La Pop Art di Tom Wesselmann  

La Pop Art è uno dei principali movimenti artistici degli anni ‘60, un’espressione che vede come  soggetti di pittura fumetti e pubblicità, il cinema con le sue celebrità, ma anche semplici oggetti di  uso quotidiano. La mostra è incentrata su Tom Wesselmann, uno dei massimi esponenti del movimento e che vede 150 sue opere al centro dell’attenzione.  

Wesselmann inizia a dipingere alla fine degli anni ’50 adottando in pieno lo stile iconografico  dell’epoca e ampliando i confini della sua arte sia a livello di tecnica che di soggetti. Si è dedicato in maniera consapevole a generi diversi, fino ad arrivare a una delle sue opere finali, che vede pittura e installazione coesistere con le Standing Still Lifes. 

L’esposizione delle opere all’interno della Fondation segue un ordine temporale in relazione ai  temi trattati da Wesselmann, come a ricreare un vero e proprio percorso storico-culturale  dell’artista pop e del genere in sé; oltre a Wesselmann troviamo anche 70 opere di altri 35 artisti  diversi a partire dagli anni ‘20 fino al giorno nostri. 

La bellezza dell’arte POP  

Collage, fotografie, oggetti comuni rappresentati in chiavi ironiche e stravaganti, con colori accesi e vivaci: è proprio questo lo stile inconfondibile dell’arte pop. Lo scopo è quello di ridurre drasticamente le distanze tra arte e cultura popolare mettendo a disposizione dell’osservatore strumenti di lettura più concreti e immediati.

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Assaporare l’arte e la vodka si fa sempre più intrigante con il ritrovamento di una seconda versione del dipinto iconico di Andy Warhol, Absolut Warhol, realizzato nel 1985. Questa scoperta rappresenta un’occasione unica per unire le persone attraverso il linguaggio universale dell’arte. La tela sarà esposta per la prima volta al pubblico dal 17 ottobre allo Spritmuseum di Stoccolma, nella mostra “Andy Warhol, Money On The Wall”.

Un tesoro artistico riscoperto

I rumor sulla possibile esistenza di una seconda versione dell’opera si rincorrevano da tempo. La sorpresa è emersa nel 2020, quando una tela blu è apparsa durante un’asta, confermando le speculazioni grazie a un contratto originale che attestava la commissione di due opere a Warhol. Questa nuova versione di Absolut Warhol non è solo un’opera d’arte da ammirare, ma un simbolo della continua evoluzione del legame tra arte e cultura pop.

L’arte in bottiglia: un’edizione limitata da collezione 

In collaborazione con la Andy Warhol Foundation for Visual Arts, Absolut Vodka ha creato una bottiglia celebrativa, arricchita dalle pennellate dell’artista. Ogni bottiglia è un pezzo da collezione che rispecchia le sfumature blu della tela, grazie a una texture tridimensionale che esalta il colore cristallino della vodka. Per arricchire l’esperienza, è stato creato il cocktail ABSOLUT Warhol’s Milk Punch: un mix delizioso che unisce burro di cacao, liquore alla banana e latte infuso con cornflakes, ispirato dalla passione di Warhol per i cereali. Un assaggio di creatività in ogni sorso!

L’arte che unisce: la mostra al Spritmuseum

Dal 17 ottobre, il dipinto ritrovato sarà svelato allo Spritmuseum, affermandosi nella sezione Absolut Art Collection. Curata da Blake Gopnik, biografo di Warhol, la mostra non è solo un tributo all’artista, ma un invito a riflettere sul potere dell’arte di connettere le persone oltre le barriere culturali e sociali. In un mondo che spesso si divide, l’arte emerge come un ponte capace di trasformare e unire diverse esperienze umane.

