Il Museo delle Culture di Milano (Mudec) festeggia il suo primo decennale con un calendario ricco di iniziative che accompagneranno i visitatori per tutto il primo semestre del 2025. Il tema centrale di quest’anno è il viaggio, esplorato attraverso due mostre principali che apriranno il 20 marzo 2025.

Travelogue. Storie di viaggi, migrazioni e diaspore

Questa mostra, curata da Katya Inozemtseva e Sara Rizzo, offre una riflessione sul concetto di viaggio come esperienza universale che attraversa culture e discipline diverse. Il percorso espositivo include opere che raccontano storie di migrazione e identità, sottolineando le connessioni tra passato e presente. L’installazione “Il vostro cielo fu mare, il vostro mare fu cielo” di Adrian Paci, presente nell’Agorà del museo, anticipa il tema della mostra, trasformando lo spazio con un mosaico dalle tonalità blu-verdi che richiamano il mare.

Dal muralismo alla street art. MUDEC Invasion

Questa esposizione traccia l’evoluzione dell’arte urbana, dal muralismo tradizionale alle forme più contemporanee di street art. Attraverso una selezione di opere di artisti locali e internazionali, la mostra esplora come gli spazi pubblici siano diventati tele per espressioni artistiche che riflettono le dinamiche sociali e culturali delle città moderne.

Un palinsesto ricco di iniziative

Oltre alle mostre, il Mudec propone un ampio programma di attività legate al tema del viaggio. Il museo organizzerà visite guidate, laboratori creativi e incontri con artisti e curatori, offrendo al pubblico un’esperienza immersiva che va oltre la semplice visita espositiva. Eventi speciali, come conferenze e presentazioni, saranno programmati durante tutto l’anno per approfondire le tematiche trattate nelle mostre e coinvolgere diverse fasce di pubblico.

Il Mudec continua a essere un punto di riferimento culturale a Milano, promuovendo la conoscenza e l’apprezzamento delle diverse culture attraverso esposizioni e attività che stimolano la riflessione e l’interazione. Il decimo anniversario rappresenta un’occasione per celebrare i traguardi raggiunti e per guardare al futuro con nuove prospettive e progetti.

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È il Perù il protagonista di quest’anno del progetto “Milano città mondo” curato da MUDEC e Ufficio Reti e Cooperazione Culturale del Comune di Milano. In particolare sarà la comunità peruviana al centro dell’attenzione, la più grande, proveniente dall’America, a risiedere a Milano. Apre così dal 16 Marzo al 14 Luglio 2019, la mostra interamente dedicata alle contaminazioni e ai rapporti tra i due paesi: Italia e Perù.

Italiani a Lima, Peruviani a Milano

La mostra apre con una presentazione dei legami tra i due paesi. Legami storici, culturali ed economici che hanno accompagnato e unito l’Italia e il Perù fino ai giorni nostri. I rapporti tra i due paesi partono dal 1500 arrivando al culmine verso la fine del XIX secolo, quando si contano 10.000 italiani in Perù. Verso la fine del ‘900, il Perù entra in una fase instabile e molti iniziano ad emigrare in tutto il mondo e anche in Italia. Per questa parte di esposizione vi saranno moltissime opere provenienti dalla Civica Raccolta Stampe A. Bertarelli, che rappresentano gli scambi culturali tra i due paesi.

La prima sezione è dedicata ad Antonello Gerbi, un Italiano in Perù

Gerbi è uno storico ed economista che con la Seconda Guerra Mondiali, in quanto ebreo, si vede obbligato a scappare. Trascorse 10 anni a Lima, in cui svolse importanti ricerche e si appassionò alla cultura peruviana tanto da diventarne un grande esperto conoscitore. Riconosciuto e apprezzato in tutto il Perù, conduce studi anche in Europa nelle più importanti città. Le sue opere, ricerche, attività e qualsiasi tipo di materiale sono quindi gentilmente concessi dalla famiglia Gerbi per questa stupenda ed interessantissima mostra.

La seconda sezione è dedicata a Jorge Eielson, un Peruviano in Italia

Jorge Eielson è un artista, scrittore e poeta peruviano che, alla ricerca di ispirazione e spinto dalla curiosità, parte per l’Europa. Dopo aver vissuto e girato tra le più importanti città europee e americane, decide di stabilirsi definitivamente a Milano. La sua arte rappresenta paesaggi naturali molto ispirati al suo paese d’origine, come le serie “Paesaggi infiniti della costa del Perù” e “Nodi”. Le sue opere sono molto personali, connesse ai ricordi d’infanzia e alla sua emotività.

