Una celebrazione della memoria e della natura
Con la direzione musicale di Aurora Bauzà e Pere Jou, U. (un canto) si basa su un repertorio di canti composti tra il 1968 e il 2019, opere di autori come Renzo Bertoldo e Bepi De Marzi. Questi brani, che raccontano la relazione tra uomo e natura, il lavoro nei campi, le stagioni e il divino, trasmettono valori profondi come compassione, perdono e accettazione della fragilità della vita. La forza dei testi e delle musiche si accompagna a lunghi silenzi, creando un’esperienza che invita alla riflessione sulla perdita e sulla bellezza della tradizione.

Un coro di voci uniche
Il progetto vede protagonisti cantanti di formazione eterogenea, tra cui Raissa Avilés e Alessandro Bandini, che interpretano i brani avanzando lentamente verso il pubblico. Questo movimento scenico sottolinea il dialogo tra passato e presente, rafforzato dalla drammaturgia musicale che intreccia musiche storiche e sperimentali.

Un’esperienza unica e un incontro speciale
Dopo la prima milanese di venerdì 22 novembre, il pubblico potrà partecipare a un incontro con Sciarroni e i direttori musicali, approfondendo i temi di memoria, tradizione e rapporto tra uomo e natura.

Un percorso internazionale
Dopo Milano, U. (un canto) proseguirà il suo viaggio al Festival d’Automne di Parigi, a Bonn e al Teatro Sociale di Bellinzona, portando questa straordinaria esperienza corale a un pubblico sempre più ampio.

Lasciatevi trasportare dalla magia di una tradizione che continua a vivere, intrecciando passato e presente, per scoprire quanto può essere potente la musica nel raccontare il mistero e la bellezza della vita.

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Ieri, primo giorno della Milano Music Week, è stato presentato il nuovo album di inediti di Mina, Gassa d’amante, alla Triennale di Milano. Lo spirito e la voce dell’artista hanno permeato l’intera serata, dove il pubblico ha avuto modo di ascoltare in anteprima le nuove tracce. Gassa d’amante, che sarà disponibile dal 22 novembre, segna un altro importante capitolo nella carriera della “Tigre di Cremona”, che pur avendo scelto di rimanere lontana dai riflettori, lascia che la sua musica parli per lei.

Un album che mescola stili e suoni

Il nuovo album si distingue per la sua capacità di mescolare stili musicali diversi, pur mantenendo quella straordinaria impronta vocale che da sempre la contraddistingue. Il titolo, Gassa d’amante, rimanda a un gioco di parole che evoca temi di amore e passione, centrali nell’universo musicale di Mina. La cantante, che negli ultimi anni ha rilasciato diversi progetti inaspettati, continua a sorprendere con la sua attitudine sperimentale e la sua capacità di evolversi pur rimanendo fedele a se stessa.

Un evento esclusivo alla Triennale di Milano

L’evento alla Triennale, uno tra i tanti organizzati per la Milano Music Week, ha visto un grande afflusso di appassionati e addetti ai lavori, che hanno potuto immergersi nel mondo musicale di Mina, ascoltando in anteprima le nuove canzoni dell’album. La serata, pur essendo dedicata a un pubblico che ama la tradizione musicale italiana, ha saputo guardare anche al futuro, con brani dal sound innovativo che rispecchiano la continua ricerca artistica della cantante.

Mina: una voce senza tempo

Con Gassa d’amante, Mina dimostra ancora una volta di essere una figura senza tempo, capace di rinnovarsi pur rimanendo una delle voci più rispettate e influenti della scena musicale italiana e internazionale. L’album è destinato a consolidare il suo status di icona musicale, che continua a emozionare e a sorprendere.

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Dal 6 novembre 2024 al 16 marzo 2025, la mostra – curata da Judith Clark e allestita da Fabio Cherstich – rende omaggio alla visione audace di Fiorucci, che ha cambiato il mondo del retail con il primo concept store della storia: uno spazio che, oltre ad abbigliamento e accessori, univa musica, arte e cultura, divenendo un vivace centro per la vita sociale giovanile.

