Sul tappeto rosso di Venezia 82, tra abiti da sogno e sguardi curiosi, a rubare la scena non è stata solo la moda. Il Maestro, diretto da Andrea Di Stefano, ha portato sul grande schermo un racconto di sorprendente delicatezza, capace di trasformare il campo da tennis in un palcoscenico di emozioni e di vita.

Il film intreccia due esistenze apparentemente lontane: quella di Raul Gatti (Pierfrancesco Favino), ex campione ormai in declino, e quella del giovane Felice (Tiziano Menichelli), promessa fragile schiacciata da un padre esigente. Il loro incontro genera un duetto narrativo intenso, fatto di silenzi, errori e sguardi che pesano più di mille parole.

Favino veste Raul con la forza discreta di un abito sartoriale segnato dal tempo: logorato, ma ancora capace di fascino magnetico. Con la sua consueta intensità, l’attore porta sullo schermo un personaggio che vibra di umanità imperfetta, oscillando tra ironia e malinconia. È un ruolo che gli calza addosso come un capo couture su misura, capace di rivelarne la potenza scenica e, al tempo stesso, la leggerezza sorprendente. La sua interpretazione conferma perché Favino è oggi il volto più internazionale del cinema italiano: credibile in ogni sfumatura, elegante in ogni gesto, magnetico come un accessorio che definisce lo stile di un’intera collezione.

La regia di Di Stefano sceglie la sobrietà come lusso, preferendo gesti minimi e atmosfere intime ai clamori della competizione. Il film non parla di coppe né di medaglie, ma di sconfitte che educano, di fragilità che diventano forza, di legami che si cuciono lentamente come un capo d’alta moda.Il Maestro è un’opera che brilla di autenticità: elegante, misurata, intensa. Un film che ci ricorda che la vera vittoria, come il vero lusso, non sta nell’ostentazione, ma nella capacità di riconoscere il valore nascosto nelle crepe.

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C’è un momento, nel percorso di crescita, in cui la sicurezza dorata delle mura di casa inizia a diventare una gabbia. È lì che nasce la ribellione, il bisogno di sporcarsi le mani per capire davvero chi si è. È questo lo spirito che anima Enzo, il nuovo film diretto da Robin Campillo e presentato in anteprima alla Quinzaine des cinéastes del Festival di Cannes 2025, pronto ad arrivare nelle sale italiane il 28 agosto distribuito da Lucky Red.

Il progetto ha un valore simbolico fortissimo: si tratta infatti dell’ultima sceneggiatura di Laurent Cantet, autore di capolavori come La classe (Palma d’Oro a Cannes nel 2008), scomparso prematuramente nell’aprile 2024. Campillo, suo storico collaboratore, ha raccolto l’eredità creativa dell’amico e maestro portando a termine il film con delicatezza e rispetto, donandogli una nuova vita sul grande schermo.

La trama: un ragazzo in cerca di libertà

Il protagonista è Enzo, interpretato dal giovane Eloy Pohu. Ha appena sedici anni e vive nel lusso di una villa affacciata sul mare del Sud della Francia. I genitori – Paolo (Pierfrancesco Favino) e Marion (Élodie Bouchez) – hanno sempre circondato il figlio di affetto e aspettative, immaginando per lui un futuro brillante fatto di studi e successi.

Ma Enzo non riesce a riconoscersi in quella traiettoria già tracciata. Dotato di una sensibilità acuta, spinto dal desiderio di sentirsi utile in un mondo che sembra sopraffatto dalle ingiustizie, decide di rompere gli schemi: abbandona la scuola e sceglie un apprendistato come muratore in un cantiere locale.

È lì che incontra Vlad (Maksym Slivinskyi), un operaio ucraino segnato dalla guerra e dal peso delle proprie scelte. Tra i due nasce un rapporto profondo, fatto di sguardi, silenzi e una condivisione che diventa nuova bussola per Enzo. Attraverso la fatica fisica, l’amicizia e la scoperta di una solidarietà concreta, il ragazzo rilegge la propria idea di amore, famiglia e futuro.

Favino nel ruolo del padre

Il cuore italiano del film è Pierfrancesco Favino, che interpreta Paolo, il padre di Enzo. Un uomo diviso tra l’orgoglio per un figlio brillante e la frustrazione nel vederlo rifiutare il percorso che lui e la moglie hanno faticosamente immaginato. Favino regala al personaggio profondità e sfumature: non è un padre-padrone, ma un uomo che deve fare i conti con la libertà del figlio, con la paura di perderlo e con la necessità di lasciarlo andare.

