Oltre 400 eventi, miart e le grandi mostre internazionali: Milano si trasforma nel centro europeo dell’arte contemporanea

Dal 13 al 19 aprile, la Milano Art Week torna con la sua decima edizione e mette in scena un sistema culturale diffuso che coinvolge oltre 230 realtà e più di 400 appuntamenti tra mostre, performance e talk

Non è solo una settimana.
È una mappa che si espande.

Il cuore pulsante resta il dialogo con MiArt, la fiera internazionale che connette gallerie, collezionisti e istituzioni, trasformando Milano in un punto di incontro tra mercato e ricerca

Ma è fuori dai padiglioni che succede davvero qualcosa.

Gli eventi che definiscono la settimana

La settimana si apre con un segnale chiaro: l’arte è racconto e riflessione. Al MUDEC viene proiettato il documentario L’arte anarchica di Enrico Baj, un modo per riportare al centro la memoria e il pensiero critico

Nel frattempo, il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea ospita una delle mostre più attese: la monografica europea di Marco Fusinato, un lavoro che unisce suono, arte visiva e tensione fisica, portando il pubblico dentro un’esperienza immersiva

Alla Fondazione Prada, il programma 2026 si intreccia perfettamente con la Art Week grazie a progetti internazionali come quello di Cao Fei, che riflette su tecnologia e trasformazione sociale attraverso installazioni multimediali

E poi c’è lo spazio dove l’arte diventa esperienza fisica: il Pirelli HangarBicocca, che durante la settimana ospita mostre e performance come Tango all’interno del progetto di Benni Bosetto, trasformando lo spazio industriale in un ambiente immersivo e performativo

Una città che si espande

Ma limitarsi alle istituzioni sarebbe riduttivo.

Durante la Art Week, Milano si moltiplica.
Le gallerie di Brera diventano un percorso continuo, gli spazi indipendenti aprono nuove narrazioni, e ogni quartiere si trasforma in un microcosmo creativo.

È qui che si percepisce davvero il senso della settimana:
non esiste un unico centro, ma una costellazione di esperienze.

Tra arte, mercato e nuove visioni

La forza della Milano Art Week sta nell’equilibrio.

Da una parte le grandi istituzioni e i nomi internazionali.
Dall’altra una rete sempre più viva di artisti emergenti, collettivi e spazi sperimentali.

Un sistema che non si limita a esporre arte, ma la produce, la mette in discussione, la rende accessibile.

Ed è proprio questa tensione a renderla uno degli appuntamenti più rilevanti in Europa.

Ci sono settimane che riempiono un calendario.
E poi ci sono quelle che cambiano il modo in cui guardi una città.

La Milano Art Week è una di queste.

Perché non è solo un evento.
È il momento in cui Milano si apre davvero.

L'articolo proviene da Gilt Magazine.

Il 25 febbraio scorso, nel pieno della Fashion Week e di Sanremo, per la prima volta dopo 16 anni, ci siamo fermati. In quel momento avevo bisogno di una pausa. Venivo da un anno molto complesso a livello personale: puoi indossare tutte le maschere che vuoi, ma il mondo interiore racconta sempre un’altra verità. Un episodio in particolare, che mi ha profondamente addolorato, è stato la goccia che ha fatto traboccare il vaso. Era arrivato il momento di fermarsi.

Parallelamente, erano in corso da tempo trattative finanziarie e di vendita. I broker coinvolti mi hanno consigliato che, in vista dell’ingresso di un nuovo investitore o della possibile acquisizione di un ramo societario, fosse opportuno sospendere temporaneamente le attività. Il giorno successivo sono partite le mail di chiusura del progetto, con l’annuncio di una sua futura rivoluzione.

Le telefonate e i messaggi ricevuti in quei giorni sono stati numerosi. In molti si sono affezionati a Gilt, un progetto nato nel 2011 e oggi riconosciuto a livello internazionale, e mi hanno chiesto cosa fosse successo, esprimendo sincero dispiacere per questa pausa.

