Dal 31 ottobre 2024 al 24 febbraio 2025, Fondazione Prada ospiterà For My Best Family, un progetto espositivo dell’artista marocchina Meriem Bennani, una delle figure più interessanti nel panorama dell’arte contemporanea. Bennani, nota per la sua capacità di fondere realtà e narrazione magica attraverso umorismo e osservazioni acute sulla società, presenta un’installazione che esplora l’identità e il vivere insieme in un contesto digitale e multiculturale.

Un’esperienza multisensoriale e una nuova prospettiva sulle relazioni sociali

L’esposizione si sviluppa nei due livelli del Podium della Fondazione Prada, dove Bennani ha creato un ambiente immersivo capace di trasportare il visitatore in una dimensione in bilico tra il familiare e lo straordinario. For My Best Family è il risultato di oltre due anni di lavoro e rappresenta la sua opera più complessa e ambiziosa. Al piano terra, troviamo l’installazione Sole Crushing, che utilizza un complesso sistema cinetico di centinaia di infradito animate meccanicamente, accompagnate da una composizione musicale originale creata con il produttore Reda Senhaji, noto anche come Cheb Runner. Questo “balletto-sinfonia-rivolta” di ciabatte ricorda le performance rituali della tradizione marocchina, reinterpretando il concetto spagnolo del Duende in chiave contemporanea.

Attraverso movimenti ritmici e sonori, l’installazione richiama atmosfere di caos e delirio, rendendo visibile e tangibile la tensione tra il quotidiano e il mitico, tra il caos urbano e le radici culturali. I visitatori possono interagire con l’installazione, che, con un sistema pneumatico, trasforma ogni oggetto in un elemento “vivo e respirante” e invita a riflettere sulle nostre connessioni emozionali e fisiche.

For Aicha: l’arte dell’animazione tra realtà e intimità

Al primo piano del Podium, Bennani propone un viaggio introspettivo e autobiografico con For Aicha, un art film realizzato con il supporto creativo di Orian Barki e prodotto da John Michael Boling e Jason Coombs. Ambientato tra New York e Casablanca, il film segue la storia di Bouchra, una regista marocchina che vive a New York e si confronta con le complessità della propria identità e della relazione con sua madre, Aicha, raccontando il conflitto tra identità sessuale e valori familiari in un mondo sospeso tra autobiografia e fantasia. La scelta di rappresentare i personaggi come animali antropomorfi (Bouchra è un giovane sciacallo) crea una narrazione quasi surreale che tocca temi di attualità, tra cui il genere, la cultura e l’amore materno, utilizzando un immaginario in grado di veicolare questioni profonde in modo apparentemente leggero e accessibile.

Il linguaggio scelto per il film riflette una continuità con la tradizione del cinema d’animazione: se i primi cartoni animati del XX secolo usavano personaggi astratti e antirealistici, Bennani recupera questo spirito di libertà espressiva per dare voce a storie intime e complesse. L’animazione diventa così un potente strumento per sfidare i limiti della rappresentazione, allontanandosi dalle convenzioni e invitando lo spettatore a una riflessione più profonda sulle sfumature emotive e culturali del vivere contemporaneo.

Una riflessione sull’arte contemporanea

Meriem Bennani, con il suo linguaggio ibrido e sperimentale, mette in discussione la natura frammentata delle identità moderne, il ruolo delle tecnologie digitali e l’influenza dei media nella costruzione dell’esperienza umana. For My Best Family, in questo senso, diventa un ritratto di come oggi si possa e si debba parlare di identità, comunità e affetti. 

Se siete appassionati di arte contemporanea o semplicemente curiosi, l’esposizione di Meriem Bennani alla Fondazione Prada è un’occasione imperdibile per esplorare i nuovi confini dell’arte e della narrazione visiva.

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Una storia che viene attualizzata 

Il progetto Monte di Pietà, ideato da Christoph Büchel, riprende la storia del Palazzo sin dalla sua nascita. Dall’aspetto storico dell’edificio si passa a quello culturale: il Palazzo è infatti diventato nel corso del tempo un’istituzione nonché vera e propria icona culturale. Le linee guida e il suo percorso storico sono solo le fondamenta su cui costruire un progetto artistico a 360 gradi che parla di relazioni tra economia, politica, spazio e cultura. 

Uno sguardo attento è da rivolgere verso un’installazione specifica, che riprende il concetto di debito in tutte le sue sfaccettature e sull’iconica valigia di Christoph Büchel, The Diamond maker. Non mancano altri suoi lavori inediti, svariate collezioni e archivi, opere storiche, contemporanee, oggetti, documenti e tanto altro.

