La collezione Thannhauser arriva a Palazzo Reale

Dal 17 ottobre 2019 al 1 marzo 2020 il Palazzo Reale di Milano ospita l’importantissima esposizione intitolata Guggenheim. La collezione Thannhauser, da Van Gogh a Picasso. La mostra presenta circa cinquanta opere fondamentali per la storia dell’arte nei periodi impressionista, post-impressionista e delle avanguardie di inizio Novecento. La curatela prende la voce di Megan Fontanella, curatrice d’arte moderna al Guggenheim di New York. È proprio da quest’ultimo che provengo molte delle opere esposte, sebbene la parte più cospicua appartenga a quella che fu la collezione Thannhauser. Justin K. Thannhauser fu un mercante d’arte tedesco che contribuì alla diffusione dell’arte moderna in Europa. Dopo aver perso moglie e figli, egli donò la sua collezione alla Fondazione Solomon R. Guggenheim, che oggi, per la prima volta, permette di esporre i propri capolavori in Italia. La mostra è promossa dal Comune di Milano Cultura, Palazzo Reale e MondoMostre Skira.

Artisti & opere: l’esposizione

La mostra “Da Van Gogh a Picasso” si afferma come un’importante occasione per ammirare i capolavori della collezione Thannhauser, prima mai esposti fuori dagli Stati Uniti. In esposizione, le opere saranno prevalentemente già note al pubblico. Il loro valore è, infatti, tale da avergli garantito, negli anni, fama internazionale. Ora, a Palazzo Reale, è possibile ammirare queste eccellenze dal vero.
Una cospicua presenza nella mostra è data da tredici opere di Pablo Picasso, che fu amico stretto di Justin K. Thannhauser. Al suo fianco non può mancare Georges Braque, di cui sono esposti quattro dipinti. Proseguendo, sei sono le opere visibili del maestro Paul Cézanne. Di Vincent Van Gogh si possono ammirare tre dipinti. Di Paul Gauguin, invece, compare con una singola opera del suo periodo a Tahiti: il paesaggio Haere Mai, del 1891. Per concludere, tra i maestri impressionisti non mancano opere di Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir ed Edgar Degas, insieme al loro predecessore Édouard Manet.
 
di Chiara Pellini 

L'articolo I capolavori dell’arte moderna in mostra a Palazzo Reale proviene da Gilt Magazine.

La Grande Arte al Cinema torna nelle sale con un nuovo capitolo alla scoperta della vita di Paul Gauguin. Dopo Hokusai, Van Gogh, Bosch, Canaletto, Schnabel, Degas e Tintoretto, il progetto, curato da 3D Produzioni e Nexo Digital con il sostegno di Intesa San Paolo, fa da guida nel viaggio della vita di Gauguin, che con la sua partenza verso le civiltà primitive polinesiane ha condotto la Francia, e in seguito tutto il mondo, al Modernismo.

Dietro al progetto

Come afferma lo storico dell’arte e curatore Marco Goldin, co-autore del soggetto insieme allo sceneggiatore Matteo Moneta, ci sarebbe bisogno di molti altri film per raccontare i vari capitoli che hanno portato Gauguin ad essere l’artista conosciuto oggi. Gauguin a Tahiti – Il paradiso perduto, diretto da Claudio Poli, si focalizza su una parentesi, la più significativa della vita di Gauguin. Una parentesi raccontata a quattrocchi con la telecamera, come non è stato mai abituato a fare, l’attore e regista Adriano Giannini, che ha prestato la sua voce per la lettura di diari e lettere dell’artista.

Insieme alle testimonianze scritte, a leggere la vita di Paul Gauguin attraverso le sue opere saranno Mary Morton, curatrice alla National Gallery of Art di Washington, Gloria Groom, curatrice all’Art Institute di Chicago, Judy Sund, docente della New York City University, Belinda Thomson, massima esperta di Gauguin, David Haziot, autore della più aggiornata e accreditata biografia su Gauguin. Il tutto accompagnato dalle esclusive musiche composte dal pianista Remo Anzovino, uno dei massimi esponenti della musica strumentale italiana attuale, che ha saputo coniugare con il gusto esotico del docu-film.