Attraverso un percorso espositivo immersivo, i visitatori scoprono i progetti più rivoluzionari di Fiorucci, con materiali d’archivio, fotografie, abiti, installazioni e polaroid che ricostruiscono l’inconfondibile estetica del brand. L’allestimento segue una linea temporale che, dai primi anni del brand fino alla sua espansione mondiale, racconta il modo in cui Fiorucci ha saputo fondere moda, arte e provocazione. A guidare l’esperienza sono registrazioni inedite della voce di Elio stesso, che – con toni intimi e a tratti ironici – narra momenti cruciali della sua carriera, dialogando con figure chiave del suo entourage.

Questa celebrazione rappresenta un’occasione imperdibile per immergersi nella storia di un visionario che ha dato colore, provocazione e anima a Milano, trasformandola in un magnete internazionale della creatività. La mostra è aperta dal martedì alla domenica, dalle 10:30 alle 20:00.

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Nel 2024, la Triennale di Milano celebra l’eccellenza del design italiano con una mostra straordinaria che non è solo un omaggio alla tradizione, ma un viaggio immersivo tra innovazione, sostenibilità e visione. Questo evento attesissimo presenta al pubblico i capolavori che hanno reso l’Italia un punto di riferimento globale nel design, insieme a opere nuove che anticipano i trend del futuro. In mostra si trovano oggetti, storie, idee e il genio creativo che da sempre definisce il Made in Italy.

All’interno della mostra, il visitatore è invitato a percorrere un viaggio tra le icone che hanno scritto la storia del design italiano e le creazioni più innovative dei talenti emergenti. Oggetti iconici di maestri come Gio Ponti, Achille Castiglioni e Ettore Sottsass si affiancano a progetti avanguardisti che esplorano nuove forme e materiali. Dalle sedute agli arredi, dalle lampade agli accessori, ogni pezzo esposto racconta un capitolo di design italiano, mostrando come si possa unire eleganza funzionale, estetica e sperimentazione.

Il tema della sostenibilità è protagonista assoluto della mostra, con un focus su materiali ecologici, processi di produzione a basso impatto e design circolare. I designer italiani stanno riscrivendo il concetto di ‘bello e funzionale’ per adattarsi alle sfide ambientali del nostro tempo. Tra i progetti esposti troviamo oggetti realizzati con materiali riciclati, arredi modulabili pensati per essere riutilizzati e smontati, e innovazioni tecnologiche che riducono sprechi e consumi. Questa sezione della mostra non è solo un’esposizione di prodotti, ma una visione di un futuro sostenibile in cui il design diventa strumento per migliorare la vita quotidiana e ridurre l’impatto ambientale.

In questa edizione, la Triennale espone alcuni dei pezzi più celebri dei grandi maestri del design italiano, includendo opere storiche di Gio Ponti, Achille Castiglioni, Vico Magistretti e Ettore Sottsass. I visitatori avranno l’occasione di vedere da vicino capolavori come: la sedia Superleggera di Ponti, Il Parentesi di Castiglioni, il sistema di sedute Maralunga di Magistretti e i vasi Carlton di Sottsass. Queste opere, insieme ad altre icone storiche, formano la spina dorsale della mostra, rivelando le radici e l’evoluzione del design italiano.

Un’altra parte importante dell’esposizione è dedicata ai giovani designer che stanno portando una ventata di freschezza e originalità nel panorama del design italiano. La Triennale, infatti, offre uno spazio dedicato ai progetti di talenti emergenti e startup del design, mettendo in luce idee che fondono tecnologia, artigianalità e una visione del design come strumento di cambiamento. Questi giovani creativi presentano oggetti che rispondono alle esigenze della società contemporanea, dal design interattivo alle soluzioni smart per l’arredamento urbano, offrendo una nuova prospettiva su come il design possa adattarsi alle esigenze in continua evoluzione.

