma il teatro non è solo ciò che si vede sul palcoscenico.
“Dietro le quinte” è un modo un po’ generico per definire tutto ciò che c’è dietro uno spettacolo teatrale o un’esibizione di danza. Ma ciò che non si vede, spesso, o quasi sempre, è la parte più affascinante. Pensate che una sfilata dura in media 15 minuti, ma il lavoro e la preparazione che ci sono dietro, durano ogni volta sei mesi. Pensate all’emozione che si racchiude nei momenti immediatamente precedenti la messa in scena, al momento in cui, carichi di entusiasmo,tensione ed adrenalina, gli attori si augurano l’in bocca al lupo.
Eppure non c’è bisogno di salire su un palco o di indossare le punte di ferro per capire cosa intendo: “dietro le quinte” è un inno a ciò che non si vede, a ciò che non è detto, scontato, percettibile. Sono le emozioni, le sconfitte, sono la quotidianità che vive ognuno di noi. E’ una melodia canticchiata distrattamente nella metro.
“Drifts a melody so strange and sweet in this sentimental bliss” cantava Ella Fitzgerarld in uno dei più romantici testi della storia. Ed è così che ci stiamo addentrando nella stagione invernale: ballando un dolcissimo lento.
Cala ormai definitivamente il sipario sulla bella stagione, facendo spazio al ritmo e alla routine a cui siamo tutti abituati e che, ammettiamolo, dopo un po’ ci manca.
Ma autunno è anche rinascita, è rimettersi in gioco, aggiornarsi, è, soprattutto, tempo di coccolarsi con qualche nuovo acquisto. Ottobre è l’applauso che precede l’esibizione, è l’aspettativa mista a curiosità.
E’ il mese in cui dobbiamo mettere in pratica tutte le lezioni imparate durante le fashion weeks di settembre. Londra, New York, Milano, Parigi: sarà estate prima di passarle in rassegna tutte.
Quindi care lettrici, mi raccomando, armatevi tutte di tè caldo e sedetevi comode a leggere i nostri suggerimenti per l’A/I 2015!
Il vero must di questa stagione è lo stile boho chic: Isabel Marant, antesignana di questo trend, ci ha istruite a dovere sull’accostamento di frange e pesanti tessuti jaquared; per Marni e Valentino la parola chiave è una sola: pelliccia, rivisitata in chiave patchwork, o color block, come propongono Moschino e Fendi, e per le meno audaci, sì alle più classiche: affrontare il freddo non è mai stato così facile!
I cappotti diventano over e gli abiti mini. Versace e Saint Laurent azzardano con paillette, lustrini e tulle, per una moda che stupisce anche a basse temperauture.
E le gonne? Gucci e Ferragamo non hanno dubbi: a pieghe, ampie o plissè, rigorosamente sotto il ginocchio.
Rinunciare alla sensualità mai, Alberta Ferretti docet: siamo ormai abituate alla maestosità dei suoi abiti, che sono sempre un tripudio di femminilità e ricercatezza. Pizzi, trasparenze e pois su abiti lingerie che saranno perfetti per le occasioni più mondane: mensieur Scognamiglio è d’accordo.
“Bene” direte voi, “e per me che tutte le mattine vado al lavoro?” Non temere cara lettrice, la moda pensa a tutti, e per te Marc Jacobs ha riservato dei deliziosi tailleur in colori pastello…Ah! Non ve lo avevo ancora detto? Uno dei trend di questa stagione sono proprio loro, i colori pastello! Lo avreste mai immaginato? Scopriteli nella nostra rubrica!
I maglioni diventano sculture con Delpozo, e per rimanere in tema noi siamo andati alla mostra di Michelangelo nella stupenda cornice del Castello Sforzesco, voi avete tempo fino al 10 gennaio, correte!
Moda è anche arte, e la collaborazione tra il New York City Ballet e lo stilista Zuhair Murad è la prova che questo connubio può essere magico. Lo stilista ha infatti creato per il giovane coreografo Myles Thatcher i costumi per il suo spettacolo sulle note di William Walton.
Qui su Gilt non manca proprio nulla: uomini, abbiamo pensato anche a voi! Non perdetevi la nostra recensione sulla nuovissima Audi A4, e tenentevi pronti a festeggiare insieme a Porsche i 30 anni del marchio alla Fiera Auto e Moto d’Epoca di Padova in programma dal 22 al 25 Ottobre prossimo.
Infine, nella nostra rubrica prêt-à-porter troverete utili consigli sull’abbigliamento più adatto per andare a teatro, ma mi raccomando, qualunque cosa indossiate, lasciate il segno con il vostro profumo: sarà il ricordo migliore che avranno di voi.