Un legame che va oltre il prodotto

Con questa Limited Edition, Absolut Vodka celebra l’arte come veicolo di connessione e comprensione reciproca, rendendo omaggio a uno degli artisti più influenti del Novecento.
Questa celebrazione artistica non solo riporta alla luce un’opera iconica, ma invita tutti noi a esplorare il potere della creatività nel connettere le persone. 

Non perdere l’occasione di partecipare a questo evento straordinario e scoprire come l’arte possa ispirare generazioni.

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L’arte di Andy Warhol attraverso lo sguardo di Steve Schapiro

Oltre 120 straordinarie (e molte anche inedite) fotografie costituiscono il nuovo volume pubblicato da Taschen: un prezioso documento della travolgente carriera di Andy Warhol vista attraverso le foto di Steve Schapiro. Nel 1965 il celebre reporter iniziò a collaborare col magazine Life documentando la vita, le ambizioni e le opere del già famoso artista pop. La rivista, tuttavia, non rese mai pubbliche queste immagini, molte delle quali, quindi, sono un’assoluta novità. 

Vediamo ad esempio le fotografie realizzate in occasione della prima retrospettiva di Warhol all’Institute of Contemporary Art di Philadelphia e quelle scattate sul set del film underground “Camp” diretto da Warhol. Nel volume sono presenti anche numerose opere d’arte create da Warhol, come Colored Campbell’s Soup Can, One Dollar Bills (Fronts) e Shot Red Marilyn, solo per citarne alcune. All’intero del volume possiamo inoltre leggere un’intervista allo stesso Schapiro e un saggio di Blake Gopnik, biografo ufficiale di Warhol.

Steve Schapiro. Andy Warhol and Friends è un grande omaggio al genio e al successo di Andy Warhol; un documento di estremo interesse che ci consente di scoprire i retroscena delle sue creazioni.

Steve Schapiro: fotografo d’arte e reporter dei diritti civili 

Tantissime sono le storie raccontate da Steve Schapiro, storie di lotte civili e sociali ma anche storie d’arte e di cinema. Il celebre fotografo americano iniziò infatti a lavorare come freelance nel 1961 pubblicando le sue prime foto sul New York Times Magazine e poi su Life, Look, Time, Newsweek, Rolling Stone e Vanity Fair. Tra i vari progetti, nel 1965 iniziò a fotografare Andy Warhol per la rivista Life testimoniandone l’inarrestabile ascesa. Un occhio attento, quello di Schapiro, e una presenza silenziosa al fianco di Warhol che, con la sua macchina fotografica, lo accompagnò anche nel giorno d’inaugurazione della sua prima retrospettiva presso l’Institute of Contemporary Art di Philadelphia, evento che ne ha consacrato il ruolo di icona del XX secolo e Re della pop art. Schapiro ha realizzato moltissime fotografie di Warhol e del suo entourage di creativi e superstar, tra cui la modella Edie Sedgwick e Nico dei Velvet Underground.

Anche i cambiamenti politici e sociali negli Stati Uniti di quegli anni furono di ispirazione per il celebre fotografo: immortalò personaggi chiave, come Robert F. Kennedy, e catturò fotogrammi della marcia su Washington per il lavoro e la libertà, della marcia da Selma a Montgomery e dell’assassinio di Martin Luther King Jr. Negli anni ’70 il suo genio è approdato anche nel mondo del cinema iniziando con scatti in Midnight Cowboy e arrivando sul set de Il Padrino e di Taxi Driver. Steve Schapiro. Andy Warhol and Friends celebra quindi l’estro del celebre reporter che, con le sue fotografie, che spaziano dall’arte agli scontri civili, ha reso eterni personaggi e momenti cruciali della storia americana.

Steve Schapiro. Andy Warhol and Friends: in edizione limitata in 600 copie da 236 pagine e oltre 120 fotografie, lingua inglese.

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Con MAgriTTA, Gufram propone una riedizione di un’icona del Radical Design e del Surrealismo, ideata dall’architetto visionario Sebastián Matta come tributo al famoso dipinto dell’amico pittore, René Magritte.