Come sempre, ho percepito grande eleganza da parte di molti uffici stampa, che hanno risposto con cordialità, sensibilità e affetto, accompagnando le loro parole anche a messaggi personali. Dall’altro lato, però, non sono mancati atteggiamenti di totale indifferenza: alcune persone, pur avendo ricevuto comunicazioni dirette, non hanno mostrato alcun interesse. In particolare, questo è accaduto con un paio di uffici stampa legati al mondo musicale e dello spettacolo milanese. Conoscendo i soggetti e avendo già osservato nel tempo la loro ottusità, non posso dire di esserne rimasto sorpreso.

Abbiamo riflettuto a lungo internamente su tutto questo. Ricevendo grande stima per il lavoro svolto in questi anni, mi è stato chiesto di proseguire. La storia di Gilt, infatti, non è ancora conclusa: ci sono progetti importanti da portare a compimento, e mi è stata rinnovata la fiducia per accompagnare questo ciclo fino alla sua sbocciatura.

Tutto questo non sarebbe stato possibile senza le persone straordinarie che mi hanno accompagnato in questi anni: Clara e Cristina, in primis, poi le due Francesche, Alessia, Beatrice, Angelica, Martina, Carolina e Alice. Ho avuto la fortuna di lavorare con professionisti eccezionali, e porto con me ricordi preziosi.

E quindi, eccoci di nuovo qui. Si riparte. Come disse Enzo Tortora, tornando in studio il 20 febbraio 1987: “Dove eravamo rimasti?”

Il numero di marzo, come sempre, è dedicato all’arte. L’arte è uno spazio sospeso, un linguaggio universale capace di raccontare l’invisibile e di dare forma alle emozioni più profonde.

In copertina troviamo Jimmy Nelson, fotografo di fama internazionale: una figura carismatica, ma al tempo stesso profondamente rispettosa. Mi ha colpito molto il suo modo di relazionarsi, che riflette pienamente la sua visione e il suo approccio umano. Ho avuto il piacere di intervistarlo di persona ed è stato estremamente interessante esplorare il suo percorso e comprendere cosa l’abbia spinto a immortalare, attraverso le sue immagini, popolazioni indigene in tutto il mondo.

Torna anche Miart, appuntamento centrale per l’arte contemporanea, capace ogni anno di trasformare Milano in un crocevia internazionale di visioni, gallerie e collezionisti.

Raccontiamo inoltre Watch and Wonders, il nuovo nome del Salone dell’orologeria di Ginevra, oggi punto di riferimento globale per l’alta orologeria, insieme a molti altri eventi, più o meno direttamente legati al mondo dell’arte.

Come sempre, non mancano le uscite cinematografiche, musicali e teatrali, le novità dal mondo automotive e della tecnologia, le pubblicazioni letterarie e una selezione di ristoranti.

Non mi resta che augurarvi buona lettura.

L'articolo Ripartire, nel nome dell’arte proviene da Gilt Magazine.

L’esposizione

Organizzata nello spazio di Zaha Hadid, abbraccia oltre due decenni e riunisce una selezione di alcune delle opere scultoree e dei film più significativi di Barba, includendo un nuovo film in 35mm e una nuova scultura. L’artista ha dedicato anni a una pratica cinematografica espansa che esplora la luce, la trasparenza e la riflessione, animate attraverso una struttura installativa site-specific che è al tempo stesso un disegno nello spazio e una struttura di supporto, trasformando l’architettura in un dispositivo cinematografico in cui materia e immagine si fondono per dare vita a una dimensione immersiva, superando i confini del cinema stesso.

