Oltre 400 eventi, miart e le grandi mostre internazionali: Milano si trasforma nel centro europeo dell’arte contemporanea

Dal 13 al 19 aprile, la Milano Art Week torna con la sua decima edizione e mette in scena un sistema culturale diffuso che coinvolge oltre 230 realtà e più di 400 appuntamenti tra mostre, performance e talk

Non è solo una settimana.
È una mappa che si espande.

Il cuore pulsante resta il dialogo con MiArt, la fiera internazionale che connette gallerie, collezionisti e istituzioni, trasformando Milano in un punto di incontro tra mercato e ricerca

Ma è fuori dai padiglioni che succede davvero qualcosa.

Gli eventi che definiscono la settimana

La settimana si apre con un segnale chiaro: l’arte è racconto e riflessione. Al MUDEC viene proiettato il documentario L’arte anarchica di Enrico Baj, un modo per riportare al centro la memoria e il pensiero critico

Nel frattempo, il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea ospita una delle mostre più attese: la monografica europea di Marco Fusinato, un lavoro che unisce suono, arte visiva e tensione fisica, portando il pubblico dentro un’esperienza immersiva

Alla Fondazione Prada, il programma 2026 si intreccia perfettamente con la Art Week grazie a progetti internazionali come quello di Cao Fei, che riflette su tecnologia e trasformazione sociale attraverso installazioni multimediali

E poi c’è lo spazio dove l’arte diventa esperienza fisica: il Pirelli HangarBicocca, che durante la settimana ospita mostre e performance come Tango all’interno del progetto di Benni Bosetto, trasformando lo spazio industriale in un ambiente immersivo e performativo

Una città che si espande

Ma limitarsi alle istituzioni sarebbe riduttivo.

Durante la Art Week, Milano si moltiplica.
Le gallerie di Brera diventano un percorso continuo, gli spazi indipendenti aprono nuove narrazioni, e ogni quartiere si trasforma in un microcosmo creativo.

È qui che si percepisce davvero il senso della settimana:
non esiste un unico centro, ma una costellazione di esperienze.

Tra arte, mercato e nuove visioni

La forza della Milano Art Week sta nell’equilibrio.

Da una parte le grandi istituzioni e i nomi internazionali.
Dall’altra una rete sempre più viva di artisti emergenti, collettivi e spazi sperimentali.

Un sistema che non si limita a esporre arte, ma la produce, la mette in discussione, la rende accessibile.

Ed è proprio questa tensione a renderla uno degli appuntamenti più rilevanti in Europa.

Ci sono settimane che riempiono un calendario.
E poi ci sono quelle che cambiano il modo in cui guardi una città.

La Milano Art Week è una di queste.

Perché non è solo un evento.
È il momento in cui Milano si apre davvero.

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Corpi di donne e uomini scattati in bianco e nero che raccontano di seduzione, potere e provocazione, nell’epoca delle grandi rivoluzioni. Dopo essere stata posticipata a causa della pandemia, la mostra che ricorda il centenario dalla nascita del fotografo Helmut Newton avrà finalmente luogo a Palazzo Reale da venerdì 24 marzo 2023.

Milano in fermento

Milano si prepara alla Art Week, che si terrà dall’11 al 16 aprile, offrendo al pubblico mostre e attività legate all’arte moderna e contemporanea, e a giocare d’anticipo sono Palazzo Reale e Marsilio Arte che, in collaborazione con la Helmut Newton Foundation di Berlino, producono Helmut Newton. Legacy, con la promozione del Comune di Milano-Cultura.

Helmut Newton. Legacy inizia il suo viaggio espositivo italiano da Milano, dove sarà fino al 25 giugno 2023, per poi spostarsi a Roma e successivamente a Venezia, il prossimo anno. Rinviata 3 anni dopo, il destino riunisce metaforicamente due figure della storia della fotografia di moda, e non solo, nel capoluogo meneghino.

Conosciutisi grazie a Vogue Paris, in cui condivisero lavoro e successo diventando testimoni degli anni più sovversivi e glamour della storia, Guy Bourdin e Helmut Newton condividono oggi la città di Milano, che li omaggia con due mostre distinte e separate. 

