Chi conosce Elisabetta Franchi sa di certo che parliamo di una donna che si emoziona e sa emozionare il suo pubblico, ma che continui a farlo ancora con tanta disinvoltura e padronanza resta una delle più piacevoli sorprese di questa Milano Fashion Week. L’anima del brand, Elisabetta Franchi, conquista ancora una volta il pubblico femminile con le sue proposte per l’Autunno/Inverno 2019-2020 catapultando il suo audience in una meravigliosa esperienza stilistica.

Elisabetta Franchi, e siamo a cavallo

Se pensate che ci sia dell’ironia nella frase sopra citata è perché ancora non avete avuto la fortuna di conoscere le proposte stilistiche per l’A/I 2019-2020 di Elisabetta Franchi. Che siate appassionate o no di equitazione, la stilista bolognese durante la Settimana della Moda di Milano, ci porta ad esplorare il mondo equestre. Non dimentichiamo che in quanto ad interpretare le necessità stilistiche femminili, Elisabetta Franchi è una garanzia.

Stivali alti in pelle, cappelli da cavallerizza impreziositi, fuseaux con bande sui lati ed il gioco è fatto. E se dopo una spensierata cavalcata la donna sportiva non vuole rinunciare ad un’uscita mondana sfoggiando tutta la sua eleganza, la risposta è semplice: un elegante mini dress o una giacca arricchita dalla componente furry è un must have per il prossimo autunno inverno; il tutto purché in tweed e abbinato ad accessori come orecchini importanti e una pochette dalla forma rettangolare.

Con Elisabetta Franchi la moda è più che mai femminile

Elisabetta Franchi riserva particolare attenzione per la moda e le esigenze femminili. Grazie alla sua perseveranza nel coniugare queste due passioni, la stilista non sbaglia un colpo e porta in passerella outfit da sogno e mai banali. Ma la donna firmata Elisabetta Franchi può anche permettersi di vivere i propri sogni.

Infatti, l’Autunno/Inverno 2019-20 sarà davvero un sogno da vivere lasciandosi avvolgere da una morbidissima pelliccia di estrema tendenza. La regina delle nevi delle prossime stagioni invernali sfoggia camicette leggere impreziosite da dettagli, minigonne ed abiti che evidenziano la silhouette donando armonia. Cinture in vita, stivali sopra il ginocchio specchiati di diverse nuances.

E poi, Lui: il tweed. Il re della passerella, estremamente femminile e chic, per una donna elegante e romantica. Motivi checked fanno breccia su alcuni miniabiti, e dei maglioncini dai colori tenui vengono abbinati a gonne midi impreziosite da paillettes. Tornano padrone del corpo femminile le tute, alleate del binomio comodità-originalità. Il tutto completato da borsette a tracolla o da piccole borse attaccate alla cintura per risaltare il punto vita; previste anche soluzioni un po’ più capienti e comode, dalla forma tondeggiante, per dare un tocco di consapevolezza in più al look.

La donna di Elisabetta Franchi ha coscienza di sé e padronanza delle sue attitudini. Parliamo di una donna romantica ed elegante, che con l’aiuto della stilista riesce ad esaltare tutta la sua femminilità senza cadere mai nel banale. La sfilata si conclude con note allegre velatamente intrise di malinconia, perché quando un sogno sta per concludersi, si ha sempre quella voglia amara di riviverlo al più presto.

di Sara Steccanella

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Nessuno resiste al fascino di un diamante. Donne e uomini di tutte le età non possono che rimanere incantati dallo scintillio etereo di queste pietre senza tempo. Lo sa bene Ermanno Scervino, che con la sua collezione Autunno/Inverno 2019-20 presentata durante la Milano Fashion Week ha tributato un canto d’amore alla brillantezza dei preziosi, ricoprendo i suoi capi di cascate di punti luce.

