In occasione della Milano Design Week 2019, Santoni e Patricia Urquiola rileggono l’iconica poltrona Cab di Mario Bellini, uno dei prodotti più rappresentativi dell’architetto e designer di fama mondiale, con tre edizioni speciali dipinte a mano dagli artigiani della maison.

Santoni e Bellini: mentalità moderna applicata a un savoir-faire antico

Tradizione e innovazione sono gli elementi fondanti la filosofia di Santoni così come quella di Mario Bellini, architetto, designer industriale, designer di mobili, giornalista e conferenziere tra i più illustri della comunità internazionale del design. Entrambi, nel tempo, hanno mantenuto intatte le caratteristiche del puro Made in Italy: qualità, passione per il dettaglio, lavorazione rigorosamente fatta a mano.

E oggi, in occasione della Design Week 2019, Santoni collabora con Patricia Urquiola, attuale direttore creativo di Cassina e da tempo partner di Santoni nei progetti retail, in un tributo all’iconica poltrona Cab di Mario Bellini con 3 edizioni speciali, dipinte a mano dagli artigiani della maison.

La sedia “Cab” ieri e oggi

Un telaio di acciaio tubolare verniciato a smalto avvolto da un rivestimento in pelle preformato e chiuso da quattro cerniere lampo lungo le gambe e sotto la seduta. Questi i tratti salienti dell’iconica sedia Cab. A renderla unica e dall’allure contemporanea, nel tributo presentato a Milano durante la Design Week 2019, le sfumature create dall’effetto degradé concepito da Patricia Urquiola. Un esercizio visivo volto a tradurre l’idea intangibile di una nuance in un sofisticato prodotto artigianale.

“Insieme a Santoni abbiamo voluto rendere omaggio a un pezzo storico di Mario Bellini, le sedie Cab in special edition sono un gioco di sfumature che, partendo dalle gambe, si diffondono in tre tonalità di color aragosta, verde petrolio e salvia decolorando la sedia su tutta la sua superficie”, dichiara Patricia Urquiola. Le special edition sono state presentate al pubblico con un cocktail party venerdì 12 Aprile e sono state esposte nella boutique milanese Santoni per l’intera settimana del design.

di Sara Baschirotto

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Le più importanti novità 2019 di casa Seletti sono state presentate in anteprima durante la Design Week, sia in Fiera che nel flagship store in Corso Garibaldi 117 – Brera Design District. Grandi collaborazioni per Seletti: Studio Job, TOILETPAPER, Marcantonio, studio AMeBE e Diesel.

Stefano Seletti, art director del brand, afferma: “Sperimentare senza mai fermarci. […] E così oggi presentiamo progetti e tipologie di prodotto che solo fino a poco tempo fa sembravano lontanissime da noi, come il mobile e l’imbottito. Sono felice di poter affermare che la (r)evolution di Seletti sia ancora in pieno svolgimento!”.

BLOW by Job & Seletti: The Lazy Painter, Pop & Lock – design Studio Job

Design democratico. Design fatto di oggetti “pop” accessibili a un pubblico più ampio. Da questa idea prende forma la collezione BLOW di  Job Smeets, Nynke Tynagel e Seletti, nel 2017.

LAZY PAINTER

La Lazy chair di Seletti combina bellezza e comodità: un must nella living room di ogni casa. Oggetto del desiderio dopo le fatiche giornaliere, in cui trovare un relax quotidiano, diventa icona di stile tra avanguardia e artigianalità. Rivestita con un tessuto che simula pennellate di colore, riproduce visivamente l’effetto del “dipinto a mano”.

POP & LOCK

La pop art per la quotidianità: coloratissime tele della pop art diventano contenitori di tutte le dimensioni, forme e finiture. Adatte ad ogni luogo per dare ordine e soprattutto colore al vostro arredamento e, perché no, alle vostre vite! Ogni pezzo è acquistabile singolarmente, ma attraverso un particolare sistema potrete anche combinarlo con altri pezzi della collezione, per dare sfogo alla vostra creatività. Tra i soggetti più irriverenti: pop-art Trump, American Stripes, Pop Corn, e vari iconici simboli a creare un mix esplosivo di forme e colori.

