Un italiano su tre ha paura di volare. Sarà forse la mancanza d’aria provocata dall’ambiente troppo angusto? O magari la scarsa possibilità di movimento dovuta alla vicinanza tra un sedile e l’altro? O magari la paura del vuoto? O la sfiducia nei confronti del pilota?

Per alcuni la più grande paura, e forse anche la più probabile, è quella di precipitare.

Questo è quello che accade in Flight, il film di Robert Zemeckis, dove un pilota di linea, Whip Whitaker (interpretato da Denzel Washington, che grazie a questo ruolo si è aggiudicato la sesta nomination all’Oscar), col vizio dell’alcool e dopo una notte di bagordi consumata con una giovane hostess, si ritrova a tentare un atterraggio di fortuna a causa di un cedimento della struttura che impedisce all’aereo di continuare a volare. Un semplice volo di linea tra Orlando e Atlanta si trasforma dunque nel peggiore incubo di qualunque passeggero, anche quello più temerario. In questo caso il comandante riesce a far fronte alla situazione e a evitare la catastrofe salvando 96 passeggeri e perdendone sei. Whitaker tenta infatti una manovra di emergenza che prova a mantenere in quota l’aereo, rivoltandolo per rallentarlo, rimettendolo in posizione dritta e tentando un atterraggio il più lontano possibile da case e civili. Manovra che non sarebbe riuscita a nessun altro e che non sono stati in grado di riprodurre neanche in laboratorio. Sarebbero morti tutti.

Ma se agli occhi della stampa Whitaker è un eroe, agli occhi della la NTSB (National Transportation Safety Board) non è altro che un alcolista che dovrà rispondere delle sue condizioni durante il volo. La strada sembra però lunga e tortuosa.

La vita del capitano precipiterà insieme a quell’assurdo volo o riuscirà a decollare di nuovo?

Flight è un film che ti fa riflettere, che pone interrogativi interessanti, che non vuole essere spettacolare ma invece il più realistico possibile sulla dipendenza e i suoi effetti non solo sugli alcolizzati, ma anche su chi gli sta intorno.

(di Martina Ingallinera)

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L’attesa è finita. Le luci in sala si spengono. Tre, due, uno… In origine fu il romanzo più famoso di Victor Hugo, nel 1980 fu trasformato in un musical colossale da Claude-Michel Schönberg, che si occupò delle musiche e da Alain Boublil, cui si devono i testi. Ora quello straordinario show approda sul grande schermo, per la regia di Tom Hooper. Siamo nella Francia della prima metà dell’Ottocento. Protagonista de “Les Miserables” è Jean Valjean (magistralmente interpretato da Hugh Jackman), appena uscito di prigione in cerca di redenzione. Sotto falso nome, diventa un fortunato imprenditore e sindaco di una città della provincia francese. Perseguitato dall’ispettore Javert (cui dà il proprio volto Russell Crowe) per aver violato la libertà condizionata, è costretto a fuggire nuovamente, portando con sé la piccola orfana Cosette, che alleva come una figlia (interpretata dalla bellissima Anne Hathaway.

Il film, estremamente commovente e ricco di sentimenti, offre al pubblico la possibilità di apprezzare le doti canore di Hugh Jackman, che in “Who am I?” dà il meglio di sé, incarnando i travagli personali di un uomo che, dopo essersi costruito una nuova vita, la deve distruggere e abbandonare nel nome di un bene superiore. A lui Tom Hooper ha affidato il ruolo di protagonista, non solo per le sue capacità artistiche e per la provenienza da un passato ricco di esperienze nei musical, ma soprattutto per “la straordinaria grazia e bontà che lo contraddistinguono”, doti così simili a quelle possedute dal personaggio immaginato da Hugo, per cui “sceglierlo per interpretare Jean Valjean è stata una decisione assolutamente naturale ”.

Con ben 8 nomination, tra cui Miglior Attore (Hugh Jackman), Migliore Attrice Non Protagonista (Anne Hathaway) e Miglior Film, Les Miserables è dunque uno dei favoriti alla Notte degli Oscar.

Il 2013, non vi è alcun dubbio, è l’anno di Hugh Jackman, cinematograficamente parlando. L’attore australiano, già vincitore di un Golden Globe , dopo averci accompagnato nei tumultuosi sobborghi della Parigi del 1832 (con Les Miserables ), ci porterà nelle moderne strade di Tokyo con il nuovo film di James Mangold, “The Wolverine”, e sarà uno dei protagonisti della commedia americana “Movie 43″.