Da Berlino alla conquista del mondo

Il fotografo che si è impresso nel nostro immaginario con il look dello Smoking da donna firmato Yves Saint Laurent o Elsa Peretti con orecchie da coniglio sui tetti di New York, ha una storia poco conosciuta. Anglicizzato dopo gli anni vissuti in Australia, dove fuggì perché ebreo, Helmut Neustädter nacque a Berlino il 31 ottobre 1920 da una ricca famiglia proprietaria di una fabbrica di bottoni. Sin dall’infanzia mostra la sua attinenza per la fotografia, che divenne ben presto il suo mestiere e che dalla sua fuga lo condusse in giro per il mondo, fino in Australia.

Non ci fu rivista che non vide i suoi scatti, Vogue, Harper’s Bazaar, GQ, Marie Claire, Elle, insieme a Newton seppero raccontare il nuovo ruolo della donna nella società. Il suo stile erotico e provocatorio vedeva sempre protagoniste donne giunoniche, mascoline e sicure nella loro nudità. Una comunicazione forte che conquistò anche Parigi e le più grandi griffe di moda che lo scelsero per le campagne pubblicitarie, come Chanel, Thierry Mugler, YSL, Wolford e, oltre il mondo della moda, Swarovski e Lavazza.

250 fotografie, riviste, documenti e video che in Helmut Newton. Legacy, accompagnate da materiali di archivio e dichiarazioni del fotografo, mostreranno ai visitatori quella che fu la rivoluzione che questo indiscusso talento fece nei suoi anni.

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Terminato il Fashion Month, Milano si prepara ancora una volta al consueto susseguirsi di settimane che animeranno la città premiando e promuovendo la creatività del nostro Paese. Stiamo parlando della Milano Art Week e della Design Week, dove anche il settore moda riuscirà a contraddistinguersi specialmente con alcuni brand e le loro linee Home. E infatti, in termini di arredamento, allestimento degli spazi espositivi e ospitalità, le grandi griffe si sono già date molto da fare in occasione della presentazione delle collezioni Autunno Inverno 2023.

Cosa rende tale un’opera d’arte? Forse il suo essere fruibile e liberamente interpretata dal momento in cui è stata creata fino all’infinito dei suoi giorni? Ed è per lo stesso motivo forse che un capo evergreen diventa tale? La moda e l’arte hanno sempre più elementi in comune, soprattutto quando si tratta di celebrazione dell’artigianalità e quindi del lavoro manuale, e quando si vuole veicolare un preciso messaggio. 

La Parata di Bottega Veneta e le sculture italiane

Il messaggio veicolato a Milano dallo stilista Matthieu Blazy, direttore creativo di Bottega Veneta, è stato ancora una volta l’omaggio all’Italia. Paese di parate, religiose e pagane, uniscono il popolo con un comune denominatore e portano in piazza la loro irripetibile varietà.

È così la sfilata di Blazy: capi completamente diversi tra di loro che sfilano tra i Corridori di Ercolano, copia romana del primo secolo a.C. di una coppia di statue greche ritrovate negli scavi della Villa dei Papiri Ercolano prestati dal Museo Archeologico Nazionale di Napoli, e la scultura futurista Forme uniche della continuità nello spazio di Umberto Boccioni del 1913, già fonte di ispirazione della collezione Primavera Estate 2023. Il tutto su una moquette dal motivo maculato che riprende i pavimenti dei palazzi veneziani e il gusto preferito dello stilista, la stracciatella alla menta, facendo accomodare gli ospiti sulle sedie Superleggere di Gio Ponti. Come essere al museo.

Il mondo onirico di Joana Vasconcelos per Dior

Dall’atmosfera decisamente più onirica è invece l’allestimento scelto da Maria Grazia Chiuri per veicolare ancora una volta il suo messaggio femminista. Un’altra artista donna, la portoghese Joana Vasconcelos, nota per le sue installazioni che trasformano oggetti e stanze in luoghi immaginari grazie all’utilizzo di pizzo, crochet e pattern floreali che distinguono il suo patchwork da ogni altro.

