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La sfilata di Sportmax è un manifesto di body consciousness che mira a decostruire l’idea feticista di femme fatale attraverso la rielaborazione di archetipi differenti. Tra le muse ispiratrici di questo processo rivoluzionario emerge la biblica Lilith, prima moglie di Adamo (la Luna nera in astrologia), Novak, musa di Alfred Hitchcock in La donna che visse due volte, o la pin-up cartoon Jessica Rabbit.

La collezione si compone di costruzioni sartoriali ed esaltazione dei corpi, materiali super stretch e aderenti come una seconda pelle in omaggio alle tre decadi d’oro del power dressing: gli anni ’40 con la giacca a clessidra, gli anni ’80 dalle spalle esagerate abbinate a pencil skirt, e gli anni ’90 caratterizzati da uno stile androgino e minimalista.

L’erotismo sofisticato esplode in scollature e generosi spacchi, contrasti e trasparenze provocanti. I colori dominanti sono colori noir, crepuscolari: nero, blu notte, caffè, rosso. I materiali spaziano dalle stoffe tipiche della sartoria, fino alla vernice e alla pelle morbidissima. Gli accessori richiamano i monili tribali con un tocco fetish: décolletée dalla punta affilata, tacchi a spillo, stampe animalier e vernice lucida. Il tutto raccontato in uno scenario onirico per valorizzare le forme e accentuare i contrasti in modo impetuoso e sensuale.

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La collezione Tod’s

Walter Chiapponi, direttore creativo della Maison italiana, per la nuova collezione Autunno/Inverno 2022-23 ha rielaborato le icone della bellezza italiana in chiave moderna e versatile, per un utilizzo quotidiano, conservando una qualità unica e ricercata. L’Heritage della cultura italiana trova riverbero nella ricerca estetica della collezione sottolineando una tradizione che da sempre trova radici nella missione di Tod’s.

Ne sono un esempio concreto la borsa Di Bag in cuoio naturale, di cui si innamorò Lady Diana, che ora si destruttura e si trasforma in una borsa multifunzionale realizzata in morbida pelle. O lo Stivaletto W.G., che si reinventa per la stagione invernale in proporzioni nuove e colori caldi. I capi più iconici della collezione, come il trenchcoat e il giubbotto bomber, mutano i loro volumi mischiando proporzioni e materiali differenti.

La nuova collezione si declina in linee pure ed essenziali coniugate al lusso dell’italian tailoring per un risultato contemporaneo e innovativo. Il guardaroba Tod’s vede amalgamarsi maschile e femminile per un effetto unisex nell’ispirazione ma pur sempre attento alle sinuosità dei corpi per un dialogo costante tra i generi.

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Alessandro Dell’Acqua ha inaugurato nel quartier generale di via Archimede 26, la sua N21 Spring/Summer collection 2019-2020, ispirata ad un ribelle Yves Saint Laurent degli anni Settanta. Una collezione che grida lo stravolgimento dei grandi classici ed incita alla rottura delle regole del couture. Una linea ispirata al passato ma straordinariamente innovativa.

N21: contaminazioni anni ‘70

“Che cosa voglio?”, replicò Yves Saint Laurent, “scioccare la gente, costringerla a pensare”. Fu proprio con queste parole che, il 29 gennaio 1971, il noto stilista francese si difese dalle critiche mosse contro di lui. Quel giorno, la sua controversa sfilata intitolata “40’s” rischiò di incrinare il mito del geniale couturier, alla cui spregiudicatezza si è invece ispirato Alessandro Dell’Acqua. La collezione di allora evocava il buio civile dell’occupazione nazista durante la Seconda Guerra Mondiale, poiché influenzata dallo stile bellico degli anni ’40: spalle rinforzate, essenzialità quasi militaresca e un recupero di drappeggi classico-ellenici. Yves Saint Laurent non badò però a nessuna critica, perché il suo intento era proprio quello di sconvolgere ed indurre le persone a ragionare su tutto ciò che era considerato normale o proibito.