«Il mio lavoro adotta un approccio concettuale che considera il cinema in un senso architettonico e come uno strumento, in cui l’ambiente, lo schermo e la proiezione possono essere combinati o spinti oltre, per creare un’altra dimensione spazio-temporale che è simultanea e va oltre il contesto dello spazio interno o esterno. L’incertezza e la speculazione esistono all’interno di questo spazio espanso. È una dimensione anarchica che offre una nuova base per pensare e agire, destabilizzando la vecchia gerarchia delle componenti del cinema, liberandole dai loro usi originari e permettendo loro di interagire in modi nuovi e imprevisti» – 

Rosa Barba: On the Anarchic Organization of Cinematic Spaces – Evoking Spaces beyond Cinema, 2018, pubblicato da Hatje Cantz, 2021.

L'articolo Rosa Barba: l’artista e filmmaker che destabilizza il concetto di spazio cinematografico proviene da Gilt Magazine.

Dal 12 giugno al 18 luglio 2025, gli spazi di via Cerva 25 diventano lo scenario di un viaggio visivo ed emotivo che attraversa volti, storie, città e introspezioni.

Un libro di volti, oltre l’immagine

“Oltretutto” nasce come volume da collezione edito da Drago, un’antologia di ritratti fotografici realizzati da Bucchi in giro per il mondo: Roma, Milano, Parigi, Tokyo, Berlino, New York. Ogni scatto immortala una persona reale – tra cui artisti, scrittori, attori, registi e curatori – affiancato da un disegno eseguito dallo stesso soggetto. Un dialogo intimo e potente tra fotografia e gesto, tra sguardo e autorappresentazione.

Un’esposizione che è racconto visivo

L’installazione in Galleria Gaburro mantiene l’anima originaria del progetto editoriale ma la espande in chiave intermediale. Un grande ledwall proietta in loop le immagini del libro, mentre le stampe (in edizione limitata a tre copie) vestono le pareti con formati inediti. Accanto, un nuovo lavoro mai esposto prima svela l’origine del progetto, completando la narrazione visiva con un forte impatto concettuale.

Empatia, introspezione, identità

I volti ritratti – tra cui Enrico Bartolini, Alessandro Borghi, Emma Marrone, Alessandro Michele, Ferzan Ozpetek, Virginia Raffaele e tanti altri – diventano specchi e simboli. In “Oltretutto”, Bucchi invita il pubblico a guardare oltre, ad abbandonare la superficie e lasciarsi toccare da un’umanità condivisa. Come spiega l’artista, «è uno slancio poetico e visivo che rompe i limiti». Per Giorgio e Cecilia Gaburro, è anche un atto di resistenza: «un invito all’autocritica e all’empatia, oggi più che mai necessari».

L'articolo Danilo Bucchi porta l’anima dell’umanità “Oltretutto” alla Galleria Gaburro di Milano proviene da Gilt Magazine.

A cura di Simonetta Castronovo, il progetto porta alla luce 50 capolavori selezionati dalla straordinaria raccolta del Museo Civico d’Arte Antica, una collezione che include 20 codici miniati, 10 incunaboli e circa 80 fogli sciolti e “cuttings”, ossia miniature ritagliate, tutti databili tra il XIII e il XVI secolo.

L’arte minore che parla ai grandi: quando la miniatura diventa racconto visivo

Spesso sottovalutata, la miniatura medievale e rinascimentale è una forma d’arte sofisticata che intreccia sapienza calligrafica, simbologia religiosa e raffinatezza pittorica. In questa mostra, ogni foglio è trattato come un’opera d’arte autonoma: un racconto miniato che si snoda tra le pagine di preghiere, inni e racconti sacri.

Al centro del percorso espositivo troviamo anche riferimenti alla grande scuola fiamminga, con un omaggio a Jan Van Eyck, artista che influenzò profondamente la pittura europea con la sua attenzione per il dettaglio, la luce e la materia — caratteristiche che si ritrovano proprio nella pratica della miniatura.

Un’occasione rara: quando la carta prende vita

La particolarità della mostra sta anche nel suo carattere quasi eccezionale: molti dei pezzi esposti, per via della loro fragilità, vengono raramente mostrati al pubblico. Si tratta quindi di un’occasione unica per ammirare da vicino la perizia artigianale di amanuensi, miniatori e illustratori che operavano secoli fa, rendendo vivi i margini di ogni pagina.