Un film di formazione dal respiro universale

Enzo è prima di tutto un romanzo di formazione: la storia di un ragazzo che, nel momento più fragile dell’adolescenza, sceglie di andare controcorrente e trovare la propria strada lontano dalle aspettative familiari. Ma è anche un racconto che parla a tutti: di classe sociale, di identità, di desiderio, di come le cicatrici della guerra e delle ingiustizie globali possano intrecciarsi con le piccole rivoluzioni individuali.

La regia di Robin Campillo, già autore de 120 battiti al minuto, alterna poesia e realismo sociale, conferendo al film uno stile intenso, capace di mettere in scena tanto la bellezza luminosa della Costa Azzurra quanto la durezza del cantiere.

Cannes e oltre

Accolto con calore alla sua prima mondiale a Cannes, Enzo è stato descritto dalla critica come un’opera vibrante, attraversata da una tensione emotiva che nasce dal contrasto tra due mondi: il privilegio borghese e la dignità del lavoro manuale.

Non è solo un film sull’adolescenza, ma un’opera che parla di coraggio, di eredità e di scelte: quelle di Enzo, quelle dei suoi genitori, e quelle di chi ha voluto realizzare questa pellicola nonostante la perdita del suo autore originario.

In conclusione

Enzo è una storia di ribellione e ricerca, ma anche un inno alla vita e alla possibilità di cambiare strada. È il film che segna l’ennesima prova d’attore per Pierfrancesco Favino, e insieme un omaggio all’eredità di Laurent Cantet. Un film che promette di emozionare, far discutere e restare a lungo nella memoria di chi lo vedrà.

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Il film di apertura dell’80º edizione del Festival del Cinema di Venezia è “Comandante”, diretto da Edoardo De Angelis e interpretato da uno dei più importanti attori della storia del cinema italiana, Pierfrancesco Favino. La pellicola arriverà nelle sale il 30 novembre 2023.

La storia tratta di Salvatore Todaro, un comandante del sommergibile Cappellini della regia marina durante la Seconda Guerra Mondiale. Un uomo che va contro le regole e si fida ciecamente del suo istinto e delle sue esperienze.

Il film, quasi totalmente ambientato all’interno del sommergibile, tratta di tematiche di guerra, ma in questo caso il regista è riuscito a ricreare un perfetto equilibrio tra momenti di drammaticità e scene di sottile ironia.

Dal punto di vista tecnico, si può notare un ottimo lavoro alla base, infatti la fotografia gioca un ruolo fondamentale nella visione del film, attraverso i toni cupi delle immagini vi è il richiamo alla tematica della guerra e ricrea un’atmosfera di drammaticità.

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Un amore fiabesco, sfiorito, bruciato, patologico. Un variopinto collage di tutte le complesse e dissolute sfaccettature che un sentimento tanto incomprensibile quanto destabilizzante come l’amore può avere, narrato dalle esperienze di quattro diversissime prospettive. Dal 9 dicembre arriva sul palco del Teatro Franco Parenti di Milano “Darling”, l’opera teatrale di Sara Bosi, affiancata dalla supervisione artistica di Pierfrancesco Favino, con produzione Gli Ipocriti Melina Balsamo, che racconta, tramite la voce di un’unica attrice, quattro storie di quattro piccole grandi donne, differenti per sogni ed età. 

La prima, una giovane ragazza, agli albori della propria maturità emotiva, innamorata di una concezione di amore puro e idealizzato, estraniato dalle meschinità del pragmatismo del tempo presente. Un amore genuino e stilnovistico che si impersonifica nell’emozione di ricevere in dono il suo primo anello di fidanzamento. Questa nube candida e immacolata che culla e scalda il pubblico nei primi minuti dello spettacolo, viene però ben presto eliminata con il racconto seguente, in cui vediamo protagonista una donna dall’età nettamente più avanzata che realizza, probabilmente troppo tardi, la sostanziale immobilità del suo essere. Proseguendo, la terza deve fare i conti con le ansie e le disillusioni scottanti di un amore finito per la volontà di chissà chi. Lo spettacolo si conclude infine con la storia di una donna triste, stanca e arrabbiata. Una donna asfissiata da un amore crudele che continua a provocarle un dolore insormontabile, ma di cui, allo stesso tempo, non riesce a fare a meno; la sua necessità si riduce non a voler condannare ma a voler essere ascoltata e trovare disperatamente delle risposte.