La terza sezione è dedicata alle “storie in movimento”

L’ultima sezione racconta attraverso video-interviste la comunità peruviana a Milano, che è per numero la quarta comunità più grande in città. Vi saranno presentati i vari spostamenti, i legami familiari, le religioni, la continuità della loro cultura natale. Un interessante profilo attuale della comunità peruviana nella nostra città.
Il progetto Milano Città Mondo #04 Perù è stato inaugurato il 31 Gennaio con il Console generale del Perù, Augusto Salamanca. Ha un programma vastissimo ed interessantissimo, con mostre, conferenze, manifestazioni ed eventi. Alla scoperta del fantastico mondo peruviano che arricchisce la nostra Milano.
 
di Valeria Dalle Carbonare

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Perugino e l’adorazione dei Magi: un appuntamento da non perdere

Siamo finalmente giunti a Dicembre e, con esso, anche alla molteplicità di eventi natalizi che vi si legano. Tra i più importanti del mese, come ogni anno, viene citata la mostra d’arte che si organizza nella prestigiosa sede milanese di Palazzo Marino dove, questa volta, è stato portato in esposizione uno dei più importanti dipinti italiani: l’Adorazione dei Magi di Perugino. Evento da porre assolutamente in evidenza, perché si è venuto a creare un vero e proprio collegamento tra due città italiane molto importanti che vogliono mettere in risalto il ruolo della cultura nella civiltà italiana: Perugia e Milano.

Perugia – Milano: nuovo collegamento culturale?

La sede scelta per l’esibizione dell’opera di Perugino viene riconosciuta come un luogo di prestigio e d’incanto, dove si cerca in ogni modo di risaltare il ruolo della bellezza. Palazzo Marino è più che lieto di accogliere questo elemento culturale così importante ed anche attraverso le parole del sindaco di Milano, Giuseppe Sala, si riesce a percepire l’importanza che viene data all’evento, soprattutto perché verrà data a tutti i milanesi e ai turisti della città la possibilità di ammirare un reperto storico-culturale veramente importante per l’arte italiana.
Perugia e il suo sindaco, Andrea Romizi, non smettono di ringraziare Milano per l’enorme possibilità espositiva che gli è stata concessa, in quanto, si spera, che questo tipo di evento possa dare una maggiore visibilità alla città stessa, e che sempre più gente si incuriosisca e decida di fare tappa anche in quest’altra località italiana per ammirarla e accrescere la sua conoscenza e valorizzazione culturale, facilitata anche da un diretto collegamento tra le due con una delle tratte del Frecciarossa, che prevede un arrivo anche in tempistiche inferiori alle 4 ore.

L’adorazione dei Magi di Perugino, quando un dipinto si mescola ad arte e cultura

Pietro di Cristoforo Vannucci, meglio conosciuto come il Perugino, è il pittore della grande pala d’altare che verrà esposta in questo periodo nella prestigiosa sede di Palazzo Marino. Realizzò quest’opera con il primo intento di mettere in risalto la civiltà perugina e, proprio per questo, la sua prima destinazione fu la chiesa di Santa Maria dei Servi a Perugia, luogo di piena rappresentazione dell’importanza della città.
Tra la seconda metà dell’Ottocento e i primi anni del Novecento, una delle tematiche che venne principalmente affrontata fu quella della reale attribuzione dell’opera al giovane Perugino. Soltanto dopo diversi anni venne definitivamente associata a lui, per la molteplicità di elementi che lo mettevano in collegamento con essa, anche se il lavoro venne portato a termine solamente tempo dopo da altri artisti quali Fiorenzo e suoi collaboratori. L’olio su tavola rappresenta i tre Re Magi giunti dall’Oriente, Gaspare, Baldassarre e Melchiorre, con l’intento di adorare Gesù Bambino, che si trova tra le braccia delle Vergine.
La particolarità dell’opera che non mette in alcun dubbio, soprattutto negli anni successivi, la sua attribuzione al Perugino, è che all’interno del dipinto sembra esserci un cripto – ritratto dell’artista stesso, visibile in un giovane posizionato all’estrema sinistra, con in testa una berretta rossa, che osserva in maniera sfrontata l’accaduto di quel giorno quasi a voler far intendere come il suo ruolo e la sua capacità artistica siano molto evidenti già dall’età giovanile.
Ulteriore caratteristica che porta in luce quella che è la particolarità dell’epoca e la sua attribuzione a Perugino, è il fatto di mettere in evidenza dei tratti fisici tipici delle famiglie nobili del tempo, in questo caso la famiglia Baglioni, in alcuni dei personaggi protagonisti del dipinto; l’opera infatti,  essendo destinata alla chiesa di Santa Maria dei Servi, doveva coinvolgere coloro che avevano incaricato l’esecuzione della stessa. Un dipinto veramente affascinante, in cui i tratti della scuola del Perugino vengono risaltati in maniera decisamente appropriata.