Le origini del viaggio

Fiero delle sue origini peruviane, Paul Gauguin, nonostante sia nato a Parigi il 7 giugno 1848, trascorre la sua giovinezza in lungo e in largo. Saranno preludio della sua ricerca di fuga le esperienze sul mercantile Luzitano e la marina francese. Gli studi in diritto ed economia a Parigi, e l’aiuto di uno zio, lo condurranno al lavoro di agente di borsa presso una banca che gli concesse una vita molto benestante. Una grande casa e una quotidianità trascorsa con la moglie danese Mette Sophie Gad e i cinque figli sembrano però non bastare a Gauguin.

Alla ricerca di distrazioni si avvicina ai Cafè parigini frequentati da artisti come Camille Pissarro, il primo a credere nel suo talento pittorico. La voglia di fuggire dall’attaccamento al denaro e dalla società conformista parigina lo portano a lasciare il posto di lavoro e la città. Sulla semplice e primitiva costa bretone trova ispirazione tra le donne dai costumi locali e i loro riti religiosi. Inizia il distacco dalle piccole campiture dal sapore impressionista, avvicinandosi alle grandi macchie di colore saturo come il giallo, che diventerà suo colore prediletto.

Il paradiso perduto

Lo stesso giallo, misto al blu, definirà la pelle delle donne tahitiane che troverà nei villaggi ancora non contaminati dalla colonizzazione francese. Immerso nella natura lussureggiante, circondato dai colori più puri e accesi, si avvicinerà sempre di più allo studio che caratterizza i suoi quadri. Il rapporto dell’uomo, o meglio della donna, suo caro soggetto, con la natura e la religione.

La condizione paradisiaca in cui vengono colte queste donne polinesiane, simbolo della vita, rappresentano per lui le sacerdotesse di una religione naturale che l’uomo occidentale ha dimenticato. Ma quest’uomo resta il suo spettatore, è lui che Gauguin cerca disperatamente di conquistare, e ce la farà, quando diventerà mito ancor prima di morire. Quell’artista che spedisce a Parigi opere dall’Oceania, e che ha trasformato l’uomo del naturalismo nell’uomo moderno dell’inconscio. L’uomo che si chiede: chi è? Da dove viene? E dove va?

Ulteriori informazioni:

Al cinema il 25, 26, 27 Marzo 2019

A seguire il link dell’elenco delle sale italiane

http://www.nexodigital.it/gauguin-a-tahiti-il-paradiso-perduto/

di Pamela Romano

L'articolo Il viaggio esotico di Gauguin al cinema proviene da Gilt Magazine.

Leonardo e Warhol: un grande omaggio a Milano

Cos’hanno in comune Leonardo da Vinci, straordinario architetto, pittore e ingegnere del XVI secolo, e Andy Warhol, il visionario padre-fondatore della Pop Art, made in Pittsburgh, USA, 1928? Il genio, naturalmente…ma non solo. Un arco di sei secoli separa questi due veri e propri talenti, e la città di Milano, straordinariamente, ne rappresenta il punto di incontro, la congiunzione astrale.
In occasione del quinto centenario della morte del portentoso scienziato, il Gruppo MilanoCard, gestore della Cripta di San Sepolcro, in co-produzione con la Veneranda Pinacoteca e Biblioteca Ambrosiana, il Credito Valtellinese e MedialArt, presenta LEONARDO & WARHOL. The genius experience: la prima mostra immersiva che ospita anche opere originali, visitabile dal 1 marzo al 30 giugno 2019.

Leonardo e Warhol: the genius experience, la prima mostra immersiva con opere originali

Il percorso all’insegna dell’intelligenza fuori dal comune ha inizio nella Sala Sottofedericiana della Biblioteca Ambrosiana con uno show multimediale a 360 gradi, che con musiche e immagini suggestive proietta il pubblico nella Milano vissuta, sognata e amata da Leonardo, per poi accompagnarlo nella cripta di San Sepolcro, luogo nevralgico della metropoli e che già lui stesso in una mappa del Codex Atlanticus indicava come i preciso centro della città. La cripta, di cui verranno a breve terminati restauri, importantissimo monumento archeologico della città, ospiterà The last supper, interpretazione personale dell’artista statunitense del Cenacolo vinciano, realizzata nel 1987 ed esposta nell’ultima mostra di Warhol tenutasi presso il Refettorio delle Stelline.
L’esposizione, curata da Giuseppe Frangi, approfondisce l’uso delle acque, il rapporto con la terra e con la natura, l’innovazione tecnologica e quella architettonica, che hanno portato alla Milano dei grattacieli e del Bosco verticale; non vi sono migliori parole di quelle dell’amministratore del Gruppo MilanoCard, Edoardo Filippo Scarpellini, per descrivere l’obiettivo della mostra: “Sono almeno 500 anni che a Milano il genio da potenziale può diventare reale, il genio del singolo ha portato alla Milano di oggi e sta costruendo la Milano di domani. Qui vogliamo celebrare Milano, il genio, la bellezza ma soprattutto qui vogliamo celebrare ogni persona che ha contribuito a rendere Milano quella che è e che sarà”.
 