Valkyrie Miss Dior è stata denominata l’opera, sfruttando il significato mitologico che si cela dietro a questa parola di origine nordeuropea che definiva quelle donne che avevano il potere di decidere le sorti degli uomini in guerra. Gocce che cascano dal soffitto come morbide stalattiti hanno condotto gli spettatori, accomodati su divani dalle forme astratte, a godere della collezione ispirata ad altrettante donne francesi che hanno fatto la storia come Edith Piaf, cantante iconica, Catherine Dior, sorella dello stilista a cui è stata dedicata la fragranza Miss Dior, e Juliette Gréco, attrice e cantante.

Le passerelle continuano a voler ampliare il loro effetto sorpresa e il fattore coinvolgimento, e questa sembra proprio essere la strada giusta.

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Marzo è un piccolo grande traguardo che sancisce la fine di freddo, inverno e giacche pesanti, celebra l’esplosione della primavera, con il suo tepore, i colori pastello, gli alberi in fiore e un vento mite, e ci prepara all’arrivo di quella che sarà una tanto ambita estate, che subito proietta i nostri pensieri a vacanze e a un meritato pit-stop dalla frenesia della quotidianità.

E se la primavera, capace di trasformare la natura in veri e propri dipinti rubati dalle mani dei più abili impressionisti francesi, ormai è sempre più vicina, sarà impossibile non concederle la compagnia di una delle sue più fedeli alleate: l’Arte è infatti il tema chiave del nuovo numero di Gilt.

Perfetto protagonista in copertina, Pier Paolo Perretta, meglio conosciuto come Mr. Savethewall, il writer gentiluomo, come ama definirsi. Prima di farsi strada nel mondo creativo e dedicarsi alla sua passione per l’arte di strada, Pier Paolo era un manager e vicesegretario Confartigianato. Nelle opere che realizza, sempre ben evidente è il suo messaggio sociale: “Ognuno è le scelte che fa”.

Nella sezione Interviews, Mr. Savethewall ci svela qualche dettaglio su com’è nata la sua passione per l’arte, di come effettivamente sia poi diventato un vero e proprio lavoro e in che modo nascono le sue creazioni. L’abbiamo incontrato in occasione dell’allestimento del nuovo Wallsaved, la sua personale, presente dal 30 marzo 2023 presso la Galleria d’Arte Deodato.

Anche la sfera del Lifestyle questo mese è ricca di mostre ed eventi volti a celebrare il vasto mondo dell’arte, uno su tutti, la Milano Art Week, che si terrà dall’11 al 16 aprile. Un’intensa settimana d’arte cittadina dove fanno ritorno collezionisti provenienti da tutto il mondo, curiosi e vogliosi di ammirare con i propri occhi ogni capolavoro in esposizione e partecipare ai più svariati eventi proposti nella capitale meneghina.

Pronti dunque a un mese in cui immaginazione e sogni possono essere liberi di prendere il sopravvento colorando il grigio e la monotonia della razionalità quotidiana; del resto, il celebre pittore olandese Vincent Van Gogh ci ricorda: “Sogno di dipingere e poi dipingo il mio sogno”.

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Hypervisuality a Palazzo Dugnani: una mostra, curata da Philippe Bollmann, che mette in scena l’invisibile con le opere video della Collezione Wemhöner

“Il tempo è invisibile. Visibile sono solo le tracce che lascia nello spazio. Nello spazio decifriamo il tempo.” Queste le parole di Micheal Ostheimer su Hypervisuality, la mostra esposta a Palazzo Dugnani in occasione della Milano Art Week e di Miart 2019. Promossa dal Comune di Milano | Cultura, l’esposizione presenta per la prima volta in Italia, e in generale fuori dalla Germania, una selezione di opere di una delle più importanti collezioni tedesche d’arte contemporanea. Erano sei le videoinstallazioni di formato museale di alcuni tra i massimi protagonisti della scena artistica internazionale – Isaac Julien, MASBEDO, Julian Rosefeldt, Yang Fudong.