Un colorato affresco sulle contraddizioni, le gioie, i dolori dell’amore, che alterna toni graziosi e leggeri, a pennellate di amara e laboriosa riflessione. L’intento della Bosi, infatti, non consiste nel mettere in atto un paternalistico vademecum sulle norme che stanno alla base di questo sentimento, bensì ricreare un’atmosfera solidale, data dalla messa in scena di quattro diversi racconti, in cui il pubblico possa riconoscersi e aderirvi.

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“Il colibrì” di Francesca Archibugi sarà il film di apertura del Festival del Cinema di Roma. La pellicola, tratta dal romanzo del premio Strega 2020 Sandro Veronesi, illuminerà le sale italiane dal 14 Ottobre. Il trailer del film già promette forti emozioni. Da sfondo, la colonna sonora Caro amore lontanissimo, una canzone inedita del cantautore Sergio Endrigo: un capolavoro ritrovato e reinterpretato dal giovane Marco Mengoni.

Il protagonista è Marco Carrera – interpretato dall’incredibile Pierfrancesco Favino – un normalissimo oculista che conduce una vita apparentemente basica, comune. Marco, in realtà, è l’eroe dei nostri tempi. Capace di affrontare i vari colpi della vita come un matrimonio sgretolato, la morte dei genitori e il suicidio della sorella, il rapporto difficile con la figlia Adele che si prepara a diventare madre. La sua storia è un concentrato di amore, illusione, dolore, frustrazione ed immensa gioia che si intreccia con altri percorsi raccontati da un cast eccezionale. Kasia Smutniak, Bérénice Bejo, Nanni Moretti, Laura Morante, Benedetta Porcaroli, Massimo Ceccherini, Alessandro Tedeschi sono i grandi nomi che rendono questo film degno del libro che c’è dietro.

Le riprese del film si sono svolte tra Roma, Parigi, Firenze e la costa toscana. Seguendo la trama originale del libro di Veronesi, Il colibrì racconta la storia di Marco grazie alla forza dei ricordi. Sono proprio questi continui flashback che ci permettono di saltare da un periodo a un altro: la storia d’amore mai consumata con Luisa Lattes, la vita coniugale infelice con Marina; la psicoanalisi con il dottor Daniele Carradori, che lo aiuta ad accettare le sofferenze e a superarle. Questi sono solo alcuni dei frammenti esistenziali che Marco Carrera ci svela, raccontandoci una storia di resistenza che, come anticipato, non è altro che vita vissuta.

Di fronte a tutti questi problemi Marco potrebbe arrendersi, ma sceglie di non farlo e trova ogni giorno la forza per compiere un passo in avanti. Proprio come un colibrì che mette tutta la sua energia nello sbattere le ali per restare fermo nello stessopunto, così Marco riesce a fermarsi nel tempo e nel mondo recuperando i suoi ricordi e aggrappandosi ad essi per riuscire a camminare. Proprio come un colibrì Marco Carrera vola all’indietro, si serve dei propri ricordi per riannodare la vita perduta, le occasioni perse e quelle mancate, per ritrovare tutte le emozioni che, alla fine, formano la nostra identità e ci rendono ciò che siamo.

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Era il 2015 quando la scrittrice francese Amanda Sthers pubblicò il suo libro Les Promesses. Il 18 novembre di sei anni dopo è uscito in tutte le sale cinematografiche il suo ultimo film, Promises. La Sthers ha tratto dal suo romanzo un film che ha prodotto, sceneggiato e diretto tutto da sola. L’Auditorium Parco della Musica ospita una produzione italo-francese dalla trama drammatica e coinvolgente. “Ho scritto il libro senza pensare che ne avrei fatto il film, ma quando ho pensato di voler fare un film su una storia d’amore, mi sono ricordata di averla già scritta”, racconta la regista in conferenza stampa.

Una storia d’amore drammatica

La complessa storia di Promises, presentata al Festival del cinema di Roma 2021, narra la storia di Alexander, un uomo dal passato doloroso e turbolento. Alexander trova la pace solo costruendosi un nuovo universo all’interno di cui vivere; la sua famiglia. Il suo stabile equilibrio viene alterato dall’incontro con Laura, la mitica Kelly Reilly, fidanzata e in procinto di sposarsi. Assistiamo dunque alla crisi di due individui nel bel mezzo del loro percorso vitale.