Sebastian Matta prende i due elementi principali dell’opera di Magritte, la mela verde e la bombetta nera, e li reinterpreta in una dimensione tridimensionale. Il cappello funge da struttura, la mela, in poliuretano, costituisce la seduta

Gufram non è un semplice marchio di arredamento. Gufram è un laboratorio di Radical Design dove creatività e irriverenza danno origine a vere e proprie opere d’arte domestiche. Come MAgriTTa, la poltrona-scultura omaggio al Surrealismo. MAgriTTA: suona familiare? In effetti, osservando quella mela verde gigante dentro a un cappello a bombetta, l’ispirazione sembra inconfondibile. Parliamo del celebre dipinto di René Magritte, Il figlio dell’uomo, datato 1964. Il nome MAgriTTA, con questa speciale combinazione di lettere maiuscole e minuscole, fa tuttavia anche riferimento all’architetto visionario che l’ha ideata, Sebastián Matta. Matta realizzò la poltrona proprio come tributo all’arte dell’amico surrealista. Così il dipinto si è tramutato in una scultura ludica da arredo. E Gufram, fedele al suo spirito irriverente, ripropone una nuova edizione di questa icona di Radical Design. 

MAgriTTA: la poltrona-scultura surrealista

È una seduta piuttosto originale, MAgriTTA. Sebastian Matta prende i due elementi principali dell’opera di Magritte, la mela verde e la bombetta nera, e li reinterpreta in una realtà tridimensionale. E allora mette una mela gigante in un cappello (o una mela in un cappello in miniatura?). Gioca con l’illusione delle prospettive e tramuta l’inganno ottico di Magritte in un oggetto di design. Il cappello, rivolto in senso contrario, è in ABS e funge da struttura. La mela all’interno è invece un morbido cuscino in poliuretano, ricoperto in lana bouclé. Il progetto di Matta voleva la mela in verde, esattamente come nel dipinto di Magritte. Alla versione originale, Gufram aggiunge due nuove proposte: MAgriTTA Rouge, in rosso, e MAgriTTA Jaune, in giallo.

La scelta di Gufram di puntare sulla riedizione di un’icona del design tributo a un’opera d’arte è piuttosto singolare. Il Global Creative Orchestrator e proprietario del marchio, Charley Vezza, afferma infatti di non amare i tributi. Essi, a suo parere, si appropriano in un certo senso dell’intuizione creativa di qualcun altro. “Ma chiaramente non è il caso di Sebastian Matta”, dichiara Vezza a proposito. Matta “non aveva bisogno di appropriarsi di nulla, avendo già fama e intuizione creativa da vendere. Infatti, MAgriTTA non è la glorificazione del lavoro e della figura di Magritte, ma piuttosto la trasformazione in oggetto tridimensionale di un simbolo che nella sua arte non esisteva in quella forma. In questo senso direi che MAgriTTA non è un tributo vero e proprio: Matta, come in un gioco di prestigio, estrae la mela dal cappello, sublimando il lavoro di un grande artista e trasformandolo in icona di design”.

Gufram: il laboratorio italiano di Radical Design

MAgriTTA si inserisce perfettamente nel catalogo anticonformista e dal sapore pop di Gufram. Il marchio, sicuramente tra i più originali nel panorama italiano, ha acquisito fama internazionale grazie alle sue artistiche (se non bizzarre) proposte di arredamento. Laboratorio di Radical Design, Gufram realizza sedute e mobili d’arredo in cui l’approccio progettuale industriale e la ricerca tecnologica e di materiale si combinano artisticamente con quell’estro creativo proprio dell’arte. I prodotti di questo marchio diventano quindi simboli rivoluzionari in evidente rottura con gli schemi dell’arredamento classico. Ed è proprio quest’anima Pop Art e ironica ad accomunare i designer collaboratori e gli estimatori di Gufram, tutti con la medesima visione artistica e surreale dell’ambiente domestico.

di Debora Lupi

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Fashion Week Men’s: Iceberg P/E 2020

Il calendario ufficiale della settimana dedicata alla moda maschile vede anche quest’anno tra i protagonisti la casa di moda italiana di lusso nata nel 1974 come specialista in maglieria, Iceberg, che dal 2016 è affidata alla creatività al Made in London di James Long. In occasione della London Fashion Week Men’s, Iceberg ha presentato alla Truman Brewery la sua nuova collezione Primavera/Estate 2020 con uno show che vuol essere un tributo alla pop culture e allo street world.