SELETTI WEARS TOILETPAPER: Sideboard, Sgabello – design TOILETPAPER

TOILETPAPER: magazine fotografico fondato da Maurizio Cattelan e Pierpaolo Ferrari. Arredi anni ’50 e immagini surreali, oniriche ed esaltanti sono la loro inconfondibile firma. In questa collezione unica, classico e contemporaneo sono i protagonisti di un movimentato twist and shout. Le folli e modernissime grafiche campeggiano su dei sideboard scandinavi dal gusto vintage. Nella collezione degli imbottiti, tra poltroncine, divani e pouf, si aggiunge lo sgabello in cui dettagli classici e ricercati – come i sottili piedi in ottone – si sposano perfettamente con un tessuto morbido e vellutato, dando vita ad un’opera d’arte contemporanea.

SELETTI + MARCANTONIO: Monkey Chandelier, Heart Lamp – design Marcantonio

Il designer Marcantonio ha firmato alcuni dei prodotti diventati vere e proprie icone del brand, come le Monkey Lamp, le Mouse Lamp e il vaso Love in Bloom.

MONKEY CHANDELIER

È la nuova creazione dopo la Monkey Lamp, best-seller Seletti. Una scimmia eretta dallo sguardo acceso, una al contrario dormiente, e l’ultima in procinto di saltare giù e darsi alla fuga. Tutte e tre aggrappate ad un prezioso Chandelier classico ed elegante. L’attenzione, il riposo, la fuga. Marcantonio rivela le varie nature dell’animale, o forse dell’uomo? Grazie al suo approccio scultoreo e narrativo, in equilibrio tra arte e design, crea un’opera che si declina sia secondo i canoni dell’utilità dell’oggetto, sia secondo i canoni della bellezza e del significato profondo di un’opera d’arte.

HEART LAMP

Illuminati dall’anatomia umana. Un cuore, ma non il cuoricino che tutti disegniamo in ogni dove. Una vera riproduzione anatomica, in ceramica, che emana una luce soffusa grazie ad un led interno. Il nuovo progetto di Lighting di Seletti ha un look crudo ma dal significato poetico.   

CUPOLONE – design Studio AMeBE

Resina bianca e antracite per realizzare una lampada a sospensione che ricorda la Cupola di San Pietro, in maniera surreale. Un tributo alla creatività italiana pensato da AMeBE: Alessandra Mantovani ed Eleonora Barbareschi.

LINEA – design Selab

Nuovi decori geometrici, quadretti e righe multicolore danno vita a opere optical e rinnovano il look della lampada Linea, must di Seletti ormai da tempo.

DIESEL LIVING WITH SELETTI – Cosmic Diner

Diesel e Seletti incoraggiano a nuove missioni stellari dopo i 50 anni dallo sbarco dell’uomo sulla Luna.

STARMAN GOLD

Oro sgargiante per la nuova versione del vaso Starman.

COSMIC HANGERS

Le pareti diventano un vero e proprio sistema solare con gli appendiabiti in legno dai tratti futuristici. Galassie e pianeti variopinti per decorare il vostro universo domestico.

SIDE DOESN’T MATTER

Nuovi mondi da esplorare anche a tavola, grazie alla coppia di piatti piani che raffigura il Globo visto dalla Luna, per lasciare l’immaginazione libera di allontanarsi dalla terra tra una pietanza e l’altra.

di Agnese Lucia Ialuna

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Foscarini inaugura, in occasione del Salone del Mobile di Milano, il nuovo showroom in Corso Monforte, la rinominata Lighting Road

Foscarini, Headquarter nella Lighting Road

Foscarini, uno dei marchi-simbolo della luce italiana nel mondo, è sempre più nel cuore di Milano. Il brand è oggi molto attento a dare rilievo al concetto di Made in Italy, avvicinando ulteriormente il consumatore finale alla community degli artigiani/progettisti; da qui la scelta da parte di Carlo Urbinati, Presidente di Foscarini, di aprire lo showroom in una delle vie più strategiche per le aziende di design, la rinominata Lighting Road.