Mossi dalla fame d’amore, ma ostacolati dalle responsabilità della società. Alexander, interpretato da Pierfrancesco Favino, sposato e con una figlia, è un uomo in cerca della felicità. Laura è una gallerista d’arte che sta per sposarsi. Dopo essersi incontrati a una festa, capiscono di essere travolti da una passione che non avrà pietà di loro. Tormentati da un sentimento divoratore, non riusciranno a compiere scelte che possano portarli a vivere appieno il loro amore. 

Promesse

La regista in questo film tenta di trasmettere l’inattendibilità insita nella parola “promessa”, titolo del film stesso. Promesse sono proprio quelle che Alexander fa a se stesso e che non riesce a mantenere. Un insieme di desideri e prospettive di cui diventa vittima e che si infrangono inesorabilmente quando la sua vita prende una direzione differente da quella che si era immaginato. 

Favino, un connubio di preparazione e talento 

“Pensavo a un attore inglese per questa parte, ma ora non potrei immaginare un altro attore al suo posto”. La regista pensava a un attore inglese per la parte di Alexander, ma dopo aver sentito che l’inglese di Favino non aveva nessun accento, non poté far altro che scegliere lui. “Quando arriva è sempre preparatissimo, ma quando recita è tutto istinto”. Oltre al grande Favino, il cast del film è estremamente vario e di spessore. Insieme a Kelly Reilly, Jean Reno, Ginnie Watson, Cara Theobold, Deepak Verma e Kris Marshall in un film ricco di passioni, dolori e contraddizioni, proprio come la vita stessa. 

di Angelica Pria

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Su La7 la storia di Giorgio Armani e la sua PE 21

È andata in onda ieri sera alle 21:15 su La7 la storia di come Giorgio Armani è diventato Re Giorgio, raccontata dalla voce dell’attore Pierfrancesco Favino; e a seguire la collezione Primavera/Estate 2021. Ha invitato a posare i cellulari e riunirsi, come una volta, davanti alla tv, in occasione di una puntata speciale di Otto e mezzo, il programma a cura della cara amica Lilli Gruber, dedicata a Milano, la città che ha adottato il giovane Giorgio negli anni Settanta.

“Le idee più semplici a volte possono essere le migliori. Non ci aveva mai pensato nessuno. Nulla di più democratico. Così arriverò a tutti”. Queste le parole dello stilista che ad inizio settembre ha comunicato la sua decisione, in vista di una settimana della moda diversa dalle altre, per via delle norme di sicurezza Covid-19. Giorgio Armani si racconta attraverso una raccolta di interventi realizzata appositamente, insieme a immagini di repertorio, come alcune tratte dal documentario firmato Martin Scorsese, Made in Milano, del 1990, e rari documenti d’archivio, prima di mandare in onda per la prima volta in tv la nuova collezione.

Favino racconta Armani

Pensieri senza Tempo il primo capitolo narrato da Pierfrancesco Favino, pensieri che si fanno forma, in continua evoluzione, senza tempo, perché Armani nei suoi quarantacinque anni di carriera ha sempre seguito la sua tendenza. Quella tendenza che parla del proprio tempo, quella moda che guarda alla gente vera. La sua idea di vestire uomini e donne senza sovrastarli, lo stesso Favino parla dell’importanza di sapere chi è se stesso, soprattutto per gli attori. Sarà per questo che Paul Schrader scelse lui per vestire Richard Gere in American Gigolò, film che consacrò Armani in America. Le copertine, le campagne pubblicitarie, le One Night Only in giro per il mondo, per finire nei momenti di backstage, dove Armani non manca mai col suo tocco finale e il via ai modelli e modelle.

La collezione

Vestirsi è compiacimento personale e non c’è distanziamento che tenga, ha dichiarato lo stilista in una recente intervista. Atemporalità, continuità ed estensione dello stile Armani hanno sfilato nell’iconica scala di toni neutri e delicati, per l’uomo e per la donna. Nei tessuti morbidi, spesso stropicciati ma lucidi, come le sete, percepibili anche attraverso le riprese delle telecamere. Le fantasie geometriche, nel rosa e nel grigio o floreali, nel blu, dal richiamo orientale, per i completi femminili. Le righe verticali e i maxi-check per l’uomo, seguono lo sfumare crescente del greige, dei beige, azzurri e verde menta, per finire nel blu notte degli abiti da sera, fino al nero. Il tutto accompagnato da orecchini e collana nelle forme geometriche e dai maxi volumi. I capelli raccolti in una pettinatura elegante tirata indietro e make-up naturale. Un ritorno non indifferente tra gli accessori, la fusciacca in vita; clutch per la sera e handbag per il giorno, con calzature flat. Quella comodità senza sforzo firmata Giorgio Armani. E se l’eleganza non è essere notati ma essere ricordati, Armani certamente sa come essere memorabile.