Un progetto culturale nazionale

Ma chi si è occupato di mettere in piedi l’intero progetto? È evidente che non possiamo parlare di un unico sponsor, piuttosto di una vera e propria collaborazione che vede due principali protagonisti; oltre alla città di Perugia e alla sua Galleria Nazionale, che ha ceduto uno dei suoi più grandi tesori alla città di Milano per vedere rappresentata la regione Umbria in ambito nazionale, come primo troviamo il Progetto Cultura di Intesa San Paolo, che si prefigge il compito di favorire l’incontro con un’opera straordinaria, a conferma del sostenimento della banca per le istituzioni pubbliche e per la diffusione della cultura e dell’arte in Italia.
Come secondo, l’edificio della Rinascente, dove arte, moda e cultura si sposano in modo innovativo e assolutamente affascinante. Per intensificare ulteriormente la collaborazione con la regione Umbria che si terrà in questo mese, Palazzo Marino ha deciso di accogliere nel cortile esterno anche il tipico presepe della tradizione Umbra, e i comuni 7 e 8 di Milano si sono uniti alle iniziative con un altro dono di collettività proprio per mettere in evidenza una più ampia conoscenza del patrimonio cittadino: l’esposizione di un altro grande dipinto, La Madonna con Bambino di Carlo Francesco Nuvolone, di proprietà della Pinacoteca del Castello Sforzesco.

L’adorazione dei Magi di Perugino e la mostra, maggiori informazioni

Come sarà organizzata quindi l’intera mostra? Dell’organizzazione se ne occupa Civita, che ha deciso di aprire le porte a tutti gli interessati a partire dal 1 Dicembre fino al 13 Gennaio, e che manterrà comunque l’apertura durante le festività natalizie anche se con qualche modifica negli orari. Sul sito del Comune di Milano sarà possibile trovare tutte le informazioni relative alla mostra.
 
di Luciana Losada

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The Time Shifter, l’installazione ambientale di Lorenzo Petrantoni

TENOHA MILANO è uno spazio polifunzionale situato all’interno di un ex edificio industriale degli anni Trenta, affacciato in Via Vigevano a Milano. Con i suoi uffici co-working & work, un design store, un ristorante-caffetteria e un grande spazio eventi, Tenoha ci fa immergere attraverso questi elementi nella Cultura Nipponica, fondendo Italia e Giappone in uno spazio all’avanguardia; proponendo, tramite diverse attività, di guardare alla cultura giapponese con un’ottica internazionale. Ed è proprio il locale in questione che ospita dal 12 novembre al 6 dicembre THE TIME SHIFTER di Lorenzo Petrantoni; una gigantesca installazione ambientale che raccoglie tutti i 1000 mq dello spazio.
Petrantoni nasce a Genova nel 1970, dopo gli studi di grafica a Milano si trasferisce in Francia e lavora come art director presso la Young&Rubicam. Rientrato in Italia continua a collaborare con le più grandi agenzie di comunicazione, infine decide di allontanarsi dal mondo della pubblicità per dedicarsi interamente alla sua carriera di illustratore.
“The Time Shifter – spiegano i responsabili di TENOHA MILANO – propone un dialogo tra il valore di segno e grafìa tipico della tradizione nipponica e il lavoro di Petrantoni. Essendo incentrate sulla grafia intesa come maniera di rappresentare le parole nella scrittura, le opere di Lorenzo Petrantoni fanno da perfetto contraltare ‘occidentale’ allo Shodo: l’arte giapponese della calligrafia. Nei collages di Petrantoni è infatti possibile ritrovare quell’eleganza fra scrittura e segno che è tipica della calligrafia specialmente nella pratica giapponese dove è considerata una vera e propria espressione artistica”.