Peter Blake, artista inglese del movimento della Pop Art, ha inoltre contribuito al successo di questa splendida e audace collezione. In passerella, infatti, sfila anche la capsule di “Art Denim” del brand, dedicata alla collaborazione Iceberg x Peter Blake. “Baby rainbow” e “Amerika”, opere simbolo dell’artista, sono riprodotte sui capi e accessori, rendendoli ancora più originali e unici. Un esempio è il bellissimo pullover che mescola intarsi a occhio di pernice, lavorazione jacquard e ricami.

Urban catwalk per Iceberg : collezione Primavera/Estate 2020

La collezione Primavera/Estate 2020 di Iceberg vede in passerella un mix di culture e identità: silhouette che indossano i capi in un gioco di contrasti grafici tra colori e forme; capi femminili e maschili, insieme, per un racconto capace di esprimere al meglio l’anima della collezione. Su uno sfondo total white sfila una collezione coloratissima, caratterizzata da tinte accese come blu, celeste, verde, giallo, rosa e rosso.

Sempre presenti i tratti distintivi del brand: l’immancabile logo ICEBERG, grafiche pop coloratissime da ispirazioni cartoonish, come le stampe Mickey Mouse e The looney tunes, e il denim, tessuto versatile e senza tempo, impiegato per diversi capi come le giacche, le gonne e i jeans.

Lo sportswear di lusso, cosmopolita e metropolitano di Iceberg

Non mancano le giacche in pelle e tracksuit abbinati a coloratissime sneakers che danno un tocco in più all’outfit. La donna Iceberg, femminile e decisa, sfila in passerella con completi rosa dai motivi floreali, abiti in satin e chiffon. Tra i bellissimi accessori che arricchiscono la collezione, non passano di certo inosservati gli occhiali sportivi con dettagli in gomma nera nati in collaborazione con Linda Farrow, marchio britannico specializzato in occhiali da sole di lusso.

Una collezione caratterizzata da capi vivaci, comodi, pratici e versatili, ancora una volta per celebrare uno sportswear di lusso, cosmopolita e metropolitano, sempre rivisitato in chiave glamour. Il risultato di questa collezione è stato davvero eccezionale: l’immaginazione e la creatività James Long si sono rivelati nuovamente la chiave del successo!

di Flavia Liviero

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Roy Lichtenstein sbarca al MUDEC di Milano con una mostra di circa 100 opere tra stampe, sculture e arazzi. Un’esposizione che dal 1° Maggio all’8 Settembre ci racconterà la vita artistica del grande maestro americano della Pop Art. L’arte di Lichtenstein ha sempre affascinato il mondo: dalla pubblicità, alla fotografia, al design e alla moda.

Roy Lichtenstein. Multiple visions

La mostra è curata da Gianni Mercurio, studioso dell’artista da oltre vent’anni, e promossa dal comune di Milano-cultura e da 24ORE Cultura – Gruppo 24 ore. Pensando a Lichtenstein ci balza subito alla mente tutto il mondo della Pop Art e degli anni ’50 americani. Roy Lichtenstein possiede infatti la capacità di reinterpretare in chiave pop oggetti, paesaggi e avvenimenti storici attraverso la sua passione per la grafica. Per tutta la sua carriera si dedica allo studio delle varie tecniche di stampa, utilizzando modalità e materiali diversi e innovativi. La sua idea di arte parte dalla creazione di un’idea originale, che sia lo studio o il bozzetto, per arrivare alla copia moltiplicata.