Ospitata nella Corte Medievale di Palazzo Madama, la mostra trova una cornice perfetta che amplifica la suggestione storica delle opere. Un tuffo in un tempo in cui leggere significava anche contemplare, e dove ogni parola era ornamento, ogni immagine, meditazione.

L'articolo Tesori nascosti su pergamena: le meraviglie miniate di Jan Van Eyck in mostra a Palazzo Madama proviene da Gilt Magazine.

Firmato dallo studio AMO/OMA di Rem Koolhaas, il progetto intreccia scienza, storia, arte e politica per svelare come la visualizzazione dei dati abbia plasmato — e continui a plasmare — la nostra percezione del mondo.

Nata dall’esigenza di rendere intellegibili concetti complessi, l’infografica ha radici antiche e nobili: dalle tavole astronomiche per l’élite europea ai diagrammi ecologici di Alexander von Humboldt, fino alle mappe temporali dell’educatrice femminista Emma Willard. La mostra racconta questa evoluzione con un allestimento ricco di reperti e sezioni tematiche che spaziano dalla salute alla guerra, dalla religione all’economia, dalla migrazione alla crisi ambientale.

Nel cuore del percorso espositivo, il diagramma emerge non solo come strumento di sintesi ma anche come mezzo retorico: potente, talvolta ingannevole, capace di legittimare ideologie o creare consenso. E se in passato era riservato agli ambienti colti, oggi è onnipresente: dalla comunicazione scientifica ai social network, tra big data e disinformazione. È proprio questo dualismo — chiarezza vs manipolazione — a innescare una riflessione critica e necessaria sull’uso del linguaggio visivo nell’era digitale.

Con uno sguardo retrospettivo e proiettato al futuro, Diagrams dialoga con la ricerca architettonica di Koolhaas e AMO/OMA, che sin dagli anni ’70 utilizzano la rappresentazione diagrammatica per dare forma a nuove architetture e città. Il progetto si completa con un prezioso volume illustrato firmato da Irma Boom, arricchito da testi di studiosi come Alberto Cairo e Kate Crawford, e un dialogo tra Koolhaas e la curatrice Katya Inozemtseva.

Fino al 24 novembre 2025, questa mostra ci invita a guardare oltre la superficie dei grafici e delle mappe, per comprendere non solo cosa ci dicono, ma soprattutto come lo fanno. Un’esperienza che unisce rigore e immaginazione, mettendo in discussione i confini tra oggettività e narrazione.

L'articolo “Diagrams” in Fondazione Prada: un viaggio tra dati, estetica e potere della rappresentazione proviene da Gilt Magazine.

Una ricorrenza speciale che coincide con un cambio di sede: per la prima volta, l’evento approda negli spazi industriali del Vitali Park, trasformandoli in un hub creativo di 1600 mq.

Il tema di quest’anno, “Love, Now!”, è un potente invito all’azione. Non un amore sdolcinato, ma un sentimento da riscoprire come strumento politico e sociale. I direttori artistici Fabio Guida e Ilaria Reposo puntano il dito contro l’indifferenza del presente, contrapponendo l’urgenza di empatia, accoglienza e passione per ciò che facciamo. “Love” è contatto umano, ascolto, coesione; “Now” è il richiamo a un impegno non più rimandabile.

Un festival che abbraccia il mondo (e il futuro)

Graphic Days si conferma un evento ad alto tasso di internazionalità: 14 mostre, talk, workshop, dj set, laboratori per famiglie e una mostra mercato animano il parco con ospiti da Spagna, Olanda, Finlandia e non solo.

In mostra, il dialogo tra le visioni poetiche di Isidro Ferrer e Pep Carriò, l’approccio performativo e sovversivo dello studio olandese The Rodina, il racconto della cultura quotidiana finlandese con il format Eyes On Finland, e la potenza del motion design firmato Studio Dumbar. E ancora: Neologia, la call che dà voce ai talenti under 30, e We Mix Design and People, lo spazio dove il visual design incontra le tematiche sociali, curato insieme al Politecnico di Torino.