Rivisitazioni vincenti caratterizzate da un erotismo singolare

N21 presenta dunque una collezione che porta in scena l’erotismo ma in modo sottile e ricercato. Alessandro Dell’acqua osa infatti con trasparenze e strategici tagli di tessuti, con l’intento di “mostrare la pelle” e rivelare, attraverso la moda, il lato più passionale sia dell’uomo che della donna. Le fantasie scelte sono puramente anni ‘70, così come gran parte dei modelli. I grandi classici, come il tailleur, sono stati rivisitati in maniera molto semplice, che risulta però rivoluzionaria, soprattutto agli occhi stanchi e annoiati di chi ormai langue nell’idea di una moda “noiosa”, che da troppo non si distanzia dai canoni di perfezione ed etica imposti. Il designer è stato infatti capace di dimostrare come, spostando un piccolissimo dettaglio (ad esempio un bottone o un semplice spacco), sia possibile dare vita ad un capo totalmente diverso. Bello quindi è poter osservare come questo cambiamento nell’abbigliamento si rifletta anche nell’atteggiamento della persona, rendendola totalmente diversa. Alessandro Dell’Acqua per N21 ha ricercato la novità, il divertimento, il desiderio, e ha osato rompere le regole per crearne di nuove, tutte sue.

Tecniche innovative come fonte d’ispirazione per nuove generazioni

La collezione Primavera/Estate di N21 ha un carattere minimal che si distanzia da quello classico di couture. Questo perché tutti i tessuti utilizzati sono stati lavati più volte prima di essere impiegati nella realizzazione dei capi, con l’intento di renderli slavati e meno eleganti. Così gli abiti, seppur presentino un’originalità spiccata, risultano più portabili; ciò permette anche ai più giovani di prendere ispirazione dalla collezione N21. Dell’Acqua incita infatti i ragazzi a provare ad abbandonare, qualche volta, le tute da ginnastica mainstream, e li spinge invece a sperimentare giocando con gli stili che hanno fatto la storia della moda. “Se necessario”, ha dichiarato durante un’intervista nel backstage, “aprite anche l’armadio di mamma e provate ad indossare cose importanti, a modo vostro però”.

Con questa collezione Alessandro Dell’Acqua resta un designer capace di stupire e di veicolare al suo pubblico un messaggio da non sottovalutare: non accontentatevi, cambiate le regole e abbiate sempre il coraggio di romperle se è per creare qualcosa di migliore.

di Gloria Lo Bue

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Il monogramma, simbolo di coerenza del marchio, torna protagonista nella nuova collezione  Laura Biagiotti

Siamo nel 1975. Laura Biagiotti crea il monogramma che diventerà l’iconico simbolo del suo marchio. Da allora passano oltre quarant’anni, ma quel simbolo, come la stessa idea di stile del brand, permane nel tempo. Lavinia Biagiotti continua con coerenza e raffinatezza il percorso materno alle redini creative della maison.

Ancora una volta il Teatro Piccolo di Milano accoglie lo show Biagiotti nell’ultima giornata della Milano Fashion Week. Una collezione, quella FW 2019-2020, in cui il logo prende il sopravvento. Fa da sfondo alla passerella. È stampato su gran parte degli outfit che sfilano sul catwalk. Quel monogramma che, ieri come oggi, testimonia lo stesso ideale di femminilità autentica tipica delle donne milanesi.

Grande assente: l’abito da sera. Non ci sono proposte evening. La collezione è interamente pensata per il giorno. Per tutti i giorni. Perché proprio lì, nel quotidiano, avviene lo straordinario. È la stessa stilista a testimoniarlo: “Voglio portare ciò che è straordinario nella nostra vita di tutti i giorni, cosicché esso non passi, ma anzi duri nel tempo. Lo straordinario nel quotidiano è secondo me la cifra del nuovo decennio che inizia, i nuovi anni Venti”. Come aveva fatto la madre, Lavinia Biagiotti sostiene una moda autentica i cui ideali di bellezza permangono nel tempo.