“The Wolverine”, tratto dall’omonima serie a fumetti di Frank Miller (300, Sin City), è un film estremamente adrenalinico ed è stato definito dal regista un “fever dream” per il mix di elementi tradizionali nipponici (ninja, yakuza, samurai) e lo stile d’interpretazione realistico dei protagonisti. Per interpretare il suo ruolo, Jackman si è sottoposto ad una preparazione fisica speciale perché “ potesse essere percepita fisicamente la rabbia presente nel corpo di Wolverine”. In “The Wolverine” non mancherà nemmeno l’ elemento romantico: Mariko (la modella Tao Okamoto), figlia di un boss giapponese, intreccerà una relazione non facile con l’uomo dalle lame di adamantio.

“Movie 43”, infine, permetterà al pubblico di apprezzare le capacità comiche dell’attore australiani che, in questa pellicola, è l’affascinante scapolo ambito da una imbarazzatissima Kate Winslet.

Con tutti questi film in uscita, il 2013 sarà proprio l’anno di Hugh Jackman.

Les misérables
Regista: Tom Hooper
31 gennaio – 152 minuti

(di Ylenia Manfredi)

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Maria (Naomi Watts) ed Enrique Belon (Evan McGregor) iniziano le vacanze invernali e partono per la Thailandia insieme ai loro tre figli: Lucas, Simon e Thomas.

Trascorrono allegramente insieme il giorno di Natale uniti e spensierati, ma la mattina del 26 dicembre, mentre sono immersi nella calda meraviglia di quel paradiso terrestre, vengono travolti da un gigantesco muro d’acqua che sommerge tutto. Maria ed Enrique si trovano separati: lei rimane con il figlio più grande, mentre lui riesce a trovare i due figli più piccoli, dopo la paura per aver creduto di averli persi per sempre. Da quel momento non si daranno pace nel continuo tentativo di ritrovarsi per riunirsi.

Ogni membro di questa famiglia esprime una straordinaria forza d’animo, lottando contro un destino crudele. Questo dimostra quanto può essere forte la natura sulle nostre vite, senza lasciarci nessuna possibilità di controllo, ma anche come solo la voglia di vivere senza arrendersi mai diventi l’unica possibilità di salvezza.

Si tratta di una storia vera, ispirata alla tragica esperienza della famiglia Belon che nel 2004, durante le vacanze, è stata sconvolta da un terribile tsunami, colpevole della morte di 200 mila persone. La potenza di questo film sta nel realismo delle scene, che trasmettono pienamente lo stato di angoscia, di caos e perdizione di queste persone al punto da lasciare col fiato sospeso lo spettatore per tutta la visione.

Bayona ha voluto ricostruire tutto nei minimi dettagli. Per esserle il più possibile vicino alla verità, registrato le scene in un albergo di Phuket che realmente venne sommerso dall’acqua. Acqua anch’essa reale, cosa insolita anche nei film ad alto budget, perché troppo pericolosa.

Naomi Watts per preparare al meglio il suo personaggio ha incontrato la vera Maria; attraverso i suoi racconti, le sue emozioni riaffiorate, il terrore che ancora si legge nei suoi occhi, l’attrice ha cercato di cogliere ogni suo sentimento legato a questa vicenda che ha segnato per sempre la sua vita. L’essere madre di due bambini, inoltre, l’ha aiutata a interpretare al meglio la sofferenza provata nel momento in cui credeva di aver perso due dei suoi tre figli e il marito. Ha portato sul grande schermo un’interpretazione forte e sincera, tanto da farle guadagnare una nomination agli Oscar di quest’anno.

(di Hilary Tiscione)

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“Senza malizia verso alcuno,con carità verso tutti” (Abramo Lincoln). L’ultimo attesissimo film di Steven Spielberg narra la storia del sedicesimo presidente degli Stati Uniti d’America: Abramo Lincoln.

Il celebre regista non ha voluto raccontare l’intera vita dell’ex presidente, ma diversamente ha concentrato la narrazione sugli ultimi quattro mesi di presidenza, nei quali Lincoln maggiormente si impegnò per eliminare la schiavitù negli Stati Uniti, riuscendo a far approvare il tredicesimo emendamento. Spielberg racconta, in merito, un episodio della sua vita molto significativo riguardo il momento in cui si appassionò a quello che fu il più grande uomo del diciannovesimo secolo. Aveva sei anni quando suo zio lo portò a vedere da vicino la statua del “Lincoln Memorial”; inizialmente la trovò così mastodontica da riuscire a guardargli solo le mani, ma una volta superata la paura iniziale, quando riuscì ad osservarla pienamente, ne rimase così affascinato da non volersene più separare.

