Ambientato nei primi anni Duemila, il film esplora i temi senza tempo di gelosia, tradimento e vendetta, facendo rivivere i personaggi di Otello, Iago e Desdemona in un’Italia moderna, dove il dialetto romano e napoletano aggiunge intensità al racconto.

La forza del dialetto e un cast d’eccezione

Nel suo nono progetto da regista, Edoardo Leo sceglie una rivisitazione cruda e autentica, dove la lingua dialettale è protagonista: ogni battuta riecheggia la forza drammatica della cultura popolare, creando una connessione immediata con lo spettatore. Edoardo Leo veste i panni di Iago, mentre Javad Moraqib e Ambrosia Caldarelli interpretano Otello e Desdemona. Nel cast anche Antonia Truppo, Matteo Olivetti e Michael Schermi, che completano una squadra di attori capaci di dare nuova vita alla storia.

Un dramma ispirato alla cronaca e alla tragedia shakespeariana

L’ispirazione per “Non sono quello che sono” nasce da un fatto di cronaca che colpì profondamente Leo anni fa: un uomo, travolto dalla gelosia, uccise la moglie e si tolse la vita. Questo tragico evento ha portato il regista a riflettere su quanto i temi di Otello siano ancora attuali. La sceneggiatura rispetta il testo originale, adattandolo però a una sensibilità contemporanea, dove il dialetto amplifica l’impatto emotivo e rende la tragedia ancora più vicina alla realtà.

Un titolo che racconta l’essenza di Iago

Il titolo del film, “Non sono quello che sono”, richiama una frase iconica di Iago, il personaggio più ambiguo della tragedia shakespeariana. Questa scelta sottolinea il doppio gioco e la falsità di un antagonista che, nell’adattamento di Leo, conserva tutta la sua oscurità, risultando persino più spietato e ingannevole nel contesto moderno.

Con Non sono quello che sono, Edoardo Leo porta al pubblico una tragedia che affonda le radici in uno dei classici più amati di sempre, adattata con un tocco unico. Per chi è affascinato dalle storie di passioni forti e desidera riscoprire Shakespeare da un punto di vista inedito, questa rivisitazione promette di essere un’esperienza intensa e sorprendente.

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SEI, rivisitazione del dramma pirandelliano che sconvolse la struttura teatrale svelandone meccanismi e artifici

Ad opera del duo siciliano Scimone – Sframeli, SEI riprende fedelmente la struttura del dramma originale, riportando in scena lo sconvolgimento ideato da Pirandello, che col suo dramma non solo portò in scena le vicende dolorose di sei personaggi, ma sconvolse totalmente le strutture teatrali svelando l’inganno della rappresentazione con la rottura della quarta parete, quella linea di demarcazione tra ciò che è realtà e ciò che è finzione.

La lungimiranza e il genio di Pirandello, che svelarono ad un pubblico perplesso, per la prima volta, i meccanismi soggiacenti e nascosti del teatro e della rappresentazione, riprendono vita alla luce di qualche modifica linguistica apportata da Scimone e Sframeli: la poetica pirandelliana si fonde dunque con quella siciliana vissuta ai margini e lungo i bordi, tipica dell’esperienza drammaturgica del duo.

Si alza il sipario, in un teatro semidistrutto un capocomico, due attori, due attrici. Sta per iniziare la prova di uno spettacolo che non andrà mai in scena; improvvisamente un corto circuito. Torna la luce e sulla scena appaiono il Padre, la Madre, il Figlio, la Figliastra, il Giovinetto e la Bambina. Sono i sei personaggi, rifiutati dal loro autore, che chiedono di portare in scena il loro “dramma doloroso”. Hanno bisogno di vivere sulla scena, raccontando le proprie vicende, sviscerando le proprie tensioni, i conflitti e le sofferenze, creando un rapporto di simbiosi perfetta tra attore e personaggio.

Il capocomico e la compagnia, inizialmente sconvolti e atterriti dall’apparizione misteriosa dei personaggi, ritengono che i sei siano semplicemente degli intrusi, dei pazzi, e tentano di cacciarli dal teatro. Una volta ascoltate le vicende dei Sei, tuttavia, si rende necessario portare in scena il dramma che necessita di essere raccontato.

