Questo non è solo un frantoio, ma un’esperienza immersiva che fonde arte, natura e tradizione, un’idea straordinaria del visionario Philippe Starck. Creato in collaborazione con Pedro Gómez de Baeza, LA Almazara offre ai visitatori la possibilità di esplorare il mondo dell’olio d’oliva in modo unico, immergendosi in una vera e propria opera d’arte funzionale.

Il progetto rappresenta la perfetta simbiosi tra la tradizione millenaria dell’olivicoltura e un’architettura avanguardista capace di sorprendere e coinvolgere. LA Almazara si presenta come un monolitico cubo rosso nel paesaggio andaluso, sovrastato da un enorme corno di toro in acciaio e un occhio scolpito nel cemento che sembra scrutare il visitatore, simboli di un linguaggio visionario che rende omaggio ai grandi artisti surrealisti della regione. Questo design audace e senza tempo rispecchia il rispetto di Starck per le tradizioni e il territorio, dando vita a un luogo in cui ogni dettaglio racconta una storia, ogni angolo incanta.

All’interno del frantoio, il viaggio continua con sorprese artistiche e omaggi alla storia locale: una mezza oliva gigante spicca da una parete in corten, un’enorme spada da corrida celebra i matador di Ronda, un aereo realizzato con materiali di recupero affascina e ispira. È un ambiente dove l’olio d’oliva diventa un protagonista assoluto, simbolo di intelligenza e nutrimento, capace di risvegliare il pensiero. Le ombre degli interni sono improvvisamente rotte da un fascio di luce che conduce a una terrazza sospesa, regalando una vista panoramica sul paesaggio naturale della regione, uno scorcio di Andalusia che si trasforma in un quadro vivente e permette di vivere un’emozione senza pari.

LA Almazara offre inoltre un ristorante e una zona degustazione, oltre a un museo dedicato all’arte dell’olio d’oliva, elementi che completano un’esperienza immersiva in un luogo che è simbolo di storia, cultura e innovazione. Ogni visita diventa un viaggio che esalta il valore di uno dei prodotti simbolo della gastronomia spagnola, l’olio extra vergine di oliva, posizionando Ronda come meta d’eccellenza nel panorama del design e dell’oleoturismo.

Questo frantoio, unico al mondo nel suo genere, rende omaggio non solo all’olio d’oliva, ma anche al rispetto per la natura e per le civiltà passate, celebrando con intelligenza e sensibilità il patrimonio culturale della regione.

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Barbie x Kartell Seating Collection

Ad annunciare la collaborazione tra la nota casa di design Kartell e l’inconfondibile Barbie è stata l’azienda leader nel settore dei giocattoli Mattel Creations. La partnership nata per celebrare il 65° anniversario dell’azienda di bambole ha sorpreso tutti con l’arrivo della prima vera e propria collezione Barbie Signature dedicata esclusivamente ai mobili in scala da bambola. Si tratta infatti della produzione in versione doll size di cinque delle più iconiche sedie prodotte dall’azienda del milanese Giulio Castelli: Al, Venice, Louis Ghost, Masters ed Ero|S|.

Ma non finisce qui! Perché l’architetto e designer Philippe Starck non si è limitato a creare un prodotto così iconico (tanto da poter essere classificato da collezione) solo nella versione in miniatura. Due delle sedute sono infatti state riprodotte in edizione limitata nel modello Pantone 219C (l’inconfondibile rosa o Barbie Pink) anche a grandezza naturale proprio in occasione del Salone del Mobile di Milano di quest’anno. Stessa occasione nella quale è stato possibile esporre la mostra della nuova collezione in questione, presso il pop up di Mattel Creations all’interno di The Vogue Italia Closet di Condé Nast. 

Tra eleganza e sostenibilità 

Oltre all’arte del design, all’eleganza dei prodotti e alla valorizzazione del Made in Italy c’è però insito in questo progetto anche il tema dello sviluppo sostenibile. Kartell ha infatti da tempo avviato un vero e proprio piano di sostenibilità, a partire dal manifesto Kartell loves the Planet, con cui s’impegna a raggiungere i Goals dell’Agenda 2030 più vicini alla realtà e ai valori della propria azienda. A rendere unico il tutto è infatti l’impegno con cui si è riusciti a mantenere alta la qualità e l’estetica dei prodotti, tutelando al contempo l’ambiente – soprattutto grazie all’utilizzo di carta (usata per il sofisticato packaging) e plastica riciclate.