Lavorava da dodici anni a questo progetto. L’ossessione verso questo personaggio storico lo ha portato a concentrarsi a lungo sulla perfetta realizzazione di un film che riesce a mostrare in totale pienezza l’umanità che ha fatto di questo presidente un vero eroe. Dal momento in cui ha messo mano al progetto, il regista aveva in mente un unico solo attore al quale proporre questa parte: Daniel Day-Lewis, considerato da sempre un gigante nell’ambito della recitazione. Un attore di fama mondiale, vincitore di due premi Oscar (“Il mio piede sinistro” nel 1990 e “Il petroliere” nel 2008) che, nonostante abbia alle spalle una carriera ammirevole, ammette la timidezza e la soggezione iniziale nell’avvicinarsi a un uomo di tale grandezza. Quando gli venne proposta la parte, la rifiutò per ben due volte, ma il regista non smise di ritentare perché credeva fortemente che nessuno potesse interpretare sul grande schermo Lincoln meglio di Day-Lewis. Racconta in un’intervista che il film non avrebbe mai potuto prendere forma se Daniel non fosse riuscito ad identificarsi completamente con la sceneggiatura, tanto da non voler più uscire dai panni del personaggio dopo l’ultimo giorno di riprese. Ha avuto bisogno di un anno di tempo per potersi preparare al meglio e la sua straordinaria interpretazione è  stata premiata di recente ai Golden Globe con la vittoria nella categoria miglior attore protagonista. Inoltre è già considerato il film favorito agli Academy Awards di quest’anno con ben dodici candidature.

Nel cast recita anche Sally Field nei panni della moglie di Lincoln (Mary Todd Lincoln) che ebbe per la sua carriera un ruolo primario, in quanto lo spinse a compiere scelte che forse non avrebbe mai affrontato, oltre ad essere la sua più grande fan. Lo appoggiò in ogni scelta sempre.

Questo film è certamente un grande omaggio a un uomo che contribuì a rendere questo mondo migliore, che fu un grande esempio per tutti noi.
(di Hilary Tiscione)

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È l’ultimo film dell’autore di Baarìa, Giuseppe Tornatore, tra i registi italiani più apprezzati sulla scena internazionale. Un “maestro”, in questo caso, che ci presenta un’opera variegata, piena di sfumati, enigmatica e intensa con quella scorrevolezza simile a una lunga pennellata che solo lui, tra i registi nostrani, sa regalarci.

È di una minuziosa “cesellatura” che ci parla “La migliore offerta“. Pellicola sulle vicende di un brillante esperto antiquario apprezzato in tutto il mondo, Virgil Oldman (Geoffrey Rush), che un giorno viene chiamato da una misteriosa donna di nome Claire (Sylvia Hoeks) a effettuare una valutazione del suo ingente patrimonio artistico in quanto considerato dalla donna massimo esperto nel settore antiquario.

La vicenda si svolge in un’imprecisata città europea, in cui Oldman rifugge da autentici rapporti interpersonali, non a caso indossando metaforicamente un paio di guanti. Ricerca costantemente la compagnia di un’opera d’arte, sia essa un dipinto o una scultura, privilegiando la riflessione e il soliloquio, come quando si trova in presenza della sua collezione privata popolata da decine di ritratti femminili che lo guardano come ad attendere solo un suo sguardo di complice apprezzamento.

È una tematica non nuova, per Tornatore, quella della fobia degli spazi aperti. Infatti, come già in un suo film del 1998, il protagonista de “La leggenda del Pianista sull’Oceano” temeva l’accesso al mondo esterno, così ora il regista ci svela il multisfaccettato carattere della giovane Claire: sfuggente, malata di agorafobia e per questo timorosa anche del più piccolo contatto umano che vanifica con minuzia, comunicando unicamente da dietro una porta nascosta della villa.

