Immagina un sacco da boxe che si presenta come una colonna di mattoni arancione: è duro o morbido? Solido o flessibile? Punch a Wall sovverte ogni aspettativa, creando un dialogo tra ciò che vediamo e ciò che sentiamo. Realizzato in poliuretano espanso e rifinito a mano con Guflac® Ultra, questo pezzo iconico unisce artigianato e innovazione, mantenendo la morbidezza del materiale e garantendo al tempo stesso una straordinaria durata.

Ispirato allo spirito radicale del design italiano degli anni Settanta, Punch a Wall non è solo un oggetto: è un invito a esplorare il confine tra arte e architettura, a toccare con mano un mondo dove il rigore della forma lascia spazio all’imprevisto. Studio Job descrive questa collaborazione come “Super Smooth, Super Sexy, Super Gufram”, un manifesto di creatività senza compromessi.

Ogni pezzo è unico, frutto del lavoro minuzioso degli artigiani Gufram, che da oltre cinquant’anni trasformano il design in arte. Con Punch a Wall, il brand celebra la sua tradizione di sfidare le convenzioni, offrendo un’opera che invita a riflettere, interagire e lasciarsi sorprendere.

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In occasione del Salone del Mobile di Milano, Gufram ha svelato Flowie®, una seduta innovativa firmata dal duo artistico olandese-tedesco Supertoys Supertoys. Questo nuovo progetto riflette la tradizione del design radicale che da sempre caratterizza il marchio italiano, e si inserisce nel concetto di “Radical Cuteness,” un termine creato dagli stessi artisti per descrivere un’estetica giocosa e sovversiva.

Realizzato in morbido poliuretano e adatto sia per interni che per esterni, Flowie® è più di un semplice complemento d’arredo: è un “companion object” che arricchisce lo spazio in cui si trova, disponibile nelle delicate tonalità Sweet Pink, Sunny Peach e Smooth Pearl. La sua forma stilizzata e i toni rassicuranti lo rendono un pezzo unico e collezionabile, in linea con le iconiche sculture domestiche di Gufram.

Come tutti i prodotti della collezione Gufram, Flowie® è realizzato a mano e rivestito con Guflac® Ultra, una speciale vernice che conferisce resistenza e durabilità, mantenendo al contempo l’elasticità del poliuretano. Questo pouf, che unisce funzionalità e fantasia, rappresenta un’ode al “sognare ad occhi aperti,” invitando chiunque a prendersi una pausa dalla quotidianità.

Supertoys Supertoys, fondato nel 2018 a Rotterdam, continua a sfidare le convenzioni del design con opere che evocano gioia e nostalgia, puntando a creare connessioni profonde attraverso un’estetica che risveglia l’immaginazione infantile.

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Una versione limitata del pezzo più iconico di Gufram

La collaborazione tra Gufram e Paul Smith crea un’interpretazione audace dell’iconico pezzo del designer. SUNRISE CACTUS si ispira all’alba mattutina, all’inizio di un un nuovo giorno, prendendo spunto dal famoso claim di Paul Smith: “Every day is a new beginning”. 

Un simbolo di crescita, di evoluzione, di speranza, di trasformazione. La gamma di colori è energica e ottimista; tonalità vivaci che virano dai toni del giallo al blu del cielo, passando dall’arancione e dal rosa.

Un ritorno al 2016

La prima collaborazione tra i due brand ha avuto luogo nel 2016, da cui è nato PSYCHEDELIC CACTUS. Veniva dipinto da collaboratori esterni all’azienda, da designer del mondo del fashion. 

Da lì, vennero proposte diverse versioni dell’iconico CACTUS, che divenne ben presto uno dei simboli più iconici del design contemporaneo. Da sempre questo CACTUS incarna la grinta, l’umorismo e il design degli anni ’70. Paul Smith è invece apprezzato per i suoi capi colorati ed eclettici.