di Pamela Romano

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Padrenostro: il dramma di Claudio Noce in concorso alla 77esima edizione del Festival del Cinema

Gli anni di Piombo raccontati con gli occhi di un bambino di dieci anni, il cui padre viene ferito in un attentato terroristico; gli occhi di quel bambino sono quelli del regista Claudio Noce, che ha deciso di ripercorrere la sua fanciullezza attraverso questa pellicola.

La trama

Valerio è un bambino introverso che vive i mesi a ridosso del suo undicesimo compleanno con tanti sentimenti contrastanti; se da un lato riesce finalmente a instaurare un rapporto di amicizia con Christian, dall’altra vede la sua infanzia interrompersi bruscamente a causa di un attentato di mafia. Alfonso il padre, interpretato da un convincente Pierfrancesco Favino, sembra un gigante altero eppure buono, vice questore a Roma che si occupa di terrorismo, e per questo sotto minaccia da parte degli estremisti di sinistra dei nuclei armati proletari. Un mattino il terrazzo smette di essere lo spazio adibito ai giochi di Valerio e diventerà il luogo di osservazione da cui capire che qualcosa cambierà per sempre: all’uscita di casa Alfonso è vittima di un attacco terroristico sotto gli occhi inermi del figlioletto.

La regia di Claudio Noce

Padrenostro porta con sé l’intento di nobilitare la settima arte per superare un trauma infantile e renderlo più vicino possibile al personale vissuto di ognuno di noi. Lo fa mettendo la camera fisica e quella emotiva all’altezza del bambino, utilizzando un linguaggio che è quello dell’infanzia, puro istinto ed emozione: la favola.

L’analisi della pellicola

Sono film difficili quelli come Padrenostro, poiché analizzandolo non si può non contare alla componente soggettiva, il senso di smarrimento, la paura e l’impotenza di un bambino in cui ognuno di noi si rivede. Nonostante il tema della mafia, più volte trattato nelle pellicole nostrane, il film, che uscirà nelle sale il prossimo 24 settembre, con questi lunghi primi piani risulta comunque originale ed inedito. Nonostante la pellicola abbia ricevuto pareri contrastanti, l’interpretazione di Favino ha convinto la critica ed il pubblico, che durante la prima in Sala Grande l’ha applaudito per sette minuti.

di Emanuela Bruschi

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David di Donatello 2020: un’edizione che non scorderemo facilmente

L’edizione di quest’anno dei David di Donatello, non la scorderemo facilmente: niente Red Carpet, niente entrate trionfali di attori e attrici, niente look sfavillanti. Simbolo di questa edizione il presentatore Carlo Conti, solo nello studio 2 di Via Teulada a Roma, vicino a lui un tavolo su cui sono appoggiate le prestigiose statuette dorate.

Nonostante lo studio sia vuoto e nessuno degli attori, tecnici, registi, produttori possa stringere la mano ai propri colleghi, l’emozione è palpabile: la 65a edizione dei David di Donatello deve essere di “buon auspicio” dice Carlo Conti, un barlume di speranza per tutta l’industria del Cinema, per i 1500 lavoratori in cassa integrazione, per le 1600 strutture cinematografiche inattive e per quelle che rischiano di chiudere per sempre.

Per questa ragione Piero Detassis, Presidente e direttore creativo della Accademia del Cinema Italiano, ha confermato la premiazione per l’8 maggio, e per questa stessa ragione ieri sera alle 21, contemporaneamente all’inizio della cerimonia in streaming, tante sale cinematografiche d’Italia hanno acceso le insegne e illuminato il proprio schermo, in una sorta di flashmob digitale dal titolo #riaccendilcinema. 

Una cerimonia sicuramente minimalista ma ricchissima di emozioni quella di ieri sera, a partire dal discorso del Presidente Mattarella, pronunciato dal presentatore, ma grazie anche all’omaggio virtuale a due mostri sacri del cinema italiano, di cui proprio quest’anno ricorre il centenario: Federico Fellini e Alberto Sordi.