L’allestimento della mostra è pensato per offrire un’esperienza immersiva, dove il visitatore può muoversi attraverso ambienti che evocano le atmosfere del design italiano, dai laboratori di progettazione alle case del futuro. Ogni stanza presenta installazioni interattive, proiezioni e tecnologie di realtà aumentata che permettono di esplorare le opere in modo coinvolgente e intuitivo. Grazie a questo approccio, la Triennale di Milano riesce a far vivere il design come un’esperienza totalizzante, in cui passato e futuro dialogano in perfetta armonia.

La mostra non si limita a celebrare l’oggetto in sé, ma esplora il design come linguaggio che dialoga con altri ambiti creativi, come l’arte, l’architettura, la moda e il cinema. In esposizione troviamo progetti interdisciplinari che mescolano materiali e idee in modo inedito, offrendo una visione ampia e sfaccettata di ciò che il design può rappresentare. Questo dialogo tra discipline diverse mostra come il design italiano sia sempre stato capace di evolversi e adattarsi, rimanendo un settore all’avanguardia che guarda al futuro con curiosità e apertura.

Questa edizione della mostra alla Triennale di Milano è anche un tributo al design italiano come patrimonio culturale da preservare e promuovere. Non è solo una questione di oggetti belli e funzionali, ma di una visione che unisce innovazione, qualità e un’attenzione meticolosa al dettaglio. La mostra invita il pubblico a riflettere su come il design sia parte dell’identità italiana, un elemento che ha contribuito a definire lo stile di vita italiano e a renderlo apprezzato in tutto il mondo. Guardando al futuro, l’esposizione offre uno sguardo su come il design possa continuare a evolversi, rimanendo fedele ai suoi valori e alla sua estetica.

La mostra del design italiano alla Triennale di Milano 2024 è molto più di un’esposizione: è un’immersione totale nella creatività, nella tradizione e nel futuro del Made in Italy. Con un percorso che coinvolge e ispira, questo evento celebra non solo il design italiano, ma anche la capacità di adattarsi e innovare per affrontare le sfide del domani. Per chiunque ami il design, la Triennale di Milano 2024 è un appuntamento imperdibile, un viaggio che racchiude il passato, il presente e il futuro del genio italiano.

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La carriera poliedrica di Gaetana Emilia Aulenti

La mostra dedicata a una delle più note figure dell’architettura italiana sarà visitabile alla Triennale fino al 12 gennaio 2025. Si tratta di Gaetana Emilia Aulenti, ovvero colei che poco dopo la sua scomparsa si è vista intitolare (attraverso il proprio pseudonimo, Gae) l’omonima piazza futurista progettata dall’architetto argentino Cesar Pelli e inaugurata nel 2012 a Milano.

Si tratta di un’ampia retrospettiva che passa attraverso la poliedrica dei suoi sessant’anni di carriera: anni in cui è passata abilmente dal disegno a scala urbana all’exhibition design; così come dall’architettura del paesaggio alla progettazione d’interni; dal furniture design alla grafica, fino ad arrivare addirittura alla scenografia teatrale.

Tra le infinite opere – come ad esempio la celeberrima lampada pipistrello o la poltrona a dondolo Sgarsul – da non dimenticare il meraviglioso tema floreale alla base della ristrutturazione del Museo d’Orsay di Parigi, ormai tra i più celebri e frequentati al mondo. 

Il percorso espositivo in Triennale

La mostra alla Triennale di Milano, realizzata in collaborazione con l’Archivio Gae Aulenti (con la cura di Giovanni Agosti, Nina Artioli e Nina Bassoli), sarà formata da un percorso espositivo costituito da ambienti in scala 1:1, grazie ai materiali originali conservati all’interno dell’archivio milanese dell’architetto, tra disegni, fotografie e maquette. Un imperdibile viaggio alla scoperta di una delle donne più rappresentative del design contemporaneo.

