La trama  

È la vigilia della Seconda Guerra Mondiale, ci troviamo a Londra, in un periodo storico  particolarmente teso e minato in cui due delle principali menti del Novecento, il neurologo e psicoanalista austriaco Freud e il teologo Lewis, si vedono protagonisti di un confronto sull’esistenza di Dio. Le tematiche si intrecciano, e tra gli approfondimenti troviamo il rapporto tra Freud e la figlia lesbica Anna, per poi calarci in un ulteriore aspetto della tematica relazionale mediante la rappresentazione del rapporto amoroso nato tra Lewis e la madre del suo migliore amico.

Freud, attraverso l’analisi dei traumi del teologo, affronta un viaggio tortuoso e affascinante sui  traumi del suo interlocutore, la sua conversione al cattolicesimo e il suo rapporto infantile con la  madre, rivelando così aspetti silenti ma estremamente vivi nella mente del celebre docente di  Oxford. Il film è ambientato negli ultimi anni di vita di Freud, il quale, dopo poche settimane, viene a mancare per un cancro terminale con cui lottava da tempo. 

L’uscita tanto attesa  

La pellicola è l’adattamento cinematografico dell’omonimo dramma di Mark St.Germain, tratto a  sua volta dal saggio The Question of God e diretto da Matt Brown. Il film è stato ufficialmente presentato in anteprima mondiale il 27 ottobre 2023 in occasione dell’AFI Film Festival, e successivamente distribuito nelle sale statunitensi il 22 dicembre dello scorso anno. L’uscita tanto attesa, e che ha visto come uno dei protagonisti il grande attore Anthony Hopkins, è stata il 28 di ottobre in tutte le sale italiane.

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L’Arteterapia si basa sulla centralità della dimensione espressiva all’interno del processo artistico. Questa potenzialità dell’arte permette di farci entrare in contatto con dimensioni dell’esperienza che faticano ad emergere con le sole parole. Inoltre, consente di dare loro forma e colore e di tradurle in un codice condivisibile.

La nascita dell’Arteterapia

Fin dai tempi antichi la storia delle arti creative si è spesso intrecciata con quella della salute mentale. Gli antichi Greci credevano che il teatro e la musica potessero favorire la catarsi e aiutassero a liberare le emozioni represse. Dal Rinascimento l’opera d’arte viene considerata come una sorta di strumento terapeutico che consente l’esprimersi di una realtà che, altrimenti, avrebbe potuto portare alla follia. Nel XX secolo si delinea la concezione di arteterapia così come viene intesa oggi grazie all’avvento della psicoanalisi e al contributo di Freud e Jung. L’opera artistica è considerata l’espressione dell’inconscio e come un derivato del processo di sublimazione degli istinti di base.  Le immagini esprimono i conflitti e i tormenti interni, che in questa nuova veste appaiono più comprensibili, e quindi più facilmente interpretabili. La relazione terapeuta-paziente gioca un ruolo importante nel processo terapeutico e il prodotto artistico diviene lo strumento che rafforza tale relazione.

Nel cuore dell’Arteterapia

L’Arteterapia favorisce la conoscenza di sé e delle proprie potenzialità, rendendo possibile l’integrazione di tutte le risorse di cui disponiamo per poter vivere meglio. I materiali e le tecniche che il paziente utilizza gli consentono di esprimere, plasmare ed esternare il mondo interiore. Attraverso la relazione con il terapeuta la persona può raggiungere una nuova visione di tale difficoltà, poiché affiancata nella comprensione e risoluzione delle proprie problematicità. L’arteterapeuta deve saper accogliere, legittimare e amplificare i messaggi dell’altro con parole, disegni e consigli. Infatti, quello che conta è la comprensione e l’accettazione di ciò che il paziente intende comunicare con la propria opera. Ciò che viene prodotto non subisce interpretazioni, poiché si estrapola il significato attraverso il colloquio, cosicché il paziente possa ricercare il messaggio della propria creazione. L’Arteterapia svolge dunque la funzione non solo di trattamento di eventuali patologie, ma anche di trasformazione, evoluzione e di crescita personale dell’individuo.

L’arte è uno strumento potente che consente di esprimere la nostra interiorità, non sopprimiamolo, ma lasciamo che prenda la sua forma!

di Alice Garzonio

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Nexo Digital e 3D Produzioni presentano Klimt & Schiele. Eros e Psiche, con la regia di Michele Mally e la partecipazione di Lorenzo Richelmy, nelle sale dal 22 al 24 Ottobre. Un docu-film che racconta la Vienna della Secessione mostrando le opere dei Musei dell’Albertina, del Belvedere, del Kunsthistorisches Museum, del Leopold Museum, del Sigmund Freud Museum e del Wien Museum.