Laura Biagiotti sostiene una bellezza senza tempo, una femminilità autentica immune al passare delle mode

Nella prima parte del fashion show la palette di colori è piuttosto vivace. Tonalità contrastanti si sovrappongono creando giochi cromatici di forte impatto. Diversi anche i pattern: in alcuni capi il logo prende il sopravvento e il monogramma si ripete come motivo decorativo; in altri compaiono il tartan, i quadri, principe di Galles, motivi floreali tipici del damasco.

Nell’ultima parte della sfilata si alternano look total white (un classico nelle sfilate della Biagiotti). La collezione è un mix di cappotti e piumini, pullover e gilet, abiti in maglia, giacche dal taglio più maschile, maglioncini in cashmere, sottovesti di pizzo in versione da giorno e mini skirt. Torna anche l’abito bambola, tipico della tradizione del marchio.

Questa nuova fase di Laura Biagiotti è in realtà in forte continuità con la precedente. Il brand sostiene una bellezza senza tempo, che resiste ai trend e diventa evergreen. In coerenza con tale idea, un’ospite d’onore chiude la sfilata Autunno/Inverno 2019-20 di Laura Biagiotti. Si tratta della modella Pat Cleveland, musa di stilisti importanti negli anni Ottanta. Con la sua grazia e femminilità, nel pieno dei suoi 68 anni, solca con leggerezza la passerella, quasi prendendosi gioco di una moda che, nonostante tutto, la ha resa regina.

di Debora Lupi

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Chi conosce Elisabetta Franchi sa di certo che parliamo di una donna che si emoziona e sa emozionare il suo pubblico, ma che continui a farlo ancora con tanta disinvoltura e padronanza resta una delle più piacevoli sorprese di questa Milano Fashion Week. L’anima del brand, Elisabetta Franchi, conquista ancora una volta il pubblico femminile con le sue proposte per l’Autunno/Inverno 2019-2020 catapultando il suo audience in una meravigliosa esperienza stilistica.

Elisabetta Franchi, e siamo a cavallo

Se pensate che ci sia dell’ironia nella frase sopra citata è perché ancora non avete avuto la fortuna di conoscere le proposte stilistiche per l’A/I 2019-2020 di Elisabetta Franchi. Che siate appassionate o no di equitazione, la stilista bolognese durante la Settimana della Moda di Milano, ci porta ad esplorare il mondo equestre. Non dimentichiamo che in quanto ad interpretare le necessità stilistiche femminili, Elisabetta Franchi è una garanzia.

Stivali alti in pelle, cappelli da cavallerizza impreziositi, fuseaux con bande sui lati ed il gioco è fatto. E se dopo una spensierata cavalcata la donna sportiva non vuole rinunciare ad un’uscita mondana sfoggiando tutta la sua eleganza, la risposta è semplice: un elegante mini dress o una giacca arricchita dalla componente furry è un must have per il prossimo autunno inverno; il tutto purché in tweed e abbinato ad accessori come orecchini importanti e una pochette dalla forma rettangolare.

Con Elisabetta Franchi la moda è più che mai femminile

Elisabetta Franchi riserva particolare attenzione per la moda e le esigenze femminili. Grazie alla sua perseveranza nel coniugare queste due passioni, la stilista non sbaglia un colpo e porta in passerella outfit da sogno e mai banali. Ma la donna firmata Elisabetta Franchi può anche permettersi di vivere i propri sogni.

Infatti, l’Autunno/Inverno 2019-20 sarà davvero un sogno da vivere lasciandosi avvolgere da una morbidissima pelliccia di estrema tendenza. La regina delle nevi delle prossime stagioni invernali sfoggia camicette leggere impreziosite da dettagli, minigonne ed abiti che evidenziano la silhouette donando armonia. Cinture in vita, stivali sopra il ginocchio specchiati di diverse nuances.

E poi, Lui: il tweed. Il re della passerella, estremamente femminile e chic, per una donna elegante e romantica. Motivi checked fanno breccia su alcuni miniabiti, e dei maglioncini dai colori tenui vengono abbinati a gonne midi impreziosite da paillettes. Tornano padrone del corpo femminile le tute, alleate del binomio comodità-originalità. Il tutto completato da borsette a tracolla o da piccole borse attaccate alla cintura per risaltare il punto vita; previste anche soluzioni un po’ più capienti e comode, dalla forma tondeggiante, per dare un tocco di consapevolezza in più al look.

