Un classico senza tempo tra teatro e letteratura

Pubblicato nel 1904, Il fu Mattia Pascal è il romanzo che consacrò Luigi Pirandello alla fama mondiale. Un’opera visionaria che, in linea con autori come Wilde, Dostoevskij, Stevenson e Kafka, esplora il tema del Doppio e dell’identità, anticipando molte delle inquietudini del Novecento. Nonostante Vladimir Nabokov lo definisse “di una noia mortale”, la storia di Mattia Pascal e del suo alter ego Adriano Meis è tutt’altro che priva di tensione: colpi di scena, intrecci complessi e continue sovrapposizioni spazio-temporali rendono il romanzo un vero capolavoro di dinamismo e ironia.

L’uomo che muore due volte

Mattia Pascal è un uomo comune che si ritrova, per un gioco del destino, creduto morto. Invece di rivelare l’equivoco, coglie l’occasione per reinventarsi una nuova vita sotto il nome di Adriano Meis. Tuttavia, il suo tentativo di sfuggire alla propria identità si trasforma in un incubo: quando cerca di riappropriarsi del suo passato, scopre di non poter più tornare indietro. Per la società e per la famiglia, lui è morto davvero. È una condizione paradossale che Pirandello utilizza per mettere in discussione l’apparente solidità delle convenzioni sociali, dimostrando come la realtà sia solo una costruzione collettiva.

Teatro e cinema: una messa in scena innovativa

La trasposizione teatrale di Il fu Mattia Pascal non può che riflettere questa instabilità, portando sul palco un intreccio che mescola il reale e l’illusorio, l’assurdo e il riflessivo. Marco Tullio Giordana, curatore della nuova versione per il palcoscenico, sottolinea come il linguaggio teatrale si fonda con quello cinematografico, rompendo la quarta parete e trasformando il pubblico in un testimone diretto delle vicende del protagonista. Così, la macchina teatrale si adatta a una storia che sembra fatta per sfidare ogni certezza, ribaltando il confine tra realtà e finzione.

Un’eredità ancora viva

Nonostante sia nato come romanzo, Il fu Mattia Pascal è diventato uno dei titoli teatrali più amati dell’opera pirandelliana. La sua ironia, il suo spirito malinconico e il suo sguardo lucido sulla società lo rendono un’opera di straordinaria modernità. Mattia Pascal è un inetto, un uomo senza qualità, un personaggio che si aggira tra le pagine del romanzo e sulle tavole del palcoscenico con la consapevolezza che nulla è certo e che ogni identità è solo un’illusione.

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Il viaggio di un padre e un figlio

Nel cuore di un mondo ridotto in cenere, dove la speranza è un bene raro e la sopravvivenza l’unico obiettivo, un padre e un figlio camminano lungo un sentiero incerto. La Strada, capolavoro di Cormac McCarthy vincitore del Premio Pulitzer, è una storia di desolazione e amore, di tenacia e paura, di ciò che resta quando tutto è perduto.

La voce di Luigi Lo Cascio

Luigi Lo Cascio presta la sua voce a questo racconto intenso e struggente, dando vita a una narrazione che tocca corde profonde. Il romanzo di McCarthy è una meditazione sulla resilienza e sulla lotta per conservare la bontà anche quando il mondo sembra averla dimenticata.

Il fuoco dell’umanità

Il legame tra padre e figlio è il cuore pulsante della storia: un rapporto fatto di gesti essenziali, di parole sussurrate nella notte, di protezione e sacrificio. Sono “i buoni”, quelli che portano il fuoco, una fiamma che arde nella notte dell’umanità e che deve resistere, nonostante tutto.

Uno stile essenziale e potente

Con una prosa scarna e tagliente, La Strada trascina il lettore in un viaggio fisico ed emotivo, tra pericoli incombenti e un futuro incerto. L’atmosfera è cupa, il paesaggio devastato, ma tra le righe si insinua una luce fragile, fatta di piccoli gesti e di un amore indissolubile.

Una riflessione profonda

È una lettura che lascia un segno profondo, una riflessione sul meglio e il peggio di cui l’essere umano è capace. Perché, anche nella distruzione più assoluta, resta la possibilità di scegliere: lasciarsi inghiottire dalle tenebre o continuare a camminare verso la luce.