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Charley Vezza, CEO e Global Creative Orchestrator di Gufram, così introduce le nuove creazioni: “La storia di Guframini è in realtà la storia di una bellissima ossessione! Abbiamo lavorato a questo progetto per quattro anni: volevamo che questi oggetti fossero identici ai loro fratelli maggiori. So che la gente potrebbe pensare che produrre miniature sia più facile che produrre l’oggetto reale, ma non è così. Ad esempio, nei primi prototipi del piccolo Cactus si notava una giunzione creata dallo stampo, una linea che l’originale non aveva; per eliminare quel dettaglio abbiamo dovuto elaborare una nuova tecnica di produzione e brevettarla! Ora, i nostri Guframini® non sono semplici riproduzioni, ma veri e propri prodotti con un’anima propria; sono piccoli mobili sexy e pieni di personalità”. 

Il brand offre tre rivisitazioni, i mini Pratone®, le little Bocca® e i miniature Cactus®. Sono proprio questi ultimi il simbolo da sempre più radicale del marchio, e rimangono fedeli alla versione integrale ideata da Drocco e Mello nel 1972: 2165 sono le piccole zone affossate che decorano il fusto e i bracci di questo appendiabiti ultraterreno in scala 1:8. Ciascun pezzo è unico poiché realizzato a mano, attraverso un procedimento che utilizza schiuma poliuretanica iniettata in uno stampo precedentemente verniciato, ottenendo una copia esatta dell’originale: stessa morbidezza, stessi colori e stessi dettagli. Il colore è stato ottenuto studiando attentamente il verde originale per poterlo riprodurre, dando agli appassionati di design la possibilità di possedere, anche se in versione ridotta, un pezzo di design in edizione limitata ormai esaurito. 

I Guframini® sono ora disponibili presso i principali rivenditori Gufram, nei concept store, nei musei internazionali più all’avanguardia e sui migliori siti di e-commerce.

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In concomitanza alla Milan Design Week, Gufram festeggia il cinquantesimo anniversario di uno dei suoi pezzi più iconici, il CACTUS, e decide di farlo con una mostra dedicata e ospitata nell’Impluvium della Triennale di Milano dal 3 fino al 12 giugno. CACTUSRAMA vedrà esposte ben 12 edizioni del CACTUS e per la prima volta verrà presentata dal vivo la nuova collaborazione con “The Andy Warhol Foundation for Visual Arts”.

Originariamente disegnato da Guido Drocco e Franco Mello, CACTUS riflette perfettamente la visione all’avanguardia di Gufram, oltre che il suo desiderio di spingersi oltre i limiti del design e la sperimentazione anticonformista. Questa scultura domestica è realizzata in poliuretano flessibile ed è tuttora realizzata con lo stampo originario del 1972. È finita interamente a mano, andando a rendere in questo modo ogni esemplare unico.

Le circa 2,165 bugne che contraddistinguono la superficie sono rifinite da artigiani qualificati e rivestite con una speciale verniciatura chiamata Guflac. Essa ha la capacità di rendere le superfici uniformi, unite ed elastiche tramite un lavoro manuale molto preciso e meticoloso. Tutto ciò è stato possibile grazie all’impegno nella ricerca e nell’innovazione che ha spinto il marchio a padroneggiare il trattamento del poliuretano flessibile.

CACTUSRAMA guida i visitatori in un viaggio alla scoperta delle numerose personalità della scultura domestica più famosa e contemporanea dei nostri tempi, andando a presentare le diverse edizioni di CACTUS, e offrendo una visione completa dello spirito anticonformista che ha ispirato innumerevoli creativi negli ultimi dieci anni. L’esposizione è allestita all’interno di un grande carosello circolare dotato di otto spicchi, ciascuno dedicato alle diverse personalità del CACTUS. 

Nel primo spicchio, ANOTHER GREEN CACTUS e ANOTHER WHITE CACTUS si innalzano sotto una serie di archi che creano una sorprendente illusione di profondità, pur rimanendo fedeli alle naturali proporzioni della scultura. 

Proseguendo con il colorato PSYCHEDELIC CACTUS, ideato in collaborazione con Paul Smith, che va a prendere posto nel secondo set, in un’ambientazione specchiata, di un colore giallo brillante, e stroboscopica. 

ROSSOCACTUS e NEROCACTUS, invece, sono rappresentati rispettivamente su un set nero e rosso verniciato con un chiaro riferimento allo yin e lo yang, simboleggiando in questo modo gli opposti complementari.