Lo showroom Foscarini ideato da Ferruccio Laviani

Presso Spazio Monforte, l’architettura nel complesso è stata riorganizzata con l’obiettivo di far emergere un design semplice, lasciando i prodotti liberi di esprimersi ed essere compresi. Lo showroom ideato da Ferruccio Laviani è suddiviso su due piani multifunzionali, poiché è sia uno spazio espositivo, sia un luogo d’incontro per clienti e professionisti.

MYLIGHT il nuovo progetto firmato Foscarini

Foscarini accoglierà alla 30esima edizione della biennale Euroluce, il Salone Internazionale dell’Illuminazione presso il Salone del Mobile, le molteplici novità del brand, che saranno proposte al pubblico in uno spazio di grande presenza scenica curato dall’architetto Ferruccio Laviani. Uno dei dieci progetti che verranno presentati è Mylight, sistema intelligente che unisce la tecnologia di oggi al design inconfondibile firmato Foscarini.

Questo progetto in particolar modo, racconta la piena essenza dell’anima di Foscarini, azienda che mira a sviluppare progetti coerenti con l’identità del marchio e in sintonia con quella che Carlo Urbinati chiama la Foscarinitudine, un mix di creatività e magia che parla prima al cuore e poi al cervello.

Lo showroom, insieme ai pezzi iconici dell’azienda, presenterà anche tutte le novità esposte in fiera. Il design si sa è una questione di scelte, e noi per questa Design Week 2019 vogliamo essere contagiati dalla Foscaritudine.

di Simona Cambareri

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Vogue Italia e il progetto Life in Vogue

Vogue, la Bibbia di tutte le fashion victim, nel corso della Milano Design Week 2019 ha dato ai visitatori la possibilità di accedere alla redazione di Vogue Italia per scoprire cosa si cela all’interno. Stiamo parlando di un mondo magico, da sogno, con file di scarpe perfettamente ordinate in scala cromatica, accessori preziosi, abiti provenienti dalle più sognate passerelle.

Il progetto Life in Vogue, come spiega il Direttore di Vogue Italia, Emanuele Farneti, si fa portavoce del concetto della partnership tra la moda e il design. Due mondi che sono più vicini di quanto si possa pensare. L’idea è stata quella di reinterpretare gli spazi della redazione dando voce ad otto creativi di fama internazionale, che si sono messi in gioco al fine di portare in auge il legame moda-design.

Life in Vogue: i designers

Jonathan Anderson / Ufficio

Proprietario di un brand, Jw Anderson, e direttore creativo di Loewe, Jonathan Anderson ha voluto inserire nel suo progetto per l’ufficio gli elementi ricorrenti nel suo brand. Tendenze d’ispirazione inglese si uniscono ad una modernità tale da rendere possibile uno stacco tra passato e presente. In particolar modo, la sua attenzione si focalizza sull’armadio aumbry Henry VII. Anderson elimina dalla sua trasformazione tutto ciò che veniva ampiamente utilizzato nelle età signorili.

David Nicolas / Ufficio del Direttore

Una delle stanze più importanti, se non la più importante, è stata ispirazione per il lavoro del duo di designers beirutiani David Raffoul e Nicolas Moussallem. Occupandosi sia di interni di lusso che di design dell’arredamento, riescono ad offrire un servizio made-to-measure con lo scopo di soddisfare il committente al 100%. Sono stati in grado di cogliere il mood aziendale italiano, e la risposta l’hanno trovata in uno stile classico ed elegante, contraddistinto da tonalità calde provenienti dai colori della terra, pensando anche alla loro cara Beirut, che rendono l’atmosfera più leggera e rilassante.

Rafael de Cardenas – Architecture at l’arte / Ufficio

RDC/AAL (acronimo del nome del designer) oltre ad occuparsi di design di oggetti, fornisce consulenze artistiche e opera nel settore della realizzazione di interni residenziali. Non è facile tradurre il messaggio che l’artista vuole lanciare. Si tratta di un pensiero al limite dell’onirico, dove la mente è proiettata verso il futuro ma al contempo pondera tutte le sfumature del momento. Riflettiamo, facendo fede alla sua frase: “Piú capiamo, meno appare la nostra fisicità”.