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Dal 18 marzo al 13 aprile, il Teatro Franco Parenti di Milano ospita la prima nazionale di “Schegge di Memoria Disordinata a Inchiostro Policromo”, un’opera visionaria firmata da Fausto Cabra con la drammaturgia di Gianni Forte. Lo spettacolo, ispirato alla vicenda di Billy Milligan, promette di trascinare il pubblico in un viaggio ipnotico tra giustizia, identità e il confine sfumato tra realtà e finzione.

Il caso Milligan: tra legge e psiche

Billy Milligan è stato al centro di uno dei più controversi processi giudiziari della storia americana. Accusato di rapimento, stupro e rapina alla fine degli anni ’70, emerse durante il processo che Milligan conviveva con 24 personalità distinte. Dichiarato non colpevole per infermità mentale, il suo caso sollevò un acceso dibattito tra giustizia, psichiatria e opinione pubblica.

Ma Fausto Cabra non si è limitato a un semplice racconto giudiziario: “Volevo che fosse più di una storia di tribunali. Volevo scavare nei meandri della mente umana, esplorare l’identità, la finzione e il potere della menzogna” racconta il regista.

Una messinscena stratificata e immersiva

Il palcoscenico diventa un labirinto di percezioni, dove il pubblico è chiamato a orientarsi tra indagine legale, esplorazione psicologica e riflessione teatrale. La frammentazione mentale di Milligan si traduce in una narrazione che sovrappone piani diversi: l’analisi del processo, il viaggio nei traumi del protagonista e una metanarrazione che scompone e ricompone la verità scenica.

A dare corpo a Billy Milligan è Raffaele Esposito, attore di talento che si trasforma camaleonticamente nelle molteplici identità del personaggio. Accanto a lui, Anna Gualdo ed Elena Gigliotti assumono tutti gli altri ruoli della rappresentazione.

Per Cabra, questo spettacolo è anche un atto politico: “Viviamo in una società ossessionata dalla semplificazione e dalle certezze assolute. Ma la realtà è complessa, contraddittoria. Accettare questa complessità significa accettare anche noi stessi”. Il teatro, con la sua capacità di svelare e trasformare, diventa lo strumento perfetto per scardinare le false sicurezze.

Musica e atmosfere: un’immersione sensoriale

Mimosa Campironi firma la drammaturgia sonora ispirata al rock psichedelico anni ’70, evocando artisti come Talking Heads, Laurie Anderson e Led Zeppelin. L’uso di sintetizzatori Moog, chitarra elettrica e pianoforte crea un paesaggio sonoro frammentato che rispecchia il caos interiore di Billy. Il sound design si spinge oltre, includendo voci sussurrate e suoni subliminali che fanno vibrare la platea, rendendo l’esperienza teatrale quasi fisica.

Si tratta di un evento teatrale davvero potente, che lascia domande irrisolte e stimola riflessioni profonde, per vivere il teatro come esperienza trasformativa, in cui la finzione non è inganno, ma rivelazione.

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Dal 11 al 16 febbraio, il Teatro Franco Parenti ospita l’adattamento teatrale di Un amore, il romanzo più controverso di Dino Buzzati. Una storia di passione e tormento, portata sul palco da Paolo Briguglia con la regia di Alessandra Pizzi.

Un amore impossibile tra desiderio e ossessione

Dino Buzzati è noto per le sue atmosfere surreali e metafisiche, ma con Un amore, pubblicato nel 1963, ci regala un viaggio nelle profondità più oscure dell’animo umano. Al centro della vicenda c’è Antonio Dorigo, un architetto milanese di mezza età che si innamora perdutamente di Laide, una giovane ballerina ambigua e sfuggente. Il loro rapporto si trasforma presto in una spirale di ossessione, gelosia e autodistruzione, dove l’amore diventa un’illusione, una dipendenza ineluttabile.

Paolo Briguglia e la sfida di Antonio Dorigo

Nei panni di Antonio Dorigo, Paolo Briguglia si misura con un personaggio complesso, vittima e carnefice di sé stesso, incapace di distinguere tra amore autentico e bisogno disperato di possesso. Con la regia di Alessandra Pizzi, lo spettacolo trasforma il tormento interiore del protagonista in una messa in scena coinvolgente, che trascina il pubblico in un vortice di emozioni contrastanti.

Il Teatro Franco Parenti apre le porte a un classico senza tempo

L’adattamento di Un amore sarà in scena nella suggestiva Sala Blu del Teatro Franco Parenti con i seguenti orari:

• Martedì 11 febbraio – 20:30
• Mercoledì 12 febbraio – 19:15
• Giovedì 13 febbraio – 20:15
• Venerdì 14 febbraio – 21:00
• Sabato 15 febbraio – 19:15
• Domenica 16 febbraio – 17:30

I biglietti sono disponibili a partire da 15€, con riduzioni speciali per studenti, under 26 e over 65.

