Alla vigilia della Milan Design Week 2026, un brunch esclusivo diventa il palcoscenico perfetto per svelare una nuova icona del design domestico: una caffettiera che trasforma un gesto quotidiano in esperienza estetica.
C’è qualcosa di profondamente contemporaneo nel modo in cui Alessi sceglie di raccontare il lancio della sua nuova caffettiera espresso, Vite. Non una semplice presentazione, ma un rituale conviviale: un brunch domenicale in cui il designer anglo-canadese Philippe Malouin accoglie personalmente gli ospiti, trasformando il momento della colazione in un’esperienza immersiva. Un debutto che anticipa la Milan Design Week 2026 e che incarna perfettamente la filosofia del brand: rendere straordinario l’ordinario, attraverso oggetti che uniscono funzione e visione.

Il design che nasce dagli scarti

Alla base di Vite c’è un processo creativo radicale e affascinante. Philippe Malouin, noto per il suo approccio definito “brutalismo raffinato”, lavora partendo da materiali di recupero, assemblando frammenti metallici in un linguaggio essenziale e potente. Il progetto prende forma nei depositi di scarti dell’Ossola, dove il designer seleziona forme primarie trasformandole in un oggetto iconico.

È un design che racconta una storia: quella della materia che rinasce, del gesto creativo che trasforma il residuo in lusso contemporaneo. Un approccio che dialoga perfettamente con la sensibilità attuale, dove sostenibilità ed estetica non sono più separabili.

Una forma che diventa funzione

Il cuore progettuale di Vite è già nel suo nome. La caldaia riprende infatti la forma di una vite, rendendo il movimento di torsione non solo necessario, ma intuitivo e quasi naturale.

Realizzata in pressofusione di alluminio, la caffettiera esprime un equilibrio perfetto tra solidità industriale e raffinatezza delle proporzioni. Ogni dettaglio è studiato per essere percepito: dal peso al gesto, fino alla percezione visiva di un oggetto che sembra scolpito più che progettato.

Colore, identità, desiderio

Se il corpo principale richiama l’estetica industriale, sono i dettagli a definire l’anima di Vite. Manico, pomolo e parte superiore si accendono di colore, frutto di una ricerca sviluppata direttamente nell’officina Alessi, in dialogo continuo con l’ambiente produttivo.

Tre le varianti principali – verde, marrone e grigio – a cui si aggiunge una versione esclusiva con corpo in alluminio e manico verde scuro, disponibile solo online e nei flagship store. Una scelta che non è solo cromatica, ma identitaria: ogni versione racconta un mood, un contesto, uno stile di vita.

Con Vite, Alessi non presenta semplicemente una nuova caffettiera, ma ridefinisce il rituale del caffè come esperienza estetica e culturale. Un oggetto che vive tra cucina e galleria, tra gesto quotidiano e dichiarazione di stile. Perché oggi, più che mai, il vero lusso è trasformare ogni momento in qualcosa di memorabile.

L'articolo Alessi reinventa il rito del caffè: “Vite” di Philippe Malouin tra design industriale e poesia quotidiana proviene da Gilt Magazine.

Tra i protagonisti più rilevanti del design contemporaneo, Philippe Malouin è un designer canadese con base a Londra, noto per un approccio che unisce sperimentazione materica, rigore industriale e una forte componente intuitiva.

Dopo gli studi all’Università di Montreal, alla Design Academy Eindhoven e successivamente al Royal College of Art di Londra, Malouin ha costruito una carriera internazionale collaborando con aziende come Flos, Hem, Resident e SCP, affermandosi come una delle voci più autorevoli della sua generazione.

Il suo lavoro si distingue per una capacità rara: trasformare processi produttivi complessi in oggetti apparentemente semplici, essenziali, ma sempre carichi di tensione progettuale. Un equilibrio tra brutalismo e raffinatezza che è diventato la sua firma.

Dall’intervista emerge chiaramente un aspetto fondamentale del suo approccio: il design non nasce dal disegno, ma dalla materia. Malouin parte infatti quasi sempre da un processo manuale — tagliare, assemblare, costruire — lasciando spazio anche all’errore e all’imprevisto come parte integrante del progetto.