Un parterre di ospiti di rilievo

Tra i protagonisti dei talk e workshop:

• Tina Touli, designer multidisciplinare con clienti come Adobe, HP e The New Yorker;
• Marta Cerdà Alimbau, illustratrice e tipografa riconosciuta a livello mondiale;
• Dia Studio, lo studio newyorkese specializzato in identità visive in movimento;
• LaTigre, realtà italiana d’eccellenza nel branding contemporaneo;
• R2, studio portoghese che fonde arte, design e architettura;
• e tante realtà indipendenti come Due Studio e Mistaker.

Il festival sarà inoltre disseminato in oltre 30 location della città con il calendario “In the City”, una rete di eventi off che racconta la scena torinese del design.

Graphic Days 2025 si conferma non solo una vetrina di eccellenza ma anche un laboratorio di idee, dove il design è linguaggio di relazione, inclusione e cambiamento. Un decennale che guarda al futuro, abbracciando il presente con coraggio e visione

L'articolo Graphic Days 2025: dieci anni di amore per il design (e per la diversità) proviene da Gilt Magazine.

Dal 3 maggio al 27 luglio, Villa Beretta Magnaghi a Marcallo con Casone (MI) si trasforma in Hill Valley per celebrare i 40 anni della trilogia cult Ritorno al Futuro.

Organizzata da Infinity Events in collaborazione con Ritorno al Futuro Italia APS, questa esposizione mondiale porta per la prima volta in Italia l’intera collezione del Back to the Future Museum: oltre 100 memorabilia originali, costumi di scena, documenti inediti e oggetti iconici come l’hoverboard, il Grande Almanacco Sportivo, la bottiglia di Pepsi del futuro e persino il walkman di Marty McFly.

Il percorso espositivo si sviluppa su più di 2.000 mq e include fedelissime repliche dei veicoli apparsi nella trilogia: dalla leggendaria DeLorean Time Machine alla Toyota Hilux SR5 di Marty, fino al pulmino VW T2 dei “terroristi libici”. Oltre all’area museale, il parco della Villa settecentesca ospita ambientazioni da selfie come la Torre dell’Orologio, il cartello “Welcome to Hill Valley” e il famoso banchetto “Save the Clock Tower”.

Un’esperienza immersiva e interattiva che va oltre la semplice nostalgia: durante i weekend, sono previste proiezioni gratuite, set fotografici professionali, una caffetteria a tema anni ’50 (Lou’s Café) e incontri speciali. Il weekend inaugurale ha già ospitato Kevin Pike, leggendario supervisore degli effetti speciali del film, e nuove sorprese sono previste durante tutto il periodo della mostra.

Parte del ricavato sarà devoluto alla ricerca sul Parkinson, sostenendo la fondazione Team Fox di Michael J. Fox. Un motivo in più per partecipare.

I biglietti sono disponibili su Fever, con formule famiglia, VIP (con foto ricordo sulla DeLorean) e audioguida digitale gratuita in italiano e inglese

L'articolo “Back in Time – The Exhibition”: la mostra mondiale su “Ritorno al Futuro” arriva vicino Milano per il 40° anniversario proviene da Gilt Magazine.

Cosa significa oggi “design”? A venticinque anni dall’apertura di Superstudio Più in Via Tortona, cuore pulsante della Milano Design Week, la risposta prende forma attraverso una parola luminosa e potente: Happiness. È questo il tema-guida della nuova edizione del Superdesign Show 2025, che trasforma ancora una volta lo storico spazio in un caleidoscopio di installazioni immersive, oggetti sorprendenti e riflessioni profonde sul presente e sul domani del progetto.

Lontano dall’essere solo una fiera per addetti ai lavori, oggi il design è una festa collettiva che unisce addetti ai lavori, curiosi, studenti, famiglie. E proprio la felicità—piccola, concreta, necessaria—diventa la chiave di lettura di un mondo in continua trasformazione.