Un viaggio nelle ombre dell’anima

Un amore non è solo una storia d’amore, ma un’indagine profonda sulla fragilità umana, sul desiderio di possedere l’altro e sulla paura della solitudine. Con un testo ancora attualissimo e un’interpretazione intensa, lo spettacolo promette di lasciare il segno.

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La narrazione e il cast dello spettacolo

La storia raccontata è quella di cinque adolescenti affetti da disturbi psichici. Questi si trovano nel centro di salute mentale di Orot, e di tanto in tanto prendono parte ad alcune lezioni teatrali per sfogarsi e per provare a esprimere loro stessi e le loro emozioni, e per condividere ciò che provano. Il teatro e la recitazione diventano in quest’ottica un modo per esprimere liberamente la propria essenza, senza filtri né paure. Uno spettacolo intenso e commovente, che fa riflettere la audience. I protagonisti sono Barak, Emanuel, Alma, Tamara e Ester, rispettivamente interpretati da Samuele Poma, Federico Di Giacomo, Chiara Ferrara, Amy Boda e Alia Stegani. Tra i personaggi secondari, Dorit, il Dott. Baumann e i vari genitori dei protagonisti.

Un incontro speciale che segue lo spettacolo 

Paolo Milone, psichiatra professionista, ci prova a spiegare il dolore degli altri, cosa prova la gente ricoverata a causa di un disturbo psichico. Quella di Paolo Milone è una testimonianza importante, in quanto aiuta a comprendere il dolore delle persone in modo umano e molto intimo. Milone ci spiega come affrontare il dolore degli altri, come poterli aiutare e sostenere al meglio, anche se spesso non si può fare nulla in concreto, però si può stare loro vicino dandogli affetto e comprensione.

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Paolo Veres è l’uomo più crudele del mondo

Un protagonista insolito, considerato da tutti proprio come l’uomo più crudele del mondo. Un uomo piuttosto riservato, schivo, solitario, proprietario di una grossa azienda di armi in Europa. Un giorno, un giornalista decide di intervistarlo; i due iniziano a dialogare e a confrontarsi facendo ben presto emergere le loro personalità, le loro vite e il loro passato. Il gran finale sarà del tutto inaspettato.

L’obiettivo è stato quello di creare uno spettacolo che destasse stupore dall’inizio alla fine, che non fosse mai banale e scontato, ma colmo di colpi di scena. Il pubblico è costantemente destabilizzato, non ha certezze. Più che un’affermazione, il titolo dello spettacolo diventa una domanda: fino a dove può spingersi la crudeltà dell’uomo?

Questo il quesito che si pone l’autore e, probabilmente, anche gli spettatori, nel corso dello spettacolo. Tra i nomi di spicco nel cast, lo straordinario Lino Guanciale e Francesco Montanari. I prezzi dei biglietti vanno dai 18 ai 38 euro, a seconda dell’età dello spettatore e del settore scelto.

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Un racconto intricato di rapporti femminili 

La storia scritta dall’americano David Mamet è pronta ad andare in scena a Teatro. Le donne sono le protagoniste di Boston Marriage; la storia racconta infatti l’incontro tra due dame, Anna e Claire. Anna, dopo essersi separata dal marito, trova un altro uomo benestante che la mantiene, e quando Claire la va a trovare, Anna vorrebbe prenderla in sua custodia ma la vicenda non sembra poi così semplice ed immediata; si rivela piuttosto piena di equivoci e dettagli complessi. Accanto alle due, la terza donna protagonista, Catherine: una cameriera non molto fortunata. La vicenda gira intorno alle loro vite, agli equivoci, a dialoghi continui tra tre donne dalle personalità piuttosto diverse.

Una riflessione sulla commedia

Una commedia che parla di donne, della loro convivenza, delle loro personalità e della loro quotidianità. Donne indipendenti che dialogano dall’inizio alla fine dell’opera. Il linguaggio, non a caso, è il vero protagonista, un linguaggio stravagante, di tanto in tanto paradossale, fatto di colpi di scena inaspettati; non mancano tocchi di ironia, vanità, cinismo. Un’opera tutt’altro che scontata. Giorgio Sangati è il regista; tra le interpreti protagoniste, Maria Paiato, Mariangela Granelli, Ludovica D’Auria.