The Time Shifter, un percorso incalzante e senza tempo

Il tutto è ambientato in un percorso incalzante e senza tempo, dove sono protagoniste duecento travolgenti illustrazioni sospese nel vortice spazio-temporale, vero protagonista dell’arte di Petrantoni. Il suo lavoro si distingue da sempre per il metodo originale con cui l’artista realizza le opere, caratterizzate dalla minuziosa ricerca ricerca tra copertine di riviste internazionali, pubblicità per brand prestigiosi, installazioni monumentali.
Il suo si potrebbe definire un procedimento al contrario; piuttosto che creare ed aggiungere all’enciclopedia delle illustrazioni nuove immagini, l’artista recupera figure già disponibili che ricompone a proprio piacimento come i tasselli di un puzzle, generato interamente dal suo estro e dalla sua estetica.
Così Petrantoni arriva a creare opere che hanno il potere di dialogare con l’osservatore, capaci di trasmettere e regalare nuovi significati ad immagini già esistenti, dimenticate tra le pagine di vecchi volumi. Questa assidua ricerca nasce grazie alla passione per la grafica ed al fascino che la cultura dell’Ottocento ha esercitato su di lui; così vien fuori “la sua arte”, che ha dato vita oltre che ad importanti collaborazioni, anche ad esposizioni in numerose mostre worldwide.
 
di Annamaria Aufiero

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Banksy: per la prima volta in mostra, per la prima volta a Milano

Arriva a partire dal 21 di novembre presso Mudec di Milano un’intera mostra dedicata al celebre street artist inglese Banksy. Di lui si sa ben poco, rimane nell’ombra, forse perché preferisce che sia la sua arte a parlare per lui. Opere a tratti controverse, in giro per i muri delle città più famose del mondo, sono il segno distintivo di questo artista. Promossa dal Comune di Milano e il Sole 24 Ore, l’esposizione presenta più di settanta opere che arricchiscono il percorso, articolato in quattro diverse sezioni.

Banksy e la sua protesta visiva

Troveremo sculture e dipinti, prints corredati di oggetti e gli immancabili stencil, tecnica prediletta del writer anglosassone. Non mancheranno i celebri murales, che verranno presentati al pubblico attraverso video e immagini collocati all’interno di una stanza “experience”.  L’intento è quello di poterli rappresentare nella loro collocazione originale, nei diversi continenti del mondo. I luoghi hanno infatti estrema importanza, perché fanno da cornice al significato politico sociale che Banksy vuole comunicare. Oggetto delle sue opere sono spesso temi attuali, reinterpretati a mo’ di satira, per sdrammatizzare forti situazioni. Come ci tiene a sottolineare Giovanni Mercurio, curatore della mostra, il messaggio e l’arte di Banksy “si manifestano come un’esplicita e aspra provocazione nei confronti dell’arroganza dell’establishment e del potere, del conformismo, della guerra e del comunismo”.

Non chiamateli graffiti

Particolare importanza è stata riposta in quei lavori individuati come “Modifies Oils”, in cui lo street artist mescola generi e periodi, intervenendo su copie di opere esistenti e molto conosciute con l’inserimento di elementi stranianti. Il genio e la forza di Banksy risiedono proprio nel suo modo di comunicare concetti complessi in maniera semplice e diretta, in grado di arrivare a tutti, da ai più piccoli ai più grandi. Idea che si sposa alla perfezione con la filosofia del museo delle culture: cercare di avvicinarsi a tutto il suo pubblico fornendo le chiavi di lettura per comprendere il mondo e le sue tematiche. Non a caso per il suo modo di comunicare è stato paragonato al padre della pop art Andy Warhol.
La mostra non è ufficiale né è stata autorizzata dall’artista, in quanto estremamente contrario ad ogni forma d’arte capitalista. Non è insolito trovare l’arte di Banksy in giro per gallerie o fiere, ma è la prima volta che un museo pubblico ne ospita una mostra personale.  È quindi un’occasione da non perdere per incontrare e conoscere un artista così rivoluzionario.
 
di Rachele Conti
 
 

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Il rapporto padre figlio. La necessità di crescere e trovare la propria strada. Una passione per il teatro e tanta esperienza personale. Questi sono gli elementi alla base del nuovo spettacolo teatrale di Gioele Dix, che non calcherà la scena solo come attore ma anche come regista.