Viviana Liguori

L'articolo Metropolitan’s scenography. Il palcoscenico sulla realtà. proviene da Gilt Magazine.

Non solo una grande stilista, ma una figura simbolo della cultura popolare del Novecento che, seppure non amasse definirsi femminista, rivoluzionò il disegno dell’abito femminile proprio, per paradosso, attraverso la rivisitazione di capi tipicamente maschili, contribuendo all’imponente trasformazione del ruolo della donna.

“Fino a quel momento avevamo vestito donne inutili, oziose, donne a cui le cameriere dovevano infilare le maniche; invece, avevo ormai una clientela di donne attive; una donna attiva ha bisogno di sentirsi a suo agio nel proprio vestito. Bisogna potersi rimboccare le maniche”.  Queste le parole dell’emancipata Coco, all’anagrafe Gabrielle Bonheur Chanel e a lei è dedicato “C come Chanel” , lo spettacolo in scena al Teatro Franco Parenti fino al 17 febbraio.

A interpretarla la poliedrica Milena Vukotic che passa con disinvoltura dalla televisione d’intrattenimento al cinema d’autore e al teatro più impegnato. Sul palco anche David Sebasti che ricopre tutti i ruoli maschili come il fedele maggiordomo, l’amatissimo Boy Capel e il poeta Jean Cocteau, per le cui opere Coco lavorò come costumista. Roberto Piana firma la regia, gli splendidi costumi sono di Alessandro Lai, mentre il testo è scritto dalla giovane Valeria Moretti.

L’intento dell’autrice non è stato quello di raccontare dettagliatamente l’intera esistenza di “Mademoiselle”, anche perché ricca di avvenimenti e articolata è la sua vita così come il lungo periodo storico che fa da cornice (1883 – 1971), quanto piuttosto di evocare, attraverso un succedersi di immagini quasi oniriche, di suggestioni e di emozioni, a tratti dolorose e anche ironiche, il sapore di quegli anni trascorsi intensamente dalla regina indiscussa dell’eleganza, tanto forte quanto fragile, che però si considerava “solo una semplice sarta”.

Teatro Franco Parenti
Via Pier Lombardo, 14, Milano
dal 5 al 17 febbraio
martedì alle ore 20.30
mercoledì alle ore 19.45
da giovedì a sabato alle ore 20.30
domenica alle ore 16.00

I biglietti sono acquistabili direttamente alla biglietteria del teatro e online.

(di Giulia Bellini)

L'articolo “C come Chanel” – Milena Vukotic è il mito di Coco proviene da Gilt Magazine.

“Non c’è niente di più comico dell’infelicità”, diceva Samuel Beckett e proprio in questa frase è racchiusa l’essenza di “Occidente solitario”, la commedia noir in scena al Tieffe Teatro Menotti fino al 10 febbraio con la regia di Juan Diego Puerta Lopez.

L’autore è Martin McDonagh, pluripremiato commediografo inglese di origine irlandese e regista del film “In Bruges – La coscienza dell’assassino”, che propone un testo forte, dal linguaggio crudo, spesso volgare che potrebbe urtare la sensibilità di qualcuno e per questo rischioso, ma perlomeno non lascia indifferenti e riesce persino a divertire grazie al tono grottesco che trapela in ogni battuta.