Ana Kras / Ufficio del Direttore Creativo

Serba trapiantata a New York, Ana Kras non dimentica i ricordi della sua infanzia, di quando si recava nella tipografia familiare per creare modellini in carta. Quest’ufficio, dove il colore predominante è il grigio, le riporta alla mente i vecchi mobili che avevano i suoi genitori, e per la sua riproduzione si è avvalsa di tutti i mezzi che abitualmente utilizza per esprimere la sua arte (disegni, oggetti vari d’arredo, dipinti).

Massimiliano Locatelli / Sala Riunioni

Un omaggio alla multietnicità è quello su cui la Locatelli Partners ha puntato. L’idea di voler portare all’interno dello spazio il Castello e il Parco si è rivelata un’ottima scelta, perfetta per il dejeuner sur l’herbe , ovvero le declinazioni di verde pensate per la Sala Riunioni.

Pierre Marie / Pattern corridoio e Talent Room

Uno stile pop, eccentrico e colorato, quello di Pierre Marie, l’eterno bambino appassionato dal mondo Disney. Il corridoio è una delle zone a cui difficilmente viene prestata attenzione, ma in questo caso sarà difficile restare impassibili davanti ad ornamenti importanti come quelli proposti da Marie. La Talent Room è stata tinta invece di un giallo solare, che ispira al solo ingresso. Per l’occasione Pierre Marie ha creato una firma ad hoc: due razzi futuristici e una vetrata in grado di affievolire, colorandola, la luce proveniente da Piazza Cadorna.

Storagemilano / Ufficio attualità

Ghidoni, Donati e Pasini sono gli architetti fondatori di Storage, e basano il loro lavoro sulla ricerca di un’estetica pulita e chiara. “The golden love” è il titolo che hanno dato al progetto pensato per Life in Vogue; un richiamo all’eleganza che dovrebbe regnare in tutte le professioni, che evidenzia due aspetti contrapposti quali simmetria e disordine. Come dire, gli opposti si attraggono.

Studio Proba / Break Room per San Carlo

San Carlo, celebre marchio produttore di deliziosi snacks, per reinterpretare la Break Room della redazione di Vogue Italia si affida al newyorkese Studio Proba, famoso per i suoi lavori di alto livello nel graphic design. Il risultato? Pareti dai colori brillanti e patatine San Carlo come spezzafame, rigorosamente avvolte da un packaging in limited edition!

Life in Vogue è un progetto che ha visto protagonisti anche svariati partners: Nemo Lighting, Alcantara, Guerlain, San Carlo, Lavazza, Molinari, Cantine Riunite & Civ, Baxter, Caparol Icons e Texture.

di Agnese Pasquinelli

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Diesel Living, una nuova collezione che omaggia lo Spazio

Il Buco nero esiste! In concomitanza con una della scoperte più importanti degli ultimi tempi, Diesel, per il Salone del Mobile 2019, presenta Work in Progress. Un lavoro in continuo mutamento, quello di Diesel Living, come l’inarrestabile Universo. Un’impalcatura incompleta accompagna lo spettatore in questo viaggio nello Spazio (e in tutti i suoi significati) firmato Diesel.

Diesel Living volge lo sguardo sia al passato che al futuro. Le collaborazioni con Moroso, Foscarini, Scavolini, Iris, Seletti, Berti e Mirabello Carrara confermate, riproposte e rinnovate. Classici che parlano una nuova lingua universale e nuove offerte che si aggiungono all’equipe del viaggio spaziale intrapreso da Diesel. A festeggiare i 10 anni di sostegno con Moroso, un nuovo Nebula Nine in versione più casual: Nebula Light, dal materiale più aerodinamico.

AeroZeppelin: il nuovo divano con Moroso

Appena arruolato in squadra invece il nuovo AeroZeppelin: informale e modulare, rende la seduta versatile, a seconda delle proprie esigenze e dei propri spazi. Il divano si presenta come una piattaforma in cui i cuscini posteriori si possono ruotare e posizionare verticalmente o orizzontalmente. Composto da un sistema di moduli di diverse dimensioni: 100×100 cm, 200×100 cm (che può diventare all’occorrenza un letto) e 250×100 cm. Questi elementi sono a loro volta combinabili, dando vita a ulteriori configurazioni. Dall’aspetto voluminoso, morbido e con cuciture a griglia, dà l’idea di un comfort leggero come un dirigibile in cielo.