Vivere in scena non è solo il desiderio dei personaggi, ma anche il sogno degli attori; in SEI, Scimone e Sframeli, e ancora prima Pirandello, lo rendono possibile

È la magia del teatro nel teatro, lo svelamento, la disintegrazione dello spazio teatrale. L’idea pirandelliana di scomposizione della struttura teatrale, un’idea che resterà fino al cinema odierno e sarà ripresa da innumerevoli autori. È l’idea paradossale di rendere reale la finzione, ripresa magistralmente dal duo siciliano, con la rivisitazione del dramma. “Vivere in scena non è solo il desiderio dei personaggi; è anche il sogno degli attori. Entrambi, sanno che la loro vita in scena può nascere solo attraverso la creazione di un rapporto, attori /personaggi, di perfetta simbiosi. Un rapporto che si crea, di volta in volta, di attimo in attimo, durante la rappresentazione”, queste le parole di Spiro Scimone e Francesco Sframeli.

SEI, al Teatro Franco Parenti di Milano, questo Novembre.

di Sara Pacella

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Non solo una grande stilista, ma una figura simbolo della cultura popolare del Novecento che, seppure non amasse definirsi femminista, rivoluzionò il disegno dell’abito femminile proprio, per paradosso, attraverso la rivisitazione di capi tipicamente maschili, contribuendo all’imponente trasformazione del ruolo della donna.

“Fino a quel momento avevamo vestito donne inutili, oziose, donne a cui le cameriere dovevano infilare le maniche; invece, avevo ormai una clientela di donne attive; una donna attiva ha bisogno di sentirsi a suo agio nel proprio vestito. Bisogna potersi rimboccare le maniche”.  Queste le parole dell’emancipata Coco, all’anagrafe Gabrielle Bonheur Chanel e a lei è dedicato “C come Chanel” , lo spettacolo in scena al Teatro Franco Parenti fino al 17 febbraio.

A interpretarla la poliedrica Milena Vukotic che passa con disinvoltura dalla televisione d’intrattenimento al cinema d’autore e al teatro più impegnato. Sul palco anche David Sebasti che ricopre tutti i ruoli maschili come il fedele maggiordomo, l’amatissimo Boy Capel e il poeta Jean Cocteau, per le cui opere Coco lavorò come costumista. Roberto Piana firma la regia, gli splendidi costumi sono di Alessandro Lai, mentre il testo è scritto dalla giovane Valeria Moretti.

L’intento dell’autrice non è stato quello di raccontare dettagliatamente l’intera esistenza di “Mademoiselle”, anche perché ricca di avvenimenti e articolata è la sua vita così come il lungo periodo storico che fa da cornice (1883 – 1971), quanto piuttosto di evocare, attraverso un succedersi di immagini quasi oniriche, di suggestioni e di emozioni, a tratti dolorose e anche ironiche, il sapore di quegli anni trascorsi intensamente dalla regina indiscussa dell’eleganza, tanto forte quanto fragile, che però si considerava “solo una semplice sarta”.

Teatro Franco Parenti
Via Pier Lombardo, 14, Milano
dal 5 al 17 febbraio
martedì alle ore 20.30
mercoledì alle ore 19.45
da giovedì a sabato alle ore 20.30
domenica alle ore 16.00

I biglietti sono acquistabili direttamente alla biglietteria del teatro e online.

(di Giulia Bellini)

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“Non c’è niente di più comico dell’infelicità”, diceva Samuel Beckett e proprio in questa frase è racchiusa l’essenza di “Occidente solitario”, la commedia noir in scena al Tieffe Teatro Menotti fino al 10 febbraio con la regia di Juan Diego Puerta Lopez.

L’autore è Martin McDonagh, pluripremiato commediografo inglese di origine irlandese e regista del film “In Bruges – La coscienza dell’assassino”, che propone un testo forte, dal linguaggio crudo, spesso volgare che potrebbe urtare la sensibilità di qualcuno e per questo rischioso, ma perlomeno non lascia indifferenti e riesce persino a divertire grazie al tono grottesco che trapela in ogni battuta.