Il percorso

Il percorso della mostra è suddiviso nei temi e nelle diverse interpretazioni che l’artista dà ai vari soggetti e oggetti che rappresenta, da qui la scelta del termine “Visions”.
Ispirato a grandi artisti quali Picasso, Klee e Ernst, Roy Lichtenstein si addentra inizialmente in un mondo un po’ favolistico ed ironico. Ripropone così la realtà dei nativi americani e dei cow-boy, arrivando a rappresentare decorazioni, simboli e segni inventati ripresi dagli indiani d’America. Con l’inizio del consumismo, Roy Lichtenstein inizia a riprodurre oggetti, che diventano i protagonisti della Pop Art. Oggetti-non-oggetti come per la serie “Mirrors”, oppure oggetti-colore come quelli della serie “Still life”, dove appunto il colore assume un’importanza enorme.
Sicuramente la parte più famosa del suo repertorio artistico è l’action comics. Stampe che rappresentano guerra, azione e figure maschili contrapposte al sentimentalismo femminile di immagini statiche di donne. Immagini molto d’impatto e caratterizzate da un importante utilizzo del colore, che distoglie l’attenzione dal soggetto o dall’azione rappresentata. La mostra prosegue con la rappresentazione della donna: dalla casalinga felice a quella più emancipata e forte, nata con i primi movimenti femministi.
Con le ultime rappresentazioni di fumetti figurativi, Roy Lichtenstein si dedica per un periodo alla raffigurazione di paesaggi. Periodo in cui il repertorio cromatico dell’artista si amplia ed evolve moltissimo. Gli elementi dei paesaggi vengono raffigurati con una composizione di “Ben-Day dots”, che gli consente di raggiungere il punto più alto dei suoi studi e della sua ricerca. Infine troviamo il periodo più astratto dell’artista, in cui si dedica al tema della pennellata e arriva a realizzarla in modo tangibile con sculture in legno e bronzo.
Una mostra ben strutturata e interessantissima, che mostrerà una completa visione del repertorio artistico di uno dei più grandi maestri della Pop Art.
 
di Valeria Dalle Carbonare

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Le più importanti novità 2019 di casa Seletti sono state presentate in anteprima durante la Design Week, sia in Fiera che nel flagship store in Corso Garibaldi 117 – Brera Design District. Grandi collaborazioni per Seletti: Studio Job, TOILETPAPER, Marcantonio, studio AMeBE e Diesel.

Stefano Seletti, art director del brand, afferma: “Sperimentare senza mai fermarci. […] E così oggi presentiamo progetti e tipologie di prodotto che solo fino a poco tempo fa sembravano lontanissime da noi, come il mobile e l’imbottito. Sono felice di poter affermare che la (r)evolution di Seletti sia ancora in pieno svolgimento!”.

BLOW by Job & Seletti: The Lazy Painter, Pop & Lock – design Studio Job

Design democratico. Design fatto di oggetti “pop” accessibili a un pubblico più ampio. Da questa idea prende forma la collezione BLOW di  Job Smeets, Nynke Tynagel e Seletti, nel 2017.

LAZY PAINTER

La Lazy chair di Seletti combina bellezza e comodità: un must nella living room di ogni casa. Oggetto del desiderio dopo le fatiche giornaliere, in cui trovare un relax quotidiano, diventa icona di stile tra avanguardia e artigianalità. Rivestita con un tessuto che simula pennellate di colore, riproduce visivamente l’effetto del “dipinto a mano”.