Diesel Living e Foscarini: Nuovi e rinnovati

Anche l’illuminazione con Foscarini compie 10 anni, e Diesel introduce ufficialmente la sua lampada Wrecking Ball, con la sfera di vetro disponibile in due tonalità. Perfetta per un giro nell’Universo, torna la lampada a LED White Noise a forma di disco volante, ora in versione più piccola. La lampada Fork invece viene riproposta con finiture in cemento, color sabbia o rossetto, e semplificata con una giunzione fissa.

Cosmic Collection by Seletti

Come in una navicella spaziale, appena entrati nella struttura incompleta, si viene accolti da questo mix di colori caldi che richiamano Marte e freddi come il blu-nero intenso dell’Universo. Ma non siamo soli: a fluttuare in questo spazio sono gli Starman, prodotti con Seletti. Vestiti a festa, gli Starman si colorano d’oro in occasione del cinquantesimo anniversario dello sbarco dell’uomo sulla Luna.

Pronti a conquistare gli altri pianeti, Diesel e Seletti presentano gli altri pianeti del Sistema Solare con Cosmic Collection. La collezione comprende Cosmic Hangers, appendiabiti da parete rotondi e colorati come gli 8 pianeti, proposti anche in versione piatti da portata nella linea Side doesn’t matter. Dove ironizzando con la teoria dei Terrapiattisti, la Terra viene rappresentata dalle due facciate vista dalla Luna.

Le pavimentazioni di Iris Ceramica e Berti

A contribuire a questa sensazione di inter galassia sono anche le nuove pavimentazioni create in collaborazione con Iris Ceramica. Cosmic Marble ha l’effetto di un liquido venuto dallo spazio, messo su ceramica, e completato da una superficie in cemento effetto industrializzato. Legno invece per la pavimentazione Shadow di Berti, in tavole di quercia in tinta indico sfumate in due variazioni di colore, Black Shadow e Grey Shadow.

Queste le proposte di Diesel Living, marchio ormai consolidato nel mondo dell’hospitality, che offre una visione aperta al settore immobiliare. Sempre alla ricerca di nuove, piccole e grandi scoperte nella grande galassia dell’arredamento.

di Pamela Romano

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Nuvole al neon, tappeti infiniti, superfici laminate. Al FuoriSalone 2019 sbarca Versace Home, un trionfo caleidoscopico di rimandi pop che omaggia la Miami di Gianni Versace. E lo fa con l’aiuto di due nomi emergenti sulla scena del design internazionale: l’interior designer Sasha Bikoff e l’artista Andy Dixon.

Versace Home: il pop fra passato, presente e futuro

La casa di Gianni Versace in via Gesù a Milano diviene tempio del pop nei giorni del FuoriSalone. Fino al 14 aprile i suoi spazi ospitano infatti il mondo onirico sospeso fra nostalgia del passato e visioni futuristiche voluto da Donatella Versace per la Home Collection 2019.

La collezione emerge dalle immagini scattate per Versace nel 1994 da Richard Avedon: le super modelle dell’epoca Christy Turlington, Nadja Auermann, Claudia Schiffer, Stephanie Seymour e Cindy Crawford posavano ammantate di tessuti vinilici dalle tonalità intense, verde e fucsia, giallo e rosso. Le stoffe laminate e gli effetti ottici tornano nell’odierno design della casa, dai rivestimenti delle sedie alla testata del letto.

Sasha Bikoff e Andy Dixon: omaggi e reinvenzioni

È Sasha Bikoff a guidare la rivoluzione al neon della casa Versace, un progetto tanto poliedrico quanto l’immenso tappeto che ricopre la superficie dell’intera esposizione. Un puzzle di stampe d’archivio e vortici colorati, omaggio all’iconografia storica di Gianni e Donatella. “Versace vive attraverso il colore e le stampe – ha dichiarato la designer americana – rompendo gli schemi e generando un senso di appartenenza e glamour, la stessa filosofia che adotto quando decoro gli ambienti. Versace è da sempre una fonte di ispirazione personale.”

