Le sirene oggi hanno nuovi volti: sono le opere d’arte. Ci attirano, ci ammaliano, ci chiamano a sé con il loro silenzioso magnetismo. È da questo incanto che prende vita Il mondo non merita la fine del mondo, il libro di Maria Vittoria Baravelli, curatrice e critica d’arte, che ci guida in un viaggio visivo e sentimentale attraverso secoli di bellezza, per dimostrarci che finché l’arte esisterà, la fine del mondo non potrà davvero arrivare.

Un libro che è dichiarazione d’amore e resistenza, un manifesto per chi crede ancora nel potere delle immagini, dei dettagli, delle emozioni custodite nei capolavori del passato e nelle installazioni contemporanee.

Un atlante inedito tra archeologia, fotografia e cinema

Baravelli non si limita a raccontare l’arte: la attraversa con lo sguardo curioso e profondo di chi sa accostare il passato al presente, l’antico al contemporaneo, l’archeologia al cinema, la pittura alla fotografia. Le sue pagine mescolano con naturalezza Caravaggio e Vincent Peters, Gabriele Basilico e installazioni immersive, in un susseguirsi di accostamenti sorprendenti ma sempre significativi.

Ogni opera è una soglia, un’occasione per entrare in un’altra dimensione, per sentirci vivi, connessi, parte di una storia più grande.

L’arte si vive dal vivo: una difesa appassionata dell’esperienza reale

In un’epoca dominata dalla fruizione digitale, Il mondo non merita la fine del mondo prende posizione. Per Baravelli, l’arte non è uno scroll su Instagram, ma un incontro reale, fisico, fatto di passi lenti tra le sale di un museo, di occhi che si fermano, di silenzi. È così che un’opera ci entra dentro e non ci lascia più.

Un’idea semplice, eppure rivoluzionaria, che invita a riscoprire la sacralità del vedere con presenza, perché solo così possiamo davvero entrare in dialogo con ciò che guardiamo.

“Immortalità all’indietro”: l’arte come ponte tra tempi

Citazioni raffinate e pensiero profondo fanno di questo libro un piccolo saggio sentimentale. Maria Vittoria Baravelli fa sua una frase di Umberto Eco: “osservare un’opera è come entrare in una ‘immortalità all’indietro’”, dove il tempo si confonde e lo sguardo dell’artista si incrocia col nostro. È lì che si compie la magia: ci ritroviamo dentro la storia, pur restando qui.

Con uno stile limpido e appassionato, Baravelli costruisce un archivio di incanti, un atto di fede verso la bellezza e la cultura, contro ogni forma di apocalisse interiore e collettiva.

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Per Deborah Compagnoni, campionessa leggendaria dello sci alpino, quel luogo è Santa Caterina di Valfurva, nel cuore della Valtellina. E proprio lì ci conduce il suo nuovo libro “Una ragazza di montagna – Storie di un’infanzia felice tra neve, prati e avventure”, un’intensa raccolta di venti racconti illustrati che celebrano la libertà, la natura e la forza formativa dei primi anni di vita.

Il cuore tra le cime: nascere e crescere in montagna

Attraverso parole semplici e sincere, Compagnoni ci regala un diario dell’anima, fatto di corse nei prati, pupazzi di neve, cadute e risalite. Non è solo un libro per bambini, ma un invito rivolto anche agli adulti a riscoprire il valore del contatto con la natura, del gioco libero e dell’immaginazione. Le illustrazioni delicate di Anna Regge accompagnano ogni storia, rendendo il racconto visivamente poetico e immediato.

I paesaggi del gruppo Ortles-Cevedale fanno da sfondo a un mondo dove la disciplina nasce dal divertimento, e il coraggio cresce giorno dopo giorno, mentre si impara a rialzarsi dopo una caduta sulla neve. È in quella montagna che Deborah ha allenato il corpo e soprattutto lo spirito, forgiando la tempra che l’avrebbe portata a diventare una delle atlete più vincenti della storia dello sci.

L’avventura come vocazione

Il libro è una celebrazione dell’infanzia vissuta senza filtri e senza eccessive protezioni, un tempo fatto di esplorazioni spontanee, piccoli rischi, amicizie autentiche e sfide quotidiane che insegnano la resilienza. “Una ragazza di montagna” è anche un manifesto dolce ma potente: quello di una vita che ha saputo trasformare le radici profonde in slancio verso il futuro.

Un invito a ritornare all’essenziale, a lasciarsi ispirare dalla montagna come luogo fisico e simbolico, dove i sogni prendono forma tra cielo e terra.