POP & LOCK

La pop art per la quotidianità: coloratissime tele della pop art diventano contenitori di tutte le dimensioni, forme e finiture. Adatte ad ogni luogo per dare ordine e soprattutto colore al vostro arredamento e, perché no, alle vostre vite! Ogni pezzo è acquistabile singolarmente, ma attraverso un particolare sistema potrete anche combinarlo con altri pezzi della collezione, per dare sfogo alla vostra creatività. Tra i soggetti più irriverenti: pop-art Trump, American Stripes, Pop Corn, e vari iconici simboli a creare un mix esplosivo di forme e colori.

SELETTI WEARS TOILETPAPER: Sideboard, Sgabello – design TOILETPAPER

TOILETPAPER: magazine fotografico fondato da Maurizio Cattelan e Pierpaolo Ferrari. Arredi anni ’50 e immagini surreali, oniriche ed esaltanti sono la loro inconfondibile firma. In questa collezione unica, classico e contemporaneo sono i protagonisti di un movimentato twist and shout. Le folli e modernissime grafiche campeggiano su dei sideboard scandinavi dal gusto vintage. Nella collezione degli imbottiti, tra poltroncine, divani e pouf, si aggiunge lo sgabello in cui dettagli classici e ricercati – come i sottili piedi in ottone – si sposano perfettamente con un tessuto morbido e vellutato, dando vita ad un’opera d’arte contemporanea.

SELETTI + MARCANTONIO: Monkey Chandelier, Heart Lamp – design Marcantonio

Il designer Marcantonio ha firmato alcuni dei prodotti diventati vere e proprie icone del brand, come le Monkey Lamp, le Mouse Lamp e il vaso Love in Bloom.

MONKEY CHANDELIER

È la nuova creazione dopo la Monkey Lamp, best-seller Seletti. Una scimmia eretta dallo sguardo acceso, una al contrario dormiente, e l’ultima in procinto di saltare giù e darsi alla fuga. Tutte e tre aggrappate ad un prezioso Chandelier classico ed elegante. L’attenzione, il riposo, la fuga. Marcantonio rivela le varie nature dell’animale, o forse dell’uomo? Grazie al suo approccio scultoreo e narrativo, in equilibrio tra arte e design, crea un’opera che si declina sia secondo i canoni dell’utilità dell’oggetto, sia secondo i canoni della bellezza e del significato profondo di un’opera d’arte.

HEART LAMP

Illuminati dall’anatomia umana. Un cuore, ma non il cuoricino che tutti disegniamo in ogni dove. Una vera riproduzione anatomica, in ceramica, che emana una luce soffusa grazie ad un led interno. Il nuovo progetto di Lighting di Seletti ha un look crudo ma dal significato poetico.   

CUPOLONE – design Studio AMeBE

Resina bianca e antracite per realizzare una lampada a sospensione che ricorda la Cupola di San Pietro, in maniera surreale. Un tributo alla creatività italiana pensato da AMeBE: Alessandra Mantovani ed Eleonora Barbareschi.

LINEA – design Selab

Nuovi decori geometrici, quadretti e righe multicolore danno vita a opere optical e rinnovano il look della lampada Linea, must di Seletti ormai da tempo.

DIESEL LIVING WITH SELETTI – Cosmic Diner

Diesel e Seletti incoraggiano a nuove missioni stellari dopo i 50 anni dallo sbarco dell’uomo sulla Luna.

STARMAN GOLD

Oro sgargiante per la nuova versione del vaso Starman.

COSMIC HANGERS

Le pareti diventano un vero e proprio sistema solare con gli appendiabiti in legno dai tratti futuristici. Galassie e pianeti variopinti per decorare il vostro universo domestico.