Da artista del lusso, anche Andy Dixon non si esime dall’attingere dall’archivio Versace, considerato tempio di ciò che sa unire sofisticato e kitsch. Per Versace Home 2019 il canadese ripropone la camicia della Maison della Medusa da lui già interpretata in versione gigante per la sua mostra “Look at This Stuff Isn’t It Neat” dello scorso febbraio. Le enormi stampe fluttuano, imponenti e al contempo seriche, fra le stanze di via del Gesù, rimando alla creatività esplosiva ma pur sempre versatile di Versace.

Must-have di stagione e stampe iconiche

Il viaggio tra successi del passato e avanguardia futuristica continua nel pezzo di punta della collezione: Pop Medusa, la poltrona in polietilene declinata in colori fluo e pastello. Impossibile farla passare inosservata: oltre alle tonalità ultra-accese, la seduta cattura l’occhio grazie all’enorme testa di medusa in rilievo sullo schienale.

Se la Pop Medusa omaggia il simbolo di Versace, la nuova collezione outdoor riprende un momento iconico nella storia di Versace: la stampa Jungle indossata da Jennifer Lopez su un vestito dalla scollatura vertiginosa ai Grammy Awards del 2000. Ulteriore riprova che per Versace Home moda e interior design formano un legame indissolubile.

di Martina Faralli

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Tesla e Radicity: “We have a Green”

Tesla è un’azienda leader mondiale nella produzione di veicoli elettrici ad alte prestazioni orientati verso il mercato di massa. In occasione della Milano Design Week, arriva in Piazza Gae Aulenti, epicentro della modernità milanese, il Tesla Design Lounge. Inaugurato mercoledì 10 aprile, sarà visitabile fino a sabato 13.

Il progetto “We have a Green” a cura degli architetti di Radicity, un’associazione che si occupa di rigenerazione urbana eco-sostenibile, è una rappresentazione verde di una città fantastica. Con l’aiuto di vivai specializzati il team di architetti è stato in grado di creare il perfetto luogo ameno per le macchine elettriche Tesla.

Come sottolinea Emilia Abate di Radicity, “Il progetto per Tesla è la rappresentazione di una città metropolitana ideale, che ha bisogno di verde. I grattacieli si trasformano in polmoni per la città, elementi ricoperti dal verde. Una città che è in linea con l’idea di lifestyle di Tesla e che ha in cielo nuvole verdi, a simboleggiare l’aria pulita che è emessa dall’autovettura elettrica”.

Progetti green aperti al pubblico

Il party con musica live per l’inaugurazione del progetto ha coinvolto personaggi provenienti da diversi settori, dalla finanza alla comunicazione. L’esposizione è a ingresso libero e si propone di coinvolgere il pubblico con diversi incontri.

Tra questi, il 10 aprile, insieme al team Tesla, sono intervenuti gli architetti ideatori del progetto. Il 12 aprile, è presente l’architetto dell’energia Saket Sethi. In occasione della celebrazione del green di questi giorni, presenta il progetto architettonico della propria casa di Mumbai, contraddistinta da un rooftop innovativo.

Tesla, un progetto tra mondanità e modernità

Un progetto mondano e non solo, che in occasione di questo Fuorisalone 2019 decide di portare avanti un messaggio importante e moderno: la sostenibilità ambientale. Concetto che ormai “la consapevolezza sociale è pronta a recepire, dato l’enorme riscontro sui social media del progetto”, come sostiene Mariagrazia Castiello, del team Radicity.

di Rachele Conti

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Giacomo Balla e il suo Genio futurista in mostra a Milano

In occasione del Salone del Mobile 2019 e di Milano Moda Design, la più grande opera di ​Giacomo Balla ​arriva alle ​Gallerie d’Italia di Milano: il “Genio futurista” appartenente alla Collezione Biagiotti è visibile al pubblico dal 9 aprile al 12 maggio.