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Un castello del XIX secolo che originariamente ospitava le cantine della prestigiosa Maison Calvet diviene un hotel 5 stelle unico nel cuore di Bordeaux. Siamo al Mondrian Bordeaux Les Carmes, tempio di bellezza architettonica e ospitalità d’eccellenza, portato a nuova vita dall’architetto Philippe Starck. Al suo interno, un viaggio fra tradizione e avanguardia che parte da Occidente e finisce a Oriente grazie alle imprese culinarie di chef Masaharu Morimoto.

Mondrian Bordeaux Les Carmes: da cantina a 5 stelle

La sontuosa facciata in pietra che si estende al numero 81 di cours du Médoc è da secoli ben nota agli abitanti di Bordeaux. Costruito nel 1871, l’imponente edificio neogotico ha da sempre ospitato la cantina Hanappier e Calvet, cuore pulsante del commercio del vino e punto nevralgico del frizzante quartiere di Chartrons. L’importante patrimonio della cantina è però andato distrutto nel 1966, anno in cui un incendio devastò le scorte di vini pregiati, brandy e cognac custodite sotto le sue volte.

La famiglia Pichet, proprietaria dello stabile, non si è tuttavia mai arresa al lasciarne decadere lo splendore. Nel 2018 ne ha infatti affidato la ristrutturazione niente meno che a Philippe Starck, nota archistar francese. L’obiettivo: trasformare le cantine in un hotel a 5 stelle unico nel suo genere che rappresentasse alla perfezione l’heritage della città e un’idea di lusso accogliente e raffinata.

Grazie alla collaborazione fra Starck e Jean-François Le Gal dello studio di architettura Advento, è nato così il Mondrian Bordeaux Les Carmes, un punto d’incontro fra storia e modernità, ma anche fra Occidente e Oriente. Il tutto all’insegna dei più alti livelli di accoglienza.

Sentirsi coccolati al Bordeaux Les Carmes

Oltre le tredici campate merlate che incorniciano l’ingresso principale si apre il mondo del Mondrian Bordeaux Les Carmes. È il regno dell’hôtellerie d’eccellenza, fatta di enogastronomia all’avanguardia, benessere coinvolgente e ispirazione ad ogni angolo.

A partire dalle 97 camere e suite dell’hotel che, nella loro intimità, offrono una nuova interpretazione dello stile di vita di Bordeaux. Le sistemazioni sono eleganti, intrise del calore degli arredi antichi e realizzati a mano, i cui dettagli vengono catturati in un uso giocoso di specchi, cornici ad arco e luci soffuse. Molte di esse si aprono inoltre su terrazze private dalla vista verdeggiante, una vera sorpresa per chi si trova nel centro città.

Il design delle camere e delle suite è completato da una gamma completa di servizi per garantire un soggiorno che offra in egual misura comfort e ispirazione. Gli ospiti possono infatti usufruire di macchine per il caffè Lavazza, minibar, cassaforte, televisione, aria condizionata, asciugacapelli e prodotti da bagno firmati MALIN + GOETZ.

La sensazione di essere trasportati in un luogo fuori dal tempo continua poi nella Spa dell’albergo. La zona benessere del Bordeaux Les Carmes è infatti caratterizzata dalle stesse tonalità soffuse delle camere e offre un percorso rigenerativo completo, fra hammam, piscina riscaldata di 45 mq, quattro sale per trattamenti private e un centro fitness aperto 24 ore su 24.

Sorprese culinarie che vengono da Est

Se lo stile del Bordeaux Les Carmes deve molto alle influenze francesi ed europee in generale, la sua proposta enogastronomica è decisamente ispirata all’Oriente. Il ristorante dell’hotel è infatti Morimoto Bordeaux, prima apertura in Europa per il celebre chef giapponese Masaharu Morimoto.

Introducendo ingredienti francesi locali in alcune delle sue ricette preferite, chef Morimoto interpreta in modo eclettico la cucina giapponese e propone abbinamenti sempre innovativi con vini e sakè. La zona ristorazione si snoda fra uno scenico patio di 180 mq, un ristorante interno e lo splendido bancone sushi di fronte alla cucina aperta, garantendo a tutti gli ospiti un’esperienza culinaria su misura. Non manca infine la musica dal vivo, suonata da musicisti locali e acclamati DJ e mirata a creare un’atmosfera che trascina gli ospiti dal giorno alla sera.