Non è la prima volta che Gioele Dix sceglie come casa dei suoi lavori il Teatro Franco Parenti di Milano. È infatti qui che tra il 2014 e il 2017 va in scena con il suo altro spettacolo  “ Giovedix Letterari”, che è diventato un appuntamento fisso. Probabilmente è da attribuire proprio a questa sua passione per la letteratura la scelta del testo, che approfondisce il rapporto tra Telemaco e suo padre Ulisse.

Gioele Dix, Telemaco e il diventare adulti

Lo spettacolo, già andato in scena nella stagione 2016/2017, riprende e attualizza un progetto andato in onda qualche anno fa su Rai 5. Basato sui primi quattro canti dell’Odissea, spesso ignorati, si narra di come Telemaco vada alla ricerca del padre ormai disperso da anni. Mancando proprio le mirabolanti avventure di Ulisse, ancora assente in questa parte, la letteratura ha deciso di dare fama ad altri episodi dell’Opera.

Gioele Dix decide invece di approfondire  le difficoltà in cui può incorrere un figlio privato di un padre, prendendo in mano le redini del proprio destino. È un viaggio quindi anche quello di Telemaco, che decide di confrontarsi con la fama del padre e crescere a sua volta. La forza dello spettacolo va probabilmente ricercata proprio in questo tema. Telemaco e la sua necessità di crescere narrano di un’esperienza umana, condivisibile da chiunque.

Gioele Dix e l’amore per il teatro

Molti probabilmente lo conoscono come il comico di Zelig, ma quello che forse non si sa è che Gioele Dix è molto più di questo. L’approdo allo show avverrà infatti solo nel 1987,  quando aveva già accumulato varie esperienze teatrali. Prima di ciò aveva fondato con alcuni amici e colleghi il Teatro degli Eguali, affiancando questa passione ad altri lavori. Come ha inoltre confessato durante un’intervista, ha anche lavorato come trasportatore di carni, calcando il palco di sera davanti amici e parenti. Proprio i genitori, che lo volevano laureato, non lo hanno però mai ostacolato nel suo percorso, lasciandolo intraprendere il suo viaggio come Telemaco.

La crescita, il cambiamento e la consapevolezza sono quindi la chiave di lettura di tutto lo spettacolo di Gioele Dix, che parte soprattutto dalle sue personali esperienze. Volendo concludere quindi con le parole di Telemaco stesso “…poiché sono adulto e comprendo quanto dicono gli altri, poiché il coraggio cresce nel mio cuore…”.

di Maria Concetta Porricelli

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Prende il via lunedì 19 novembre la seconda edizione della Milano Music Week, e il programma dell’evento prevede numerosi appuntamenti tra concerti, showcase, incontri e momenti di formazione, mostre, presentazioni di nuovi progetti discografici e molto altro. La settimana, che sarà ancora più internazionale rispetto alla scorsa edizione, vedrà alternarsi per la città più di 200 artisti da ogni continente che si esibiranno tra live, dj set, ma saranno anche protagonisti di diversi momenti di incontro.

Per quanto riguarda i musicisti italiani, ricordiamo la Open Night con Elisa, che si esibirà al Teatro del Verme lunedì sera. Il Linecheck Music Meeting and Festival vedrà, tra gli altri, Motta, Premio Tenco 2018, che si esibirà nella performance “Motta & Les Filles des Illighadad” insieme a un gruppo di sole donne tuareg. Eros Ramazzotti sceglie proprio la città meneghina per la presentazione del suo nuovo progetto discografico “Vita ce n’è”. Ancora, il gruppo TheGiornalisti, Ghemon, Boosta (Subsonica), Emma Marrone, Dolcenera.

Milano Music Week, il taglio del nastro con Porsche Italia

L’inaugurazione della Milano Music Week avverrà ufficialmente lunedì 19 alle ore 12.00 in Via Conchetta (angolo Via Troilo), dove Porsche Italia e il collettivo Orticanoodles presenteranno il Macan Music Wall by Porsche Italia. “Music is a neverending journey”. Si tratta di un murales di 400 metri quadri, un regalo da parte di Porsche Italia alla città di Milano e una dedica all’universo della musica, un’opera che racconta generi e strumenti musicali.