Due personaggi, due mondi diversi con storie antitetiche che mostrano, però, un’umanità di fondo molto simile, tratti marcati e altri meno che combaciano e si fondono, come in un gioco d’incastri. Proprio come quegli insoliti ingranaggi, quei singoli tasselli che Oldman ritrova sparsi qua e là nella villa. L’uno è incompleto senza l’altro. Ed è proprio questo continuo fondersi di sentimenti la vera bellezza del film che combacia e si immerge perfettamente nel ritmo serrato, tipico del thriller più intenso e che solo alla fine svelerà l’opera compiuta: così come, pezzo dopo pezzo, si giunge, finalmente, a costruire l’antico automa, così accade per le vicende interpersonali tra Oldman e la seducente Claire.

Attraverso un costante gioco di sguardi si costruiscono le intrecciate vicende della storia tra l’antiquario e la donna, ma quello che il primo non sa è che aiutare la ragazza avrebbe cambiato persino se stesso. Lo avrebbe trasformato in un uomo nuovo, pronto ad affrontare anche la dura realtà che Claire stava architettando alle sue spalle.

Proprio come l’assistente di Virgil riuscirà ad aprirgli gli occhi affermando che “i sentimenti umani sono come le opere d’arte, si possono simulare”, così Oldman comprende che è una strada che può percorrere esclusivamente da solo.

Un film sull’amore nella cornice del mondo delle aste, dunque, ma, più in generale, un lavoro sull’eterna dicotomia tra verità e finzione che molto spesso non sono distinguibili con chiarezza e lucidità. Tutto è sfumato, ma è proprio da questa nebbia che risalta ancor più il talento di un regista che riesce a creare un’opera come un pittore dipingerebbe e si perderebbe, come un infante, nella perpetua scoperta dei sentimenti umani; nell’ossessione del continuo percorrere quel filo tagliente fino a godere, infine, della tela compiuta, del lavoro portato a termine ma da cui si sprigiona ancora un alone magico, misterioso ed infinito, proprio come se ancora fosse in corso d’opera. Un film che riesce a mostrare solo alla fine l’autentico nella finzione per metterci alla prova, per ritemprarci e farci rinascere più forti. Perché è questa, dopotutto, la forza che spinge l’uomo ad affrontare il presente e a proseguire il cammino nonostante le avversità della vita.

(di Luca Schirripa)

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Sembrerebbe l’ennesima romantic comedy americana, leggera, divertente e senza tante pretese e invece Ruby Sparks , il nuovo film di Jonathan Dayton e Valerie Faris, è molto di più. I due registi, a sei anni di distanza dal fortunato “Little Miss Sunshine”, tornano a dirigere un ormai cresciuto e talentuoso Paul Dano insieme alla fidanzata Zoe Kazan, nipote del celebre Elia, nonché sceneggiatrice di quest’ultima pellicola presentata al Festival del Film Locarno e al Torino Film Festival.

Ruby Sparks è il nome della ragazza, interpretata dalla Kazan, creata dalla fervida immaginazione dello scrittore Calvin Weir-Fields (Paul Dano) dietro suggerimento del suo psicanalista, il Dottor Rosenthal (Elliott Gould), per superare una crisi creativa in piena regola dopo il clamoroso successo del primo romanzo. E così, giorno dopo giorno, la giovane prende forma nella mente e nel cuore del protagonista, nonché sulle pagine finalmente non più bianche, finché una mattina Calvin se la ritrova nella cucina del suo appartamento, intenta a far colazione con una tazza di corn flakes in mano. Come la statua d’avorio scolpita da Pigmalione si trasformò in una fanciulla in carne e ossa grazie al tocco divino di Afrodite (secondo il mito di Pigmalione, appunto, cui la Kazan ha confessato di essersi ispirata), così Ruby, personaggio inventato, diventa una ragazza a tutti gli effetti, ma completamente dipendente dalla volontà del suo autore.

Quale uomo non desidererebbe realizzata tale fantasia? Uno di questi è sicuramente il fratello di Calvin, Harry (Chris Messina), eppure un amore nato con queste premesse non è poi tanto perfetto come si potrebbe pensare… Calvin è infatti combattuto tra smettere di scrivere per lasciare Ruby libera di fare le proprie scelte (ma ciò comporta un inevitabile allontanamento della donna dei suoi sogni) e continuare nel suo racconto governando, così, ogni pensiero e azione della sua “creatura” che senza di lui ovviamente non sa stare e finisce per diventare appiccicosa. La svolta arriverà quando Ruby capirà di non essere davvero reale, ma di vivere la vita che Calvin ha deciso per lei. Con la sua scomparsa, Calvin riuscirà a terminare il romanzo che, come lui stesso dirà, “è la storia vera e impossibile del mio grandissimo amore”, ottenendo nuovamente il consenso del pubblico. Fra i due c’è, però, ancora molto in sospeso e questa volta Calvin incontrerà una Ruby con una propria identità, che non si lascia comandare a bacchetta ma che sarà, nel bene o nel male, semplicemente se stessa e dovrà relazionarsi, come tutti, senza trucchi né inganni, con una compagna che potrebbe contrariarlo e persino insultarlo ma che se lo amerà, sarà solo perché lo vorrà veramente.