SIDE DOESN’T MATTER

Nuovi mondi da esplorare anche a tavola, grazie alla coppia di piatti piani che raffigura il Globo visto dalla Luna, per lasciare l’immaginazione libera di allontanarsi dalla terra tra una pietanza e l’altra.

di Agnese Lucia Ialuna

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Leonardo e Warhol: un grande omaggio a Milano

Cos’hanno in comune Leonardo da Vinci, straordinario architetto, pittore e ingegnere del XVI secolo, e Andy Warhol, il visionario padre-fondatore della Pop Art, made in Pittsburgh, USA, 1928? Il genio, naturalmente…ma non solo. Un arco di sei secoli separa questi due veri e propri talenti, e la città di Milano, straordinariamente, ne rappresenta il punto di incontro, la congiunzione astrale.
In occasione del quinto centenario della morte del portentoso scienziato, il Gruppo MilanoCard, gestore della Cripta di San Sepolcro, in co-produzione con la Veneranda Pinacoteca e Biblioteca Ambrosiana, il Credito Valtellinese e MedialArt, presenta LEONARDO & WARHOL. The genius experience: la prima mostra immersiva che ospita anche opere originali, visitabile dal 1 marzo al 30 giugno 2019.

Leonardo e Warhol: the genius experience, la prima mostra immersiva con opere originali

Il percorso all’insegna dell’intelligenza fuori dal comune ha inizio nella Sala Sottofedericiana della Biblioteca Ambrosiana con uno show multimediale a 360 gradi, che con musiche e immagini suggestive proietta il pubblico nella Milano vissuta, sognata e amata da Leonardo, per poi accompagnarlo nella cripta di San Sepolcro, luogo nevralgico della metropoli e che già lui stesso in una mappa del Codex Atlanticus indicava come i preciso centro della città. La cripta, di cui verranno a breve terminati restauri, importantissimo monumento archeologico della città, ospiterà The last supper, interpretazione personale dell’artista statunitense del Cenacolo vinciano, realizzata nel 1987 ed esposta nell’ultima mostra di Warhol tenutasi presso il Refettorio delle Stelline.
L’esposizione, curata da Giuseppe Frangi, approfondisce l’uso delle acque, il rapporto con la terra e con la natura, l’innovazione tecnologica e quella architettonica, che hanno portato alla Milano dei grattacieli e del Bosco verticale; non vi sono migliori parole di quelle dell’amministratore del Gruppo MilanoCard, Edoardo Filippo Scarpellini, per descrivere l’obiettivo della mostra: “Sono almeno 500 anni che a Milano il genio da potenziale può diventare reale, il genio del singolo ha portato alla Milano di oggi e sta costruendo la Milano di domani. Qui vogliamo celebrare Milano, il genio, la bellezza ma soprattutto qui vogliamo celebrare ogni persona che ha contribuito a rendere Milano quella che è e che sarà”.
 
di Alessandra Baio

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San Valentino 2019 by Seletti, tra topolini colorati e lampade a forma di cuore

In uno dei negozi di design più belli, colorati ed eccentrici di Milano, esce una micro-collezione dedicata a San Valentino. In occasione del 14 Febbraio infatti, Seletti decide di lanciare delle super novità romantiche per gli innamorati. Tre prodotti simpatici e molto dolci: dal piccolo topolino rosa, alla lampada a forma di cuore, fino ad arrivare al vaso di fiori.

“Love is everywhere, also in the lighting”

La luce, secondo Seletti, diventa il regalo perfetto per San Valentino e per illuminare l’amore in questa giornata. Mouse Lamp San Valentino è la prima novità per questo 14 Febbraio.

Una piccola lampadina a forma di cuore sorretta dalle manine di un piccolo topolino che in punta di piedi la porge in dono. Grazie alla collaborazione con Marcantonio, lo storico topolino bianco best-seller viene così reinventato e rilanciato in una versione rosa cipria che gli dona un tocco più dolce.

Heart Lamp, realizzata da Studio Job, è un oggetto semplice che unisce funzionalità e romanticismo. Un cuore luminoso da parete che inonderà la casa di dolcezza con la sua delicata luce soffusa.

E infine abbiamo il bellissimo vaso Love in Bloom, un delicato cuore anatomico bianco che può ospitare al suo interno dei fiori meravigliosi. L’amore è un sentimento che va coltivato e protetto come un fiore. Questo è il bellissimo messaggio che Marcantonio decide di  far passare con la sua bellissima opera iperrealistica.