A Claudio Santamaria e Filippo Nigro spetta l’arduo compito, perfettamente riuscito, di rendere in qualche modo simpatici due personaggi per nulla accattivanti, che il pubblico non può amare in nessun momento, ma che non abbandona fino alla fine e che può anche comprendere nonostante la loro brutalità. A tal proposito, azzeccata è l’associazione di Santamaria: “Faccio sempre questo paragone: mi ricorda un po’ la vecchia commedia all’italiana che aveva la capacità di farti sorridere di cose veramente terribili come ne “I Mostri” con Vittorio Gassman o, penso a “Parenti serpenti” di Monicelli”.

L’intera vicenda ruota intorno a due fratelli: Coleman e Valene, due disadattati, due eterni bambini che nonostante giochino a massacrarsi, a vendicarsi e a ricattarsi, regredendo di scena in scena, non possono fare a meno l’uno dell’altro perché paradossalmente l’unico modo che conoscono di volersi bene, di dimostrare affetto, è proprio odiarsi. Del resto sono cresciuti con un padre ubriacone e rozzo e violenta è la realtà in cui vivono, un paesino della provincia irlandese dove omicidi e suicidi sono all’ordine del giorno, dove si respira quotidianamente rabbia, risentimento, cinismo, dove i buoni sentimenti sono tenuti ben nascosti o addirittura totalmente assenti.

L’ambientazione principale è il salotto di casa dei protagonisti e ciò che salta subito all’occhio è la quantità di statuine religiose disseminate un po’ ovunque, oltre a una grande “V” segnata di rosso su ogni mobile e parete. Già da queste stranezze si evince la personalità problematica, disturbata e maniacale di Valene che colleziona oggetti sacri e con la propria iniziale vuole sottolineare al fratello le sue proprietà, il quale lo stuzzica di continuo mangiando le sue patatine o peggio rovesciandogliele in testa, cuocendo nel forno le sue statuine e altri dispetti di vario genere. Immancabile è la bottiglia di whisky bevuto come se fosse acqua, non solo dai fratelli, ma anche da Padre Welsh (interpretato da Massimo De Santis), un prete dalla fede vacillante che vorrebbe essere d’aiuto ai suoi parrocchiani e soprattutto ai due uomini affinché pongano fine alle loro stupide liti, ma che perderà miseramente la sua battaglia e travolto dal fallimento si toglierà la vita. A nulla servirà il conforto della giovane Mary, chiamata da tutti “ragazzina” (Azzurra Antonacci, che sostituisce in questa seconda stagione Nicole Murgia) che spaccia a domicilio alcool di contrabbando, innamorata di Padre Welsh e molto più saggia, a dispetto dell’età, di quanto potrebbe sembrare. Particolarmente intenso è l’ultimo faccia a faccia tra i due sul molo, appena prima dell’insano gesto del prete che congeda la ragazza con un tenero bacio sulla fronte consegnandole una lettera destinata ai due fratelli nella quale li prega di salvare la sua anima, condannata a bruciare fra le fiamme dell’inferno, perdonando a vicenda i torti subiti e imparando ad andare d’accordo. Così, in un primo tempo, cercheranno di fare i due in virtù di quel foglio di carta che Valene appende sotto il crocefisso che, simbolicamente, viene illuminato per ricordare le parole dell’amico scomparso, ma tutto si trasforma in una sorta di gara a chi rivela lo sgarbo maggiore, le scuse, quindi, non saranno mai realmente sincere e, andare a bere al pub è l’unica soluzione per interrompere l’ennesima lotta…almeno per qualche istante!

L’autore si limita a rappresentare la vita di queste persone senza esprimere alcun giudizio morale. Aspra è, invece, la critica verso un certo bigottismo cattolico; si accenna infatti al problema della pedofilia dei preti irlandesi e al fatto che si può uccidere anche venti persone, ma se poi ci si pente si può aspirare comunque al Regno dei Cieli, mentre se ci si suicida si precipita inesorabilmente all’inferno come spiegherà Padre Welsh.