Diamonds are everyone’s best friends

Che si tratti di un uomo un po’ dandy o di una donna in tenuta da gran sera, poco importa: l’essenziale è che brillino. Per l’A/I 19-20 di Ermanno Scervino, i codici del guardaroba maschile e di quello femminile si fondono e si interscambiano, in un gioco di rimandi sotteso da un elemento comune: i bagliori preziosi. È così che la maglieria, per lui e per lei, si accende di cascate di cristalli, applicati anche ai tessuti maschili come gessati, Pied de Poule e Principe di Galles. Con gli stessi tessuti Ermanno Scervino mescola le carte in tavola, divertendosi a creare completi rigorosi (ma portati sopra a sensuali basi di pizzo) per lei, e giacche fintamente rilassate per lui, sdoganando l’idea che sia solo la donna a poter andare a rubare nell’armadio dell’uomo.

Una palette di colori glamour per Ermanno Scervino

Anche i colori di questa stagione rimandano ad un mondo glamour che non vuole nascondere i propri tesori preziosi: i toni del grigio sono illuminati da borchie gioiello, mentre il bianco è tanto classico sulle camicie extra-long quanto charmant sui lunghi abiti con colletto gioiello e spacco vertiginoso. C’è spazio anche per il contrasto rock-romantico di nero e rosa: il primo che brilla cupo su giacche e tubini in pelle morbidissima, mentre il secondo passa da toni più o meno accesi a seconda che vada ad ammantare un giaccone, uno stiletto o una camicia dalla mano serica.

La pelliccia c’è, ma è eco

A dare un tocco di estro in più arrivano le pellicce. Ermanno Scervino le vuole appariscenti, e non importa che la stampa ricordi il leopardo o un più fantasioso animalier: deve essere sempre rigorosamente eco. A portarla sono indistintamente donne e uomini, a dimostrare che certi canoni estetici non conoscono stereotipi di genere.

di Martina Faralli

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Sergio Rossi e la wonder machine dell’artigianalità

Durante la Settimana della Moda milanese, Sergio Rossi rivoluziona il suo showroom di via Pontaccio 13 tramutandolo in una fabbrica dei sogni. La catena di montaggio dà vita a variegate calzature artigianali, create per una donna brillante e dotata di un’eleganza innata.

In occasione del nuovo lancio lo spazio è stato stravolto da classico showroom a fabbrica. Il set designer Gary Card ha letteralmente diviso lo showroom in tre sezioni: un “magazzino” con le forme di campionatura, la “catena di montaggio” e “l’armadio”. Perimetrali sono le sneakers, la cui classicità è insaporita da elementi futuristici, come delle grosse ruches in vernice metallica e in neoprene.

Sergio Rossi, la catena di montaggio

Entrando nel vivo della fabbrica, nella stanza centrale riscontriamo il primo corpo della collezione: la camera è caratterizzata dalla presenza di tre strutture, chiaro riferimento ai nastri trasportatori della catena di montaggio. Su di essi si può ammirare una ricca sequenza di calzature, per lo più stivali a gambale alto, stivaletti stringati e decolté.

L’esposizione non è randomizzata: da una parte troviamo i modelli più classici, sandali con strass in pelle di serpente, suede e raso; dall’altra quelli più “urban”, stivali in croco e suede, decolté con tacco tronco, ankle boots striati in cui i classici colori “Rossi”, il nero, il bianco e il rosso, accompagnano delle pennellate di “argento vivo”. In delle teche-tubo sono in risalto i modelli della nuova linea Sergio, una moderna interpretazione della sofisticata eleganza del marchio, dotata di una forte impronta grafica.

Sergio Rossi, l’armadio

Nella sala adiacente, “l’armadio”, l’installazione contempla muri di scatole di scarpe dal basso fino al solaio, su cui le creazioni firmate Sergio Rossi si manifestano in maniera fiera e statuaria. Qui la ruche è l’elemento imperante, che percorre la calzatura fungendo quasi da spina dorsale.

Nella moltitudine delle realizzazioni, ammiriamo “scarpe da città”: sandali flat e stivaletti dallo stile vivace e ricercato, per una cittadina che cavalca fiera i marciapiedi della propria metropoli, specchio della sua natura libera di donna creativa. In abbinamento compaiono della maxi clutch bag in vernice, dotate anch’esse di ruches oltre che di una placca metallica che funge da sigillo.