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Nel suo nuovo libro “Fin qui – Fotografia di una vita”, l’iconico fotografo italiano ci conduce lungo un percorso personale e professionale, offrendo al lettore uno spaccato emozionante di esperienze, volti, incontri e paesaggi che hanno costruito la sua identità. Non è solo un’autobiografia: è una lettera d’amore alla fotografia, vissuta come strumento di conoscenza, connessione e memoria.

Un racconto sincero, tra bellezza e umanità

“Fin qui” è un titolo che racchiude un bilancio affettuoso, uno sguardo che si volta indietro senza nostalgia, ma con autenticità, gratitudine e consapevolezza. Le pagine alternano testo e immagine in un ritmo coinvolgente, in cui Ferri, con la sensibilità che da sempre lo contraddistingue, si racconta a partire dagli esordi come fotoreporter politico negli anni ’70, fino alla consacrazione come fotografo di moda e ritrattista dei grandi.

Nel libro compaiono scatti iconici, molti dei quali provenienti dal suo archivio personale: Isabella Rossellini a New York, Sting a Pantelleria, Monica Bellucci, Carla Bruni e tanti altri volti noti, ritratti con uno stile che non ha mai ceduto al sensazionalismo. Ogni fotografia è il risultato di un incontro, mai solo un’immagine. C’è sempre una storia da raccontare, una relazione da restituire, un’emozione da evocare.

Lo stile Ferri: tra sofisticatezza e verità

Fabrizio Ferri ha firmato editoriali per “Vogue”, “Elle”, “Vanity Fair”, “Marie Claire”, “GQ” e ha lavorato per i più importanti marchi del lusso, ma ha sempre mantenuto uno stile riconoscibile e coerente, che unisce eleganza visiva e profondità umana. “Fin qui” è anche la testimonianza di una carriera vissuta con intelligenza creativa e integrità, in equilibrio tra arte e comunicazione.

Oltre a essere fotografo, Ferri è anche regista, compositore, scrittore, imprenditore e filantropo. Una figura poliedrica, capace di esplorare diversi linguaggi senza mai perdere l’essenza: quella verità delicata che attraversa tutte le sue opere.

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Lo studio di Kengo Kuma, l’architetto dello stadio nazionale di Tokyo per le Olimpiadi 2020, mette la firma sul progetto Welcome, Feeling at work. L’ufficio biofilico del futuro sarà un villaggio sostenibile, tecnologico e a misura d’uomo. 

Milano, Welcome Feeling at work, 2024 

Milano nord-est. Il cantiere della zona di Parco Lambro, a due passi dalla fermata verde Crescenzago, si è concluso da poco. Finalmente possiamo ammirare il risultato di questi anni di lavori senza l’ostacolo delle impalcature. Si impongono alla vista dei corpi di luce naturale che ruotano e si intrecciano verso il parco, ricoprendo una superficie di 50 mila metri quadri. E vediamo dialogare con il paesaggio un villaggio di architettura contemporanea fatto di legno e acciaio: è l’ufficio biofilico.

Uffici, auditorium, spazi di coworking e hall riservate agli incontri di lavoro condividono lo spazio con ristoranti e lounge, negozi, il supermercato, un’area wellness, e luoghi per eventi o mostre.  Ma il verde è la vera linfa del progetto: la Piazza è ricca di vegetazione e circondata da morbide colline. Le corti open-air e le terrazze sono coperte da orti, giardini fioriti, camminamenti. Mentre le serre diventano luoghi speciali di lavoro, ma anche di intrattenimento e svago per le mani e per la mente.  

Welcome è l’avverarsi di un mondo green e iperconnesso, al servizio della conoscenza e delle persone. Pare un progetto uscito dalla mente di Le Corbusier o di Olivetti. O dai progetti futuristici dei grandi del Novecento, molti dei quali rimasti sulla carta, almeno fino ad ora. Ma come tutto ebbe inizio? Facciamo un passo indietro. 

Milano, zona Parco Lambro, 2021 

Dal 2020 la pandemia da Covid-19 ha sconvolto le vite del mondo intero e accelerato molti processi. Tra questi, una urgente sensibilità verso la sostenibilità ambientale, che suona come un grido disperato delle nuove generazioni. Ma anche riflessioni su luci e ombre dello smart working, sull’importanza degli spazi e sugli stili di vita.

Così, la piattaforma indipendente Europa Risorse vuole anticipare le sfide del futuro post-covid con il progetto Welcome. Un ecosistema che raggiunge la massima sostenibilità usando energie rinnovabili, controllando i consumi e azzerando le emissioni di CO2, tra le altre cose. 