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Il progetto espositivo

Questa mostra rappresenta il sesto progetto espositivo realizzato dalla partnership tra la Triennale di Milano e Fondation Cartier pour l’art contemporain. Le due istituzioni si impegnano nella creazione e nell’esposizione al pubblico di opere sempre originali e diverse dalle precedenti, e rendono omaggio alle differenti visioni artistiche nei vari contesti geografici. Durante il percorso si incontrano mondi estetici, metafisici e indigeni che vengono resi concreti e tangibili da opere inedite e talvolta inaspettate.

Questa mostra è una conversazione tra artisti, uno scambio di culture e curiosità. Ogni artista si esprime e interpreta il mondo e la natura a modo suo, ma tutti insieme dialogano su un tema comune: la necessità di pensare e riflettere sul ruolo dell’uomo nell’universo dei viventi. La foresta diventa il luogo in cui si celebra l’incontro tra le culture; l’arte, il mezzo tramite cui le culture possono dialogare, trasformarsi e arricchirsi reciprocamente.

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Arriva a Milano, dal 17 al 23 aprile 2023, l’attesissima settimana dedicata al Fuorisalone, l’annuale appuntamento del capoluogo lombardo, in concomitanza con il Salone del Mobile, con cui si definisce la Design Week, il più importante evento a livello globale relativo al settore del disegno industriale e arredamento. 

Si tratta di un evento che non conta l’organizzazione di alcun ente o organo istituzionale, bensì è nato per iniziativa spontanea a partire dai primi anni ‘80 del secolo scorso, per mano di aziende che operano nel mondo dell’arredamento e del design industriale. Inizialmente l’epicentro degli eventi era circoscritto in zona Tortona, mentre negli ultimi anni, considerato il suo enorme successo e popolarità, si è esteso in moltissime altre aree della città.  

A questo proposito, in occasione dell’evento, anche la Triennale di Milano aprirà le proprie porte, mettendo in mostra al pubblico una serie di mostre ed esposizioni, rinnovando così la sua vocazione di istituzione di riferimento per il design e l’architettura livello internazionale e presentando alcuni dei progetti più interessanti ed innovativi nel campo delle installazioni. 

Da lunedì 17 a domenica 23 aprile, Triennale accoglie inoltre nei suoi spazi le ricerche di importanti istituzioni e aziende internazionali, offrendo un approfondimento su alcuni dei temi centrali del dibattito contemporaneo sul design, come il recupero di materiali e tecniche tradizionali o la rielaborazione delle icone del passato.

Tra queste vi sarà anche l’esposizione Everything is Gonna Be, che rappresenta l’omaggio al grande maestro Gaetano Pesce di Meritalia, che porta al museo nove creazioni del designer, dal divano Michetta alla seduta La Pagnotta, dalla poltroncina Shadow agli imbottiti della collezione Gli Amici.

Pesce sarà anche in Fiera per il talk Capire il futuro (18 aprile, 15:30, Arena Salone Satellite) e alla Galleria Luisa Delle Piane per la mostra È bello continuare, dedicata alle pelli industriali, e per il progetto Gaetana Lamp.

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Il debutto alla Design Week

Per Duson Gallery Seoul è la prima volta alla Design Week milanese. Galleria d’arte e di design fondata nel 1977 proprio a Seoul, si impegna da sempre nella promozione nel mondo dell’artigianato coreano. L’obiettivo del nuovo progetto espositivo è l’unione della tradizione sudcoreana dell’artigianato di madreperla al design contemporaneo. 

La mostra Mother-of-Pearl Tables vanta la collaborazione di sei designer di fama internazionale tra cui Alessandro Mendini, Elena Salmistraro, Marcel Wanders, Marco Zanuso Jr, Stefano Giovannoni e Younghee Cha. La protagonista assoluta della mostra è la madreperla, e i designer la interpretano in modo originale sotto forma di tavolini.

Un focus sulle opere 

Mendini ci presenta “Foglia”, un tavolino inedito che si ispira a un disegno originale del designer. Questo progetto è stato studiato ex ante con la collaborazione di Younghee Cha. L’oggetto presenta un decoro a forma di foglia e viene realizzato con la tecnica dell’intarsio di madreperla, mentre la gamba centrale a forma di stella è in legno laccato bicolore rosa e giallo.