In questo viaggio attraverso il processo di produzione ex-novo della calzatura, è stato possibile apprezzare nel dettaglio la qualità garantita da un marchio di questo calibro, in cui la materia prima funge da base per il raggiungimento di un risultato estetico e funzionale. Questo fondamento rende l’azienda di Sergio Rossi una pietra miliare della moda italiana.

di Selena Celio

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Marni Milano Fashion Week, bioetica ed ermafroditismo

Marni FW 19-20; sul catwalk si assiste al risultato di un lasciapassare di intrecci fiabeschi, suturati da una (volutamente irrispettata) bioetica femminista: a essere femminilizzate sono figure come Frankenstein e lo Stregatto.

Androginia “matchata” ad ermafroditismo, evocato dalla presenza di donne-uomo. O semplicemente vediamo il coronamento del sogno di Frankenstein, nel chiedere a Victor di creare una donna-mostro da poter amare.

“Come puoi dire che ho paura, ho sette vite comunque. Non ero sempre un gatto, usato per essere come te in effetti. Miao!”, (Pussy X di Kas Product). Sul riecheggio di queste parole, uno dopo l’altro gli abiti di ready-to-wear, cipigli alternati a sguardi allucinati, catene e suture di piercing.

In Ventura Lambrate una scena tetra e gotica, horror e fantascientifica, in cui dei mostri si manifestano per volere del proprio artefice, esprimendo la paura diffusa dallo sviluppo tecnologico.

Moda Marni 2019-2020, la collezione

La collezione Marni ancora una volta può definirsi architettonicamente complessa; a essere spezzata è la costante dell’oversize, a volte interrotta da outfit in cui viene risaltata la silhouette. Ciò che si denota a primo acchitto in questa avanzata gotic-fantasy è la totale assenza di pantaloni; lo stesso Francesco Risso in uscita finale veste un gonnellone in tartan.

Le geometrie dei capi estricano il concetto del doppio e la difficile distinzione tra allucinazione e realtà, supportate da forme zigzaganti conferite dall’uso della piega. Plissé e drappeggi si coalizzano in un’intesa volta ad una cinetica incontrollata; la fissità è un’esclusiva degli sguardi dei modelli.

Per i tessuti la scelta ricade sul satin che vira dal rosso al rosa, dal bianco al nero. Esso appare nei top e nei bottom, ma anche nei dettagli, come le fodere a contrasto degli ampi trench in pelle croco.

Scolli profondi versus colli alti, fusciacche fluttuanti si attorcigliano alla nuca per ricadere in avanti sul busto, divenendo delle vere e proprie bluse, fissate da reti di catene e amuleti. Il cowhide leather proprio di Marni lo ritroviamo nei cinturoni, nei profili delle giacche e nelle nappe degli ankle boots.

I colori Marni, espressionismo cromatico

Il rosso è sicuramente il colore preponderante di questa collezione. La palette nella sua totalità richiama l’Espressionismo tedesco, caratterizzato dalla ricerca del soggettivo nella realtà circostante. Una dedica all’emozione e alla sensualità, in forte contrasto con l’espressione efficace dei volti, capace di stimolare e impressionare l’osservatore. I contrasti e i paradossi fanno parte degli uomini così come dei mostri, creature avvezze alla ribellione.

di Selena Celio

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Moncler Genius Building: una location riqualificata

I tunnel di via Ferrante Aporti, scoperti da Ventura Project in occasione del FuoriSalone 2017, sono ad oggi centro di esposizione per Moncler Genius, che ha scelto questa location rinominandola Moncler Genius Building, luogo in cui ha anche presentato la sua nuova collezione Autunno/Inverno 2019-2020. La casa di moda è inoltre promotrice della riqualificazione culturale della zona limitrofa alla stazione Centrale di Milano.