di Alessandra Baio

L'articolo Leonardo e Warhol: la Milano di ieri, oggi, domani proviene da Gilt Magazine.

Nel meraviglioso mondo della natura, un “safari” nel cuore di Milano

Dal 13 marzo al 14 luglio nel cuore di Milano, a Palazzo Reale, e precisamente nella Sala delle Cariatidi, sarà possibile compiere uno straordinario viaggio “nel meraviglioso mondo della natura: una favola tra arte, mito e scienza”, organizzato in occasione dei cinquecento anni dalla morte di Leonardo da Vinci.
Si tratta di una mostra, o meglio, un’esperienza visiva e visionaria tra arte, storia, botanica e natura promossa da Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale e 24 ORE Cultura-Gruppo 24 ORE, alla cui realizzazione hanno collaborato tantissime organizzazioni e istituzioni meneghine quali, per citarne solo alcune, il Museo di Storia Naturale, la GAM, il Civico Acquario e la Biblioteca Ambrosiana.

Il Ciclo di Orfeo: un gioiello dell’arte italiana e molto altro

L’originale progetto espositivo, curato da Giovanni Agosti, Jacopo Stoppa (storici dell’arte e docenti all’Università degli Studi di Milano) e dalla scenografa Margherita Palli, ruota attorno ad un’originalissima e poco conosciuta opera d’arte da anni conservata nella “sala del Grechetto” di palazzo Sormani: il Ciclo di Orfeo, una serie di grandi tele commissionate da Alessandro Visconti negli anni ’70 del ‘600 che raffigurano più di 200 specie di animali, autoctoni e non, reali o immaginari, dipinti a grandezza naturale.
A questo unicum nella storia dell’arte italiana faranno da cornice più di 130 esemplari tra mammiferi, rettili, uccelli e pesci che, assieme alla scenografia e alle luci (a cura di Pasquale Mari) realizzate appositamente per l’occasione, permetteranno allo spettatore di vivere un “safari” nel centro di Milano, vivendo un’esperienza ultrasensoriale unica e irripetibile.
Ad accompagnare le 23 tele allestite secondo l’antico assetto e la verosimile sequenza originaria con cui si doveva presentare per Palazzo Visconti ci saranno: opere figurative che hanno ispirato gli allestimenti, due punte di diamante della natura morta lombarda, la Canestra di frutta del Caravaggio e il Piatto metallico con pesche di Giovanni Ambrogio Figino, oltre ad un codice tardo gotico lombardo, l’Historia plantarum della Biblioteca Casanatense di Roma, con illustrazioni di piante e animali.
Durante tutto il periodo dell’esposizione vi sarà una raccolta fondi finalizzata al restauro del capolavoro seicentesco, e l’intervento di pulitura e consolidamento è già inserito tra quelli finanziabili dal MiBAC grazie all’Art Bonus.
ORARI:
Lunedì: 14.30–19.30; Martedì, mercoledì, venerdì e domenica: 9.30-19.30; Giovedì e sabato: 9.30-22.30
di Alessandra Baio

L'articolo Nel meraviglioso mondo della natura, una favola ultrasensoriale proviene da Gilt Magazine.

Edgar Degas, iconico pittore impressionista, nelle sale per il ciclo de “La grande arte al cinema”

Ne abbiamo certamente sentito parlare, ne abbiamo studiato le opere principali a scuola e, magari ci siamo soffermati ad ammirare le eleganti ballerine che sembravano fluttuare sulla tela. Tutti noi conosciamo Edgar Degas, che, dopo oltre un secolo dalla sua morte, approda sul grande schermo.