Lo spunto per la realizzazione del murales è venuto dalla nuova Macan, un’auto nata per rappresentare la libertà di vivere fino in fondo le proprie emozioni. Nello specifico, il soggetto dell’opera è un cuore da cui partono flussi e tendenze; intorno ad esso orbitano i pianeti rappresentanti i diversi generi e, accanto, le costellazioni-strumenti musicali.

Un appuntamento da non mancare per gli amanti della musica a 360°

Con la Music Week, Milano si conferma ancora il punto di riferimento per il mondo dello spettacolo e della musica, a tutti i livelli. A detta dell’Assessore alla Cultura Filippo Del Corno “Questa seconda (edizione) conferma la volontà di far dialogare i diversi mondi della formazione, della produzione e della distribuzione mettendo in connessione il mondo della musica anche in senso verticale, dal top player alle piccole case discografiche e ai locali indipendenti”.

Impossibile, dunque, non partecipare all’evento che consacra nuovamente Milano come Music City italiana per eccellenza.

di Maria Giulia Gatti

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Antonio Marras e Zanichelli: la collaborazione e il progetto

Mercoledì 7 novembre è stato presentato in un incontro il progetto tra Zanichelli e lo stilista Antonio Marras, in cui Marras stesso, insieme a Gianluca Gorazi e Irene Enriques di Zanichelli, ha raccontato come si è approcciato alla collaborazione per lo Zingarelli.
“La cultura non è mai andata fuori moda. È qualcosa di così connesso con la nostra esistenza che non se ne può fare a meno. È come l’aria. Credo che il mio lavoro implichi un’aderenza alla realtà e quindi alla cultura che ci circonda. Quel che ho provato a fare nel tempo è far dialogare questa disciplina che è la moda con altre discipline: arte, danza, poesia, cinema, teatro, letteratura”. Descrive così Antonio Marras la campagna di collaborazione, che ha avuto grande successo.

Marras e la sensibilizzazione rivolta alla lingua, italiana e straniera

Si tratta di un progetto rivolto alla sensibilizzazione sulla lingua, italiana e straniera, che si esibisce direttamente per le strade in forma di street art e graffiti urbani, in grado di far riflettere sulle nostre capacità di espressione. Inoltre, essendo la cultura multiforme e variegata, questo progetto vuole integrare una “didattica urbana” che trova ispirazione in ogni forma d’arte, e dunque anche sulle passerelle con lo stilista italiano Marras.
Ciò che Marras ha fatto per i dizionari Zingarelli è stato di “sporcare, imbrattare, rendere impuro, porre a contatto superfici, oggetti diversi. Trascorrere lunghe ore…” avendo a disposizione “un foglio bianco, piccoli spazi di pagine già scritte, quaderni usati, vecchie copertine di libri, carta o cartone, cartoline, brandelli di stoffa, in cui tutto chiede di essere riempito.” Il risultato finale del lavoro dello stilista sardo sono 16 opere d’arte originali in cui la materia del vocabolario è stata incorporata a innumerevoli elementi.
Per l’occasione è stato allestito in atelier un vero e proprio percorso museale dove le 16 opere saranno visibili al pubblico fino al 21 novembre. 
Inoltre, otto di questi oggetti artistici saranno protagonisti di una serata a invito al Mudec, presso il ristorante di Bartolini; qui si terrà un’asta di beneficenza organizzata da GQ.
Una delle mille forme d’arte tramutata in disegni e scrittura, perché come afferma Marras: “gli abiti sono parole di un grande vocabolario”.
 
di Caterina Pregnolato

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Van Dyck: il “pittore di corte” in mostra a Torino

“Il mio miglior allievo”: così il grande maestro Peter Paul Rubens definì il compatriota Antoon Van Dyck (1599-1641), uno dei ritrattisti più importanti del Seicento che la città di Torino omaggerà con una splendida mostra che si terrà alla Galleria Sabauda dal 16 novembre 2018 fino al 3 marzo 2019.
Una fantastica raccolta di 100 opere divise in 4 sezioni provenienti dai più importanti musei, accompagnate dai dipinti già presenti nella collezione delle Gallerie Reali. Il tutto volto a manifestare al pubblico il grande talento del pittore fiammingo, cercando di evidenziare la fittissima rete di rapporti di committenza che Van Dyck ebbe con le élite più eminenti dell’Europa del suo tempo. Van Dyck, infatti, dopo essersi inizialmente cimentato con opere di carattere religioso e mitologico, si dedicò quasi esclusivamente alla magnifica arte del ritratto, a cui diede un contributo straordinario e apportò sensibili modifiche non prive di continuatori.