Così come il Salone del Mobile, la Settimana della Moda meneghina consente di scoprire tesori nascosti che nel giro di poco tempo vengono trasformati in set-up perfetti per ospitare le collezioni moda. Un mondo sotterraneo che mixa fashion, design, architettura, performance, scenografia e musica. Niente di più giusto per interpretare il progetto che Remo Ruffini, CEO di Moncler, vuole portare in auge. Si tratta di un’innovazione a favore della multietnicità, della tecnologia e, come vuole precisare Ruffini, “l’intento è quello di creare un modello di comunicazione e di business nuovo, all’avanguardia, che non si spaventi di fronte all’era digitale in cui stiamo vivendo oggi”.

Moncler Genius: one house, different voices

Ruffini ha ben pensato di arricchire il suo progetto avvalendosi dell’aiuto di nuovi designer, dando quindi voce a dodici collezioni che, alternandosi ogni mese, verranno presentate nel Moncler Genius Building. Ad illuminare l’exibition quest’anno saranno Pierpaolo Piccioli & Liya Kebede, Sergio Zambon e Veronica Leoni per Moncler 1952 (che prende il nome dall’anno di nascita del brand), Sandro Mandrino per Moncler Grenoble, Simone Rocha, Craig Green, Matthew Williams di 1017 ALYX 9SM, Richard Quinn, Fragment Hiroshi Fujiwara, Palm Angels Francesco Ragazzi e Poldo Dog Couture.

I designer e la loro concezione di Moncler Genius

Richard Quinn

Da un estroso come Quinn non è difficile immaginare una capsule colorata e simpatica, che sprizza energia. Infatti, ad accoglierci un tripudio di fiori e stampe che per un secondo fanno sorgere il dubbio se essere ad un’esposizione di Andy Wahrol.

Pierpaolo Piccioli e Liya Kebede

Nylon laqué e richiami africani per il duo di designer che puntano a creare sontuosità con piumini dalle nuances calde, che sembrano danzare all’interno di un’architettura più che essenziale. Un bel connubio, maxi proporzioni ed essenzialità. La scelta di chiamare accanto a sé Liya Kebede, sostenitrice di artigiani africani, sta a dimostrare quanto l’arte di Piccioli sia espressione di multiculturalità.

Veronica Leoni e Sergio Zambon

La coppia di designer della collezione 1952 propone una versione pop eclettica in un’atmosfera ispirata alla vicina discoteca, il Tunnel Club di via Sammartini. I modelli infatti sono all’interno di gabbie vetrate in cui sono ricreati vari ambienti. Anche qui il nylon occupa buona parte dei materiali usati, mescolandosi a rete, lana bouclé e stampe tartan. Per il menswear, Zambon afferma di volere un uomo poliedrico, uno scalatore cool del XXI secolo. Se non è innovazione questa!

Moncler Grenoble

Ecletticità e patchwork per Sandro Mandrino, che ha l’onore di avere una scenografia curata da Hrafnhildur Arnardottir, artista islandese meglio conosciuta come Shoplifter. Al termine dell’esposizione, l’installazione andrà alla Biennale di Venezia. Ispirazioni allo ski-wear degli anni Settanta, ma con introduzioni di frange e tie-dye per Moncler Grenoble.

Simone Rocha

Romanticismo interpretato da capi in pizzo sangallo che creano una delicata visione all’interno di un candido bosco di betulle. C’è amore e rispetto verso la natura in questo tunnel.

Craig Green

Il designer promuove l’heritage di Moncler e la sua voglia di innovarsi con un bilanciato mix di volumi tra il corpo e lo spazio circostante.

Matthew Williams per Moncler 1017 Alyx 9SM

Qui la tecnologia è espressa ai massimi livelli attraverso sacchi a pelo che indicano la funzionalità e fanno combaciare il mondo di 1017 Alyx 9SM con il voler puntare all’eternità di Moncler per i suoi capi e accessori.

Hiroshima Fujiwara

Esistono infiniti modi di comunicazione, e in questa collezione, ispirata allo stile aviator, troviamo una mescolanza di vintage e urban che trasmette messaggi ben precisi attraverso delle maxi scritte.