“Occidente solitario” una pièce che, nonostante tutto, rimane nel cuore e che i due protagonisti sono ben contenti di interpretare: “È un testo che ho adorato dalla prima lettura – racconta Filippo Nigro – ero convinto che fosse un bel testo e lo sono ancora”.

Tieffe Teatro Menotti
Via Ciro Menotti, 11, Milano

dal 29 gennaio al 10 febbraio
martedì, giovedì, venerdì e sabato alle ore 21:00
mercoledì alle ore 19.30
domenica alle ore 17:00
I biglietti sono acquistabili direttamente alla biglietteria del teatro e online.

(di Giulia Bellini)

L'articolo L’ “Occidente solitario” di Santamaria e Nigro proviene da Gilt Magazine.

Per un regista creare uno spettacolo teatrale partendo da una propria idea è come tessere un tessuto composto da fili di colore diverso, strettamente intrecciati tra loro per creare un disegno unitario ed omogeneo. Così, egli deve tessere le varie trame, facendo risaltare la propria immagine del testo, e per farlo, invece di fili, ha a sua disposizione attori ed elementi scenografici, immagini e suoni.

E nel caso del Macbeth di Andrea De Rosa, il cast di attori a disposizione è di straordinaria qualità, dai protagonisti, Giuseppe Battiston e Frédérique Loliée, a tutti gli altri: Ivan Alovisio, Marco Vergani, Riccardo Lombardo, Stefano Scandaletti, Valentina Diana, Gennaro Di Colandrea. Camei che impreziosiscono e danno sapore allo spettacolo, come nel caso di Stefano Scaldaletti, che pur con poche battute è riuscito a disegnare perfettamente un possibile Malcolm, presentandoci un personaggio estremamente umano.

Nell’immaginario di De Rosa, Macbeth è un uomo moderno: può vivere tra di noi, in noi. E il filo conduttore di tutto lo spettacolo lo troviamo nelle figure delle tre streghe del testo shakespeariano, che qui sono tre bambolotti sempre presenti che osservano gli spettatori fin da quando entrano nella sala. Queste tre bambole riportano ad una sensazione familiare, dolce, ma allo stesso tempo inquietante, perturbante. Diventano incarnazione del male dentro l’uomo e la donna, tanto che l’attrice le infila sotto i suoi vestiti come se lady Macbeth fosse gravida, covando dentro di sé, piano piano, pensieri di ambizione e crudeltà al posto dei figli che la coppia non ha mai avuto.

Pensieri maligni, mai scissi però da una sorta di tenerezza materna, leggerezza e dolore. Le bambole sono dunque il seme che scatena tutte le azioni successive e rapidamente ci conducono fino alla fine in un succedersi incalzante, sempre in bilico tra ferocia e crisi di coscienza, immagini di profonda complicità di coppia, sventura e sangue, fino alla chiusura a sorpresa. Testimonianza del fatto che immaginare il potere è molto diverso dal viverlo realmente.

Lo spettacolo prosegue il suo tour nei seguenti teatri:

Pavia, teatro Fraschini, 1-3 febbraio 2013

Correggio, teatro Asioli, 5-6 febbraio 2013

Cesena, teatro Bonci, 7-10 febbraio 2013

Milano, teatro Strehler, 12 febbraio – 3 marzo 2013

Locarno, teatro di Locarno, 5-6 marzo 2013

Lonigo, Arteven, 7 marzo 2013

Mestre, teatro Toniolo, 8-10 marzo 2013

Cremona, teatro Ponchielli, 12-13 marzo 2013

Bologna, Arena del Sole, 14-17 marzo 2013

L'articolo Il “pulp” Macbeth di Andrea De Rosa proviene da Gilt Magazine.