Un manifesto giallo sole

Il concept visivo dell’edizione nasce da un’idea dell’art director Giulio Cappellini, che affida al grafico Daniele Cima la creazione di un lettering unico per la parola HAPPINESS: ogni lettera diventa una micro-opera d’arte, una celebrazione del potere del design di cambiare l’umore, l’ambiente, la vita.

Tra i protagonisti della mostra, il meglio del Made in Italy torna a raccontare 25 anni di bellezza, innovazione e artigianalità nell’esposizione Unforgettable – 25 Years of Design at Superstudio, con brand iconici come Poltrona Frau, Moroso, Boffi, Zanotta, Cassina, Cappellini, Technogym, solo per citarne alcuni.

Felicità che viene da lontano

Da tre continenti e dieci nazioni arrivano oltre 70 designer, portando con sé visioni inedite. Dalla Thailandia al Giappone, dalla Cina a Hong Kong, i progetti esposti raccontano una fusione poetica tra tradizione e sperimentazione, con materiali sostenibili e nuove forme di artigianato. Tra questi spiccano: Urban Reflection della HKIDA e Slow Hand Design Thailand 2025 del DITP, dove ogni oggetto è una carezza estetica alla nostra vita quotidiana.

La felicità si sperimenta

Due padiglioni indipendenti offrono esperienze futuristiche: Lexus, con la sua installazione “A-Un”, fonde battito cardiaco e natura in un ambiente immersivo che ridefinisce il rapporto uomo-macchina. Geberit, invece, ci guida attraverso un viaggio acquatico multisensoriale dove il design incontra il benessere quotidiano.

Da non perdere anche i “happy objects”, prodotti capaci di farci sorridere e riflettere: dalla Glider Chair ispirata all’aerodinamica, alla panchina Amore Ocean realizzata in plastica oceanica riciclata, fino a Elizabeth di United Pets, una ciotola per animali che gioca ironicamente con il collare elisabettiano.

Dove arte e design si abbracciano

Il legame storico tra Superstudio e l’arte si rinnova con l’apertura del FLA FlavioLucchiniArt Museum e mostre come Voluptas di HUB161 e Facades di Mao Sagao. La contaminazione tra mondi continua nei talk e negli incontri con artisti come Carla Tolomeo, Davide Dall’Osso, Mattia Biagi, offrendo nuove prospettive su come trasformare lo scarto in scultura, il tessuto in emozione, la motocicletta in arte.

Un compleanno da celebrare (con gioia)

Superstudio Più compie 25 anni e lo fa ringraziando tutti i protagonisti che hanno contribuito a renderlo uno degli epicentri mondiali del design contemporaneo. E oggi, più che mai, rilancia il proprio ruolo come laboratorio di visioni, con uno sguardo sempre rivolto al futuro. Perché, in fondo, la vera innovazione è rendere la bellezza accessibile a tutti.

Appuntamento dal 7 al 13 aprile 2025 in Via Tortona 27. E che sia un design felice, per tutti.

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Dal 4 al 6 aprile (con anteprima VIP il 3), negli spazi di Allianz MiCo, va in scena la ventinovesima edizione di miart, la fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea organizzata da Fiera Milano. Con 179 gallerie da 31 Paesi e cinque continenti, miart riafferma la sua centralità nel panorama europeo e si conferma come crocevia privilegiato di dialoghi tra passato, presente e futuro dell’arte.

Sotto la direzione artistica di Nicola Ricciardi, l’edizione 2025 ruota attorno al tema “among friends”, un invito a consolidare le relazioni tra artisti, galleristi, curatori e pubblico. Un titolo che non è solo una dichiarazione d’intenti, ma anche un riflesso della rete di alleanze culturali che la fiera ha saputo costruire negli anni.