La donna di Elisabetta Franchi ha coscienza di sé e padronanza delle sue attitudini. Parliamo di una donna romantica ed elegante, che con l’aiuto della stilista riesce ad esaltare tutta la sua femminilità senza cadere mai nel banale. La sfilata si conclude con note allegre velatamente intrise di malinconia, perché quando un sogno sta per concludersi, si ha sempre quella voglia amara di riviverlo al più presto.

di Sara Steccanella

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Nessuno resiste al fascino di un diamante. Donne e uomini di tutte le età non possono che rimanere incantati dallo scintillio etereo di queste pietre senza tempo. Lo sa bene Ermanno Scervino, che con la sua collezione Autunno/Inverno 2019-20 presentata durante la Milano Fashion Week ha tributato un canto d’amore alla brillantezza dei preziosi, ricoprendo i suoi capi di cascate di punti luce.

Diamonds are everyone’s best friends

Che si tratti di un uomo un po’ dandy o di una donna in tenuta da gran sera, poco importa: l’essenziale è che brillino. Per l’A/I 19-20 di Ermanno Scervino, i codici del guardaroba maschile e di quello femminile si fondono e si interscambiano, in un gioco di rimandi sotteso da un elemento comune: i bagliori preziosi. È così che la maglieria, per lui e per lei, si accende di cascate di cristalli, applicati anche ai tessuti maschili come gessati, Pied de Poule e Principe di Galles. Con gli stessi tessuti Ermanno Scervino mescola le carte in tavola, divertendosi a creare completi rigorosi (ma portati sopra a sensuali basi di pizzo) per lei, e giacche fintamente rilassate per lui, sdoganando l’idea che sia solo la donna a poter andare a rubare nell’armadio dell’uomo.

Una palette di colori glamour per Ermanno Scervino

Anche i colori di questa stagione rimandano ad un mondo glamour che non vuole nascondere i propri tesori preziosi: i toni del grigio sono illuminati da borchie gioiello, mentre il bianco è tanto classico sulle camicie extra-long quanto charmant sui lunghi abiti con colletto gioiello e spacco vertiginoso. C’è spazio anche per il contrasto rock-romantico di nero e rosa: il primo che brilla cupo su giacche e tubini in pelle morbidissima, mentre il secondo passa da toni più o meno accesi a seconda che vada ad ammantare un giaccone, uno stiletto o una camicia dalla mano serica.

La pelliccia c’è, ma è eco

A dare un tocco di estro in più arrivano le pellicce. Ermanno Scervino le vuole appariscenti, e non importa che la stampa ricordi il leopardo o un più fantasioso animalier: deve essere sempre rigorosamente eco. A portarla sono indistintamente donne e uomini, a dimostrare che certi canoni estetici non conoscono stereotipi di genere.

di Martina Faralli

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Marni Milano Fashion Week, bioetica ed ermafroditismo

Marni FW 19-20; sul catwalk si assiste al risultato di un lasciapassare di intrecci fiabeschi, suturati da una (volutamente irrispettata) bioetica femminista: a essere femminilizzate sono figure come Frankenstein e lo Stregatto.

Androginia “matchata” ad ermafroditismo, evocato dalla presenza di donne-uomo. O semplicemente vediamo il coronamento del sogno di Frankenstein, nel chiedere a Victor di creare una donna-mostro da poter amare.

“Come puoi dire che ho paura, ho sette vite comunque. Non ero sempre un gatto, usato per essere come te in effetti. Miao!”, (Pussy X di Kas Product). Sul riecheggio di queste parole, uno dopo l’altro gli abiti di ready-to-wear, cipigli alternati a sguardi allucinati, catene e suture di piercing.

In Ventura Lambrate una scena tetra e gotica, horror e fantascientifica, in cui dei mostri si manifestano per volere del proprio artefice, esprimendo la paura diffusa dallo sviluppo tecnologico.