Elena Salmistraro reinterpreta invece la classica forma del cappello tipico coreano, il Gat, per dare vita a un oggetto unico e molto caratteristico, dalla silhouette slanciata e avvolgente. Poi ancora, il tavolino di Marcel Wanders, Fiore Fossile, prende la sua ispirazione direttamente dalla natura, da un ciottolo nero incastonato tra le rocce: una forma semplice, pura, che sprigiona una promessa di speranza, un ricordo d’amore, un sentimento di fiducia e bellezza.

Soban di Marco Zanuso Jr. riprende il tradizionale tavolino-vassoio coreano in legno laccato; Stefano Giovannoni nel suo Cherry tree presenta un pezzo unico dalle forme sinuose in cui la base si stringe verso la sommità per poi aprirsi nel piano d’appoggio. Infine, Younghee Cha è lieto di presentare Ocean, un tavolino con doppia funzionalità, da utilizzare sia singolarmente che in coppia.

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Una straordinaria scoperta 

La mostra è una scoperta bellissima di tutto il mondo e la vita di Sally Gabori. Una storia fatta di pittura e lavori ispirati alle tradizioni del suo popolo. Sally Gabori è una delle più grandi artiste australiane contemporanee; ha iniziato a dipingere nel 2005 creando opere di rara intensità creativa, vivaci, colorate e uniche nel loro genere. I suoi dipinti fungono sia da riferimenti topografici, sia da storie dal profondo significato personale. Sono tutti caratterizzati da un’immaginazione senza pari e una libertà formale impeccabile. Colori, giochi di forme, sovrapposizioni sono i tratti distintivi delle creazioni di Sally Gabori.

La sua tecnica

In nove anni di carriera, Sally è riuscita a dipingere più di 2000 tele utilizzando varie espressioni pittoriche. Inizialmente preferiva dipingere su piccola scala, utilizzando pennelli sottili e colori non troppo diluiti; più tardi, nel 2007, è passata a tele più lunghe e ha iniziato a mappare sulla tela alcuni luoghi a lei molto cari. Verso la fine della sua carriera, ha dipinto tele simili a ritratti, raffiguranti le sue figlie. La mostra è un archivio di 29 spettacolari opere che hanno caratterizzato e reso unica la carriera di Sally Gabori.

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Dal 15 luglio all’11 dicembre 2022

Dal 15 luglio all’11 dicembre 2022 sarà in mostra alla Triennale di Milano “Unknown Unknowns. An Introduction To Mysteries.” Un’esposizione collettiva di più di 350 artisti internazionali che hanno esplorato il concetto dell’ignoto sia da un lato scientifico che umanistico. Una presa di coscienza sullo Sconosciuto che va in cerca di domande e non di risposte.

23esima edizione dell’Esposizione Internazionale

L’Esposizione Internazionale della Triennale di Milano è uno degli eventi dedicati al design e all’architettura più importanti sulla scena internazionale da quasi un secolo. Questa 23esima edizione affronta il tema dell’ignoto, quel mondo sconosciuto che ci circonda e al quale non sappiamo dare un significato. E infatti “Unknown Unknowns” mira a porsi domande, a stupirsi davanti a quello che ci sfugge della realtà piuttosto che cercare delle risposte. Stefano Boeri, Presidente di Triennale Milano, ce lo spiega così:  “Quello che non sappiamo di non sapere non è la constatazione di un limite, ma la percezione di una forma di conoscenza che rispetta l’ignoto, a volte abbracciandolo, a volte attraversandolo, a volte eludendolo. Ma sempre accettandolo come presenza costante della nostra vita”.