Il 28, 29 e 30 Gennaio il famoso pittore impressionista sarà protagonista del docu film Degas – passione e perfezione, diretto da David Bickerstaff. Il film inaugura la stagione 2019 della Grande Arte al Cinema di Nexo Digital, che l’anno scorso ha attirato più di 500mila spettatori.

Partendo dalle sale del Fitzwilliam Museum di Cambridge, che ospita la più ampia collezione di opere dell’artista, lo spettatore ripercorre le tappe della vita di Degas: dagli anni della formazione in Italia al periodo parigino.

Degas – passione e perfezione: alla scoperta della mente di un artista

Il film evento è dedicato alla ossessiva ricerca della perfezione che ha da sempre accompagnato la vita dell’artista: Degas era infatti un pittore costantemente insoddisfatto dei suoi lavori, tanto da tenere la maggior parte delle sue opere nascoste.

Il docu film vuole indagare su questa ossessione offrendo una visione unica sulla vita personale e creativa di Degas. Dallo studio dei maestri del passato, come Delacroix o i pittori del Rinascimento, alla passione per la danza, lo spettatore scoprirà lati dell’artista che l’hanno reso una delle personalità più amate e indipendenti del movimento Impressionista.

Non solo pittura

In Degas – passione e perfezione lo spettatore può ammirare lati creativi del pittore che non si imparano sui libri di storia dell’arte. Come la passione per la scultura, arte che spesso non viene associata all’artista delle ballerine e dei fantini. Per raccontare gli aspetti del quotidiano che tanto lo colpivano, dai caffè parigini alle corse di cavalli ai nudi femminili, Degas realizzò numerose statue di argilla o cera, che furono ritrovate nel suo studio alla sua morte.

Un artista, insomma, tutto – ancora – da scoprire.

di Alessandra Tropiano

L'articolo Degas – passione e perfezione, il film evento in arrivo nelle sale proviene da Gilt Magazine.

Ballandi Arts e Nexo Digital presentano LE NINFEE DI MONET. UN INCANTESIMO DI ACQUA E LUCE. Esclusivamente al cinema il 26, 27 e 28 novembre 2018 un nuovo capitolo del progetto La Grande Arte al Cinema indetto da Nexo Digital in collaborazione con TIMVISION, Radio Capital, Sky Arte e MYmovies.it. Il protagonista di questo capitolo è il padre dell’Impressionismo Claude Monet (Parigi, 14 novembre 1840 – Giverny, 5 dicembre 1926)

Raccontata da Elisa Lasowski de Il Trono di Spade, la vita di Monet viene ripercorsa attraverso i suoi luoghi, da ciò che è rimasto e di chi ancora se ne occupa, come la giardiniera del giardino di Giverny, Claire Hélène Marron. Alla supervisione scientifica lo storico e scrittore Ross King, autore di Il mistero delle ninfee. Monet e la rivoluzione della pittura moderna.

Monet, la storia di un uomo innamorato dell’acqua e della natura

La storia di un uomo innamorato dell’acqua che, come una prima radice che ne va alla ricerca, la seguiva in modo tortuoso come il movimento del fiume Senna, sulle cui sponde trascorreva la sua vita. Dalle mattine in cui saltava la scuola per osservare il mare a nord della Normandia, alla pittura en plein air; la natura divenne la sua ossessione.

Riflettersi sull’acqua e riflettere su se stessi tramite questo elemento. Uno studio costante dei colori che cambiano a seconda della luce segnò il periodo più prolifico della sua vita. La decisione di andare a vivere nel piccolo paese di Giverny, dove costruì quella che può essere definita la sua prima opera architettonica. Un’architettura floreale, in cui ogni tipologia di fiore era ordinata per colore: dai freddi ai caldi, ciascuno disposto a favore della luce ideale che occorreva all’artista per dipingerli.

Monet: dallo stagno delle Ninfee ai Salici piangenti

Una storia di luce, che riflette sulla natura mutandola ai nostri occhi costantemente e che Monet, definito “il pittore con gli occhi più sensibili mai esistiti”, racconta scomponendola. L’immagine si presenta creata da minuscole pennellate, come i pixel della risoluzione attuale dei giorni nostri. Componeva per decomporre e lasciare che lo spettatore ricostruisse il tutto nella propria mente.