Moda Marni 2019-2020, la collezione

La collezione Marni ancora una volta può definirsi architettonicamente complessa; a essere spezzata è la costante dell’oversize, a volte interrotta da outfit in cui viene risaltata la silhouette. Ciò che si denota a primo acchitto in questa avanzata gotic-fantasy è la totale assenza di pantaloni; lo stesso Francesco Risso in uscita finale veste un gonnellone in tartan.

Le geometrie dei capi estricano il concetto del doppio e la difficile distinzione tra allucinazione e realtà, supportate da forme zigzaganti conferite dall’uso della piega. Plissé e drappeggi si coalizzano in un’intesa volta ad una cinetica incontrollata; la fissità è un’esclusiva degli sguardi dei modelli.

Per i tessuti la scelta ricade sul satin che vira dal rosso al rosa, dal bianco al nero. Esso appare nei top e nei bottom, ma anche nei dettagli, come le fodere a contrasto degli ampi trench in pelle croco.

Scolli profondi versus colli alti, fusciacche fluttuanti si attorcigliano alla nuca per ricadere in avanti sul busto, divenendo delle vere e proprie bluse, fissate da reti di catene e amuleti. Il cowhide leather proprio di Marni lo ritroviamo nei cinturoni, nei profili delle giacche e nelle nappe degli ankle boots.

I colori Marni, espressionismo cromatico

Il rosso è sicuramente il colore preponderante di questa collezione. La palette nella sua totalità richiama l’Espressionismo tedesco, caratterizzato dalla ricerca del soggettivo nella realtà circostante. Una dedica all’emozione e alla sensualità, in forte contrasto con l’espressione efficace dei volti, capace di stimolare e impressionare l’osservatore. I contrasti e i paradossi fanno parte degli uomini così come dei mostri, creature avvezze alla ribellione.

di Selena Celio

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Moncler Genius Building: una location riqualificata

I tunnel di via Ferrante Aporti, scoperti da Ventura Project in occasione del FuoriSalone 2017, sono ad oggi centro di esposizione per Moncler Genius, che ha scelto questa location rinominandola Moncler Genius Building, luogo in cui ha anche presentato la sua nuova collezione Autunno/Inverno 2019-2020. La casa di moda è inoltre promotrice della riqualificazione culturale della zona limitrofa alla stazione Centrale di Milano.

Così come il Salone del Mobile, la Settimana della Moda meneghina consente di scoprire tesori nascosti che nel giro di poco tempo vengono trasformati in set-up perfetti per ospitare le collezioni moda. Un mondo sotterraneo che mixa fashion, design, architettura, performance, scenografia e musica. Niente di più giusto per interpretare il progetto che Remo Ruffini, CEO di Moncler, vuole portare in auge. Si tratta di un’innovazione a favore della multietnicità, della tecnologia e, come vuole precisare Ruffini, “l’intento è quello di creare un modello di comunicazione e di business nuovo, all’avanguardia, che non si spaventi di fronte all’era digitale in cui stiamo vivendo oggi”.

Moncler Genius: one house, different voices

Ruffini ha ben pensato di arricchire il suo progetto avvalendosi dell’aiuto di nuovi designer, dando quindi voce a dodici collezioni che, alternandosi ogni mese, verranno presentate nel Moncler Genius Building. Ad illuminare l’exibition quest’anno saranno Pierpaolo Piccioli & Liya Kebede, Sergio Zambon e Veronica Leoni per Moncler 1952 (che prende il nome dall’anno di nascita del brand), Sandro Mandrino per Moncler Grenoble, Simone Rocha, Craig Green, Matthew Williams di 1017 ALYX 9SM, Richard Quinn, Fragment Hiroshi Fujiwara, Palm Angels Francesco Ragazzi e Poldo Dog Couture.

I designer e la loro concezione di Moncler Genius

Richard Quinn

Da un estroso come Quinn non è difficile immaginare una capsule colorata e simpatica, che sprizza energia. Infatti, ad accoglierci un tripudio di fiori e stampe che per un secondo fanno sorgere il dubbio se essere ad un’esposizione di Andy Wahrol.