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La nuova collezione senza tempo

In occasione del Salone del Mobile 2023 di Milano, Dior e Philippe Starck collaborano per creare una nuova collezione elegante che include l’iconica poltrona “Monsieur Dior”, che viene rivisitata ancora una volta. La nuova collezione è un omaggio nonché una celebrazione dell’heritage di Maison Dior e il messaggio da tramandare è che “la vita è in tutte le cose”.

Le due creazioni, la Sedia Miss Dior e la poltrona Monsieur Dior, sono perfettamente bilanciate nei loro elementi e rimarcano le nozioni di gravità, lucentezza e perfezione formale. Una storia di dualità sublime e complementare. I due articoli sono disponibili in una vasta quantità di materiali e colori, e incarnano perfettamente la virtuosità dell’handmade e lo spirito innovativo di Maison Dior.

Un’espansione della collezione

Ad accompagnare il duo iconico di oggetti d’arredo, alcuni tavoli di diverse dimensioni e sgabelli estremamente eleganti e dal design contemporaneo. Ogni nuova creazione è sinonimo di eccellente savoir-faire e perfetta armonia. Le silhouette sono ridotte al minimo e richiamano il concetto di essenzialità elegante. Ogni oggetto è semplice, puro, e la sua origine sta nella sua essenza primaria, senza alcun artificio. Le nuove opere di Starck sono esposte a Palazzo Citterio dal 18 al 23 aprile, e saranno disponibili a seguire in alcune boutique selezionate.

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Ars Metallica (Arte del Metallo) comprende quattro progetti e collaborazioni che saranno esposti all’interno del duecentesco Palazzo Borromeo d’Adda di Milano durante il Salone del Mobile 2023 dal 18 fino al 23 aprile. 

I quattro progetti evidenziano la capacità di Alessi di utilizzare la lavorazione tradizionale dei metalli per creare pezzi moderni e innovativi. Rispettivamente sarà possibile osservare: 

La Poêle Collection, di Philippe Starck, basata sul metodo di produzione delle padelle.

Conversational Objects, una collezione di oggetti per la tavola ideata da Virgil Abloh realizzati in acciaio inossidabile con finitura opaca. 

Obget Inutile, un multiplo d’arte inedito disegnato da Salvador Dalí nel 1973, realizzato con un unico foglio di metallo piegato.

Il Tornitore Matto, un nuovo brand guidato da Alberto Alessi e coordinato da Giulio Iacchetti.

Analizziamo nello specifico ogni progetto

La Poêle Chair di Philippe Starck

Il designer francese di fama mondiale Philippe Starck e Alessi condividono una lunga storia di collaborazione in progetti di successo. Ora si sono uniti nuovamente per realizzare un’ambizione a lungo coltivata da Alessi: produrre una collezione di arredi firmata da Philippe Starck. 

Per mantenere sempre una coerenza creativa con Alessi, azienda italiana famosa per la produzione di utensili per la cucina, il primo pezzo della collezione di Starck non poteva che prendere ispirazione da un’umile e utilitaristica padella in acciaio; così nasce la Poêle Chair (“Poêle” dal francese “padella”).

Nata come uno scherzo serio, la Poêle Chair ha la seduta e lo schienale che ricordano molto una padella in acciaio lucido, anche grazie al colore. Le gambe invece richiamano i manici e sono fatti in legno di faggio in tinta bruna. Possiamo dire che incarna con eleganza i tratti più belli dell’intelligenza umana: umorismo e tecnologia.

Conversational Object di Virgil Abloh 

Pareva una collaborazione impossibile su carta: Alessi, marchio di oggetti per la tavola e la cucina a cui si devono creazioni famosissime, e Virgil Abloh, guru dello streetwear e della moda venuto a mancare nel 2021. Ed è proprio dalla loro unione di pensieri e idee che è nato un progetto che ha rivoluzionato la tipologia più tradizionale di oggetti per la tavola: le posate in acciaio. 

Il concept è chiaro: si tratta di un set di posate in stile Brutalist, composto dai quattro elementi di base, una forchetta, un coltello, un cucchiaio e un cucchiaino, con una finitura opaca simile a una chiave inglese, completato da un portaposate e da un candeliere che ricordano entrambi una vite. Le posate Occasional Objects hanno tutte le carte in regola per essere l’inizio di un modo diverso di intendere la tavola, più libera e itinerante, che guarda al futuro.