A completamento della sua abitazione perfetta a Giverny, creò lo stagno delle ninfee, seconda opera architettonica. La Ninfea, un fiore che rappresenta l’acqua (pur nascendo dal fango nel fondo dello stagno) e la luce, fiorendo infatti a pelo d’acqua, divenne il simbolo della ricerca che caratterizzò l’intera vita di Monet.

“Il pittore della felicità”, come venne definito, visse invece una vita piena di sgradevoli eventi. Incomprensione da parte della critica e del pubblico durante la sua giovinezza, lutti familiari, il figlio chiamato alle armi durante la Prima Guerra Mondiale e la perdita graduale della vista. Queste ultime disgrazie condizionarono e modificarono il suo modo di “vedere” e di dipingere; da qui introdusse nuovi soggetti: i salici piangenti. Dalle ninfee aperte alla luce alle fronde dei salici, afflitte e cadenti, ancora una volta alla ricerca dell’acqua.

Musée Marmottan, Musée d’Orsay, Giverny e la Fondazione Monet, insieme all’ultima e impressionante opera pittorico-architettonica del Musée de l’Orangerie progettata dall’artista dei fiori e della luce in LE NINFEE DI MONET. UN INCANTESIMO DI ACQUA E LUCE, vengono trascinati per la prima volta nel Grande Schermo di luce che è il cinema.

di Pamela Romano

L'articolo Al cinema: Le ninfee di Monet proviene da Gilt Magazine.

Van Dyck: il “pittore di corte” in mostra a Torino

“Il mio miglior allievo”: così il grande maestro Peter Paul Rubens definì il compatriota Antoon Van Dyck (1599-1641), uno dei ritrattisti più importanti del Seicento che la città di Torino omaggerà con una splendida mostra che si terrà alla Galleria Sabauda dal 16 novembre 2018 fino al 3 marzo 2019.
Una fantastica raccolta di 100 opere divise in 4 sezioni provenienti dai più importanti musei, accompagnate dai dipinti già presenti nella collezione delle Gallerie Reali. Il tutto volto a manifestare al pubblico il grande talento del pittore fiammingo, cercando di evidenziare la fittissima rete di rapporti di committenza che Van Dyck ebbe con le élite più eminenti dell’Europa del suo tempo. Van Dyck, infatti, dopo essersi inizialmente cimentato con opere di carattere religioso e mitologico, si dedicò quasi esclusivamente alla magnifica arte del ritratto, a cui diede un contributo straordinario e apportò sensibili modifiche non prive di continuatori.

Van Dyck: il maestro fiammingo

La sua pennellata, morbida ed elegante, unita alla sua eloquenza signorile e raffinata gli permisero di realizzare ritratti per personaggi illustri quali Carlo I d’Inghilterra (di cui fu il pittore ufficiale), i reali di Savoia e i ricchissimi nobili genovesi, le cui rappresentazioni  appaiono sempre psicologicamente coerenti anche se celebrative. Il maestro fiammingo, come ogni intellettuale Seicentesco che si rispetti, compì moltissimi viaggi in Italia, rimanendo rapito dalle bellezze naturali e conquistato dalle tele di grandissimi pittori; soprattutto per Tiziano professava un amore e un’ammirazione incondizionata.

Una vita a regola d’arte

“Grande per la Fiandra era la fama di Pietro Paolo Rubens, quando in Anversa nella sua scuola sollevossi un giovinetto portato da così nobile generosità di costumi e da così bello spirito nella pittura che ben diede segno d’illustrarla ed accrescerle splendore”, così lo storico dell’arte Giovan Pietro Bellori descrisse Antoon Van Dyck, un giovane pittore molto promettente, dotato di grande charme, destinato ad un futuro luminoso (come i suoi colori) nelle più sfavillanti corti Seicentesche.  Una vita trascorsa a dipingere dame, re, nobili e cavalieri: un vero “pittore di corte”.
di Alessandra Baio

L'articolo Antoon Van Dyck e l’arte del ritratto in mostra a Torino proviene da Gilt Magazine.

Alessandro Preziosi torna a teatro con lo spettacolo Vincent Van Gogh – L’odore assordante del bianco. Dal 15 novembre al 2 dicembre, al Teatro Manzoni di Milano, Alessandro Preziosi vestirà i panni di Vincent Van Gogh.