In un quadro total-blu, come immortalato nella copertina originale della rivista, GOD è la rappresentazione di un mito del design che TOILETPAPER (Maurizio Cattelan e Pierpaolo Ferrari) hanno deciso di distruggere. 

ANDY’S PINK CACTUS, ANDY’S YELLOW CACTUS e ANDY’S BLUE CACTUS, le ultime edizioni limitate create in collaborazione con “The Andy Warhol Foundation for Visual Arts”, sono collocate all’interno di una stanza argento, ispirata alla Factory di Andy Warhol stesso. 

L’edizione in collaborazione con “Ordovas Gallery” è posta all’interno di un palco nero con una griglia luminescente verde dalla quale spicca RADIANT CACTUS. 

LEBLEUCACTUS è l’omaggio alla Francia ed è originariamente presentato in concomitanza del ritorno a Parigi di Gufram; è posto all’interno di una essenziale ambientazione in legno. Infine, collocato nell’ambiente naturale del CACTUS, un deserto dalle sfumature tenui, il METACACTUS denota la simbolica mutazione dei colori originali donata dal sole.

Focus on: Gufram

È stata fondata a Torino nel 1966 ed è nata come una realtà artigianale. Ora come ora si può dire che le cose siano cambiate: infatti è riconosciuta in tutto il mondo per essersi spinta ai limiti del design industriale. Fa parte del gruppo “Italian Radical Design” di Sandra e Charley Vezza. Inoltre, è dotata di un vero e proprio spirito Radical Design: le sperimentazioni controcorrente sono legate a ricerca estetica, tecnologica e materiale.

Negli anni Gufram ha concepito prodotti che si potrebbero definire come ludici, sovversivi e dissacranti. Icone del design che hanno preso una forma e un valore grazie alla contaminazione tra l’approccio progettuale industriale, la realizzazione artigianale e l’estro creativo proprio dell’arte.

Gli inconfondibili arredi di Gufram, come il divano BOCCA, la chaise longue PRATONE e l’appendiabiti CACTUS, hanno preso il nome di vere e proprie sculture domestiche, che rappresentano la contaminazione tra arte e design e sono ora presenti in alcune delle case più belle e nei musei più noti e importanti nel mondo.

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Era il 2012 quando apparve per la prima volta sulla provocatoria copertina di Toilet Paper Magazine n.7 il progetto editoriale di Maurizio Cattelan e Pierpaolo Ferrari. Oggi, GOD si rimpicciolisce in scala 1:8 ed entra a far parte della collezione dei Guframini.

Ma chi è GOD? 

GOD è un prodotto di Gufram, azienda italiana di design forniture, realizzato in collaborazione con Toilet Paper Magazine. È l’ultimo di quattro fratelli: prima di lui furono creati Bocca, Cactus e Pratone. Anche loro sono miniature nate da oggetti d’arredo che chiedono di essere collezionate.  

GOD è un idolo pagano che deriva dall’unione di due sculture domestiche: Cactus, disegnato da Drocco e Mello nel 1972, e le uova de La Cova, il nido fuori scala immaginato da Gianni Ruffi nel 1973. Pezzi che sono stati esposti nei musei più importanti del mondo. Il nuovo Guframino conserva i dettagli del Cactus originale, come l’intenso color verde smeraldo e le 2.165 bugne. 

GOD, prima di mini-GOD 

Prima di essere miniatura, GOD sfidò la scala dimensionale opposta. Ma partiamo dagli inizi. Dopo essere stato inventato nel 2012, l’anno seguente GOD è stato inserito come prodotto nel catalogo Gufram e la sua edizione limitata di 100 pezzi è andata sold out in pochissimo tempo. 

La sua estetica ha fatto impazzire il mondo dell’arte, tanto che per la Biennale di Venezia 2015 fu trasformato in una gigantesca scultura gonfiabile che navigava tra i canali. Oggi, al contrario, GOD si propone di invadere un piccolo spazio della casa, donando un tocco colorato e folle agli ambienti domestici.

di Chiara Pellini

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Con MAgriTTA, Gufram propone una riedizione di un’icona del Radical Design e del Surrealismo, ideata dall’architetto visionario Sebastián Matta come tributo al famoso dipinto dell’amico pittore, René Magritte.