Klimt & Schiele, i protagonisti

A 100 anni di distanza dalla loro morte, le grandi personalità degli anni d’oro di Vienna, quelle degli artisti Gustav Klimt, Egon Schiele, Otto Wagner e Koloman Moser, vengono raccontate in un film. Uno spaccato di quell’epoca, raccontato dalla voce del giovane attore italiano Lorenzo Richelmy, che vede come protagonisti Gustav Klimt ed Egon Schiele. A fare da contorno a queste due emblematiche figure sono i drammi di Arthur Schnitzler, la musica di Richard Strauss, la psicoanalisi di Sigmund Freud e l‘inconscio collettivo di Carl Gustav Jung.

Il quadro storico

Un periodo di novità e di agitazioni a cui fu data voce tramite il movimento avanguardistico chiamato Secessione, fondato nel 1897, che vide i migliori artisti del periodo separarsi dall’Accademia di Belle Arti. Gli artisti non contestarono l’arte accademica di per sé, ma vollero un’arte nuova, in grado di raccontare i cambiamenti del mondo. Un mondo fatto di erotismo e solitudine, inquietudine e disordine.

A chiarire il quadro storico-artistico sono le interviste ad esperti come gli storici dell’arte Jane Kallir, Alfred Weidinger e Franz Smola, il musicologo Bryan Gilliam, il nobel per la medicina Eric Kandel, la collezionista Elisabeth Leopold e la modella, attrice, attivista e storica dell’arte Lily Cole. Tutti riuniti in questa pellicola come le grandi menti dell’epoca che si incontravano nei Cafè e nei salotti per chiacchierare, conoscere e imparare l’uno dall’altro.

Avanguardia e sensibilità

Klimt e Schiele. Diversi nel temperamento ma uguali e uniti nell’innovazione dei canoni pittorici. Decorativo, simbolico e provocante uno, espressivo, contorto e dissacrante l’altro. La figura della donna, la sessualità, l’inconscio, l’irrazionalità, la morte, conquistano una voce più forte nella società. La società di quei tempi: cattolica, conservatrice, benpensante e bigotta, che non accettava il nudo artistico delle opere di entrambi i pittori. Società forse non così diversa da quella di oggi, al contrario di ciò che si pensa.

I cartelloni pubblicitari esposti a Londra quest’anno, che pubblicizzavano le mostre viennesi dedicate ai due artisti, dopo 100 anni, sono stati definiti ancora “troppo audaci” da mostrare per intero. Ma Vienna ribalta a proprio favore questa congiura, invogliando lo spettatore ad andarli ad ammirare nella loro totalità presso il Museo. Dimostrazione dell’avanguardia degli artisti del tempo e del potere della comunicazione, che nel caso di Klimt & Schiele. Eros e Psiche informa e sensibilizza all’arte anche chi preferisce il cinema al museo.

di Pamela Romano

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A Natale Lo Schiaccianoci è un classico senza tempo. La magica favola creata Ernst Theodor Amadeus nel 1816, poi divenuta musica con Tchaicovsky, è stata interpretata in ogni teatro e divenuta cartone animato insieme all’amata Barbie. Oggi The Nutcracker scopre la terza dimensione sotto la regia di Andrei Konchalovsky, e ci regala le vicende della piccola Mary (Ellen Fanning) che riceve in dono per Natale uno schiaccianoci magico. Il giocattolo, prendendo vita, la porta in un mondo fantastico, lontano dalla noiosità della vita reale, ma purtroppo minacciato dal tirannico Re dei Topi (John Turturro). Sarà proprio Mary a dover salvare il suo amico e l’intero
regno. Il regista si concede alcune licenze rispetto alla favola originale, il particolare i rimandi a Sigmund Freud e ed Albert Einstein, a cui si ispira il personaggio dello zio Albert. Sicuramente gli amanti del balletto non devono aspettarsi una piena adesione alla musica di Tchaicovsky. Il regista ha infatti utilizzato anche musiche composte ex novo da Eduard Artemiev per Sir Tim Rice, autore di alcuni testi come La Bella e la Bestia. Il film, costato quasi 100 milioni di dollari è sicuramente tra i più attesi dell’anno, e dalla critica non sono mancati i commenti negativi perché, secondo i più tradizionalisti, mancherebbe lo spirito della favola. Forse però, Konchalovsky preferisce farcela scoprire da soli, a modo nostro.

Ilaria Forastieri

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