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Non poteva esserci ritorno più atteso. Dopo cinque anni di assenza dai teatri, Stefano Accorsi, di recente nominato direttore artistico della Fondazione Teatro della Toscana, torna tra i sipari italiani, debuttando con “Azul – Gioia Furia, Fede y Eterno Amor”, spettacolo scritto e diretto da Daniele Finzi Pasca, che verrà portato in scena dal 17 al 26 marzo 2023 nella Sala Grande del Teatro Franco Parenti di Milano.

Contando alle spalle una trentina di spettacoli, due imprese per il Cirque du Soleil, tre cerimonie olimpiche, varie opere liriche, e sette titoli in tournée per il mondo, il regista ha messo in scena la rielaborazione di un suo inedito, cucito su misura per Stefano Accorsi e altri tre attori, Luciano Scarpa, Sasà Piedepalumbo, Luigi Sigillo nel suo primo lavoro italiano.  

Azul è uno spettacolo che si propone di rappresentare una perfetta sintesi fra sogno e semplicità; una commistione variopinta di amicizia, ironia, fragilità, musica e una smisurata passione per il “gioco del pallone”. Si propone di raccontare la storia di quattro amici, tutti accomunati dalla vivace febbre della tifoseria per la squadra del cuore, i quali si ritroveranno a fare i conti con le loro rispettive vite e, facendo affiorare ricordi, proveranno a ricostruire una serenità andata a pezzi. 

Una storia di gente semplice, vera, a tratti trasognata, unita da un’amicizia inossidabile che aiuterà ad affrontare le difficoltà della vita, stringendosi in un abbraccio delirante e commovente. Gli spettatori saranno coinvolti per 80 minuti in un vertiginoso viaggio emozionale attraverso momenti di estasi, sconfitte, tragedie e vittorie che i quattro amici hanno condiviso negli anni. 

Lapidarie le parole di Accorsi a proposito: “Far parte di uno spettacolo così sospeso fra sogno e semplicità, fra amicizia, ironia, fragilità, passione, tifo, musica e colori, dopo un periodo come quello che abbiamo vissuto e dal quale ancora non siamo totalmente usciti, è una meravigliosa avventura. Daniele Finzi Pasca scrive in modo tridimensionale, bisogna letteralmente entrare nel suo mondo per abitarlo e viverlo, sentirlo senza voler spiegare ogni cosa. Personaggi veri e al tempo stesso trasognati, clown toccanti e divertenti nei quali ci si riconosce tantissimo tutti. Con Luciano Scarpa, Sasà Piedepalumbo e Luigi Sigillo in scena è puro divertimento anche quando si toccano le corde più profonde e intime. Sono felice che con il Teatro della Pergola e Nuovo Teatro continui questa collaborazione così libera artisticamente, non vedo l’ora di ritrovare il pubblico in tutti i teatri italiani!”.

Aggiunge invece il regista Daniele Finzi Pasca: “Ho sempre raccontato storie di personaggi carichi di umanità, fragili e trasognati. Il mio teatro è costruito riproducendo il linguaggio dei sogni. Procede per allusioni, associazioni di idee. I ricordi emergono come bollicine che tornano a galla in una bibita che ammazza la sete nelle giornate di caldo fuoco. Cerco di costruire immagini rarefatte, sospese in un tempo inventato, leggero. Amo i colpi di scena, i finali a sorpresa, le macchine teatrali, la magia e l’illusione. Sono cresciuto nel mondo del teatro e poi sono stato rapito dai grandi eventi: spettacoli monumentali per il Cirque du Soleil, Cerimonie Olimpiche. Però, ogni volta che ritrovo l’odore e il sapore della scena, mi sembra di tornare a casa e di riscoprire le mie radici.  Credo siano clown i personaggi che popolano le mie storie dato che sussurrano, inciampano, ridono e si commuovono. Sono fatti di cristallo, di burro e di zucchero e con un colpo di vento si trasformano in giganti. Ho avuto la fortuna di incontrare Stefano Accorsi, Luciano Scarpa, Sasà Piedepalumbo e Luigi Sigillo attori carichi di umanità, mestiere e passione. Con loro è stato facile dare vita a questa piccola rapsodia dedicata a quanti non si danno mai per vinti”.