L’arazzo emblema del Futurismo

“Genio futurista” è un olio su tela d’arazzo 279 x 381 cm impostato sui toni del tricolore italiano; sulla composizione si staglia una figura vagamente antropomorfa con la testa a forma di stella, simbolo del patriottismo. Quest’opera monumentale condensa le diverse esperienze pittoriche del Maestro futurista Giacomo Balla in una summa artistica: rappresenta il processo che porta alla conoscenza dei rapporti dinamici che compongono l’universo e la loro rappresentazione. Un’avanguardia di forme, colori e dimensioni che superano il visibile e danno corpo all’invisibile, come lo stesso Giacomo Balla affermava nel Manifesto della Ricostruzione Futurista dell’Universo del 1915.
Venne realizzato in occasione dell’Esposizione di Parigi del 1925, dove fu esposto insieme ad altre sue realizzazioni sancendo così l’ormai capillare diffusione della corrente futurista che, interpretando le idee di Marinetti, aveva operato una vera e propria rivoluzione in campo ideologico e artistico, aprendo la strada alle avanguardie internazionali.
Per il Futurismo l’arte non è più semplice rappresentazione della realtà, bensì un’azione concreta sul mondo che si traduce in un inno alla modernità, al progresso, alle macchine, alla velocità e al dinamismo. Questa sorta di autoritratto dello stesso artista, fu poi esposto alla mostra degli Amatori e Cultori di Roma nel 1928 e, dopo una lunga giacenza in soffitta, solo nel 2015 in occasione di Expo venne appeso nella sala che accoglieva le delegazioni straniere.

La famiglia Biagiotti e l’amore per l’arte

Laura Biagiotti, appassionata collezionista e ricercatrice, è stata tra i primi grandi nomi del Made in Italy a sostenere il binomio moda e arte. Insieme al marito Gianni, mossi da una profonda passione per l’arte futurista, collezionò centinaia di opere nel corso della sua vita e, ad oggi, la Fondazione Biagiotti Cigna conta oltre 200 opere di Giacomo Balla, radunate grazie all’ausilio di Fabio Benzi, direttore della Fondazione.
Questa proficua collaborazione, definita “Balstoria” dalla stessa Laura, cominciò nell’ottobre 1986, quando lei e il marito capitarono fortuitamente in una piccola galleria d’arte di Roma dove si teneva una mostra retrospettiva delle opere della famiglia Balla. Nacque così il primo nucleo della raccolta Biagiotti Cigna e soprattutto un’amicizia con le figlie del pittore, Elica e Luce.
Padre del design italiano del XX secolo, Giacomo Balla influenzò in modo significativo il “fare moda” di Laura Biagiotti. Nelle stampe dei tessuti e nelle silhouette degli abiti si ritrovano i colori e le forme dell’estetica futurista, arte del movimento e del rumore. «L’arazzo futurista? Ero con mamma quando lo acquistammo all’asta», spiega Lavinia Biagiotti, attuale direttore creativo del marchio nonché promotrice del prestito di quest’opera monumentale.
Negli anni diverse opere appartenenti alla collezione di famiglia sono state prestate ad istituzioni museali di rilievo quali il Met e il Moma di New York ma, diversamente dagli altri prestiti precedenti, questa è un’operazione dedicata al capoluogo lombardo e al genio creativo italiano nello specifico. L’obiettivo è quello di inaugurare un dialogo proficuo tra la collezione e società, l’avvio di un progetto di mecenatismo che coinvolga direttamente i giovani e le scuole di moda e design.
Il “Genio futurista” è esposto nelle sale della sede museale di Intesa Sanpaolo di Piazza della Scala nella cornice della mostra Cantiere del ‘900: si tratta di un progetto espositivo dedicato alla valorizzazione delle oltre 3.000 opere pittoriche e lavori scultorei che delineano un percorso culturale che attraversa tutto il secolo, e che punta a ripercorrere tutte le principali tendenze proposte nell’arte italiana di quel periodo.
 
di Sofia Balbino

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Il design calzaturiero di Giuseppe Zanotti non poteva restare silente durante la 58esima edizione Milano Design Week 2019. È con un cocktail party nella boutique di Milano di Via Montenapoleone, dove tutto è cominciato, che presenta Farrah. Un nuovo sandalo con un tacco che, come i più grandi palazzi, sfida la gravità e cattura per il suo splendore.