Un atlante globale dell’arte

Tra ritorni attesi e nuovi debutti, miart 2025 porta in città gallerie di primo piano come Sadie Coles HQ, Ben Brown Fine Arts, MASSIMODECARLO, Victoria Miro ed Esther Schipper. La sezione Established si arricchisce quest’anno anche di partecipazioni illustri come The Breeder da Atene e Meyer Riegger da Berlino. Accanto a loro, un’ossatura forte di gallerie italiane come Galleria Continua, Lia Rumma, Gió Marconi e Francesca Minini che confermano Milano come hub internazionale.

A cavallo tra le epoche, torna anche Timescape, il percorso tematico dedicato ai dialoghi tra maestri del Novecento e voci contemporanee. Un esempio? Le delicate tessiture di Herta Ottolenghi Wedekind in dialogo con le opere su carta di Martín Soto Climent nello stand di Galleria Gomiero.

Sguardi nuovi: la sezione Emergent

Spazio all’energia delle nuove generazioni con la sezione Emergent, curata da Attilia Fattori Franchini. Venticinque gallerie da tutto il mondo – dal Canada all’Australia, passando per Messico, Regno Unito e Italia – portano proposte fresche e sperimentali. Milano non resta a guardare: tra le realtà più promettenti ci sono ArtNoble, MATTA, zaza’ ed eastcontemporary. E il passaggio di tre ex partecipanti di Emergent nella sezione Established dimostra che questa vetrina è molto più di un trampolino.

Portal: dove l’arte sfida ogni confine

Portal, curata da Alessio Antoniolli, è la sezione che più di tutte rompe le barriere. Dieci progetti monografici che sfidano gerarchie e categorie, esplorando geografie ibride, mitologie indigene e linguaggi transdisciplinari. Tra gli highlight: il collettivo ghanese blaxTARlines, lo scultore camerunense Victor Fotso Nyie e l’enigmatica Lucy Otter da Galleria Franco Noero.

Non solo fiera: premi, commissioni e collaborazioni

Come ogni anno, miart è anche una macchina culturale fatta di premi, acquisizioni e collaborazioni d’alto profilo. Dalla SZ Sugar miart commission (dedicata a un’opera ispirata a una composizione inedita di Ennio Morricone) ai riconoscimenti più consolidati come il Premio Herno e il Premio LCA per Emergent, la fiera si conferma terreno fertile per nuovi talenti e progettualità ibride.

Grande attenzione anche per la fotografia, con il Premio Orbital Cultura – Nexi Group, e per la produzione artistica, grazie al Premio Matteo Visconti di Modrone, che permetterà a un artista selezionato di realizzare un’opera alla storica Fonderia Artistica Battaglia.

Focus Rauschenberg: un gigante per il centenario

Il centenario di Robert Rauschenberg è uno dei fil rouge dell’edizione. Grazie alla collaborazione con la Robert Rauschenberg Foundation e Intesa Sanpaolo – main partner della fiera – una selezione di opere dell’artista americano sarà visibile tra l’area lounge della banca e il caveau delle Gallerie d’Italia.

Moda, istituzioni e visioni future

Miart è sempre più una piattaforma culturale trasversale. Anche nel 2025 non mancano le sinergie: dalla collaborazione con MSGM, che commissiona ogni anno un’opera site-specific per l’ingresso della fiera, all’impegno di Maison Ruinart con il progetto “Conversations with Nature”.

Tra le novità, spicca la presenza del Ministero della Cultura con la Direzione Generale Creatività Contemporanea, a testimonianza di un’attenzione crescente da parte delle istituzioni per i linguaggi dell’arte attuale.

Milano, capitale di relazioni e visioni

In un mondo che cambia in fretta, Miart 2025 lancia un messaggio chiaro: l’arte è, prima di tutto, relazione. E Milano, con la sua capacità di essere al centro del mondo senza perdere la propria identità, si conferma il palcoscenico ideale per questo scambio globale. Among friends, tra amici sì, ma con una visione ben precisa: costruire futuro, insieme.

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