Allo stesso tempo, si percepisce un’evoluzione importante nel suo percorso: se agli inizi il design era anche un modo per affermarsi e “farsi notare”, oggi la sua ricerca si orienta verso oggetti più silenziosi, pensati per durare nel tempo e per entrare con discrezione nella vita quotidiana delle persone.

Una visione che riflette una maturità progettuale sempre più consapevole, dove la forma non è mai solo espressione, ma conseguenza di un processo intelligente e responsabile.

Partiamo dall’inizio: come nasce la tua passione per il design? E cosa ti ha portato a studiare alla Design Academy di Eindhoven e poi all’ENSCI di Parigi?

In breve: tra liceo e università in Canada non avevo idea di cosa volessi fare. Così, da franco-canadese, ho iniziato a viaggiare in Europa. È lì che ho scoperto che esisteva davvero la possibilità di diventare designer di mobili.

Bisogna capire che, se vieni dal Canada negli anni ’90, è difficile anche solo immaginarlo: non c’era un’industria, non c’era un vero mercato.

Viaggiando per alcuni anni in Europa ho incontrato fotografi, architetti, designer… ed è stato naturale appassionarmi sempre di più. Tornato in Canada, mi sono iscritto al corso di Industrial Design all’Università di Montreal. Sapevo che con il massimo dei voti si poteva ottenere una borsa per studiare all’estero: così sono arrivato all’ENSCI di Parigi.

Dopo quell’esperienza sarei dovuto tornare in Canada, ma ormai ero troppo “contaminato” dall’Europa. Sapevo che lì non avrei potuto lavorare nel settore che desideravo. Così ho fatto di tutto per restare e alla fine sono riuscito a entrare alla Design Academy di Eindhoven. È lì che è davvero iniziata la mia carriera.

Questa passione nasce già da bambino?

Assolutamente sì. Sono cresciuto in un luogo molto isolato, lontano dai miei compagni di scuola. Dovevo inventarmi da solo il modo di passare il tempo. Avevamo un grande laboratorio in casa, pieno di attrezzi, e io costruivo i miei giocattoli, facevo arte, creavo oggetti. C’era anche un uomo che lavorava con noi, Lindor: era anziano, fumava sempre, ma mi ha insegnato a tagliare il legno, assemblare, costruire. Io ho sempre fatto oggetti. È qualcosa che mi appartiene da sempre.

Sono passati circa 18 anni dall’inizio della tua carriera. Come è cambiato il design e come è cambiata la tua visione?

È una domanda molto interessante, perché il mio approccio è cambiato molto. Quando sei giovane vuoi farti notare, vuoi fare dichiarazioni forti. Con il tempo, invece, desideri creare oggetti più semplici, meglio progettati, destinati a durare.

Oggi mi interessa realizzare oggetti che siano potenti ma silenziosi. Prima il mio lavoro era più “rumoroso”, ora voglio che l’oggetto comunichi in modo discreto ma intenso.

Mi interessa più come le cose vengono prodotte che come appaiono. Credo che il lavoro del designer industriale sia utilizzare le risorse in modo intelligente e trasformarle in un prodotto significativo, non solo in una forma o in un messaggio.

Sei considerato uno dei designer più influenti della tua generazione. C’è una collaborazione di cui sei particolarmente orgoglioso? E con chi ti piacerebbe lavorare in futuro?

Devo dire Flos.

Da bambino avevamo in casa una lampada Snoopy di Flos: mia madre l’aveva portata dall’Italia negli anni ’80. Era sempre lì, intoccabile, perché preziosa.

Ho sempre sognato di lavorare con loro. Poi, quattro anni fa, mi hanno contattato. Per me è stato incredibile: vengo dal Canada, da “nessun posto”, e mi sono ritrovato a vivere questa realtà europea.

Non ho mai cercato le collaborazioni: in questo settore devi aspettare che siano gli altri a chiamarti. E quando è successo con Flos, è stato qualcosa di speciale.

Per il futuro, non voglio fare nomi, ma mi piacerebbe collaborare con un grande brand europeo, tra Germania e Svizzera.