“Obget inutile” di Salvador Dalì

È stato creato dall’artista Salvador Dalì per l’azienda di Crusinallo nel lontano 1973, ma non è mai stato prodotto. L’opera d’arte di Dalì è composta da un unico foglio di acciaio ripiegato con un grande pettine d’acciaio al centro e ami da pesca per salmoni saldati su ogni dente del pettine, il tutto tenuto insieme da una molletta di legno. 

L’opera ha preso il nome di “Obget Inutile” e non è mai stata prodotta, i suoi schizzi sono custoditi negli archivi Alessi da oltre 50 anni. “Era solo la sua interpretazione surrealista di un’azienda come Alessi che stava giocando con il mondo dell’arte”, spiega Alessi.

Il Tornitore Matto

Questo nuovo progetto mette in mostra il savoir faire unico dell’azienda nella lavorazione del metallo, evidenziando la versatilità del materiale ed offrendo uno sguardo al passato di Alessi. Il progetto si basa sul tornio, il macchinario usato originariamente per fabbricare oggetti in metallo. In particolare, si compone di oggetti per la casa e per la tavola, disegnati da un gruppo multigenerazionaledi creativi internazionali che lavorano in diverse discipline: Michael Anastassiades, Federico Angi, Andrea Branzi, Pierre Charpin, Michele De Lucchi, Naoto Fukasawa, Paolo Ulian, Nika Zupanc e Giulio Iacchetti

Grazie a questi quattro progetti così diversi ma accomunati da un materiale base, Alessi è riuscito a intendere il metallo non come semplice risultato di una serie di trasformazioni, bensì come elemento grezzo che interagisce con il pubblico.

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Philippe Starck, classe ’49 e figlio di un ingegnere aeronautico, è considerato una vera star del design che ha saputo far risuonare il suo nome come un marchio, entrando non solo nelle nostre case ma nell’immaginario collettivo. È un vulcano di creatività e idee, su tutte le scale e di tutti i tipi: da yacht a hotel, orologi, interior, architettura e molto altro. 

Quest’anno lo ritroviamo a Milano per la seconda volta a collaborare con Dior e per la prima volta con Queeboo, noto marchio fondato da Stefano Giovannoni e con Alessi. Abbiamo scambiato 4 chiacchiere con lui.

Per costruire il futuro, quanto è importante, in termini di progettazione, prendere in considerazione il passato? 

La nostra missione è quella di continuare l’evoluzione della nostra specie, quella animale. Io vivo quindi solo per l’evoluzione, vivo in modo costante nel futuro. Quando realizzo un nuovo progetto lo visualizzo costantemente e me lo immagino già finito; qualunque cosa mi venga richiesta, ricomincerò da zero. 

Quanto è importante andare sempre più verso un concetto di design ecologico? 

Ho sempre orientato il mio lavoro su ecologia e sostenibilità. E quello che mi fa piacere è vedere che molti designer prendano in considerazione l’emergenza ambientale, che sta diventando sempre più preponderante. Quindi, quando ci troviamo a realizzare un nuovo prodotto di design dobbiamo utilizzare materiali ecologici e sostenibili affinché l’acquirente possa concentrarsi sulla sua vita e sul suo futuro. 

Pensa che finalmente la design week di Milano possa tornare a risplendere dopo la pandemia ? 

Milano è stata e rimarrà sempre il centro creativo per eccellenza. A Milano mi capita costantemente di vedere persone che si incontrano e parlano di design condividendo il loro punto di vista. Le persone si interessano di design, e quello che diventa interessante non è più il prodotto ma la fusione di questo insieme di persone.

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Non c’è primavera senza sole, vento mite e alberi in fiore, e non c’è Aprile senza Design. Protagonista indiscusso di tutto il mese, soprattutto nella capitale meneghina, pronta più che mai ad accogliere tutti gli eventi e le esposizioni che ha in serbo la Milano Design Week, già carica ad invadere con i suoi distretti la città con il suo spirito di innovazione e di avanguardia, strizzando quest’anno più che mai l’occhio alla sostenibilità. Il calendario è fittissimo, e Gilt, nel nuovo numero, è pronto a svelarvi news ed esclusive attraverso focus specifici sulle diverse manifestazioni e una panoramica generale con un elenco dettagliato di cosa poter visitare nei vari distretti sparsi per Milano.