Van Dyck: il maestro fiammingo

La sua pennellata, morbida ed elegante, unita alla sua eloquenza signorile e raffinata gli permisero di realizzare ritratti per personaggi illustri quali Carlo I d’Inghilterra (di cui fu il pittore ufficiale), i reali di Savoia e i ricchissimi nobili genovesi, le cui rappresentazioni  appaiono sempre psicologicamente coerenti anche se celebrative. Il maestro fiammingo, come ogni intellettuale Seicentesco che si rispetti, compì moltissimi viaggi in Italia, rimanendo rapito dalle bellezze naturali e conquistato dalle tele di grandissimi pittori; soprattutto per Tiziano professava un amore e un’ammirazione incondizionata.

Una vita a regola d’arte

“Grande per la Fiandra era la fama di Pietro Paolo Rubens, quando in Anversa nella sua scuola sollevossi un giovinetto portato da così nobile generosità di costumi e da così bello spirito nella pittura che ben diede segno d’illustrarla ed accrescerle splendore”, così lo storico dell’arte Giovan Pietro Bellori descrisse Antoon Van Dyck, un giovane pittore molto promettente, dotato di grande charme, destinato ad un futuro luminoso (come i suoi colori) nelle più sfavillanti corti Seicentesche.  Una vita trascorsa a dipingere dame, re, nobili e cavalieri: un vero “pittore di corte”.
di Alessandra Baio

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Alessandro Preziosi torna a teatro con lo spettacolo Vincent Van Gogh – L’odore assordante del bianco. Dal 15 novembre al 2 dicembre, al Teatro Manzoni di Milano, Alessandro Preziosi vestirà i panni di Vincent Van Gogh.

Alessandro Preziosi, fra arte e follia

È il 1889 e Van Gogh si trova nel manicomio di Saint Paul dopo un attacco di pazzia. Questa è la vicenda biografica che Stefano Massini prende come spunto per scrivere il suo primo spettacolo. Chiuso in una stanza così candida da essere accecante, il pittore vive un periodo di immobilità artistica. Ma come si può vivere in un luogo dove l’unico colore è il bianco? Come si può sopportare la devastante neutralità del vuoto?

Qui la sua follia sembra crescere fino a non fargli più riconoscere ciò che è vero da ciò che non lo è. Il desiderio più grande di Vincent è quello di uscire da quelle mura, e la sua speranza è riposta nella visita del fratello Theo. Nel loro dialogo il pittore racconta il suo disperato tentativo di sfuggire all’assenza di colore a cui è costretto.

Un thriller psicologico sulla creatività artistica

Con un testo dalla scrittura limpida e dalla drammaturgia tagliente e immediata, Massini lancia interessanti spunti di riflessione. Diventa difficile segnare il confine tra verità e finzione, follia e sanità, realtà e sogno. Un magnetico e intenso Alessandro Preziosi restituisce il tormento del protagonista con una potente immediatezza espressiva. Il pubblico resta con il fiato sospeso di fronte a una recitazione sopra le righe.

Impossibile non immedesimarsi nella disperazione di un uomo creativo e geniale che fa riflettere sul ruolo dell’arte. Chiuso nel suo castello bianco, Van Gogh resta in bilico tra il reale e il suo esatto opposto. Un’evoluzione lucida in cui l’artista compie lo straziante sforzo di liberarsi da un bianco che acquista un odore assordante. La visione dell’assurdo si rispecchia nei sensi: il colore si può odorare e ascoltare.

La tensione narrativa della scrittura netta e coinvolgente di Stefano Massini. L’immedesimazione di Alessandro Preziosi in un’angoscia che mantiene sempre il senso della misura. Un Van Gogh soffocato da un bianco anonimo e mortale. Un unico complesso disegno in una pièce teatrale che diventa la metafora fra l’arte e il potere, fra l’artista e la società.

di Giulia Rovai

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