Detto questo, più che il brand, mi interessa arrivare nelle case delle persone reali. È lì che voglio che i miei oggetti vivano.

Come prendono forma le tue idee? Qual è il tuo processo creativo?

Inizio sempre lavorando a mano. Realizzo oggetti fisici e solo dopo li rifinisco al computer. Molti fanno il contrario: schizzo, digitale, poi prototipo. Io parto dalla materia. Un esempio perfetto è la moka “VITE” per Alessi.

Ho un metodo che chiamo “copy-paste making”: prendo oggetti, li taglio, li saldo, li riassemblo. È un processo molto intuitivo, quasi casuale. Molti miei progetti nascono così, per “incidenti”. Anche VITE è nata in questo modo.

Quando Alessi mi ha chiesto di disegnare una moka, ho accettato subito. Ma la domanda era: cosa puoi davvero aggiungere? Non puoi fare una moka migliore di quella di Richard Sapper. È impossibile.

Quindi puoi solo fare la tua versione. E la mia nasce proprio da questo approccio sperimentale.

Com’è nata la collaborazione con Alessi?

È una storia curiosa.

Uno dei miei studenti all’ECAL aveva contattato Alessi per un progetto, ma non è andato in porto. A un certo punto gli hanno detto: “Chiedi al tuo professore di scriverci”. Pensavo fossero arrabbiati con me… invece volevano propormi di lavorare con loro. Ovviamente ho accettato subito.

La moka “Vita” è un perfetto esempio di “form follows function”. Sei d’accordo?

Sì, anche se con una sfumatura ironica. Come dicevo, il progetto nasce da un processo molto libero, quasi casuale. Ma poi entra in gioco la funzione.

Molte persone fuori da Italia, Francia, Portogallo o Germania non sanno usare una moka. Un canadese o un americano medio non capisce come funzioni.

Così ho deciso di rendere il meccanismo il più evidente possibile: la base è una grande vite, chiaramente leggibile. La sviti e capisci subito come funziona.

Detto questo, la vite è volutamente esagerata: è anche decorativa, quasi una caricatura del principio “la forma segue la funzione”.

Ma sì, in questo caso la forma segue decisamente la funzione.

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Nel suo continuo dialogo tra forma e funzione, Alessi presenta tre nuove lampade da tavolo che coniugano tecnologia d’avanguardia e design d’autore. Tre personalità differenti, tre modi di vivere la luce: dalla raffinatezza scultorea di Halesia di Michael Anastassiades, alla robusta essenzialità di Bedin di Alessandro Stabile, fino alla versatilità giocosa di Tsumiki dello studio giapponese Medum. Proposte che confermano la capacità di Alessi di trasformare anche l’illuminazione in un gesto poetico quotidiano.

Halesia, tra riflessi d’acciaio e gesti intuitivi

Pensata per creare un’atmosfera intima e accogliente, Halesia è la nuova lampada firmata da Michael Anastassiades in collaborazione con il suo omonimo brand. Composta da due campane in acciaio ispirate alla botanica, Halesia cela la sorgente luminosa al suo interno, diffondendo una luce morbida che riflette il contesto in cui si inserisce. L’accensione e la regolazione dell’intensità avvengono con una semplice rotazione della parte superiore, rendendo l’interazione con l’oggetto naturale, quasi sensoriale. Elegante, ricaricabile e realizzata interamente nella sede di Alessi a Omegna, Halesia è un piccolo capolavoro di design e funzionalità.

Bedin, essenziale e futuristica

Con Bedin, Alessandro Stabile reinventa la lampada da tavolo in chiave contemporanea. Qui la base diventa protagonista, massiccia e visivamente presente, mentre la testa ospita una corona di LED regolabili in intensità e temperatura. La struttura, realizzata in alluminio anodizzato, è disponibile in tre finiture (grigio, marrone e giallo fluorescente) capaci di adattarsi a spazi domestici e professionali. Il controllo touch a pressione e rotazione ne semplifica l’utilizzo, in una perfetta sintesi tra tecnologia e immediatezza. Il nome Bedin, ispirato a una galassia nana, riflette l’idea di una luce cosmica, piccola ma intensa, che illumina con discrezione.