Francesco Ragazzi Palm Angels

Provocatoria è la sua indole, e Francesco Ragazzi non perde mai occasione per esprimerla. In occasione della collaborazione con Moncler Genius, ha creato una silhouette urban dall’animo punk, lasciando pure le linee dei capi.

Poldo Dog Couture per Moncler Genius

Il nostro fedele amico a 4 zampe non poteva esimersi da indossare dei veri capi di tendenza. Questa collezione si arricchisce di diversi accessori e propone il gilet in piumino in nuovi materiali (come il nylon laqué) e nella variante effetto maglia.

In occasione della Milano Fashion Week è stato deciso di aprire al pubblico, domenica 24 Febbraio, il Moncler Genius Building, dove tutti potranno ammirare queste differenti concezioni di moda.

di Agnese Pasquinelli

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Continua il viaggio pop e di successo che da alcuni anni il direttore creativo di Moschino ha intrapreso insieme alla maison italiana. Che Jeremy Scott non sbagliasse un colpo ne eravamo certi, ma l’avreste immaginato che le passerelle milanesi si trasformassero nello studio di un game show?

Il tributo di Moschino agli anni Ottanta

La seconda giornata della Milano Fashion Week si conclude così, sul set della versione americana del gioco a premi “Ok, il prezzo è giusto!”; si alza il sipario e dei palcoscenici girevoli mostrano agli ospiti i premi in palio: una Ferrari, una lavatrice, un frigorifero, un tosaerba e altri elettrodomestici rigorosamente prezzati.

Ad aprire la sfilata Kaia Gerber, seguita da altre modelle con dei look che ripropongono la stampa del dollaro: le modelle dai capelli cotonatissimi sono le nuove vallette e diventano parte integrante del quiz televisivo.

Un salto nel passato con la tipica ironia che contraddistingue le ultime collezioni di Jeremy Scott; si ritorna all’epoca dei casinò, della leggerezza e del consumismo sfrenato degli anni Ottanta e ancora attuale. Non c’è però alcun tempo per pensare, perché tutti i riflettori sono puntati sugli abiti e gli accessori della collezione Autunno/Inverno 2019-2020.

La sensualità della donna Moschino

Lusso, colori accesi, volume e femminilità sono le parole d’ordine sulla passerella di Moschino: gli abiti che sfilano a Milano sono eleganti e luminosi, dalle tonalità oro e nero con semitrasparenze e drappeggi particolari. Non mancano poi il denim e gli abiti in pieno stile anni Ottanta dai colori vivacissimi e con stampe ispirate ai prodotti domestici.

Ad attirare l’attenzione soprattutto uno degli ultimi (e dei più divertenti) look a cavalcare il défilé: un abito verde con paillettes e lustrini, quasi celato da una lunga mantella a forma di piatto composto adatto per l’ora di cena. Il focus va anche sugli accessori, simili a opere d’arte di Andy Warhol: gli elettrodomestici diventano borsette e zaini simpatici; ed ecco sfilare persino un asciugacapelli, una lavatrice e un ferro da stiro in formato portaoggetti.

Il saluto finale di Jeremy Scott, dal 2013 al timone di Moschino, non ha lasciato alcun dubbio: lo stilista accolto dagli applausi di ospiti e modelle a bordo della sua Ferrari rossa farà parlare di sé ancora una volta!

di Giulia Minonne

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Luisa Beccaria MFW 2019: un inverno etereo, elegante e onirico

Sulle sensuali note di “Fade into you” di Mazzy Star sono apparse, come eteree visioni nel buio, le creazioni della nuova collezione Autunno/Inverno di Luisa Beccaria durante la sfilata tenutasi a Milano, dove proprio in questi giorni, dopo quella di New York e Londra, si sta svolgendo l’attesissima Fashion Week dedicata alla moda donna.