“Rendere le giornate di lavoro più vivibili alle persone è stato l’obiettivo più nobile raggiunto da questo progetto: luce naturale, controllo dei rumori, invito al movimento, mangiare sano, ampi spazi interni ed esterni per incontri di lavoro, facile circolazione, e tante altre attenzioni per la persona, in linea, tra l’altro, con la nuova cultura post-covid. Lavorando in tali condizioni si produce meglio, ci si ammala meno e ci si convince profondamente di dover lasciare un pianeta più vivibile per i nostri figli”. Sono queste le parole di Antonio Napoleone, Presidente di Europa Risorse.

Se il lavoro diventa flessibile, infatti, ci vogliono spazi e tecnologie adatte, oltre che un contesto che favorisca la creatività e riduca lo stress. Basta agli spazi di coworking improvvisati nei bar, o ai luoghi bui dove la connessione non tiene e la vista soffre.

Nonostante la pandemia ancora in corso, il 4 marzo 2021 sono iniziati i lavori. Proprio qui, dove un tempo il fiume Lambro contornava l’impero di Angelo Rizzoli.

Milano, area Rizzoli, 1960 

Lettere dal passato: sono gli anni Sessanta e niente di tutto questo è pensabile. La guerra è finita da qualche anno e c’è una grande voglia di progettare il futuro: anche le fabbriche devono essere al passo coi tempi. Nel contesto di Parco Lambro c’è un grande complesso in cui si riconoscono rotative, redazioni e uffici: la casa editrice Rizzoli è in costante crescita. Nessuno può immaginare che quella grande zona industriale verrà abbandonata negli anni, per poi diventare teatro del più ambizioso progetto ecologico d’Europa.

E perché proprio Milano? 

“Milano è una città che presenta un connubio unico ed entusiasmante di modernità e tradizione dal punto di vista dell’arte, dell’architettura e dell’artigianalità, e ciò la rende il posto ideale dove realizzare il nostro lavoro. Grazie alla maestria artigiana italiana, è possibile raggiungere un livello qualitativo elevato attraverso un approccio organico al design e alla progettazione del legno”. Parola dell’architetto Kengo Kuma!

di Camilla Mantovani

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Quando era un ragazzo, visitando un museo di arte antica,  notò un cartello che vietava di indossare tacchi alti per non danneggiare i mosaici pavimentali. Fu allora che decise di dedicare il suo lavoro alla sfida di questo tipo di restrizioni, diventando più tardi “Re degli stiletti”. Lo stilista parigino Christian Louboutin celebra 20 anni di carriera iniziata a le Folies Berger di Parigi. I lavori e la vita di Christian Louboutin diventeranno il soggetto di una mostra in suo onore che verrà allestita nel Regno Unito a partire dal 28 marzo fino al 1 luglio 2012 al Design Museum di Londra. Donna Loveday, la curatrice della mostra lo descrive come un vero mago. La mostra ripercorrerà il lavoro del designer dal lancio della griffe nel 1991 ad oggi ed il processo creativo per realizzare meravigliose scarpe che fanno sognare le donne di tutto il mondo. Dalle décolleté con stiletti altissimi, agli stivali allacciati, passando per le sneakers borchiate e le vertiginose platform senza perdere d’occhio le ispirazioni che hanno portato alle creazioni: music hall parigine ai viaggi dello stilista, senza dimenticare le opere d’arte, l’architettura del paesaggio e i classici del cinema.  Le calzature di Louboutin sono divenute ormai un oggetto di culto. Ci sono almeno 3000 donne che posseggono 500 paia di scarpe dalla suola rossa nei loro guardaroba Oltre alla mostra per il  ventesimo anniversario è uscito nelle librerie italiane un libro dedicato a Louboutin. Il libro, edito da Rizzoli, si suddivide in sei capitoli: il primo contiene la biografia del designer e le sue prime esperienze di lavoro per Chanel e Yves Saint Laurent; il secondo descrive gli interni delle boutique internazionali della marchio; il terzo ripercorre i 20 anni di creazioni del marchio; il quarto raccoglie immagini intime delle case dello stilista a Parigi e in Egitto e gli ultimi due capitoli esplorano la collaborazione di Louboutin con il regista David Lynch, con il quale realizzò nel 2007 una mostra di scarpe intitolata Fetish, nella quale le calzature erano rappresentate come piccole sculture erotiche. Una mostra da vedere perché le louboutin non possono proprio essere considerate delle semplici scarpe; sono opere d’arte, oggetti di seduzione e gioielli senza tempo.
Valentina Ferrari

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