Il visibile oltre l’invisibile: lo straniamento di più sguardi

Il suffisso “iper” si carica di molteplici significati. Indica non solo la sovrabbondanza di immagini che vengono prodotte nella società mediatica nella quale siamo immersi. Indica anche, e forse soprattutto, lo sforamento, l’iperbole, gli “iperfenomeni”, un movimento che supera i limiti. Palazzo Dugnani è il luogo perfetto per far prendere forma e far sì che si concretizzi questo “iper”. Immersi tra gli affreschi di Tiepolo (1696-1770), passato e presente si fondono con uno sguardo. Sopra le teste dei visitatori vi è il passato. Accanto vi è il presente, e forse anche ciò che potrebbe essere futuro.
L’obiettivo di Hypervisuality quindi, non è solo quello di mettere in mostra, nel senso di essere guardati. Si cerca, piuttosto, di andare oltre l’immagine stessa fino a sforare gli schemi usuali del pensare, immaginare e percepire. Sono tre le modalità di sperimentazione del vedere: l’ipervisualità implicativa, mediale e riflessiva. E ad ogni modalità corrispondono delle opere della Collezione Wemhöner.

Ipervisualità implicativa, tutto ciò che porta a trarre delle conclusioni in base alle immagini che si stanno guardando

È il caso del New Women di Yang Fudong, in cui cinque donne nude si muovono con movenze aggraziate in un studio d’interni, circondate da scarsi accessori che rimandano all’antichità europea e alla tradizione dell’Asia. Allo stesso tempo però, le donne rimandano al cinema cinese degli anni Trenta e alla fine dell’era imperiale. Le donne nuove di Yang Fudong alludono a un processo di trasformazione in atto di cui si possono cogliere le premesse e provare ad abbozzare le conclusioni.

Ipervisualità mediale: le tecniche con cui si riesce ad evocare qualcosa di diverso dalla realtà attraverso immagini filmiche

È ciò che tentano il duo artistico MASEBO con Fragile e 2’59”, Isaac Julien con Playtime e Julian Rosefeldt con The Swap.
In Fragile un ragazzo indiano attraversa la Galleria Sabauda di Torino con un pavone in braccio. Continui sono in questo caso i rimandi e i richiami: il luogo nel quale i due protagonisti si muovono è di inestimabile bellezza, oltre ad avere il ruolo di conservare la bellezza artistica delle opere; dall’altra parte, il pavone è l’animale che simboleggia la bellezza per eccellenza e l’India è la patria dei pavoni blu. A confronto, quindi, vi è l’eredità naturale e l’eredità culturale. Forse perché la natura, esattamente come l’arte, afferma sfere di bellezza che hanno bisogno di essere salvaguardate?
Diverso il caso di 2’59”: un giradischi con la canzone “Imagine” di John Lennon viene rigato con un utensile fino ad arrivare ad udire soltanto strepiti indistinti e intermittenti. Viene seppellita l’immaginazione oppure si allude al fatto che l’immaginazione stessa si basa sull’interazione tra il vecchio e il nuovo?
Isaac Julien e Julian Rosefeldt, invece, trattano in modo diverso le attività del mondo finanziario, che sono invisibili nelle loro azioni ma visibili negli effetti.

Ipervisualità riflessiva, la possibilità di creare nuovi mondi attraverso la facoltà immaginativa dello spettatore

È il caso di Julian Rosefeldt con Deep Gold. Lo spettatore segue, come in un film surrealista, un uomo in lotta con il suo immaginario libidinoso, ispirandosi e citando L’age d’or di Luis Bunuel. Non solo lo spettatore segue le vicende del protagonista, ma viene messo davanti alle proprie fantasie.

L’ipervisualità è la capacità di poter rendere visibile l’invisibile

L’arte filmica si colloca dunque tra le abitudini visive, le convenzioni raffigurative e l’innovazione visuale. La sua potenza liberatrice inizia con la consapevolezza di vedere in modo diverso. È questo lo scopo della mostra Hypervisuality: porre all’estremo, in un atto di ipervedere la realtà e le sue immagini per far sì di mettere in mostra l’invisibile. L’invisibile non è il nulla, e non è affatto invisibile.
 
di Ilaria Nassa

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In occasione del centenario della morte dell’artista piemontese Angelo Morbelli, dal 15 marzo al 16 giugno 2019, la Galleria d’Arte Moderna di Milano renderà omaggio ad uno dei più acclamati interpreti della stagione divisionista e della pittura lombarda tra due secoli.