Pierpaolo Piccioli e Liya Kebede

Nylon laqué e richiami africani per il duo di designer che puntano a creare sontuosità con piumini dalle nuances calde, che sembrano danzare all’interno di un’architettura più che essenziale. Un bel connubio, maxi proporzioni ed essenzialità. La scelta di chiamare accanto a sé Liya Kebede, sostenitrice di artigiani africani, sta a dimostrare quanto l’arte di Piccioli sia espressione di multiculturalità.

Veronica Leoni e Sergio Zambon

La coppia di designer della collezione 1952 propone una versione pop eclettica in un’atmosfera ispirata alla vicina discoteca, il Tunnel Club di via Sammartini. I modelli infatti sono all’interno di gabbie vetrate in cui sono ricreati vari ambienti. Anche qui il nylon occupa buona parte dei materiali usati, mescolandosi a rete, lana bouclé e stampe tartan. Per il menswear, Zambon afferma di volere un uomo poliedrico, uno scalatore cool del XXI secolo. Se non è innovazione questa!

Moncler Grenoble

Ecletticità e patchwork per Sandro Mandrino, che ha l’onore di avere una scenografia curata da Hrafnhildur Arnardottir, artista islandese meglio conosciuta come Shoplifter. Al termine dell’esposizione, l’installazione andrà alla Biennale di Venezia. Ispirazioni allo ski-wear degli anni Settanta, ma con introduzioni di frange e tie-dye per Moncler Grenoble.

Simone Rocha

Romanticismo interpretato da capi in pizzo sangallo che creano una delicata visione all’interno di un candido bosco di betulle. C’è amore e rispetto verso la natura in questo tunnel.

Craig Green

Il designer promuove l’heritage di Moncler e la sua voglia di innovarsi con un bilanciato mix di volumi tra il corpo e lo spazio circostante.

Matthew Williams per Moncler 1017 Alyx 9SM

Qui la tecnologia è espressa ai massimi livelli attraverso sacchi a pelo che indicano la funzionalità e fanno combaciare il mondo di 1017 Alyx 9SM con il voler puntare all’eternità di Moncler per i suoi capi e accessori.

Hiroshima Fujiwara

Esistono infiniti modi di comunicazione, e in questa collezione, ispirata allo stile aviator, troviamo una mescolanza di vintage e urban che trasmette messaggi ben precisi attraverso delle maxi scritte.

Francesco Ragazzi Palm Angels

Provocatoria è la sua indole, e Francesco Ragazzi non perde mai occasione per esprimerla. In occasione della collaborazione con Moncler Genius, ha creato una silhouette urban dall’animo punk, lasciando pure le linee dei capi.

Poldo Dog Couture per Moncler Genius

Il nostro fedele amico a 4 zampe non poteva esimersi da indossare dei veri capi di tendenza. Questa collezione si arricchisce di diversi accessori e propone il gilet in piumino in nuovi materiali (come il nylon laqué) e nella variante effetto maglia.

In occasione della Milano Fashion Week è stato deciso di aprire al pubblico, domenica 24 Febbraio, il Moncler Genius Building, dove tutti potranno ammirare queste differenti concezioni di moda.

di Agnese Pasquinelli

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Santoni: la perfetta combinazione tra tradizione e innovazione

Nel corso della Milano Fashion Week, il brand Made in Italy Santoni, fondato da Andrea Santoni e ora diretto dal figlio Giuseppe, ha aggiunto un nuovo tassello alla sua gloriosa storia, che dal 1975, anno della sua nascita, si distingue per la potente combinazione della tradizione artigianale con il design e la ricerca avanguardistica.

“Bellezza”: questo il nome della presentazione curata da Paris studio H5 e tenutasi nella Sala Mengoni in Galleria Vittorio Emanuele. Essa si compone di una serie di installazioni artistiche varie, ideate dalle donne per le donne: una sorta di percorso fatto di suggestioni artistiche differenti, suoni, arti figurative e poetiche, pensato per esaltare la nuova collezione di calzature femminili firmate Santoni per l’Autunno/Inverno 2019-2020.