Un’ode, dunque, al Design, che incorona in copertina il suo re indiscusso: Philippe Starck. Francese, classe 1949, nato nella ricca banlieu occidentale di Parigi e formatosi nella capitale francese presso la Ecole Nissim de Camondoa, a partire dagli anni ’80 si afferma come il primissimo star-designer nella storia della sua professione, conquistando un posto nell’Olimpo del design. Basti pensare a una delle sue (tante) invenzioni: il concetto di “nondesign”. Nella sua professione è sempre mosso da due valori cardine, amore e desiderio, ben conditi da una visione inclusiva e ottimista. “Dobbiamo sostituire la bellezza, che è un concetto culturale, con la bontà, che è un concetto umanista”, per citare le sue parole. Nella sezione Interviews, Starck si racconta in un flusso di pensieri che spaziano dal design al concetto di sostenibilità applicato anche al suo settore.

Ad abbracciare la Milano Design Week, immancabile è la moda. Nella sfera del Fashion, infatti, andremo ad occuparci di tutti gli eventi e le presentazioni che si terranno nel corso della settimana più creativa dell’anno. Appaiono all’appello nomi illustri del fashion system: Dior, Karl Lagerfeld, Missoni, Giorgio Armani, Gucci, Max Mara, Elie Saab, per citarne alcuni, pronti a rivelarci le loro nuovissime collezioni home, alcuni dei quali facendo un vero e proprio, nonché primissimo, debutto.

Non resta che aprire la mente lasciandoci irradiare dall’accecante bagliore dell’estro creativo, perché come ben voleva ricordarci il grafico e designer italiano Massimo Vignelli: “La funzione del design è di disegnare delle cose che durano sempre, non effimere. Quando qualcosa è effimero vale per quel che vale: niente”.

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Philippe Starck, creare per migliorare la vita delle persone

“Sovversivo, etico, ecologico, politico, divertente…così io vedo il mio dovere come designer”. Philippe Starck descrive così il suo significato di fare design. Si sa, l’auto definizione è una pratica che rivela molto su chi siamo attraverso la descrizione di chi pensiamo di dover essere, e la fama globale di Philippe Starck è senz’altro riconducibile alla sua essenza così definita, consapevole. L’artista ha sempre reso arduo il compito della critica di incasellarlo in una nominazione puntuale che sfugga alla fluidità che lo distingue in tutti gli ambiti della sua vita: possiamo definirlo inventore? O meglio creatore? Sicuramente architetto e designer, ma anche certamente direttore artistico.

Philippe Starck si afferma nel panorama Parigino degli anni ’80 mostrando una personalità divergente rispetto ai protagonisti del design italiano del Dopoguerra, che erano totalmente consacrati a popolare le case con oggetti, democratizzando la complessa realtà della disciplina. La sua produzione artistica era già allora permeata dalla potente ideologia della creazione come strumento volto a migliorare le vita del maggior numero possibile di persone, vivendolo come un dovere politico (e un po’ poetico).

Non-design e le creazioni iconiche

Stark inventa e diffonde il concetto di non-design come manifesto della sua idea assolutamente anti-celebrativa di chi è il designer: un uomo che, in fondo, non ha progettato nulla che gli altri non abbiano copiato. Con questa ottica ben lontana dalla convenzionalità, il creatore quasi scompare dietro la memoria collettiva e va bene così, in quanto secondo il maestro “nessuno dev’essere per forza un genio, ma tutti devono partecipare”. Le creazioni iconiche di Philippe Starck hanno tutte come minimo comune denominatore l’entusiasmo con cui immagina sempre nuovi stili di vita, la sua volontà di cambiare il mondo, l’amore intenso che nutre per le idee e l’impegno con cui difende l’intelligenza dell’utile (e l’utilità dell’intelligenza).

Il disegno del prodotto è uno dei fulcri principali della sua attività, declinato nell’arredo come le sedie Miss Trip, Marie & Louis Ghost prodotte da Kartell, e negli oggetti tradizionalmente anonimi che Stark ha forgiato con una personalità nuova: il celeberrimo spremiagrumi Juicy Salif per Alessi, il fermaporta a forma di buddha commercializzato da Magis e la lampada Miss Sissi (uno degli oggetti di design più largamente imitati) per Flos. Stark si approccia alle sue creazioni con spirito di amore e desiderio di produrre qualcosa che migliori la vita del consumatore designato, tanto che spazia nei settori più disparati arrivando a progettare le linee retrò dell’Aprilia Moto e le forme audaci di Megayacht strabilianti. Nel 2016 ha persino lanciato un marchio, Starck Paris per commercializzare le sue creazioni.