Gam – Galleria d’Arte Moderna di Milano: vetrina d’arte e cultura

Se doveste essere alla ricerca di un programma allettante per il weekend, Milano è la risposta ad interessi di diversa natura. È infatti alla Galleria d’Arte Moderna di Via Palestro 16, che il Comune di Milano promuoverà la mostra in onore di Morbelli, curata da Paola Zatti, con la collaborazione di Alessandro Oldani, Giovanna Ginex e Aurora Scotti.
Le meravigliose sale restaurate del piano terra di Villa Reale saranno allestite in occasione della mostra dal 15 marzo al 16 giugno 2019. Se l’esposizione artistica sarà ricca di prestigiose opere ed in grado di documentare il talento di Morbelli, è anche grazie ai diversi prestiti nazionali ed internazionali, come quello del Musée d’Orsay di Parigi. La mostra permette al suo pubblico di avvicinarsi alle sperimentazioni artistiche dell’artista con lo scopo di approfondire le tematiche elaborate ed illustrate nelle opere di Morbelli.

Una mostra-percorso

La mostra di Morbelli, nella speranza di appassionare quanto più il suo pubblico, propone una divisione in sezioni, col fine di creare un percorso artistico negli occhi e nell’immaginazione di chi osserva le opere. L’artista, conosciuto come il pittore dei “vecchioni”, ha dedicato gran parte della sua produzione artistica allo studio dei momenti della vita quotidiana del Pio Albergo Trivulzio, per poi spostare la sua attenzione sul tema della maternità e della prostituzione verso la fine dell’Ottocento, periodo che diede vita ad opere in grado di profilare scene di sommessa intimità.
La figura femminile viene sottoposta allo studio di Morbelli anche per quanto riguarda il suo consenso al realismo sociale. Una delle opere precorritrice dello sperimentalismo sul colore e sugli effetti luce e del tema femminile, è “L’ultima alba”: qui l’artista ritrae una donna accudita dal marito mentre giace sul letto. La sperimentazione caratterizza l’animo di Morbelli durante tutto il suo percorso pittorico, fino all’avvicinamento graduale al simbolismo dove esce dai tradizionali schemi compositivi.
L’esposizione artistica di Morbelli, promossa dal Comune di Milano e parte integrante della Milano Art Week (1-7 aprile) volta alla valorizzazione dell’Arte Moderna e Contemporanea, proporrà sulla scena milanese un’occasione imperdibile di incontro con l’Arte nelle sue sfumature più inebrianti e ricche di stimoli sensazionali. Dopo anni di assenza dalla capitale lombarda, un mélange di capolavori di Morbelli tornerà sulla vetrina milanese con l’auspicio di toccare gli animi più sensibili e appassionati.
di Sara Steccanella