Santoni, Made in Italy “futuristico” e bellezza autentica

Ed è proprio la bellezza della femminilità, libera e spontanea, che Santoni vuole esaltare attraverso materiali morbidi e confortevoli, come la pelle scamosciata effetto cashmere, il pitone, il cervo, la nappa e la pelle di vitello naturale, sapientemente trattati e abbelliti da ricami geometrici anni Settanta. La tipica fibbia, ormai elemento distintivo del brand, viene reinterpretata in un modello a tre fibbie che movimenta, con la sua linea androgina e sofisticata, pantofole, stivali e stivali fino al ginocchio.

Le nuances di colori sono calde e delicate, e vanno dall’amaranto al biscotto e all’arancio; questi colori acquerellati che caratterizzano tutta la collezione Santoni, assieme all’incredibile attenzione per i dettagli e per i ricami, che creano linee sinuose e sensuali, diventano vero e proprio marchio di fabbrica, espressione di una femminilità romantica, autentica ed eclettica.

L’approccio creativo è architettonico e minimalista, le linee sono morbide ed eleganti, i ricami preziosissimi: tutti questi elementi si intrecciano tra loro, si esaltano e dialogano per creare una collezione fresca che a buon titolo può conferire alla maison Santoni il merito di aver dato il via al “Rinascimento della calzatura italiana”.

di Alessandra Baio

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Continua il viaggio pop e di successo che da alcuni anni il direttore creativo di Moschino ha intrapreso insieme alla maison italiana. Che Jeremy Scott non sbagliasse un colpo ne eravamo certi, ma l’avreste immaginato che le passerelle milanesi si trasformassero nello studio di un game show?

Il tributo di Moschino agli anni Ottanta

La seconda giornata della Milano Fashion Week si conclude così, sul set della versione americana del gioco a premi “Ok, il prezzo è giusto!”; si alza il sipario e dei palcoscenici girevoli mostrano agli ospiti i premi in palio: una Ferrari, una lavatrice, un frigorifero, un tosaerba e altri elettrodomestici rigorosamente prezzati.

Ad aprire la sfilata Kaia Gerber, seguita da altre modelle con dei look che ripropongono la stampa del dollaro: le modelle dai capelli cotonatissimi sono le nuove vallette e diventano parte integrante del quiz televisivo.

Un salto nel passato con la tipica ironia che contraddistingue le ultime collezioni di Jeremy Scott; si ritorna all’epoca dei casinò, della leggerezza e del consumismo sfrenato degli anni Ottanta e ancora attuale. Non c’è però alcun tempo per pensare, perché tutti i riflettori sono puntati sugli abiti e gli accessori della collezione Autunno/Inverno 2019-2020.

La sensualità della donna Moschino

Lusso, colori accesi, volume e femminilità sono le parole d’ordine sulla passerella di Moschino: gli abiti che sfilano a Milano sono eleganti e luminosi, dalle tonalità oro e nero con semitrasparenze e drappeggi particolari. Non mancano poi il denim e gli abiti in pieno stile anni Ottanta dai colori vivacissimi e con stampe ispirate ai prodotti domestici.

Ad attirare l’attenzione soprattutto uno degli ultimi (e dei più divertenti) look a cavalcare il défilé: un abito verde con paillettes e lustrini, quasi celato da una lunga mantella a forma di piatto composto adatto per l’ora di cena. Il focus va anche sugli accessori, simili a opere d’arte di Andy Warhol: gli elettrodomestici diventano borsette e zaini simpatici; ed ecco sfilare persino un asciugacapelli, una lavatrice e un ferro da stiro in formato portaoggetti.

Il saluto finale di Jeremy Scott, dal 2013 al timone di Moschino, non ha lasciato alcun dubbio: lo stilista accolto dagli applausi di ospiti e modelle a bordo della sua Ferrari rossa farà parlare di sé ancora una volta!

di Giulia Minonne

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