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Dracula al Teatro Franco Parenti

Sergio Rubini e Luigi Lo Cascio tornano sul palco del Teatro Franco Parenti, a Milano, con l’ultimo grande romanzo gotico: Dracula di Bram Stoker. Lo spettacolo sarà in scena ogni sera dal 25 febbraio al primo marzo 2020 in Sala Grande. Si prospettano 100 minuti di oscurità, carichi di terrore e tensione psicologica. La struttura diaristico-epistolare del romanzo di Stoker è stata adattata al palcoscenico da Carla Cavalluzzi e Sergio Rubini, che firma anche la regia in collaborazione con Gisella Gobbi. Il cast vanta, oltre ai già ampiamente citati di Sergio Rubini e Luigi Lo Cascio, i nomi di Geno Diana, Alice Bertini, Lorenzo Lavia e Roberto Salemi.

La trama e gli attori

Siamo nell’anno 1890 e il procuratore londinese Jonathan Harker (Luigi Lo Cascio) è inviato in Transilvania dal proprio capo per occuparsi della richiesta di vendita di una villa inglese effettuata da un nobile transilvano, Dracula (Geno Diana). L’atmosfera che circonda il conte e la sua abitazione è misteriosa e grottesca. Il giovane avvocato Harker si ritrova, prima di poter rendersene conto, in un oscuro viaggio verso l’ignoto. Scopre che il conte è in realtà un vampiro, e si nutre del sangue umano. L’orrore che il giovane avvocato sperimenta finisce per toccare ogni punto della sua esistenza, fino a consumarla. Al fianco di Luigi Lo Cascio, Sergio Rubini veste i panni del professor Van Helsing, l’antagonista del vampiro. Alice Bertini è Mina, fidanzata di Harker, Lorenzo Lavia è il folle Renfield e Roberto Salemi, il dottor Seward.

Un viaggio nell’oscurità

A coronare l’effetto sinistro e surreale dello spettacolo è la lugubre scenografia, curata da Gregorio Botta. Forte, nella rappresentazione, la presenza degli effetti tecnici (rumori, luci, l’utilizzo dei microfoni), che agevolano l’immersione in un teatro di piccole dimensioni, quale il Franco Parenti. Dracula (Geno Diana), in fedeltà al romanzo, rimarrà poco in scena e in più momenti si aggirerà in platea, seminando paura tra gli spettatori. Ma tutti lo sappiamo: il fascino di vampiri e vampiresse non svanirà mai, grazie alle emozioni che solo la fantasia può dare.

di Chiara Pellini

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Lo spettacolo Darling, con la supervisione di Pierfrancesco Favino, da febbraio al Franco Parenti

Quattro donne, quattro storie; una sola sul palco per raccontarle tutte: Sara Bosi, giovane attrice e allieva dell’Accademia d’Oltrarno, offre loro il proprio corpo e la proprio voce. Dal 14 al 23 febbraio nella Sala Blu del Teatro Franco Parenti andrà in scena Darling, uno spettacolo sulle donne e per le donne, con la supervisione artistica dell’immenso Pierfrancesco Favino, che abbiamo visto protagonista sul grande schermo di ben due impegnative pellicole: Hammamet e Il traditore. Un grande nome della recitazione dirige una giovane attrice in un monologo di un’ora sulla vita di quattro donne diverse per età, aspirazioni, storia e carattere.

Quattro storie, quattro donne: un variegato affresco di femminilità

La prima protagonista è una tenera ragazza alle prime armi che si trova ad essere innamorata, non di un’altra persona, ma del sentimento stesso dell’amore. La seconda è sempre una giovane donna che, al contrario però, sembra aver perso la freschezza, l’ingenuità e l’euforia tipici della sua età, e quando si renderà conto di questo invecchiamento precoce dell’anima, sarà forse troppo tardi.

La terza protagonista non riesce a capacitarsi della fine della sua ultima relazione sentimentale, per questo non si dà pace, s’interroga e si logora incessantemente: l’ansia e la disillusione la seguono come un’ombra e finiranno per essere le sue peggiori compagne di vita. Anche la quarta e ultima donna vive un’inquietudine senza tregua, anche lei stanca e sconsolata, non riesce a dare un volto a chi oggi, ieri e domani, le procura questo straziante e insondabile dolore che la spinge a raccontare.

Lo spettacolo Darling, prodotto da Gli Ipocriti Melina Balsamo e in collaborazione con la Scuola di formazione del mestiere dell’attore L’Oltrarno, è un variegato affresco di femminilità che, senza intenti politici o di altra natura, vuole descrivere senza filtri la maledizione e il privilegio di essere donna.

di Alessandra Baio

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