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Da venerdì 5 a domenica 7 aprile 2019 torna miart, la Fiera Internazionale di Arte Moderna e Contemporanea di Milano, nel padiglione 3 di Fieramilanocity. Giunta alla sua ventiquattresima edizione, miart dimostra di saper coniugare le esigenze del mercato dell’arte con la divulgazione culturale, l’attenzione al locale con l’apertura internazionale, in un dialogo continuo tra il passato e il presente della creatività. Il tutto, forte dell’appoggio di una città metropolitana e inclusiva come Milano, sempre più in grado di sostenere offerte culturali di eccellenza.
miart 2019: “Abbi cara ogni cosa”
Il titolo stesso dell’intera manifestazione è tratto dalla traduzione del poema Hold Everything Dear di Gareth Evans: “Abbi cara ogni cosa”. «Lo sguardo dell’arte getta una luce di attenzione sulle cose e, così facendo, genera valori che la storia, il collezionismo e i musei decidono di custodire, con un gesto di cura”, afferma il direttore artistico Alessandro Rabottini, «Per questa edizione, miart porge al suo pubblico l’invito a fare proprio il gesto di attenzione con cui l’arte custodisce la realtà nel momento in cui la trasforma».
L’arte osserva la realtà, posa uno sguardo che è tanto una forma di attenzione quanto un invito all’attenzione: si concentra anche sugli aspetti della vita apparentemente insignificanti, trasformandoli in potenti simboli dell’esistenza umana.
Durante le tre giornate di apertura al pubblico, miart offrirà opportunità e spunti per artisti, curatori, collezionisti, designer e pensatori internazionali, che avranno la possibilità di confrontarsi attorno a un tema unificante che, per l’attuale edizione, è il bene comune. Questo concetto sarà esplorato nelle sue molteplici declinazioni: la sua natura, le sue manifestazioni attuali, come crearlo, proteggerlo e quali possano essere le sue future espressioni.
Come da tradizione, miart si svolgerà in concomitanza alla Milano Art Week (1-7 aprile), diventandone l’epicentro stesso: una settimana di inaugurazioni, eventi, mostre e aperture speciali che coinvolgeranno l’intera città. Le maggiori istituzioni pubbliche e fondazioni private, dalla Fondazione Prada all’Hangar Bicocca, dal Museo del Novecento alla Triennale, collaboreranno sinergicamente nella creazione di un calendario ricco di iniziative dedicate all’arte moderna, all’arte contemporanea e al design.
Sarà dunque un’importante occasione di confronto e riflessione sullo stato attuale del mondo dell’arte e su come l’arte stessa possa testimoniare il presente che stiamo vivendo con tutte le sue sfaccettature e problematiche: dalla creatività femminile alle emergenze climatiche, dall’identità individuale fino ai nuovi traguardi della tecnologia. In questo scenario emerge in modo sempre più preminente la responsabilità sociale dell’arte nell’ottica del bene comune.
miart 2019: la Fiera  
Sono molti i partner e gli sponsor di questa edizione di miart coinvolti nelle esposizioni, nei premi offerti e nei miartalks. Quest’anno la fiera sarà caratterizzata da una significativa crescita, tanto in dimensioni quanto ad importanza, rispetto alle edizioni precedenti: tra gli espositori in mostra, molti confermano il rapporto con miart, con i collezionisti e con il pubblico; cospicuo è anche il numero di nomi nuovi che hanno scelto per la prima volta Milano come palcoscenico.
Le 186 gallerie internazionali selezionate, provenienti da 19 paesi, rendono miart la fiera italiana con la più ampia offerta cronologica di opere d’arte, una vera e propria piattaforma di dialogo sulla continuità tra generazioni di artisti: dai primi anni del XX secolo alle creazioni più recenti, dai maestri del Dopoguerra ai talenti emergenti.
Le gallerie saranno suddivise in sette sezioni: le gallerie affermate di arte contemporanea e moderna (Established e Established Masters), di arte emergente (Emergent) e di design (Object). Un’attenzione particolare sarà inoltre riservata a Generations, che darà vita a dialoghi tra artisti di generazioni diverse, e Decades, che rappresenterà il Novecento attraverso un percorso scandito per decenni. E infine On Demand, sezione trasversale dedicata a opere che vivono grazie alla relazione con il contesto.
Una novità interessante sarà la campagna visiva multimediale Horizon, locandina dell’evento diffusa su tutti i social, affidata al fotografo Jonathan Frantini e diretta da Francesco Valtolina. Un gruppo di giovani spensierati gioca sullo sfondo di suggestivi scenari estivi, dando vita ad un racconto per immagini che celebra il momento della transizione, del cambiamento e dell’attesa del futuro.
In un settore sempre più affollato di fiere, mostre e nuove proposte, miart vuole emergere per una spiccata attitudine alla ricerca, all’osservazione della società e dei suoi cambiamenti, facendo dell’impegno riflessivo e divulgativo uno dei suoi punti di forza. L’obiettivo a lungo termine è quello di realizzare un percorso che porti miart ad essere attiva nella produzione moderna e contemporanea durante tutto l’anno e non solo nei tre giorni dell’evento, con la prospettiva di un progetto di più ampio respiro per cui la cultura dovrebbe essere percepita come asse strategico per generare valore.
Così facendo, miart si propone come motore di crescita per l’Italia, paese con un enorme patrimonio culturale ma con scarsa consapevolezza delle innumerevoli potenzialità dell’arte stessa nel generare ricchezza e benessere.
 
di Sofia Balbino

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