Sebastian Matta prende i due elementi principali dell’opera di Magritte, la mela verde e la bombetta nera, e li reinterpreta in una dimensione tridimensionale. Il cappello funge da struttura, la mela, in poliuretano, costituisce la seduta

Gufram non è un semplice marchio di arredamento. Gufram è un laboratorio di Radical Design dove creatività e irriverenza danno origine a vere e proprie opere d’arte domestiche. Come MAgriTTa, la poltrona-scultura omaggio al Surrealismo. MAgriTTA: suona familiare? In effetti, osservando quella mela verde gigante dentro a un cappello a bombetta, l’ispirazione sembra inconfondibile. Parliamo del celebre dipinto di René Magritte, Il figlio dell’uomo, datato 1964. Il nome MAgriTTA, con questa speciale combinazione di lettere maiuscole e minuscole, fa tuttavia anche riferimento all’architetto visionario che l’ha ideata, Sebastián Matta. Matta realizzò la poltrona proprio come tributo all’arte dell’amico surrealista. Così il dipinto si è tramutato in una scultura ludica da arredo. E Gufram, fedele al suo spirito irriverente, ripropone una nuova edizione di questa icona di Radical Design. 

MAgriTTA: la poltrona-scultura surrealista

È una seduta piuttosto originale, MAgriTTA. Sebastian Matta prende i due elementi principali dell’opera di Magritte, la mela verde e la bombetta nera, e li reinterpreta in una realtà tridimensionale. E allora mette una mela gigante in un cappello (o una mela in un cappello in miniatura?). Gioca con l’illusione delle prospettive e tramuta l’inganno ottico di Magritte in un oggetto di design. Il cappello, rivolto in senso contrario, è in ABS e funge da struttura. La mela all’interno è invece un morbido cuscino in poliuretano, ricoperto in lana bouclé. Il progetto di Matta voleva la mela in verde, esattamente come nel dipinto di Magritte. Alla versione originale, Gufram aggiunge due nuove proposte: MAgriTTA Rouge, in rosso, e MAgriTTA Jaune, in giallo.

La scelta di Gufram di puntare sulla riedizione di un’icona del design tributo a un’opera d’arte è piuttosto singolare. Il Global Creative Orchestrator e proprietario del marchio, Charley Vezza, afferma infatti di non amare i tributi. Essi, a suo parere, si appropriano in un certo senso dell’intuizione creativa di qualcun altro. “Ma chiaramente non è il caso di Sebastian Matta”, dichiara Vezza a proposito. Matta “non aveva bisogno di appropriarsi di nulla, avendo già fama e intuizione creativa da vendere. Infatti, MAgriTTA non è la glorificazione del lavoro e della figura di Magritte, ma piuttosto la trasformazione in oggetto tridimensionale di un simbolo che nella sua arte non esisteva in quella forma. In questo senso direi che MAgriTTA non è un tributo vero e proprio: Matta, come in un gioco di prestigio, estrae la mela dal cappello, sublimando il lavoro di un grande artista e trasformandolo in icona di design”.

Gufram: il laboratorio italiano di Radical Design

MAgriTTA si inserisce perfettamente nel catalogo anticonformista e dal sapore pop di Gufram. Il marchio, sicuramente tra i più originali nel panorama italiano, ha acquisito fama internazionale grazie alle sue artistiche (se non bizzarre) proposte di arredamento. Laboratorio di Radical Design, Gufram realizza sedute e mobili d’arredo in cui l’approccio progettuale industriale e la ricerca tecnologica e di materiale si combinano artisticamente con quell’estro creativo proprio dell’arte. I prodotti di questo marchio diventano quindi simboli rivoluzionari in evidente rottura con gli schemi dell’arredamento classico. Ed è proprio quest’anima Pop Art e ironica ad accomunare i designer collaboratori e gli estimatori di Gufram, tutti con la medesima visione artistica e surreale dell’ambiente domestico.

di Debora Lupi

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La Broken Series di Gufram, pronta per l’evento internazionale di design di Shanghai 2020, sarà la perfetta occasione per immergersi nei confini di arte e architettura con la stessa curiosità dei primi radical designer italiani degli anni ‘60 e ‘70

Stile un po’ radical e rivoluzionario, originale e dirompente: così si mostra al pubblico il design di Gufram, brand italiano che da sempre in questo campo si contraddistingue per il suo gusto particolare. Quest’anno, in occasione dell’evento internazionale Design Shanghai, Gufram, in partnership con Gallery All, presenta la nuova Broken Series firmata dal celebre studio newyorkese Snarkitecture.