Un’atmosfera da giardino inglese un po’ nostalgico e retrò, con piante e fiori invernali, e un accompagnamento musicale onirico e azzeccatissimo, hanno fatto da cornice agli straordinari abiti della coppia di stiliste, madre e figlia, Luisa Beccaria e Lucilla Bonaccorsi, che dal 2006 collabora con la madre e ha dato vita a tutte le creazioni prèt-à-porter della maison.

La palette cromatica rispecchia lo stile del brand e il tipo di bellezza che vuole promuovere, una bellezza sognante, elegantissima e pura, con colori molto tenui e pacati, dal malva al blu notte, per accendersi nel finale negli outfit di faux fur color cremisi.

Abiti lunghi dalle forme morbidissime realizzati in tessuti leggeri come lo chiffon, il tulle, l’organza e il pizzo, con la vita sempre segnata, sono impreziositi da accessori quali cinture scintillanti e meravigliosi orecchini pendenti, che, assieme ai copricapi in eco-pelle e agli stivali sopra il ginocchio, donano un tocco moderno e accattivante ai look proposti dal marchio milanese.

Romantica e femminile: Luisa Beccaria e la sua collezione #likeaprincess

Un percorso che si muove tra sogno, poesia, impressioni pittoriche e ricordi di viaggio, che attraversa spazio e tempo senza perdere la propria essenza e il nescio quid che rende lo stile di Luisa Beccaria così femminile, romantico, ma soprattutto inconfondibile. Una collezione dalle forme scivolate e colori diafani, che attraverso materiali ricercati e grazie al tocco originale del “creative duo” concretizza alla perfezione lo spirito #likeaprincess, per una principessa dei nostri giorni, dinamica e cittadina, ma che non rinuncia mai al buon gusto.

di Alessandra Baio

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WHITE, evento milanese cardine della Moda Donna, trova anche nell’edizione 2019 il modo di sorprendere il suo audience globale puntando sull’ecosostenibilità. La sensibilità verso il Pianeta si fa spazio nel sistema moda riscuotendo successo ed approvazione.

WHITE, Focus the Unfocused

Per l’edizione 2019, WHITE ci presenta il GIVE A FOK-us | Focus the Unfocused: un green project per eccellenza che ci permette di esplorare concetti apparentemente lontani dall’immaginazione, ma che possiamo focalizzare e fare nostri. Si tratta infatti di una vera e propria proposta di esperienza interattiva in grado di risvegliare emozioni finalizzate ad avvicinarci al fulcro del tema proposto: save the planet being trendy. La relazione Moda-Natura e Moda-Società viene così rivisitata tramite un’ottica più sensibile ed eco-friendly.

Inoltre, per non fermare il processo di innovazione alla base della rete moda italiana, il Salone di via Tortona, propone due novizie al suo pubblico: la sezione Knit Lab e Lounge | Sphere. La prima presenta una realtà dedicata al mondo della maglieria in tutte le sue più creative declinazioni; la seconda rappresenta invece l’homewear, dove verranno ospitate collezioni loungewear e lingerie.

Come ogni evento di tale calibro prevede, è insindacabile la scelta di uno Special Guest, che quest’anno ricade sul brand australiano Strateas Carlucci. La decisione di coinvolgere un talento proveniente dall’altra parte del mondo non fa altro che confermare il puntuale impegno di WHITE nella ricerca di talenti di nicchia. Facendo ricadere la scelta sulla label di Peter Strateas e Mario-Luca Carlucci, viene data la possibilità al brand di raccontarsi su una vetrina imponente della moda.

Le collaborazioni che WHITE ha instaurato e mantenuto nel tempo sono di fondamentale importanza. Tramite la partnership con Vogue Italia, ad esempio, viene portato avanti il progetto #Shareable, essenziale per vivacizzare la comunicazione tra i brand protagonisti. Essendo WHITE il rappresentante della qualità Made in Italy, non poteva mancare alla manifestazione Confartigianato Imprese, di indiscutibile importanza per quel che riguarda la promozione dei segreti dell’industria moda italiana.