Il design secondo Zanotti

Innumerevoli le presentazioni che si svolgeranno presso MonteNapoleone District durante il Fuorisalone 2019. Dice la sua anche chi al comfort ci pensa partendo dal basso dei piedi, ma dall’alto di un bel paio di tacchi. “Ho sempre seguito con ammirazione il design”, dichiara lo stilista Giuseppe Zanotti, “un mondo in cui le linee creano curiosità e la forma consente di unire la funzionalità all’emozione. Ho voluto adottare lo stesso approccio nell’ideazione di Farrah, una calzatura pensata per le amanti della moda con il gusto del design”.

Il sandalo Farrah porta la firma di Giuseppe Zanotti

Non è il primo tacco speciale firmato Zanotti, anzi, pretende il successo di G-Heel, la nuova proposta dello shoes designer. Il favoloso tacco che combina la forma della G della famosa firma ad un fulmine, ha conquistato varie nuances e cuori di tutto il mondo. Farrah si presenta nei suoi 95 mm, con minimali listini neri in pelle scamosciata, per poi stupire con il design del tacco fatto a mano.

166 cristalli a taglio baguette applicati su questo tacco anticonvenzionale, posizionato in modo obliquo rispetto alla suola. Un’intensa attività di ricerca ha reso possibile questo accattivante design, pur garantendo il giusto comfort a chi lo indossa. Un gioiello dal prezzo di 1.150 euro, disponibile in tutto il mondo, online sul sito ufficiale giuseppezanotti.com, nelle boutique Giuseppe Zanotti e presso selezionati partner.

Tra le animate vie del Quadrilatero della moda troverete quella parte più femminile del design che vi conquisterà.

di Pamela Romano

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Montblanc, un’experience di riconnessione col macrocosmo vitale

In scena bellezza, rarità ed origini, il tutto in un giardino allestito nel cuore del design milanese che ricalca sensazioni importanti e regala percezioni quasi dimenticate. Un invito, quello di Montblanc, a riconoscere se stessi a contatto con la natura e le emozioni primordiali.

Il giardino dell’anima

#Reconnect1858 è l’hashtag che apre la Design Week firmata Montblanc. Un invito a osservare scenari incontaminati e rare bellezze, incarnati dall’universo verde intorno a noi. Una fondamentale sinergia uomo-natura che, deteriorandosi con gli anni, ha condotto l’umanità verso il completo disorientamento della frenesia. La campagna Montblanc racconta la storia di due professionisti che, accompagnati dal segnatempo 1858 Geosphere, riscoprono, nel loro itinerario verde, bellezza e armonia che fino a quel momento avevano dimenticato.

Giochi di colore e paesaggi naturali si fondono all’interno di un giardino inaspettato nel cuore di Brera ricco di cinguettii, rumore del vento e luce del sole per dare vita ad una panoramica sensoriale tutta da scoprire. Il focus sul verde e sui suoni naturali, su cui il brand insiste, invita a riflettere sul tempo e su quella parte della nostra vita che dimentica, quasi troppo spesso, di ritagliarsi momenti di benessere.

Un appuntamento senza tempo

L’installazione di Montblanc in via Statuto 2, che rimarrà aperta al pubblico da mercoledì 10 a domenica 14 aprile, celebra, oltre alla natura, il protagonista di tutte le creazioni del brand: l’orologio 1858 Geosphere con cinturino “NATO”. Un compagno di viaggio con la C maiuscola, un vero gioiello che si prefigge ambiziosi obiettivi proprio come i veri alpinisti aspirano alle vette più alte.

Un orologio che incarna spirito d’avventura, dinamicità e voglia di esplorare il mondo. Particolarmente interessanti sono i dettagli che accomunano il segnatempo al concept del giardino, dove la combinazione tra alta qualità ed esclusività mette in stretta relazione tutti gli aspetti unici che solo la natura sa donare. L’occasione di riallacciare interconnessioni con il verde è singolare e rappresenta un esclusivo appuntamento con se stessi davvero impossibile da perdere.

di Eleonora Selvaggini

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