Dopo il Broken Mirror, primo specchio prodotto dal brand, questa nuova particolare serie si arricchisce dei nuovi Broken Square Mirror e Broken Bench. La scenografia su cui si mostra è rigorosamente total black, immersa in una distesa di cubi in poliuretano nero, insieme ad alcune delle creazioni più iconiche sia passate che presenti di dell’artista.

I due fondatori di Snarkitecture, Alex Mustonen e Daniel Arsham, giocano molto ironicamente con l’ambiguità, mettendo a confronto il concetto dicotomico “morbido/non morbido”: il poliuretano, infatti, esprime tutta la sua potenzialità grazie alla fusione della sua morbidezza intrinseca con l’immagine di una parete in cemento.

L’effetto simile alla texture del muro è creato utilizzando il Guflac, una speciale vernice brevettata da Gufram che, stesa interamente a mano, consente al poliuretano di mantenere la sua elasticità, sperimentando soluzioni estetiche uniche. Ogni pezzo interamente lavorato a mano è simbolo unico dell’artigianalità Made in Italy.

Broken Mirror, effetto ghost

Un effetto ottico, un’immagine illusoria; questa è la perfetta descrizione per il Broken Mirror, che si presenta con la forma di una vera e propria breccia nel muro, una crepa che riflette tutto lo spazio circostante. La sensazione di poterlo oltrepassare darà quella sensazione piuttosto spettrale, come quella di aver preso le sembianze di un fantasma che si getta contro questa porta metafisica.

Broken Square Mirror, una finestra sul mondo

Con questo nuovo autentico pezzo si avrà la sensazione di essere catapultati in un’altra dimensione, quasi in una realtà fantastica. Broken Square Mirror è una vera e propria finestra sul mondo. Inoltre, grazie alle sue piccole dimensioni è perfetto per arredare spazi più piccoli, che al tempo stesso sono resi particolarmente surreali.

Broken Bench, un nuovo arredo da provare

Questa lastra irregolare di “cemento morbido” in poliuretano, sembra proprio l’ultimo pezzo del puzzle, quella parte mancante estratta dal grande Broken Mirror. Esso gioca con il dualismo creato tra morbidezza effettiva del materiale e la durezza del suo aspetto. Questa seduta un po’ insolita è adatta sia per tutti gli spazi domestici che per quelli pubblici, essendo sostenuta da piedini in un agglomerato plastico altamente resistente. Insomma, sicuramente non perderà l’occasione per farsi notare.

di Elena Strappa

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Seletti, un brand internazionale con solide origini italiane

Dai mercatini locali di paesi e città italiane al MoMa di New York: questa è, in breve, la storia di Seletti. Una storia di un’azienda e, prima ancora, di una famiglia. Una storia che vede giustapposti Made in China e Made in Italy, un brand internazionale con solide origini italiane, un direttore creativo, Stefano Seletti, con l’istrionica e visionaria indole di un innovatore. Gilt ha avuto il piacere di conoscerlo e di rivolgergli alcune domande all’insegna della scoperta di un uomo e del suo mondo.

Una carriera personale lunga 30 anni all’interno dell’azienda fondata da tuo padre Romano. Tirando le somme di questo percorso, cosa pensi di aver aggiunto all’azienda rispetto all’impronta della prima generazione?

Ho aggiunto sì, ma ho anche tolto. Mio padre è stato decisamente un pioniere nel varcare i confini della Cina commerciale del 1952, che in pochi al di fuori conoscevano e che aveva non poche insidie. Io cominciai ad accompagnarlo durante i suoi viaggi, all’età di 17 anni. Il mio apporto è stato l’introduzione in azienda della produzione manifatturiera cinese dell’epoca, l’art&crafts. La maggiore disponibilità di prodotti e materie prime di cui l’approccio con la Cina mi ha consentito di disporre, il confronto con persone stimolanti e di altre culture hanno cambiato il mio modo di vedere le cose sia dal punto di vista relazionale sia lavorativo, e ampliato i miei orizzonti e le mie opportunità. Penso, a questo proposito, a mia moglie, brasiliana d’origine, e a Maurizio Cattelan.