Tsumiki, creatività modulare dal Giappone

Tsumiki, progettata dal collettivo Medum, è una lampada modulare e portatile che invita al gioco e alla sperimentazione. I suoi tre componenti si connettono tramite magneti, permettendo all’utente di regolare liberamente altezza, inclinazione e direzione della luce. Un oggetto dinamico, da spostare, comporre e ricomporre a seconda delle esigenze. I colori disponibili (nero, bianco, blu e red orange) enfatizzano il carattere ludico di una lampada che, come suggerisce il suo nome (“Tsumiki” è il termine giapponese per “blocchi da costruzione”), si presta a infinite interpretazioni.

Una visione del design sempre più sostenibile

Oltre all’estetica e all’innovazione tecnica, queste nuove proposte confermano l’impegno di Alessi verso una produzione responsabile. Società Benefit dal 2020 e certificata B Corporation, l’azienda continua a promuovere una visione del design come servizio al benessere collettivo, trasformando oggetti di uso quotidiano in strumenti di bellezza, funzionalità e consapevolezza.

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Il design che diventa poesia di ogni giorno

La campagna esplora il legame profondo tra gli oggetti e la vita di tutti i giorni. Un pranzo in famiglia, una colazione solitaria o un pomeriggio con gli amici diventano esperienze uniche grazie a dettagli curati e alla bellezza degli elementi che ci circondano. Ogni ambiente domestico diventa così il palcoscenico di storie autentiche, capaci di trasmettere emozioni e rafforzare le connessioni umane.

Due capitoli per raccontare il design nella vita di tutti i giorni

La campagna si articola in due filoni tematici:

• Hosting & Culinary (febbraio-aprile): un viaggio attraverso i momenti conviviali legati alla tavola e alla cucina, dove le creazioni Alessi si integrano perfettamente nella vita quotidiana.
• Coffee & Tea (maggio-luglio): un’esplorazione dell’intimità dei rituali legati al caffè e al tè, in cui ogni tazza diventa un’occasione per connettersi con sé stessi e con gli altri.

Oggetti che raccontano storie

La selezione di prodotti protagonisti della campagna include sia le icone senza tempo del brand che le più recenti novità. Ogni creazione Alessi non è solo un oggetto di design, ma un elemento che arricchisce l’esperienza quotidiana, trasformando anche il gesto più semplice in un piccolo momento di poesia.

Con Alessi Moments. Everyday Poetry, il marchio conferma ancora una volta la sua capacità di fondere funzionalità ed estetica, trasformando la quotidianità in un’esperienza straordinaria.

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Siamo stati tutti bambini e, come piccoli Frankenstein, sovente ci siamo inventati nuovi modi per dare vita agli oggetti; le forchette diventano signore borghesi con i capelli lisci, e i coltelli, i loro fedeli amanti, dialogano amabilmente con il cavatappi, re di tutte le tavole, che sancisce l’inizio di un pranzo importante. Sono trent’anni che Alessi personifica le nostre fantasie e le rende funzionali. Arbesser ha rivisitato Anna G., il primo cavatappi antropomorfo in onore a Anna Gili by Mendini, a cui poi fu dedicato proprio Alessandro M. 

Parade

Abbiamo tre importanti esponenti provenienti dal mondo della moda, della grafica e della pittura che hanno collaborato alla creazione di questo pezzo di design: Arthur Arbesser, Studio Temp e Fulvia Mendini. La nuova decorazione per Anna G. e Alessandro M. riflette lo stile di Arbesser, che combina influenze dell’arte e dell’architettura della sua città natale, Vienna. 

Nella sua personale interpretazione degli abiti dei due famosi cavatappi, Arbesser utilizza la zama cromata e resina termoplastica, in un tripudio di linee pulite, a quadri, a righe e a pois; ci sono varie combinazioni di colori tipiche delle sue collezioni: verde con il nero, rosa con blu e rosso, che donano alla coppia un nuovo vestiario variopinto.