Il mondo degli interni

L’avanzare della carriera ha portato Starck ad interessarsi a realtà sempre più complesse, tanto da dedicarsi alla creazione di spazi che, citando la biografia di Jonathan Wingfield, “generano emozioni potenti. Vuole assicurarsi che, entrando nei suoi edifici, ciascuno scopra quello che sta cercando, e anche di più. […] Sono luoghi dove andare perché fuori fa freddo, perché si ha fame, perché si ha sete, per divertirsi”.

L’interesse per i luoghi di ritrovo Parigini ha dato vita ad ambienti simbolo degli anni ’80, come il club Les Bains Douches e il Café Costes, che hanno segnato tendenze e registrato momenti memorabili per l’alta società. Il nome di Philippe Starck, però, resta collegato in particolare ad una tipologia di interni: gli hotel, di cui comincia ad occuparsi a fianco dell’imprenditore Ian Schrager, perseguendo l’ideologia dell’iper-personalizzazione degli spazi contro l’estetica impersonale all’insegna della funzionalità. Le progettazioni più celebri? Il Royalton di New York e il Delano di Miami.

Il lavoro più rivoluzionario è stato senza dubbio in collaborazione con il produttore aerospaziale Axiom Space, che ha dato vita alla prima stazione spaziale commerciale aperta al pubblico per una missione di dieci giorni al costo di 55 milioni di dollari. Philippe Starck ha definito il lavoro un progetto da sogno per un appassionato di aviazioni ed esplorazioni spaziali come lui, e si è posto l’obiettivo di creare una struttura a uovo con pareti soffici in perfetta armonia con i movimenti del corpo in una situazione di assenza di gravità.

Philippe Starck ha dimostrato negli anni, durante il duro lavoro in almeno 10 mila progetti, una precoce consapevolezza delle implicazioni ecologiche e tecnologiche, tanto da essere il primo francese a essere invitato alle conferenze TED accanto a ospiti celebri come Bill Clinton e Richard Branson. Wingfield lo ha definito nella sua biografia “discendente direttamente dagli artisti del Rinascimento”, e come potremmo descrivere in altro modo un tale genio illuminato e poliedrico?

di Martina Tronconi

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L’evoluzione del design contemporaneo, fruito e forgiato da una collettività in rapida trasformazione, assorbe e riflette nella propria genesi  compositiva i dictat di una realtà traboccante oggetti appartenenti ad un vicino passato industriale in cui consumismo e horror vacui penetravano tenacemente ogni interstizio spaziale quotidiano, in termini sia fisici che metafisici: le nuove esigenze sociali legate ad un crescente dinamismo, ad una maggiore coscienza ambientale unite ai progressi in campo tecnologico orientano in maniera crescente il processo creativo verso modelli alternativi in cui tecnologia, green tech, hi tech spazio, luce, aria plasmano i nuovi archetipi artistici conferendo un approccio radicalmente rivisitato verso i nuovi modelli. In questa ricerca verso l’essenzialità unita ad un uso eco friendly dei materiali si colloca l’intero percorso progettistico della designer francese Matali Crasset, affermata creativa francese studente di Philippe Starck, culminante nell’interior design di due esclusivi hotel a Nizza, nel cuore della Costa Azzurra: l’Hi Hotel e l’Hi Matic inaugurati rispettivamente nel 2008 e nell’aprile del 2011. L’aspetto rivoluzionario delle strutture è indubbiamente una diversa concezione del lusso basato sulla informalità dell’approccio, lo scambio culturale e l’uso consapevole delle risorse: il cuore delle due costruzioni è lo spazio bistrot attorno al quale si articolano le diverse stanze ideate per rispondere ai differenti stili di vita degli ospiti. Entrambe le strutture ospitano circa una quarantina di stanze modulabili e personalizzabili a seconda delle esigenze contingenti: l’utilizzo di un’unica linea continua la cui geometria delinea forme e arredi di tutti gli spazi conferisce un aspetto marcatamente identitario agli interni in cui i fruitori non si adattano alla struttura ma la modulano secondo le proprie necessità; nessun elemento estraneo alla struttura funge da elemento d’arredo, nulla è appeso alle pareti definite attraverso un attento uso del colore, elemento centrale di tutta la composizione. Interessante l’organizzazione interamente automatizzata e informatizzata dell’Hi Matic: check-in e check-out avvengono interamente in autonomia degli ospiti mentre distributori automatici dispensano cibi biologici e ipocalorici permettendo dinamiche più flessibili a esigenze e orari dell’utenza.

Elisabetta Zorzi

http://www.hi-matic.net/en

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