In una intervista hai dichiarato che Seletti non è un’azienda di design. In molti ti definiscono tuttavia un designer democratico. Come definiresti l’azienda e come ti definiresti tra designer, artista o creativo?

Mi manca la formazione accademica, ma fortunatamente ho viaggiato molto a fianco di mio padre, che mi ha responsabilizzato affidandomi il settore distribuzione dell’azienda. Questa esperienza è alla base del mio “design democratico” e mi ha insegnato a venire incontro ai gusti più diversi. Intervenire nel processo di produzione, avendo la possibilità di modificare i prodotti nel loro divenire, è stato un grande esercizio di vita e di lavoro.  Non mi sento un artista, mi definirei piuttosto direttore creativo. Paradossalmente, ogni volta che mi sono approcciato al design accademico ho creato prodotti che non hanno avuto grande successo. Molto probabilmente perché non rispecchiano il mio essere e il mio stile.

(R)evoluzione: da dove nasce questa crasi e come riesce a rappresentare l’attitude del brand?

Tutto ha inizio da un esperimento, il mio primo Fuori Salone a Milano. Durante la manifestazione mi trovavo a pranzo in un ristorante in zona Tortona, e lessi su una parete la frase – scritta a bomboletta spray – “Revolution is the only solution”. Decisi di riutilizzarla l’anno successivo su un packaging, e mi si presentò una ragazza polacca che la scrisse con una bomboletta spray sul muro del suo palazzo. La R tra parentesi venne dopo: significa che dobbiamo sempre ricordare di guardare al domani e non limitarci all’oggi. Per me è sempre stato importante creare una rivoluzione in tutti i settori a cui mi sono approcciato: dai miei viaggi di gioventù, all’art de la table. Estetico quotidiano è, ad esempio, una rivoluzione. Non potendo contare sulla storicità secolare dell’azienda, dovevo sfruttare altre armi. Per quanto riguarda l’illuminazione, per esempio, decisi di illuminare in maniera alternativa. È così che nascono le mie scimmie che reggono una lampadina, così come i topolini e l’alfabeto luminoso. Sono riuscito, in questo modo, a inserirmi in un mercato che io stesso mi sono ritagliato. Definisco il mio design un mix di più componenti che lo rendono unico. Direi quasi che i nostri prodotti si amano e si odiano: hanno una forte personalità e possono anche non incontrare i gusti di tutti. Ad oggi uno dei mercati più interessanti per Seletti è quello scandinavo: siamo riusciti a portarvi una – seppur piccola e ancora in via di definizione – rivoluzione rispetto allo stile minimalista dai toni chiari che lo contraddistingue.

In che modo il passato contemporaneo diventa reinterpretazione nei prodotti Seletti?

L’esempio più classico è l’inizio della collaborazione con Toilet Paper. Tutto ebbe inizio da una loro visita allo showroom, durante la quale furono i vecchi pentolini del latte del catalogo di mio padre a colpirli. A quel punto ci chiedemmo: perché non reinventarli e dare loro un’interpretazione diversa?

Sosteneva Confucio: “Esistono tre modi per imparare la saggezza: primo, con la riflessione, che è il metodo più nobile; secondo, con l’imitazione, che è il metodo più facile; terzo, con l’esperienza, che è il metodo più amaro”. Hai mai fortemente imitato qualcuno?

Si, ho copiato tanto (ride). La prima parte della nuova Seletti, quella che conosciamo oggi, è stata frutto di una copiatura. Londra, Colette, 10 Corso Como, il Moma sono soltanto alcuni dei luoghi in cui cercavo ispirazione.

C’è qualcuno che consideri maestro e fonte d’ispirazione per i tuoi progetti?

Maurizio Cattelan è una persona con cui mi confronto quotidianamente sugli aspetti più diversi, a prescindere dal lavoro. Mi ha insegnato tantissimo. Oltre a mio padre chiaramente, che è per me più di un maestro.