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Tra le proposte firmate Alessi spiccano le riedizioni delle iconiche figure di Anna G. e Alessandro M., reinterpretate con il contributo di tre talenti: il designer di moda Arthur Arbesser, lo studio grafico Studio Temp e l’artista Fulvia Mendini. Queste rivisitazioni mescolano arte, funzionalità e un pizzico di ironia, tipico del marchio Alessi.

Altre novità includono la collezione di lampade Tsumiki, frutto della creatività dello studio giapponese Medum, che unisce semplicità e forme giocose. Il design minimalista continua con il tostapane Toru e lo spremiagrumi firmati da Nendo, che combinano eleganza e praticità.

Infine, in vista delle festività, Alessi propone i Gift Sets e la collezione natalizia Delight di Nika Zupanc, perfetti per regali di design sofisticati e dal gusto contemporaneo.

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L’installazione pensata per la Milano Design Week 2024

Myth Makes Belief è il titolo dell’installazione immersiva realizzata dallo studio creativo con sede a Los Angeles PlayLab Inc., con lo scopo di narrare le origini di una tra le maggiori aziende italiane operanti nel settore del design. Gli elementi che rendono unica l’esperienza, visitabile dal 16 al 21 aprile a Palazzo Borromeo d’Adda, sono tre: il lago, un drago ancora racchiuso nel proprio guscio d’uovo, e le maschere (l’invito di Alessi è proprio quello di prendere la propria maschera per diventare veri e propri protagonisti dell’esibizione). Il tutto a richiamare, attraverso una narrazione fantastica, la storia e le radici di Alessi, la cui sede si trova proprio ad Omegna, poco più a nord di Orta San Giulio.

In mostra i progetti di Anastassiades e Nendo 

Nel corso dell’installazione vengono svelati anche i nuovi progetti realizzati da Michael Anastassiades e Nendo. All’eleganza della nuova caffettiera ideata dall’artista cipriota, completamente ispirata alla tipica forma dei megaliti Neolitici, si contrappone la giocosità di Toru (che in giapponese significa attraverso). Il bollitore elettrico in acciaio e resina termoplastica dello studio Nendo è infatti composto da un manico che, attraversando il corpo del recipiente, fuoriesce trasformandosi nel beccuccio, a ricordare un tubo d’acqua. 

Gli immancabili set di Naoto Fukasawa

Ispirato all’estetica giapponese è invece il set da tavola Itsumo by Naoto Fukasawa, in collaborazione con l’artista pluricentenario Samiro Yunoki. Infine, il set di cristalli Eugenia (omaggio all’azienda vinicola di Alberto Alessi), completo di caraffa e decanter, è caratterizzato da una linea ad angoli ottusi.

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Un valore condiviso 

Queste due grandi realtà condividono il valore dell’inclusività, che viene comunicata, promossa e consolidata in tutte le sue forme nonché sfaccettature: diversità, equità, inclusione e appartenenza.

Ci si interroga sul reale significato di inclusione partendo dalla riflessione di Robert Venturi, il padre del Postmodernismo, sulla ricchezza dei significati e sulla ricerca profonda che predilige un significato intenso di inclusione intesa come difficile unità, piuttosto che come semplice contrario di esclusione. 

Questa partnership sovrappone al design tutta la forza di significato della parola per amplificare la comunicazione sprigionata dall’oggetto; a ciò si sovrappone il significato sociale, con lo scopo di diffondere un pensiero inclusivo che si riferisce all’umanità in toto.

Il “girotondo” e i prodotti in vendita

Se l’inclusione è un atto di condivisione e di partecipazione, questo termine rientra perfettamente nell’ideale di “Girotondo”, la collezione disegnata anni fa per Alessi. In questo senso, la parola volteggia, si amplia e si arricchisce di significato; si cerca e si insegue di continuo con tante altre. 

I prodotti rappresentano tutti il tema dell’inclusione con l’obiettivo di promuoverne il significato e la pratica costante, nonché l’impegno condiviso.In vendita sul sito ufficiale di Alessi, tutti i pezzi della linea possono essere personalizzati con un piccolo sovrapprezzo.

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Ars Metallica (Arte del Metallo) comprende quattro progetti e collaborazioni che saranno esposti all’interno del duecentesco Palazzo Borromeo d’Adda di Milano durante il Salone del Mobile 2023 dal 18 fino al 23 aprile. 