I vinti e vincitori dell’edizione 2020

Uno dei momenti più ricchi di pathos è stata l’assegnazione del David speciale alla leggendaria Franca Valeri, che grazie al suo straordinario talento comico ha saputo proporre l’immagine di una femminilità moderna e alternativa a quella procace e generosa di altre attrici come Sophia Loren e Gina Lollobrigida.

Vincitore indiscusso della 65a edizione dei David di Donatello è stato Marco Bellocchio con Il traditore, film biografico su Tommaso Buscetta che si porta a casa ben 7 statuette d’oro tra cui quella di miglior regista, di miglior film, miglior attore non protagonista a Luigi Lo Cascio e di miglior attore protagonista al grande Pierfrancesco Favino. 

Il secondo film più premiato della serata con 5 statuette è stato Pinocchio di Matteo Garrone, seguito da Il primo re di Matteo Rovere (che probabilmente si aspettava qualcosina in più). Il premio David dello spettatore, istituito nel 2019, va a Il primo natale di Ficarra e Picone, che ha richiamato al cinema più di 2.363.303 spettatori.

Per quanto riguarda il gentil sesso, il David alla migliore attrice protagonista è stato assegnato alla protagonista de La dea Fortuna,  Jasmine Trinca (che ringrazia le figlie e sfoggia un cartonato della Jolie); mentre quello di miglior attrice non protagonista è stato assegnato ad una commossa Valeria Golino per il suo ruolo in 5 è il numero perfetto. Grande assente Checco Zalone con il suo Tolo Tolo, osannato dalla critica.

Tra connessioni disturbate, voci metalliche, assegnazioni virtuali e abbracci e baci dietro lo schermo, si è svolta la 65a edizione dei David di Donatello, forse la più bizzarra e anti-convenzionale, ma anche una delle più emozionanti, indimenticabili e ricche di speranza, in un momento come questo in cui guardare un buon film ci è necessario più dell’aria.

di Alessandra Baio

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Il ritorno al cinema di Gabriele Muccino

A partire dal 13 febbraio in tutte le sale d’Italia torna Gabriele Muccino con la sua nuova pellicola: Gli anni più belli. È la storia di quattro amici Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo, (Kim Rossi Stuart), Riccardo (Claudio Santamaria), raccontata nell’arco di quarant’anni, dal 1980 ad oggi, dall’adolescenza all’età adulta. Una grande storia d’amore e di amicizia che riprende, non solo le avventure, le speranze e le delusioni dei suoi protagonisti, ma anche il cambiamento dell’Italia e degli italiani. È il grande cerchio della vita che si ripete con le stesse dinamiche, nonostante sullo sfondo scorrano anni e epoche differenti.

I protagonisti

Quattro personaggi diversi, ognuno con le sue fragilità e i suoi sogni. Giulio, figlio di un gommista che da avvocato idealista, dopo aver attraversato il periodo di Mani pulite, viene tentato dal potere del denaro a discapito di ideali, amici ed amori di un tempo. Poi c’è Gemma, una donna disperata che finisce per sposare Paolo, che vuole diventare insegnante di lettere, non accetta compromessi e si ritroverà poi solo. Riccardo inizia la sua carriera nel cinema, con piccole parti da comparsa, ma il suo vero sogno è scrivere di cinema. Incontra sul set di un film Anna, che diventerà sua moglie. Interpretata dalla cantante Emma Marrone nel suo primo ruolo da attrice sul grande schermo, fortemente voluta da Muccino per questo film.

Muccino si racconta

Come in tutti i suoi film, c’è “tutto il cinema che ho amato”, ha raccontato Gabriele Muccino alla conferenza stampa del film. Dai riferimenti alla pellicola di Ettore Scola, C’eravamo tanto amati, al Tempo delle Mele, quando Gemma e Paolo ballano a tempo di Reality alla festa dell’ultimo anno. Fino alle canzoni di Claudio Baglioni, che sono il fil rouge che attraversa tutto il film. Sentiamo, infatti, due classici come “E tu come stai?” e “Mille giorni di te e di me”, ai quali si aggiunge il brano inedito che chiude il cerchio, al momento dei titoli di coda. Come ha detto Favino qualche giorno fa in una intervista in tv “La vita ti mette di fronte a scelte che non ti aspetti, e quando pensi di essere diventato grande lo sei già diventato”, è questo che il film vuole comunicare attraverso le sorprendenti interpretazioni dei suoi attori e la maestria della regia di Muccino. Vivere la vita tra le sue difficoltà e le sue meraviglie.

di Rachele Conti

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