La mostra tematica è stata curata da Ersilia Vaudo. Astrofisica italiana che in merito al tema del progetto ha dichiarato: «lo Sconosciuto apre la possibilità di lasciarsi andare allo stupore». La sezione dedicata alle partecipazioni internazionali è stata invece creata con il patrocinio del Bureau International des Expositions. E ad esse si affiancano poi due grandi mostre. Quella ideata dal Direttore Artistico Generale della Fondation Cartier pour l’art contemporain, Hervé Chandès, intitolata “Mondo Reale”. E quella curata da Marco Sammicheli, Direttore del Museo del Design Italiano di Triennale, “La tradizione del nuovo”. Ma immancabili sono poi anche le installazioni e i progetti speciali. Storici dell’arte, musicisti, docenti e architetti arricchiscono infatti il dialogo suggerito da un tema così avvolto nel mistero.

Da un punto di vista infrastrutturale, l’allestimento è stato progettato da Space Caviar e realizzato da WASP. In linea con il tema della mostra, esso esplora il concetto di gravità come forza che modella la realtà. Lo spazio espositivo è stato creato attraverso la stampa 3D e interamente prodotto negli spazi di Triennale da grandi stampanti. I materiali impiegati sono inoltre naturali e in gran parte derivanti da sottoprodotti dell’industria agroalimentare, diminuendo così sia l’impatto ambientale che lo spreco di risorse.

«C’è qualcosa? Si c’è qualcosa ma forse niente»

A partecipare all’esposizione sono stati più di 350 artisti provenienti da 20 paesi esteri. Un incontro interculturale tra circa un centinaio di opere e progetti frutto dell’interpretazione dell’ignoto. Di quel qualcosa che supponiamo che ci sia ma che non sappiamo cosa sia, o se ci sia per davvero. Senza rassegnarsi all’idea di non venirne mai a capo ma continuando a farsi domande e a fare scoperte, imparando a conviverci.

Il percorso espositivo è diviso in tre momenti: i primi due guidati da una visione antropocentrica, mentre il terzo approfondisce mondi più inaccessibili. L’esplorazione parte infatti dal concetto della gravità in quanto forza fisica che agisce sull’esistenza dell’universo modellandolo. Si passa poi ad un’ampia sezione centrale legata al tema dell’abitare ignoto e alle nuove sfide dell’architettura. Sia come invito a convivere con quello che di sconosciuto ci circonda sia in merito ai sistemi di mappatura e all’interazione tra realtà e finzione.

La terza parte, come anticipato, esce dalla dimensione antropocentrica per avvicinarsi a mondi inaccessibili come quello della matematica, dei futuri deterministici e dell’antimateria. E proprio alla matematica viene dedicato l’elogio finale della mostra, per la sua capacità di andare sempre oltre, alla scoperta di realtà sconosciute e inimmaginabili. Come una sorta di spiraglio di accessibilità con ciò che non sappiamo di non sapere. 

Special commission e Listening Chambers 

A contribuire infine al dialogo interculturale che il percorso espositivo suscita nell’osservatore, sono stati invitati quattro artisti di mondi creativi differenti.Yuri Suzuki, Irene Stracuzzi, il collettivo SOM e Refik Anadol sono stati chiamati a sviluppare quattro special commission. Progetti che indagassero il ruolo dell’arte, del design e più in generale dell’ignoto. Mentre ad arricchire la mostra sono state allestite le opere site-specific di Andrea Galvani, Bosco Sodi, Marie Velardi e l’adattamento di un’opera di Tomás Saraceno.

E come per gli occhi, ce n’è anche per le orecchie. Oltre alle opere di “Unknown Unknowns. An Introduction To Mysteries” sono infatti state ideate quattro Listening Chambers. Altrettanti personaggi del mondo scientifico e culturale hanno prestato la voce in merito a temi della propria professione. Il neuroscienziato Antonio Damasio sul tema del sé e della coscienza e il fisico teorico Carlo Rovelli sul tema del tempo. E ancora, il filosofo della biologia Telmo Pievani sull’origine della vita e la fisica teorica Lisa Randall sui misteri dell’universo.

Grazie all’Agenzia Spaziale Europea (ESA), la mostra tematica si conclude regalando allo spettatore un’immagine della Terra dallo spazio. Un’occasione per osservare da lontano, osservarne il drastico impatto ambientale e continuare anche dopo la mostra a riflettere sull’ignoto che ci circonda.

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