Le tue collaborazioni sono avvenute in modalità speculare con aziende democratiche e pop come la tua: da Diesel a Pepsi, da Marcelo Burlon a Gufram e Elena Salmistraro. Radio Deejay e Maurizio Cattelan, che dal produrre pezzi per un target molto alto si è spostato su una linea più pop. Possiamo dire che sono aziende di diversi settori, che hanno lasciato un solco nella storia anche per il loro andare oltre i confini, nel senso di essere stati in più occasioni provocatorie. Chi ha provocato nella moda con look stravaganti, chi nel design, chi con la radio, chi con campagne pubblicitarie. Ma tutto ciò sempre in modo molto creativo. La scelta di collaborare con loro e non con brand di settore più alto è quindi per una coerenza con la tua filosofia o perché non ne hai avuto occasione?

Partiamo dal presupposto che l’azienda è composta attualmente da 27 persone e conta, oltre alla storica sede mantovana, una sede a Shangai e una a Tokyo. Siamo un’azienda famigliare. La scelta delle collaborazioni avviene in maniera naturale e istintiva, spesso nasce da un’amicizia. Questo vale per Cattelan, per Gufram, per Diesel. Mi piace provocare in maniera sana e positiva, e quando riesco a strappare un sorriso ad una persona che acquista un prodotto Seletti capisco di aver raggiunto il mio obiettivo.

Come è nata l’idea della DESIGN PARADE durante la Milano Design Week, che quest’anno giunge alla quarta edizione?

L’idea del Design Pride nasce da chiacchierata con due amici nel locale milanese Carlo e Camilla in Segheria. Il vino ci condusse ad affrontare l’argomento “gay pride” e uno di loro mi propose, scherzosamente, di organizzare la prima design parade. Effettivamente, emergere durante la settimana del Salone del Mobile è faticoso, per cui serve qualcosa di sorprendente. Per me è la giornata più bella dell’anno, è una grandissima gioia vedere una tale partecipazione dei giovani nei confronti del design. È il modo giusto di comunicare ai giovani, quello che si avvale di sensazioni, immagini ed emozioni.

Cosa rappresenta per Seletti il Salone del Mobile di Milano e quali differenze noti, se esistono, rispetto alle altre esibizioni internazionali a cui hai partecipato?

Il plus del Salone del Mobile sono i visitatori, i clienti e i buyer che vengono a Milano proprio durante il Salone: la loro presenza rende questo un evento di fondamentale importanza. Consentimi una nota polemica: non ci è consentito vivere il Salone da protagonisti, essendo confinati in posizioni poco favorevoli, cosa che invece ci è consentita a Parigi. Il Salone è per me un amore e odio; vorrei vedermi riconosciuti i miei meriti.

Se penso a Seletti penso a contaminazione: come scegli i tuoi designer e che indicazioni ricevono? Lasci loro carta bianca?

Solitamente non li scelgo, tutto avviene in modo molto naturale. Ho la fortuna di ricevere molte proposte da parte di designer. Nel prendere in considerazione i progetti, cerco sempre di essere sereno e di valutarli con occhio critico e di dare a tutti un feedback. La mia energia viene quasi sempre totalmente assorbita dalle collaborazioni in corso, quindi ho poca possibilità di prendere in considerazione altri progetti.

Qual è ad oggi il pezzo di Seletti più venduto e secondo te perché?

L’illuminazione è ad oggi il settore che è più di tendenza. In termini di fatturato l’articolo più venduto è la scimmia, in termini numerici il topolino.

Quale consiglio daresti ai giovani aspiranti designer di oggi?

Penso che tutto ciò che si legge nei libri o che ti viene insegnato non appartiene più al nuovo, ma è già diventato vecchio. Credo che occorra ragionare su pensieri che ancora non siano stati scritti, sul passato per poter guardare al futuro. Consiglierei di prendere spunto per poi reinventare.

Ringraziamo Stefano Seletti per la gentilezza e la disponibilità.

di Sara Baschirotto

L'articolo (R)evoluzione dallo spirito pop: parla Stefano Seletti proviene da Gilt Magazine.