Alessandro Preziosi, fra arte e follia

È il 1889 e Van Gogh si trova nel manicomio di Saint Paul dopo un attacco di pazzia. Questa è la vicenda biografica che Stefano Massini prende come spunto per scrivere il suo primo spettacolo. Chiuso in una stanza così candida da essere accecante, il pittore vive un periodo di immobilità artistica. Ma come si può vivere in un luogo dove l’unico colore è il bianco? Come si può sopportare la devastante neutralità del vuoto?

Qui la sua follia sembra crescere fino a non fargli più riconoscere ciò che è vero da ciò che non lo è. Il desiderio più grande di Vincent è quello di uscire da quelle mura, e la sua speranza è riposta nella visita del fratello Theo. Nel loro dialogo il pittore racconta il suo disperato tentativo di sfuggire all’assenza di colore a cui è costretto.

Un thriller psicologico sulla creatività artistica

Con un testo dalla scrittura limpida e dalla drammaturgia tagliente e immediata, Massini lancia interessanti spunti di riflessione. Diventa difficile segnare il confine tra verità e finzione, follia e sanità, realtà e sogno. Un magnetico e intenso Alessandro Preziosi restituisce il tormento del protagonista con una potente immediatezza espressiva. Il pubblico resta con il fiato sospeso di fronte a una recitazione sopra le righe.

Impossibile non immedesimarsi nella disperazione di un uomo creativo e geniale che fa riflettere sul ruolo dell’arte. Chiuso nel suo castello bianco, Van Gogh resta in bilico tra il reale e il suo esatto opposto. Un’evoluzione lucida in cui l’artista compie lo straziante sforzo di liberarsi da un bianco che acquista un odore assordante. La visione dell’assurdo si rispecchia nei sensi: il colore si può odorare e ascoltare.

La tensione narrativa della scrittura netta e coinvolgente di Stefano Massini. L’immedesimazione di Alessandro Preziosi in un’angoscia che mantiene sempre il senso della misura. Un Van Gogh soffocato da un bianco anonimo e mortale. Un unico complesso disegno in una pièce teatrale che diventa la metafora fra l’arte e il potere, fra l’artista e la società.

di Giulia Rovai

L'articolo Alessandro Preziosi: al Teatro Manzoni nei panni di Van Gogh proviene da Gilt Magazine.

I macchiaioli. Arte italiana verso la modernità

Debutta alla Gam di Torino il meglio della pittura macchiaiola: dalla sperimentazione degli anni Cinquanta dell’Ottocento ai capolavori degli anni Sessanta. Le premesse, gli albori e la stagione iniziale e più felice del movimento sono i protagonisti della mostra I Macchiaioli. Arte italiana verso la modernità, per la prima volta alla Galleria Arte Moderna e Contemporanea di Torino, fino al 24 marzo 2019.
Firenze, Maggio 1861: un gruppo di giovani artisti si ritrova al Caffè Michelangiolo dando vita a un nuovo concetto di sintesi pittorica, la “macchia”. Coniato dalla stampa in senso dispregiativo in occasione dell’Esposizione Nazionale di Firenze del 1861, il termine macchiaioli piacque tanto ai pittori che decisero di adottarne il soprannome. Un’ardita sperimentazione, tra i momenti più significativi del rinnovamento dei linguaggi figurativi, che porterà a un’arte italiana moderna, e che proprio alla Promotrice delle Belle Arti di Torino deve la sua affermazione.
Proclamata Capitale del Regno d’Italia, la città visse nel Risorgimento una stagione di particolare entusiasmo culturale. Per documentare l’arte allora contemporanea è dovuta la nascita dell’attuale Gam, che rende omaggio ad artisti quali Antonio Fontanesi, i piemontesi della Scuola di Rivara e i liguri della Scuola dei Grigi, in dialogo per l’occasione con circa 80 opere firmate tra gli altri da Silvestro Lega, Giovanni Fattori, Cristiano Banti, Telemaco Signorini e Odoardo Borrani.