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Potere e tecnologia: le parole chiave del nuovo progetto

L’osservatorio Fondazione Prada a Milano è pronto a illustrare l’intreccio e il rapporto tra il potere e la tecnologia. La riflessione parte dall’arma potente dell’intelligenza artificiale: ci si interroga per capire da dove nasce, come si sviluppa e come si è arrivati fin qui. I visitatori aprono la mente e adottano nuovi metodi di approccio per comprendere a fondo i concetti di tempo, politica e tecnologia, e come queste terminologie possano essere connesse tra di loro, amalgamandosi.

L’importanza dell’AI al giorno d’oggi

L’AI impatta sempre di più sulle nostre vite, dimostra ogni giorno quanto essa sia presente e potente e quanto riesca a influenzare le persone, le loro attività e il loro quotidiano. “Calculating Empires”, non a caso, vuole far riflettere, studiare e analizzare il sistema e il suo progresso nel corso del tempo. 

La mostra mette a contatto passato e presente: spiega come le tecnologie passate siano eco nelle e per le aziende tecnologiche di quest’oggi. Per spiegare e contestualizzare l’AI, la mostra propone Anatomy of an AI System di Joler e Crawford: un diagramma esploso focalizzato sul caso di un dispotico che ricorre all’intelligenza artificiale. 

Durante l’esposizione, si incontrano collezione di libri, dispositivi e oggetti vari, un luogo dedicato alla riflessione, una biblioteca che invita i visitatori alla lettura. Nel percorso espositivo, spicca la Calculating Empires Map Room, un ambiente buio che funge da scatola nera per i visitatori.

Una mostra inedita, che fa riflettere e che sicuramente dona agli spettatori qualche consapevolezza in più.

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Interpretazione di oggetti 

La mostra indaga i significati degli oggetti, le contaminazioni tra Oriente e Occidente, la miscela tra diverse forme d’arte e tutti i differenti concetti espressi dagli artisti. Il significato che l’oggetto può avere è molteplice: decorativo, funzionale, teatrale, architettonico. Viene messa in scena una storia di migrazione culturale, di ibridazione, dove le gerarchie tra le arti vengono superate, viene messo tutto sullo stesso piano; i vari processi si amalgamano perfettamente tra loro.

L’esposizione in concreto

Presso gli spazi di Fondazione Prada vengono esposti oltre settanta paraventi: opere di grande valore storico, ma anche lavori più recenti e contemporanei, e una sezione di opere commissionate ad alcuni artisti internazionali. I vari ambienti della mostra presentano diversi gruppi tematici, e il percorso espositivo risulta fluido grazie alle strutture divisorie che ordinano la mostra.

L’obiettivo finale è quello di capire come un oggetto evergreen, in questo caso il paravento, riesca a fungere quest’oggi da mezzo di proiezione utilizzando le tecnologie digitali. Il paravento ha diverse funzioni: nasconde, protegge, crea una situazione intima; è un elemento d’uso quotidiano decorativo, che sa essere anche trasgressivo oltre che unico nel suo genere.

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Un progetto inclusivo

Il progetto include una vasta selezione di scenografie, oggetti di scena, modellini, costumi e opere d’arte. Il pubblico viene trasportato nell’universo creativo e originale della pellicola. Il film, presentato all’ultima edizione del Festival di Cannes, combina la fantascienza con lo spirito di Broadway e si avvale di un cast estremamente eccezionale, con attori del calibro di Tilda Swinton, Hope Davis, Edward Norton, Adrien Brody etc…

In contrasto la luminosità quasi abbagliante della cinematografia e l’atmosfera sicuramente più cupa della mostra. Il percorso espositivo offre ai visitatori l’opportunità di creare una narrazione autonoma. L’opportunità di Fondazione Prada è quella di esplorare il percorso cinematografico nella sua concretezza, molto da vicino.

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Le grandi opere

“Everybody Talks About the Weather” mette in mostra più di cinquanta opere di artisti contemporanei e una selezione complementare di lavori storici, sottolineando i vari modi in cui clima e tempo hanno plasmato le identità culturali. L’allestimento inedito è in grado di coniugare la dimensione artistica progettuale ad alcuni approfondimenti scientifici sviluppati in collaborazione con il NICHE (New Institute Centre For Environmental Humanities).

L’obiettivo del progetto 

Questo progetto è nato con lo scopo di evidenziare l’urgenza del cambiamento climatico utilizzando insieme gli strumenti dell’arte e della scienza. Viene inquadrata la crisi ambientale e il suo impatto sulla vita degli essere umani. La mostra è anche un tentativo di affrontare ampie sfide culturali: dall’evoluzione dello studio del pensiero umano al cambiamento dei significati dei corpi, alla crisi climatica attuale.