I quattro progetti evidenziano la capacità di Alessi di utilizzare la lavorazione tradizionale dei metalli per creare pezzi moderni e innovativi. Rispettivamente sarà possibile osservare: 

La Poêle Collection, di Philippe Starck, basata sul metodo di produzione delle padelle.

Conversational Objects, una collezione di oggetti per la tavola ideata da Virgil Abloh realizzati in acciaio inossidabile con finitura opaca. 

Obget Inutile, un multiplo d’arte inedito disegnato da Salvador Dalí nel 1973, realizzato con un unico foglio di metallo piegato.

Il Tornitore Matto, un nuovo brand guidato da Alberto Alessi e coordinato da Giulio Iacchetti.

Analizziamo nello specifico ogni progetto

La Poêle Chair di Philippe Starck

Il designer francese di fama mondiale Philippe Starck e Alessi condividono una lunga storia di collaborazione in progetti di successo. Ora si sono uniti nuovamente per realizzare un’ambizione a lungo coltivata da Alessi: produrre una collezione di arredi firmata da Philippe Starck. 

Per mantenere sempre una coerenza creativa con Alessi, azienda italiana famosa per la produzione di utensili per la cucina, il primo pezzo della collezione di Starck non poteva che prendere ispirazione da un’umile e utilitaristica padella in acciaio; così nasce la Poêle Chair (“Poêle” dal francese “padella”).

Nata come uno scherzo serio, la Poêle Chair ha la seduta e lo schienale che ricordano molto una padella in acciaio lucido, anche grazie al colore. Le gambe invece richiamano i manici e sono fatti in legno di faggio in tinta bruna. Possiamo dire che incarna con eleganza i tratti più belli dell’intelligenza umana: umorismo e tecnologia.

Conversational Object di Virgil Abloh 

Pareva una collaborazione impossibile su carta: Alessi, marchio di oggetti per la tavola e la cucina a cui si devono creazioni famosissime, e Virgil Abloh, guru dello streetwear e della moda venuto a mancare nel 2021. Ed è proprio dalla loro unione di pensieri e idee che è nato un progetto che ha rivoluzionato la tipologia più tradizionale di oggetti per la tavola: le posate in acciaio. 

Il concept è chiaro: si tratta di un set di posate in stile Brutalist, composto dai quattro elementi di base, una forchetta, un coltello, un cucchiaio e un cucchiaino, con una finitura opaca simile a una chiave inglese, completato da un portaposate e da un candeliere che ricordano entrambi una vite. Le posate Occasional Objects hanno tutte le carte in regola per essere l’inizio di un modo diverso di intendere la tavola, più libera e itinerante, che guarda al futuro.

“Obget inutile” di Salvador Dalì

È stato creato dall’artista Salvador Dalì per l’azienda di Crusinallo nel lontano 1973, ma non è mai stato prodotto. L’opera d’arte di Dalì è composta da un unico foglio di acciaio ripiegato con un grande pettine d’acciaio al centro e ami da pesca per salmoni saldati su ogni dente del pettine, il tutto tenuto insieme da una molletta di legno. 

L’opera ha preso il nome di “Obget Inutile” e non è mai stata prodotta, i suoi schizzi sono custoditi negli archivi Alessi da oltre 50 anni. “Era solo la sua interpretazione surrealista di un’azienda come Alessi che stava giocando con il mondo dell’arte”, spiega Alessi.

Il Tornitore Matto

Questo nuovo progetto mette in mostra il savoir faire unico dell’azienda nella lavorazione del metallo, evidenziando la versatilità del materiale ed offrendo uno sguardo al passato di Alessi. Il progetto si basa sul tornio, il macchinario usato originariamente per fabbricare oggetti in metallo. In particolare, si compone di oggetti per la casa e per la tavola, disegnati da un gruppo multigenerazionaledi creativi internazionali che lavorano in diverse discipline: Michael Anastassiades, Federico Angi, Andrea Branzi, Pierre Charpin, Michele De Lucchi, Naoto Fukasawa, Paolo Ulian, Nika Zupanc e Giulio Iacchetti

Grazie a questi quattro progetti così diversi ma accomunati da un materiale base, Alessi è riuscito a intendere il metallo non come semplice risultato di una serie di trasformazioni, bensì come elemento grezzo che interagisce con il pubblico.