L’espediente magico serve,quindi ad approfondire, in modo lieve ed esilarante, argomenti importanti e forse ancora poco esplorati quali la natura purtroppo egoista dell’amore, il controllo, il potere e il senso di superiorità esercitati, in questo caso e come spesso accade, da un uomo all’interno di una coppia.

Da non dimenticare sono poi le interpretazioni di Annette Bening e Antonio Banderas nei rispettivi ruoli della madre di Calvin e del suo convivente, un duo hippie e stravagante quanto basta da conferire il giusto brio a una commedia già pienamente riuscita.

(di Giulia Bellini)

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Torna a recitare il premio oscar Clint Eastwood, nel ruolo da protagonista, diretto da Robert Lorenz, suo assistente alla regia in molti dei suoi film. Come in “Million dollar baby” (pellicola di grande successo del 2004, vincitrice di quattro premi Oscar, diretto e interpretato proprio da Eastwood), in “Di nuovo in gioco” l’attore veste nuovamente i panni di un importante talent scout sportivo (Gus Lobel).

Questa volta lo sport al centro della trama è il baseball. Gus è capace di scovare talenti anche da un aereo, ma secondo i proprietari degli Atlanta Braves per lui è ormai giunto il momento di andare in pensione. Ma lui si rifiuta di finire “in panchina” e la voglia di rimanere in gioco è tanta, come lo sono le difficoltà dovute all’età avanzata. La vista, per esempio, non è più quella di prima. Però, Gus ha una carta vincente che ignora ancora: la figlia Mickey (Amy Adams, attrice già nominata all’Oscar per “The Fighter”), che gli propone tutto il suo aiuto. Nel percorso che affronteranno insieme, padre e figlia avranno modo di rimettere pace nel loro rapporto divenuto estremamente tormentato dopo la morte della madre. Mickey metterà da parte la sua promettente carriera da avvocato per aiutare quella del papà e per la buona riuscita della sua ultima impresa. La passione per il baseball avvicinerà i due, colmando quelle lacune che li avevano fatti allontanare: Gus e Mickey avranno quindi modo di mettersi in gioco anche nella vita oltre che in campo.

Nel cast anche Justin Timberlake nel ruolo dello scout rivale di Eastwood, la cui presenza è ancora una volta una garanzia. Le sue interpretazioni ( tra le tante cito “Gli spietati”, “Mistic River”,”Gran Torino”,”I ponti di Madison County”) sono ormai considerate parte significativa della storia del cinema nel mondo.

(di Hilary Tiscione)

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Piace alla mente, alla pancia e al cuore. E così ecco che dopo l’Orso d’Oro al Festival di Berlino (riconoscimento che mancava all’Italia dal 1991 quando il premio venne vinto da La casa del sorriso di Marco Ferreri) e la candidatura come film italiano per gli Oscar, per “Cesare deve morire” arriva anche la nomination agli Efa, gli European Film Academy.

La pellicola diretta da Paolo e Vittorio Taviani concorrerà per tre categorie: miglior film, miglior regista e anche miglior montaggio (per il quale è in corsa il montatore Roberto Perpignani). Per aggiudicarsi il riconoscimento di miglior film 2012 i fratelli Taviani
dovranno vedersela con il franco-tedesco “Amour” di Michael Haneke, il tedesco “Barbara”, di Christian Petzold, il francese “Intouchables”, di Olivier Nakache e Eric Toledano, il danese Jagten di Thomas Vinterberg, il britannico “Shame”, di Steve McQueen. Per il premio di miglior regista, a sfidare la coppia italiana saranno invece Thomas Vinterberg, Michael Haneke, Steve McQueen e Nuri Bilge Ceylan.