Esplorando WHITE

Il Salone milanese è suddiviso in aree differenti, proprio per poter convogliare le necessità e gli interessi del pubblico con più facilità nel luogo giusto. La sezione Inside WHITE, per esempio, è stata ideata proprio per creare situazioni comunicative e di interscambio fra i talenti e i buyer ospiti all’evento. Dirimpetto a Superstudio Più, location indiscutibile nella storia di WHITE, è possibile addentrarsi nell’area Tortona 54|Ex Ansaldo-Base, dove vengono ospitati marchi come Paloma Barcelò, United Nude, American Vintage e Free People.

Tortona 31 | Opificio, new entry nello spazio espositivo milanese, ha come scopo quello di raggruppare tante sezioni quanti sono i messaggi di moda che si propone di lanciare l’evento. L’Hotel Nhow sarà invece palcoscenico di tutte le novità che riguardano il settore womenswear e WHITE Bijoux. Troviamo qui le creazioni del designer Guillaume Gaveriaux, padre del marchio Urbahia Paris.

Insomma, trovarsi a Milano tra il 22 ed il 25 Febbraio 2019 è una vera e propria fortuna da sfruttare se si vuole assistere ad uno dei più acclamati eventi moda. Mancare al WHITE sarebbe un atto di ingenuità. Le proposte accattivanti presenti nel Fashion District milanese in questi giorni sono tappa d’obbligo per aggiornarsi sulle collezioni Primavera/Estate 2019 e per toccare con mano l’evoluzione della moda.

di Sara Steccanella  

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L’irriverente Maison Margiela ha presentato per la prima volta la sua collezione Fall/Winter 2019-2020 a Milano, patria del prêt-à-porter. Per questo attesissimo lancio vengono scelte la nuova boutique in via della Spiga, inaugurata un anno fa, e l’atmosfera della settimana della Moda Donna

Maison Margiela

Nata nel 1988 dal criptico Martin Margiela, si è sempre distinta per le sue contrapposizioni. Negli anni si sono consolidate le tre caratteristiche principali della maison, diventando icone. La promozione di una donna indipendente e fuori dagli schemi, la filosofia della creazione in serie e la reinterpretazione dell’etichetta. Grazie a Maison Margiela infatti, la parte più anonima dell’abito diventa oggetto di design, assumendo un’importanza mai avuta prima.

MM6 by Maison Margiela a Milano

Durante il secondo giorno di Milano Fashion Week, Maison Margiela apre le porte della sua boutique in via della Spiga 46. Il primo impatto è subito spettacolare. Tessuto bianco, imbottitura, morbidezza, candore. Sono questi gli elementi di cui la boutique si è vestita. Un avvolgente cuscino, protettivo e quasi isolante, che ingloba dentro di sé tutti i partecipanti alla presentazione. Le pareti, il pavimento, i dettagli perdono la propria identità diventando un tutt’uno con il resto della stanza, che nell’apparente anonimato si trasforma in spettacolare.

I modelli, anche loro di bianco vestiti, e distanti anni luce dai canoni della moda, ci presentano la collezione in modo quasi asettico, come manichini. Anche la collezione rispecchia perfettamente l’idea della presentazione. Nessun colore ha adornato i capi esposti, che assumono però volume e forma grazie all’imbottitura e ai rilievi dei dettagli. Di rimando all’iconica etichetta, si è deciso di optare per un solo punto orizzontale, all’esterno dell’abito che attacca l’etichetta MM6 a ciascun capo.

See now, buy now

In parallelo alla presentazione è stata lanciata una capsule di pezzi simbolo di Maison Margiela, rivisitati secondo l’idea creativa dell’evento: una sciarpa, una T-shirt, una Japanese bag, un portafoglio “6” e un portachiavi. La capsule è disponibile in limited edition e distribuita nelle boutique a partire dal 20 febbraio in Europa.

L’idea presente dietro questa scelta si sposa perfettamente con il concept creativo della presentazione, quella di avvolgere e di coinvolgere. La volontà, infatti, era proprio quella di coinvolgere non solo la stampa e i buyer, ma anche tutta la comunità amante di MM6.