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Patricia Urquiola, guru del design contemporaneo

La nota designer spagnola Patricia Urquiola, CEO di Cassina ormai dal settembre 2015, si riconferma tra i boss del settore alla Milano Design Week 2019. Guru del design contemporaneo e protagonista del Salone del Mobile, le sue ultime collaborazioni e novità sono numerose e sorprendenti anche quest’anno.

Il glorioso background di Patricia Urquiola

Un passo indietro per i più curiosi. Chi è Patricia Urquiola e come è stato scoperto il suo genio? Patricia Urquiola nasce a Oviedo (Spagna) ed è classe 1961. Studia architettura a Madrid per poi trasferirsi a Milano. Qui s’innamora del design al corso di Achille Castiglioni e, nel 1989, si laurea con lode al Politecnico di Milano. Patricia diventa presto assistente del suo maestro, ma la sua creatività non si limita mai al singolo settore del design.
Il suo curriculum è glorioso: vanta collaborazioni con grandi maestri, famosi marchi, e realizza oggetti e progetti apprezzati e celebrati con premi importantissimi. Non solo oggetti, ma anche allestimenti e architettura: showroom per aziende, alberghi, case private e scenografie. Nel 2001 apre il suo studio a Milano. Da questo momento inizia numerose collaborazioni con importanti aziende tra cui Moroso, Molteni&C, Rosenthal, Mutina e Alessi. Dal 2015 è Art Director di Cassina.

Le collaborazioni di Patricia Urquiola alla #MDW2019

Chi se ne intende sa che numerosi pezzi della Urquiola, esposti nei più noti musei del mondo, sono già diventati un classico. Conviene, pertanto, non farsi scappare le sue ultime creazioni! In qualità di protagonista del Salone del Mobile 2019, Patricia Urquiola quest’anno vanta collaborazioni con più di quindici aziende. Fra queste ricordiamo le più importanti: Cassina, ovviamente, Bottega Ghianda, Gandiablasco, Glas Italia, Janus et Cie, Flos e Moroso.
La designer si cimenta nell’ideazione di tavoli, sedie, bagni, divani e lampade in materiali nuovi, sostenibili, più ecologici e funzionali. A tutto questo si aggiunge l’effetto “wow” dell’estetica ricercata e unica dell’artista. Perché, d’altronde, in un campo dominato dalla presenza maschile come è quello del design, il tocco femminile non può che fare la differenza! Ora, vediamo da vicino le creazioni da non perdere.

Cassina secondo Patricia Urquiola

Ogni CEO ha un modo diverso di comunicare i valori della propria azienda. Patricia Urquiola porta con sé la piena consapevolezza del mondo presente e uno sguardo proiettato con vitalità verso il futuro. La designer, infatti, comprende bene l’attuale necessità delle persone di condividere ogni esperienza particolare. Per questo ha trasformato lo showroom di Cassina, in via Durini 16 a Milano, in un paradiso per gli “instagrammer”.
“The Cassina Perspective” è uno spazio le cui pareti sono rivestite in moquette a righe blu e bianche. Sopra di essere sono proiettate opere d’arte digitali, che creano un effetto quasi psichedelico. Lo spazio centrale ospita gli arredi dello storico marchio italiano. Fra questi, le novità: la sedia “Back-Wing”, il mobiletto “Hayama” e il tappeto “Round Mirage”.