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Un percorso continuo di ricerca 

Con “Cere anatomiche”, Fondazione Prada vuole mettere in mostra collezioni importanti provenienti da alcuni musei ospiti, offrendo al pubblico interpretazioni inedite del patrimonio culturale.

In questa mostra si uniscono due tipi di narrazioni: quella scientifica e quella artistica, riscontrabili nel fascino del corpo umano. Il risultato di tale lavoro culturale è quindi un connubio di arti e materie differenti; è sì una mostra d’arte, ma anche una lezione di anatomia, un metodo per raccontare la storia che c’è dietro le varie collezioni, e una rivelazione del pensiero creativo.

Le opere in mostra

In concreto, “Cere anatomiche” presenta 4 figure femminili distese, nove cere che raffigurano la gestazione, e una serie di copie espositive di disegni anatomici esposti in nove vetrine. Particolare attenzione la merita “La Specola”, una Venere diventata famosa in tutto il mondo per la sua bellezza senza pari. In relazione alla mostra è presentato un cortometraggio inedito realizzato da David Cronenberg, il quale propone una nuova visione delle figure femminili sottolineandone la loro dimensione vitale, sorprendente e suggestiva.

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Le antichità greche e romane in mostra a Milano

Considerare il classico non solo come un’eredità del passato, ma soprattutto come un elemento vitale, in grado di incidere sul nostro presente e futuro. È questa la prospettiva nella quale vuole inserirsi la mostra di Fondazione Prada a cura di Salvatore Settis. Recycling Beauty, infatti, si presenta come un’inedita ricognizione dedicata al tema del riuso di antichità greche e romane in contesti post-antichi: dal Medioevo al Barocco. La mostra sarà visitabile dal 17 novembre 2022 al 27 febbraio 2023. Il progetto espositivo, concepito da Rem Koolhaas/OMA con Giulio Margheri, si sviluppa in due edifici della Fondazione milanese, il Podium e la Cisterna, come un percorso di analisi storica, scoperta e immaginazione. 

L’opera d’arte acquista nuova vita

Recycling Beauty intende focalizzare l’attenzione sul momento in cui il pezzo antico abbandona la propria condizione iniziale o di rovina e viene riattivato, acquistando nuovo senso e valore grazie al gesto del riuso. Ogni elemento di reimpiego non solo modifica il contesto in cui è inserito, ma ne viene a sua volta modificato in un meccanismo di reciproca legittimazione e attribuzione di senso.

Temi come la serialità, il riuso e il riciclo nell’arte sono strettamente legati alla nostra concezione di modernità, ma testimoniano anche la straordinaria persistenza di alcuni valori, categorie e modelli classici. Attraverso un innovativo approccio interpretativo e modalità espositive sperimentali, il patrimonio antico, e in particolare quello greco-romano, diventa, per usare le parole di Settis: “una chiave di accesso alla molteplicità delle culture del mondo contemporaneo”.

Il percorso espositivo 

Questo percorso stratificato ospita oltre cinquanta opere d’arte altamente rappresentative, provenienti da collezioni pubbliche e musei italiani e internazionali come Musée du Louvre di Parigi, Kunsthistorisches Museum di Vienna, Ny Carlsberg Glyptotek di Copenhagen, Musei Capitolini, Musei Vaticani e Galleria Borghese di Roma, Gallerie degli Uffizi di Firenze e Museo Archeologico Nazionale di Napoli.

Un gruppo di opere testimonia come, sebbene le immense rovine di Roma dopo la caduta dell’Impero romano d’Occidente si riducessero in frantumi nel giro di poche generazioni, quei residui fossero visti come un vasto repertorio capace di custodire e rinnovare valori e simboli latenti dell’antichità. Alla statua colossale di Costantino, una delle opere più importanti della scultura romana tardo-antica, saranno dedicate due sale della Cisterna. Due monumentali frammenti marmorei, la mano e il piede sinistro, normalmente esposti nel cortile del Palazzo dei Conservatori a Roma, saranno accostati a una ricostruzione del Colosso in scala 1:1, mai tentata prima, che evidenzia come l’opera sia il risultato della rielaborazione di una più antica statua di culto, probabilmente di Giove.

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L’obiettivo focale

Preserving the Brain vuole stimolare un dialogo continuo, aperto e critico tra esperti del settore su malattie quali Alzheimer, Parkinson, Sclerosi Multipla e altre patologie degenerative. Con questo progetto capiamo quanto sia essenziale la collaborazione e lo scambio di conoscenze per chi lavora in questi ambiti. 

Curiosità sulla mostra

Lo spazio espositivo si articola in 14 settori: in ognuno viene indagato un processo specifico di ricerca su queste malattie attraverso presentazioni video, testi scientifici e svariati materiali visivi. Merita attenzione particolare la tematica della medicina personalizzata, che si prende cura dell’individuo con terapie su misura.