A Claudio Santamaria e Filippo Nigro spetta l’arduo compito, perfettamente riuscito, di rendere in qualche modo simpatici due personaggi per nulla accattivanti, che il pubblico non può amare in nessun momento, ma che non abbandona fino alla fine e che può anche comprendere nonostante la loro brutalità. A tal proposito, azzeccata è l’associazione di Santamaria: “Faccio sempre questo paragone: mi ricorda un po’ la vecchia commedia all’italiana che aveva la capacità di farti sorridere di cose veramente terribili come ne “I Mostri” con Vittorio Gassman o, penso a “Parenti serpenti” di Monicelli”.

L’intera vicenda ruota intorno a due fratelli: Coleman e Valene, due disadattati, due eterni bambini che nonostante giochino a massacrarsi, a vendicarsi e a ricattarsi, regredendo di scena in scena, non possono fare a meno l’uno dell’altro perché paradossalmente l’unico modo che conoscono di volersi bene, di dimostrare affetto, è proprio odiarsi. Del resto sono cresciuti con un padre ubriacone e rozzo e violenta è la realtà in cui vivono, un paesino della provincia irlandese dove omicidi e suicidi sono all’ordine del giorno, dove si respira quotidianamente rabbia, risentimento, cinismo, dove i buoni sentimenti sono tenuti ben nascosti o addirittura totalmente assenti.

L’ambientazione principale è il salotto di casa dei protagonisti e ciò che salta subito all’occhio è la quantità di statuine religiose disseminate un po’ ovunque, oltre a una grande “V” segnata di rosso su ogni mobile e parete. Già da queste stranezze si evince la personalità problematica, disturbata e maniacale di Valene che colleziona oggetti sacri e con la propria iniziale vuole sottolineare al fratello le sue proprietà, il quale lo stuzzica di continuo mangiando le sue patatine o peggio rovesciandogliele in testa, cuocendo nel forno le sue statuine e altri dispetti di vario genere. Immancabile è la bottiglia di whisky bevuto come se fosse acqua, non solo dai fratelli, ma anche da Padre Welsh (interpretato da Massimo De Santis), un prete dalla fede vacillante che vorrebbe essere d’aiuto ai suoi parrocchiani e soprattutto ai due uomini affinché pongano fine alle loro stupide liti, ma che perderà miseramente la sua battaglia e travolto dal fallimento si toglierà la vita. A nulla servirà il conforto della giovane Mary, chiamata da tutti “ragazzina” (Azzurra Antonacci, che sostituisce in questa seconda stagione Nicole Murgia) che spaccia a domicilio alcool di contrabbando, innamorata di Padre Welsh e molto più saggia, a dispetto dell’età, di quanto potrebbe sembrare. Particolarmente intenso è l’ultimo faccia a faccia tra i due sul molo, appena prima dell’insano gesto del prete che congeda la ragazza con un tenero bacio sulla fronte consegnandole una lettera destinata ai due fratelli nella quale li prega di salvare la sua anima, condannata a bruciare fra le fiamme dell’inferno, perdonando a vicenda i torti subiti e imparando ad andare d’accordo. Così, in un primo tempo, cercheranno di fare i due in virtù di quel foglio di carta che Valene appende sotto il crocefisso che, simbolicamente, viene illuminato per ricordare le parole dell’amico scomparso, ma tutto si trasforma in una sorta di gara a chi rivela lo sgarbo maggiore, le scuse, quindi, non saranno mai realmente sincere e, andare a bere al pub è l’unica soluzione per interrompere l’ennesima lotta…almeno per qualche istante!

L’autore si limita a rappresentare la vita di queste persone senza esprimere alcun giudizio morale. Aspra è, invece, la critica verso un certo bigottismo cattolico; si accenna infatti al problema della pedofilia dei preti irlandesi e al fatto che si può uccidere anche venti persone, ma se poi ci si pente si può aspirare comunque al Regno dei Cieli, mentre se ci si suicida si precipita inesorabilmente all’inferno come spiegherà Padre Welsh.