Le novità di Cassina: “Back-Wing”, “Hayama” e “Round Mirage”

“Back-Wing” è la nuova sedia di Cassina progettata da Patricia Urquiola. La struttura è di spessore marcato e interamente realizzata in legno massello di frassino. Al contrario, le superfici del rivestimento sono esili, in pelle marrone. Una peculiarità è il tessuto piegato verso il basso sugli angoli, che conferisce all’oggetto maggiore dinamicità, eleganza e un effetto avvolgente.
“Hayama” è un mobile basso, squadrato, dall’aspetto influenzato dall’estetica giapponese. È in legno grigio opaco e presenta un taglio formale: le gambe sono oblique rispetto al corpo centrale, che si divide in due ante a ribalta. All’interno, ripiani in vetro trasparente.
Il tappeto “Round Mirage” appartiene alla collezione “Mirage”, ideata da Patricia Urquiola per Cassina. L’intero progetto esplora la forma del cerchio e le sue infinite possibilità estetiche. Dominano le linee curve, le sovrapposizioni, la geometria. Il tappeto è disponibile in diversi colori sgargianti, per un’estetica quasi futurista.

Patricia Urquiola per Glas Italia

Per Glas Italia, quest’anno Patricia Urquiola ha realizzato i tavoli “L.A. Sunset Extension”, una continuazione della collezione “L.A. Sunset” presentata lo scorso anno. I tavoli bassi e rotondi presentano una struttura tubolare in metallo opaco e sono disponibili in color blu notte e rame. La superficie del piano orizzontale è in vetro laminato specchiato. Questo materiale permette di creare un effetto sorprendente: la luce vi si riflette sopra e conferisce al tavolo un aspetto multicolore, brillante e fluido.
Altra novità è “Bisel”, la collezione di tavoli e consolle realizzati dalla sovrapposizione di cinque lastre di vetro multicolore e ultraleggero. Sono disponibili due tipi di altezze e forme differenti, ma tutte squadrate. Essendo interamente in vetro, ogni pezzo della collezione interagisce meravigliosamente con la luce, cambiando completamente a seconda di come essa si riflette sulle differente superfici.

Patricia Urquiola, Flos e le lampade ispirate alla natura

Ispirandosi alla delicatezza degli elementi della natura, Patricia Urquiola realizza due elegantissime lampade per Flos, una da esterni e una da interni. Disponibile in differenti altezze e configurazioni e ispirata alla struttura di un fiore, “Caule” è una lampada da esterni con uno gambo flessibile e slanciato. La stessa designer la descrive come “un elemento quasi naturale”.
“Flauta” è una lampada a parete, da interni, e possiede un aspetto esile e lineare che ricorda quello di un flauto. Proprio la sua struttura la rende ideale per ambienti piccoli. Il suo corpo circolare è disponibile in tre forme differenti, due textures e quattro finiture, per dare la possibilità al cliente di creare ambientazioni personalizzate.

Patricia Urquiola e il Giappone: nasce il divano “Gogan” per Moroso

Fonte d’ispirazione per la collaborazione tra la designer Patricia Urquiola e l’azienda Moroso è, ancora una volta, il Giappone. La designer si è ispirata a un particolare tipo di pietre giapponesi per la realizzazione del divano “Gogan”. Il suo nome deriva proprio dai sassi che proteggono e abbelliscono le rive dei laghi e dei fiumi giapponesi, levigati dal tempo e dall’acqua.
Proprio come le pietre a cui è ispirato, il divano “Gogan” presenta delle sedute irregolari. Nonostante la forma suggerisca durezza, piuttosto che comfort, la peculiarità di questo divano è proprio l’estrema morbidezza. Essa è accentuata dall’assetto della seduta, leggermente inclinato verso la parte posteriore, che consente così di mantenere lo schienale più basso.
Schienale e seduta sono uniti da contrafforti che donano leggerezza al divano, facendolo sembrare quasi sospeso da terra. I rivestimenti sono in texture bouclé di colore grigio, riconfermando l’estetica ispirata ai sassi di fiume giapponesi. La collezione “Gogan” si completa di una poltrona e dei tavolini di diverse dimensioni. Entrambi si ispirano a forme organiche e si caratterizzano, come il divano, per i contrafforti che donano leggerezza alla struttura.
Si conclude qui il nostro viaggio fra le più importanti, nuovissime creazioni di Patricia Urquiola lanciate durante la Settimana del Design 2019, a Milano. È il momento di intuire quale potrà essere il prossimo “classico” firmato Urquiola e renderlo un “must” per la vostra abitazione!
 
di Chiara Pellini

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