I macchiaioli, un itinerario all’interno della mostra

Il percorso I macchiaioli. Arte italiana verso la modernità inizia dal racconto della formazione dei protagonisti con le prime opere accademiche rispettose della tradizione rinascimentale, di gusto romantico o purista. A introdurlo, anche una selezione di lavori scelti tra quelli proposti alle prime Promotrici di Belle Arti e alla prima Esposizione nazionale di Firenze del 1861. Sullo sfondo, la visita all’Esposizione Internazionale di Parigi del 1855 e il dialogo tra alcuni artisti di Piemonte, Liguria e Toscana sulle ricerche “sul vero” e sul colore-luce condotte en plein air e sulla sperimentazione della macchia su nuovi soggetti storici e paesaggistici.
Si prosegue con le scelte pittoriche del gruppo dall’Unità d’Italia a Firenze Capitale e agli ambienti in cui ne maturò il linguaggio figurativo, come Castiglioncello e Piagentina. A fine viaggio, pittura e critica si intrecciano in due riviste partecipi della rivoluzione ottocentesca dell’arte italiana, il “Gazzettino delle Arti del Disegno” e “Arte in Italia”. Torino inscena così una narrazione che restituisce non solo l’occasione per ammirare i capolavori dell’arte dei Macchiaioli dalle origini al 1870, ma che permette una più vasta comprensione del movimento, sottolineando il dialogo che ha unito artisti di varie aree d’Italia in una ricerca volta alla modernità pittorica.
 
di Arianna Greco

L'articolo I macchiaioli alla Gam di Torino proviene da Gilt Magazine.

René Magritte, il surrealista della pipa-non-pipa, viene messo a nudo con una mostra interattiva ed emotiva in grado di far capire l’essenza della sua arte. Mostra promossa dal Comune di Milano, firmata da Crossmedia Group – Hepco insieme a 24 ORE Cultura. Allestita all’interno della suggestiva cattedrale della Fabbrica del Vapore di Milano dal 9 ottobre al 10 febbraio 2019. Curata dalla storica dell’arte Julie Waseige, è la prima mostra monografica digitale e multisensoriale dedicata all’artista. Creata grazie ad una tecnologia all’avanguardia e un nuovo format espositivo, trascinerà lo spettatore in un limbo tra reale e immaginario.

Magritte e la mostra

Lo spettatore sarà accolto da una sezione introduttiva per ripercorrere le tappe della vita artistica di Magritte attraverso 20 monitor all’interno della Sala Visual. Verrà poi catapultato all’interno della Sala degli Specchi, dove figure e immagini danzeranno sulle pareti, sul pavimento e sul soffitto, avvolgendolo completamente. La Sala Immersiva sarà il vero cuore dell’esposizione, in cui maxischermi proietteranno l’universo pittorico dell’autore. Un’esperienza a 360°, dove 160 immagini accuratamente selezionate trasporteranno per 50 minuti lo spettatore in una (non) realtà.

La tecnologia

Il movimento e la frammentazione delle immagini sono resi possibili grazie al sistema Matrix X-Dimension. Un apparato di proiettori laser in grado di trasmettere 40 milioni di pixel, rendendo le immagini in una definizione impareggiabile. All’interno delle sale si potrà anche vivere un’esperienza tridimensionale grazie agli Oculus VR, creati in esclusiva da Crossmedia Group insieme all’artista 3D Chunhui Luo.

La musica

A fare da cornice in questo scenario irreale, sono stati scelti dei brani musicali di Erik Satie, precursore della musica moderna e amico di Magritte. Si dice che la musica di Satie “lascia l’ascoltatore essere libero di scegliere il proprio cammino”.

Il pensiero

Questa voglia di libertà la riscontriamo in Magritte stesso. L’autore, spogliando le sue opere da ogni carica emozionale, lascia allo spettatore il compito di interpretarle e di coglierne il mistero. Così facendo permette di abbracciare l’opera e di entrare in essa, ed è proprio questo l’intento della mostra. Far entrare lo spettatore all’interno dell’opera che si scompone davanti a lui, con la possibilità di vedere dettagli che in una mostra tradizionale sarebbero impercettibili.
Un nuovo modo di guardare che permette inoltre di conoscere i meccanismi sottostanti alla creazione dell’opera. La distanza di fruizione svanisce, la riproduzione dell’opera acquisisce importanza così come la acquisisce lo spettatore. Un decimo del lavoro artistico di Magritte messo a disposizione per coloro che si lasceranno trasportare e cullare dall’artista, fino ad entrare nella sua mente. Se Magritte scriveva “ceci n’est pas une pipe”, noi scriviamo “ceci n’est pas une exposition”.
 
di Eleonora Valente

L'articolo Inside Magritte, una reale immersione nell’universo surrealista proviene da Gilt Magazine.