“Occidente solitario” una pièce che, nonostante tutto, rimane nel cuore e che i due protagonisti sono ben contenti di interpretare: “È un testo che ho adorato dalla prima lettura – racconta Filippo Nigro – ero convinto che fosse un bel testo e lo sono ancora”.

Tieffe Teatro Menotti
Via Ciro Menotti, 11, Milano

dal 29 gennaio al 10 febbraio
martedì, giovedì, venerdì e sabato alle ore 21:00
mercoledì alle ore 19.30
domenica alle ore 17:00
I biglietti sono acquistabili direttamente alla biglietteria del teatro e online.

(di Giulia Bellini)

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“Se devi dire una bugia dilla ancora più grossa”, commedia vincitrice del prestigioso premio “Lawrence Oliver” come migliore dell’anno a Londra, debutta al Teatro Franco Parenti mercoledì 26 dicembre nella versione italiana di Luca Barcellona. Dopo il successo mondiale di “Se devi dire una bugia dilla grossa“, il commediografo e drammaturgo britannico Ray Cooney torna con un sequel che non ha nulla da invidiare all’opera precedente. Diretto dal regista Gianluca Guidi (figlio del grande Johnny Dorelli), il cast, quasi al completo, del fortunato “Chat a due piazze” (sempre di Cooney), si trova coinvolto in una serie di vicende davvero divertenti.

È una commedia molto attuale con chiari riferimenti ad alcuni fatti della nostra politica e non solo: il ministro De Mitri, interpretato da Antonio Catania, e Susanna, l’ufficio stampa del leader dell’opposizione (Miriam Mesturino), entrambi sposati, hanno una relazione estremamente segreta ed è così che dovrebbe rimanere se non fosse per i mille inconvenienti in cui malauguratamente incappano quando decidono di trascorrere una notte di fuoco nel lussuoso hotel Palace di Roma. I due, mentre si stanno preparando al loro incontro galante, scoprono infatti un cadavere (Antonio Pisu) sul davanzale della suite. Per evitare che lo scandalo dilaghi all’interno del governo e anche dell’albergo, il ministro chiederà aiuto al suo fidato segretario particolare Mario Girini (Gianluca Ramazzotti) e insieme daranno vita a una spirale di bugie e fraintendimenti combinandone di tutti i colori con la complicità dell’amante di De Mitri.

In questa situazione, a dir poco surreale, verranno coinvolti, loro malgrado, altri personaggi: una vecchia gloria quale Raffaele Pisu nel ruolo del furbo cameriere, un altro grande maestro dello spettacolo leggero italiano, Ninì Salerno, nella parte del moralista direttore dell’hotel che cerca di controllare la sarabanda di circostanze un po’ osé da cui viene travolto, svelando un risvolto decisamente a sorpresa nel finale, la moglie del ministro (Licinia Lentini), Domenico De Santi nei panni di Paolo Rolandi, marito di Susanna, che si precipita nella camera come una furia perché sospettoso della tresca fra sua moglie e De Mitri e per finire, la Signorina Levi (Selene Rosiello), infermiera a domicilio con forte accento tedesco della madre di Girini.

Uno spettacolo, dunque, dissacrante, satirico, che s’inserisce nella più grande tradizione del teatro brillante, con attori di grandissimo spessore che assicurano che si ride tanto!

Per la serata di Capodanno, il Teatro Franco Parenti farà il bis con due repliche; nella seconda è previsto un brindisi d’auguri per festeggiare tutti insieme la fine dell’anno e l’arrivo di quello nuovo.

Teatro Franco Parenti
Via Pier Lombardo, 14, Milano
dal 26 dicembre al 6 gennaio
mercoledì alle ore 19.30
da giovedì a sabato alle ore 21.15
domenica alle ore 16.30
lunedì 31 dicembre alle ore 19.30 e 22.30
martedì 1 gennaio alle ore 18.30

I biglietti sono acquistabili sul sito di TicketOne e direttamente alla biglietteria del teatro.

(di Giulia Bellini)

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