La scelta di rafforzare la presenza a Milano, sviluppata con l’elaborazione di un concept unico che vestisse ambiente e collezione. La volontà di creare un’esperienza immersiva e coinvolgente per tutta una community. Maison Margiela con queste ben prese decisioni ha fatto centro, andando al di là di ogni aspettativa.

Due ore in cui ogni dettaglio all’interno della boutique riesce a riflettere lo spirito inclusivo del marchio, invitando i partecipanti ad entrarci. Immersi nell’ambiente e nella collezione vengono chiamati a interpretarla e farla propria. Lasciatevi trasportare, lasciatevi avvolgere dal grande cuscino di MM6, che vi cullerà fino al più profondo dei vostri sogni.

di Eleonora Valente

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Jil Sander: The show must go on

Nel corso della Milano Fashion Week vediamo calcare la passerella dalle modelle del duo creativo Luke e Lucie Meier, una coppia anche nella vita. Sono al timone del marchio Jil Sander dal 2017 e sposati da undici anni, dopo essersi conosciuti al Polimoda di Firenze e aver messo alla prova il loro amore lavorando a chilometri di distanza.

Questa sfida è forse il segreto di un buon matrimonio e della riuscita di un’azienda in cui la mission fondamentale è guardare sempre avanti, puntare al progresso senza pensare a ciò che è passato. Il modo migliore per attuare questa filosofia è sicuramente il dialogo continuo, che favorisce il rinvigorimento e la creazione di nuove idee, come ci tiene a precisare Lucie.

“Non è facile vestirsi bene”

Il messaggio che Jil Sander ha sempre tenuto a precisare è quello che nulla è facile nella vita, sia vestirsi bene che creare abiti di ottimo design e comodi al tempo stesso. Infatti, la comodità per una donna è tutto; se al mattino si indossa un capo che non ci fa sentire a nostro agio, ci darà fastidio per l’intera giornata.

Un concetto ben distante da Jil Sander, che realizza abiti in grado di raccontare la storia di una coppia; una coppia semplice ma raffinata ed estremamente cool, così come il suo marchio. La semplicità si nota anche dall’invito alla sfilata: un classico canovaccio da cucina che conduce però l’ospite, guidato dalla voce di Kelley Lu, in un’atmosfera desueta ma ammaliante.

Una donna androgina ma femminile

La collezione firmata Jil Sander si presenta come un connubio perfetto tra maschile e femminile, dove a far da padrone sono le proporzioni XXL dei pezzi, che vengono impreziosite dai dettagli delle stampe e dei materiali.

L’utilizzo del feltro di lana sia nei capi sartoriali che nei capi spalla si sposa bene con la scelta di adottare cuciture naturali, a vista, alternandole a tagli cut-out che lasciano intravedere parti di pelle e ad impunture che creano all’apparenza revers trompe-l’œi. Nulla è lasciato al caso e niente è inutile o superfluo, anche i ricami devono essere leggermente ornamentali e avere un tocco di utilitarian.

Luke e Lucie Meier sono amanti del Giappone, e per il loro ultimo viaggio avevano scelto una località distante dal caos delle grandi città, Shimane, dalla quale hanno immagazzinato, magari anche inconsciamente, notevoli spunti. Per la loro collection il duo ha cercato di trasmettere l’importanza degli spazi vuoti che i giapponesi chiamano estetica del “MA”.

Questa loro passione per l’Asia Orientale si evince anche nella scelta delle nuances, ad esempio i look color indaco realizzati con tessuti provenienti dalla città di Kojima, nota ai più per le numerose tecniche di tintura. Così come il riferimento alle tipiche stampe incise sul legno, che i Meier hanno riproposto in nero come cordone ornamentale per il cappotto bianco candido.

Il mood della collezione Jil Sander è quello di proporre capi lontani dagli stereotipi della moda inverno, favorendo l’armonizzazione delle linee e riscaldando il corpo femminile senza tralasciare la sensualità. A completare gli outfit, stivali aderenti e borse a mano (Jil Sander è da sempre un brand maestro nella realizzazione di borse in vera pelle).

di Agnese Pasquinelli

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