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Milano, dal 31 marzo al 22 agosto 2022 Fondazione Prada presenta “Useless Bodies?”. In mostra, le domande urgenti di Elmgreen & Dragset diventano installazioni, sculture, provocazioni.

Mostra e artisti

Abitiamo l’era post-industriale, dove il corpo non serve più alla catena di montaggio taylorista, anzi, è per lo più inutile alla produzione e diventa, semmai, il prodotto. Ce lo ricorda l’avviso di tracciamento dei cookies, miliardi di dati raccolti dagli algoritmi del web per essere venduti alle Big Tech. Azioni, abitudini e foto dei nostri corpi vengono scambiate per un servizio indispensabile: abitare, gratuitamente, la rete.

Tutto questo cambia le condizioni di lavoro e salute, le relazioni, il modo in cui registriamo le informazioni, ed è quello che Elmgreen & Dragset vogliono raccontare. Come ci adattiamo fisicamente a un mondo sempre più costretto alla bi-dimensione dello schermo? Il futuro sarà davvero il luogo degli “Useless Bodies?”.

L’artista di Copenaghen Michael Elmgreen e il norvegese Ingar Dragset lavorano come duo dal 1995 e hanno inaugurato mostre in tutto il mondo, dal museo di arte moderna di Tel Aviv (2016) alla Tate Modern di Londra (2004). Numerose sono le loro partecipazioni alle biennali e hanno curato la 15. Biennale di Istanbul. Dal 31 marzo al 22 agosto, con “Useless Body?”, Elmgreen & Dragset espongono nella sede milanese di Fondazione Prada, dove il corpo continua ad entrare nel dialogo tra moda e arte. 

Spazi e temi

Le opere di Elmgreen & Dragset allestiscono quattro spazi espositivi e parte del cortile di Fondazione Prada. I due piani del Podium, la galleria Nord e la Cisterna diventano, così, ambienti fatti per riflettere, ciascuno con atmosfera, estetica e tema propri. 

1. Al piano terra del Podium, sculture classiche e neoclassiche condividono lo spazio con quelle attuali di Elmgreen & Dragset in un dialogo tra passato e presente. Ispirata alla mostra “Serial Classic”, curata nel 2015 da Salvatore Settis e progettata da Rem Koolhaas in occasione dell’inaugurazione della sede di Milano di Fondazione Prada, la convivenza di opere antiche e contemporanee fa riflettere sulle modalità di riproduzione del corpo umano nei diversi secoli. 
2. Il secondo piano del Podium è un ufficio abbandonato: i computer aspettano, pazienti, sulle scrivanie ma i corpi non ci sono più: sono tutti in smartworking. L’installazione consiste nella ripetizione di file infinite di postazioni lavorative che richiamano le strutture geometriche della scultura minimalista. Inoltre, l’ambiente evoca scenografie di film distopici come Playtime (1967) di Jacques Tati e Brazil (1985) di Terry Gilliam. 
3. Nella galleria Nord si entra in una casa del futuro: l’atmosfera è asettica come quella di un bunker, una navicella spaziale o, forse, uno showroom. In questo gioco i visitatori sono ospiti indesiderati che si intrufolano a casa di altri oppure detective in cerca di indizi, e l’unica presenza in movimento li disorienta: è un cane robot.
4. La Cisterna, una spa in disuso: mentre le innovazioni tecnologiche rendono i nostri corpi sempre più inutili, le industrie del benessere, del tempo libero e della salute sono in continua espansione. Offrono infinite soluzioni per “risolvere il problema del corpo imperfetto” eppure continuano a pubblicizzare canoni fisici irraggiungibili. L’ambiente centrale include una nuova opera, What’s Left?, è il corpo che esita a trovare il proprio ruolo di attore politico o strumento di cambiamento sociale.

Il tema del controllo fisico imposto al nostro corpo nella sfera pubblica è esplorato da alcune sculture allestite negli spazi esterni di Fondazione Prada. Oggetti di uso quotidiano vengono alterati e diventano inutilizzabili per i loro scopi usuali, così, il visitatore è invitato a ripensare l’ordinario secondo la propria chiave interpretativa. Come ricordano Elmgreen & Dragset, infatti: «Le storie personali sono così varie che, entrando in un museo, tutti viviamo un’esperienza indipendente, e questa è una vera ricchezza».

Informazioni e link

• Orari: dalle 10.00 alle 19.00
• La visita è inclusa nel biglietto d’ingresso di fondazione Prada (Largo Isarco 2, Milano)

Su YouTube puoi trovare cinque episodi in cui Elmgreen & Dragset raccontano riflessioni e scelte creative, clicca qui per vedere il primo.

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