Il brand

Seletti rappresenta il mondo del design divertente e colorato. Una unione tra design e pop art che nasce nel 1964 a Cicognara, Mantova. Il negozio di Milano si trova in Corso Garibaldi 117, zona molto centrale e suggestiva. Offre una collezione di oggettistica e arredamento davvero all’avanguardia, fantasiosa, ipnotica e che non stanca mai.

Se siete quindi alla ricerca del regalo perfetto per San Valentino e volete stupire la vostra dolce metà. Se cercate qualcosa di diverso e particolare per illuminare la vostra bellissima casa ricca d’amore, Seletti ha la soluzione giusta per voi.

di Valeria Dalle Carbonare

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L’anticlassicismo artistico e caratteriale di Andy Warhol

Sulle pareti del Museo d’Arte Moderna Mario Rimoldi (Cortina d’Ampezzo, Belluno), dal 7 Dicembre al prossimo 22 Aprile, saranno esposte 140 opere del volto della Pop Art: Andy Warhol. Andrew Warhol Jr. (1928-1987), personaggio così eclettico da risultare quasi indeclinabile, può essere definito simbolo della Pop Art, e nella fattispecie colui che ha trasposto concettualmente i feticci dell’immaginario collettivo americano nei 60’s.
Di origine ucraina e nato in America, Andy Warhol dimostrò subito una forte attitudine artistica che lo indusse a studiare e affermarsi nel mondo pubblicitario, arrivando a lavorare per Vogue e Glamour. Visionario, portò gli scaffali dei supermercati nei musei partendo dal presupposto che l’arte fosse oggetto di consumo, che i prodotti di massa fossero specchio della democrazia sociale: bottiglie di Coca Cola e barattoli di zuppa Campbell’s risemantizzati attraverso la tecnica di ri-presentazione dell’immagine stessa su vasta scala.
Suo fratello (Paul Warhola) non aveva una natura particolarmente artistica e dopo la morte di Andy sfruttò la tecnica di questi per vendere delle stampe ricavate da fotografie; Andy Warhol morì a 58 anni e, in seguito al tragico evento, la quotazione delle sue opere crebbe esponenzialmente al punto da divenire il secondo artista al mondo ad essere ammirato e acquistato dopo Pablo Picasso.
A condurlo alla morte furono delle complicazioni di salute in seguito ad un drammatico episodio avvenuto il 3 Giugno 1968: una femminista radicale, Valerie Solanas, sparò a Andy Warhol e al suo compagno di allora, Mario Amaya. Warhol, sopravvissuto, non volle testimoniare contro la donna e la vicenda passò in secondo piano in seguito all’assassinio di Bob Kennedy, avvenuto nei giorni successivi.

La mostra

La mostra ripercorre tutto il percorso professionale di Andy Warhol presentandone i capolavori relativi ad ogni periodo: dalla coloratissima Liz Taylor (1964), passando per i dipinti dei francobolli (S&H Green Stamps, 1965), fino alla serigrafia a colori di Marilyn Monroe (1967, 1970, 1985). E ancora, le icone dei Brillo Box (1970) e dei primi Flowers (1970, 1074), al tempo esposte come carte da parati presso la prestigiosa galleria di Leo Castelli.
Poi, il Mao, Mick Jagger, dedicato e donato all’attrice Dalila di Lazzaro, i Camouflage. Dal debutto nella commercial art al disinnesco dei canoni estetici su ogni fronte (musica, cinema, arte e moda), il racconto della vita di uomo che con il suo straniante punto di vista ha rivoluzionato i connotati del mondo dell’arte.
Guardando la mostra avrete modo di capire che se “nel futuro ognuno sarà famoso nel mondo per circa 15 minuti”, sarebbe stato bene che per se stesso Andy Warhol avesse rivisto questa approssimazione!
 
di Selena Celio

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