Le nominations sono state rese note oggi al Seville European film Festival da parte di European Film Academy ed Efa Productions. A questo punto tocca ai 2700 membri dell’Efa votare i vincitori di quelli che vanno considerati il corrispettivo europeo degli Oscar. Premi che verranno annunciati e assegnati il prossimo primo dicembre a Malta.

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È finalmente uscito nelle sale italiane l’attesissimo “Total Recall – Atto di forza” con Colin Farrell, diretto da Len Wiseman, remake dell’omonimo cult del 1990 di Paul Verhoeven con Arnold Schwarzenegger, protagonista.

Basate sul racconto breve di Philip Dick, “We Can Remember It For You Wholesale”, le due versioni prendono connotazioni totalmente differenti.
Wiseman abbandona il pianeta di Marte e ambienta l’azione in un futuro lontano, su una Terra dominata da due sole nazioni: la Federazione Unita di Britannia e La Colonia. Per evadere dalla monotonia della quotidianità, il protagonista Douglas Quaid, interpretato da uno strepitoso Colin Farrell, innamorato della bellissima moglie (Kate Beckinsale), decide di rivolgersi alla Rekall, un’azienda capace di trasformare i sogni in ricordi. Il viaggio virtuale appare dunque la vacanza perfetta, ma durante la procedura qualcosa va storto…e Quaid si ritrova braccato e in fuga dalla polizia.

Una parte accattivante, quella di Quaid, che in molti hanno cercato di conquistarsi: lo stesso Schwarzenegger aveva mostrato interesse nel reinterpretare il protagonista in questa nuova versione, in cui Wiseman ha voluto approfondire il personaggio principale, creando un mix tra un thriller psicologico e un film d’azione.
Colin Farrell, per calarsi al meglio nel ruolo, ha seguito un rigoroso allenamento fisico e cercato, anche con modalità inusuali, un avvicinamento psicologico al protagonista, arrivando anche a trascorrere un’intera notte nell’appartamento di Quaid sul set.

Il film è costato 200 milioni di dollari. Il regista ha cercato di girare il più possibile in location reali, ma un ricco supporto della computer-grafica è stato inevitabile: “Total Recall” è un film avvolto da un’aurea di tecnologia per una storia che vorrebbe mostrarci la precarietà dei nostri ricordi e della nostra esistenza senza un uso cosciente dei mezzi tecnologici.

(di Priscilla Nappi)

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Il titolo in lingua originale “Woody Allen: a documentary” forse non rende bene l’idea di ciò che il regista Robert Weide ha voluto raccontare in questo film. In Italia non se ne è parlato moltissimo, ma il film Woody (titolo italiano), produzione Bim, è un’autentica biografia del regista americano più amato e discusso di tutti i tempi: Woody Allen, appunto. Quella che viene raccontata è la storia vera della movimentata vita del regista newyorkese, percorrendo tutte le fasi della sua vita, anche quelle più delicate.

Woody, il cui vero nome è Allan Konigsberg, iniziò la sua carriera con il giornalismo ma, ancora molto giovane, decise di occuparsi di cinema. Il destino poi è quello di una carriera in lunga, che ha segnato, tra alti e bassi, la storia del cinema. Dal film emerge tutta l’essenza di Woody, genio del cinema americano; il suo amore per Fellini a cui si è sempre ispirato, la sua carriera di stand-up comedian.

Il documentario è ricco di interviste a Woody stesso, che spiega le fasi della sua vita di lavoro dietro alla sua celebre macchina da scrivere, e mostra scene dello stesso regista all’opera sul set di Incontrerai l’uomo dei tuoi sogni.
Allen, però, è soprattutto il re del Festival di Cannes che Robert Weide non si è dimenticato, ma ha ampiamente celebrato nel documentario, mostrando immagini dell’attore sulla Montée de Marches in occasione del suo successo Midnight in Paris.
Non viene tralasciato nemmeno il delicato momento del matrimonio con la figlia di Mia Farrow, la ragazza coreana Soon Yi Previn, sua moglie dal 1997. Il melting pot ha sempre caratterizzato ogni aspetto della vita del regista, dai suoi film, ambientati in molte diverse città ed epoche, fino alla sua famiglia reale che condivide con la moglie e le due figlie adottive, coreane anch’esse.

Date le tempistiche, però, il lavoro di Weide ha risentito di numerosi tagli; la versione in DVD sarà più lunga e ricchissima di contenuti.

(di Ilaria Forastieri)

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