Il film evento che esplora il lato più intimo del noto maestro sarà presente al cinema dal 27 al 29 novembre. Con la partecipazione straordinaria di Mina Kavani, attrice protagonista di No Bears di Jafar Panahi, vincitore del Premio Speciale della Giuria alla Mostra del Cinema di Venezia 2022.

Mina Kavani sarà la guida di questo percorso, in cui ci accompagnerà con letture di brani tratti da lettere conservate al Museo Picasso e da volumi come “Picasso e i suoi amici” di Fernande Olivier, “Picasso” di Gertrude Stein e “La mia vita con Picasso” di Françoise Gilot.

Il docu film prodotto da prodotto da 3D Produzioni e da Nexo Digital col sostegno del Musée National Picasso di Parigi, indaga con uno sguardo inedito, le mille sfaccettature di un artista anarchico e rivoluzionario, destinato a diventare un’icona del Novecento. 

Si può separare l’artista dall’uomo?

Picasso. Un ribelle a Parigi, esplora il carattere contraddittorio ed eclettico dell’artista, fatto di luce e ombra. Il futuro di Picasso inizia a Parigi, all’epoca città contradditoria e intollerante verso l’immigrato. È questo il contesto in cui una delle personalità più influenti del 900 cerca di inserirsi, attraversando le difficoltà. Il docu film, realizzato in occasione dei 50 anni dalla morte di Picasso diretto da Simona Risi su soggetto di Didi Gnocchi e Sabina Fedeli, evidenzia il percorso di un giovane emigrato che riesce a farsi spazio in un contesto a lui ostile, dove riuscirà ad emergere. 

Picasso. Un ribelle a Parigi, esplora  gli aspetti più interessanti: dalla personalità dell’artista alle sue opere, come  Les Demoiselles d’Avignon. Le musiche originali del film sono firmate da Emanuele Matte.

Picasso, uno dei più grandi geni del Novecento 

Le interviste a critici dell’arte, intellettuali e artisti, come Celine Debray, la storica e autrice del volume “Picasso, Annie Cohen-Solal, Marie-Laure Bernadac e Eugenio Carmona Mato, ci guideranno alla consapevolezza di un artista che, attraverso le sue opere, ha cercato di conversare con il mondo, da lui definito ‘estraneo’

“Dipingere non è un’operazione estetica: è una forma di magia intesa a compiere un’opera di mediazione fra questo mondo estraneo e ostile e noi”.

Pablo Picasso

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In questo momento storico in cui i musei sono costretti a chiudere, ci pensa la moda italiana a condurci verso la bellezza dell’arte. Un mese intenso quello compreso tra la fine di febbraio e l’inizio di marzo, che ha visto il fashion month femminile riservato alle collezioni Autunno/Inverno 2021. Il tutto svoltosi naturalmente in digitale, come ha scelto di fare anche in nome dell’Arte il capoluogo meneghino con la sua Milano MuseoCity tra il 2 e 7 marzo.

La nuova percezione della moda e dell’arte

Ancora una volta questi due mondi si incontrano, lungo la strada della loro evoluzione, premendo sull’acceleratore di un motore che alimenta la vita di chi è in una costante ricerca della bellezza; ma anche di chi non lo è, perché inevitabile è scontrarvisi. Inevitabile percepire il cambiamento della fruizione della moda grazie a Instagram e in generale al World Wide Web. 

E se la moda si fa più democratica, direttamente proporzionale lo diventa anche l’arte. Lo abbiamo visto alla Milano Fashion Week, grazie ad alcuni tra i grandi nomi che ne hanno omaggiato di altrettanto grandi del mondo dell’arte. Si arricchisce la lunga lista che, partendo dal binomio Dalì-Schiaparelli, vede forme e stampe che permettono al corpo di indossare le idee di chi ha raccontato attraverso i colori, le tele e i metodi meno convenzionali la storia dell’uomo. 

MSGM e Alessandro Calabrese per la Fall/Winter 2021

Poco convenzionale l’approccio artistico di Alessandro Calabrese, trentino di base a Milano, laureato in architettura e fotografia, scelto dallo stilista Massimo Giorgetti in occasione della collezione FW21. Simili per temperamento e approccio al colore, MSGM ha colto da Calabrese i frutti della serie The Long Thing del 2017. Evoluzione della serie precedente, denominata The Failed Entertainment, in cui utilizzava lo scanner in maniera tradizionale, in The Long Thing ha lasciato che il digitale misto al caso prendesse il sopravvento. È così che, una volta poggiati oggetti da cancelleria da ufficio e agendo sulla zona sensibile dello scanner, sono nate campiture dai colori saturi degne della palette MSGM FW21. Un’alleanza così contemporanea non si vedeva probabilmente dai tempi di Alexander McQueen e Damien Hirst, e che onore vederla sotto il segno del Made in Italy.

Moschino cita Picasso ancora una volta

Una citazione più che un binomio diretto è una delle scene del video Jungle Red firmato Moschino. Jeremy Scott presenta la collezione FW 2021 mostrando la donna in diverse sfaccettature e momenti della sua vita. Tra questi la visita al museo, dove tre donne in un look monocromo nei toni del nero, giallo e blu stanno ammirando quello che sembra un moderno Les Demoiselle d’Avignon picassiano, composto da cinque donne vestite di abiti stampati di pennellate. Non è la prima volta che Moschino si rifà all’arte e soprattutto a Pablo Picasso, come nella SS 20; ma se prima erano loro stesse a indossare le tele, le modelle prendono vita uscendo dalla cornice. Sarà la voglia di riappropriarsi della propria libertà di rivedere l’arte ad aver ispirato Jeremy Scott?

di Pamela Romano

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Ingres, pittore rivoluzionario e contraddittorio, in mostra a Palazzo Reale

Dal 12 Marzo il Palazzo Reale di Milano apre le porte al pittore della Borghesia del 1800: Jean Auguste Dominique Ingres.

“Con il magnifico ritratto di Monsieur Bertin, Ingres mostra di essere l’unico uomo in Francia capace di far ritratti” (Charles Baudelaire).

Un attenzione maniacale, oltre quattromila fogli pervenuti sino ai giorni nostri, disegni a matita, acquerelli, la tela come fine ultimo: queste le caratteristiche di Ingres, pittore eccelso del 1800, le cui influenze neoclassiche e tipicamente rinascimentali furono gli strumenti allo scopo di raggiungere quel Bello Ideale promosso da Winckelmann.

L’artista

Influenzato dalla tradizione rinascimentale italiana e, in particolare, fiorentina, ponendo attenzione e restituendo valore al disegno, inteso come matrice primigenia dell’opera pittorica, Ingres arriva a Milano, con un’esposizione di circa 150 opere.
Amante della musica e della pittura di Raffaello, Ingres rappresenta parte integrante di un incrocio di storie che videro protagoniste l’Europa e l’Italia. Il pittore delle odalische, con la sua modernità, mostrò immediatamente un talento straordinario per il disegno. Nato nel 1780 a sud della Francia, nel 1797 è a Parigi, nella cerchia di David, fino ad arrivare a Roma nel 1806, per approfondire gli studi e la sua passione per Raffaello. Affezionato all’Italia deciderà poi di restarvi fino al 1824, per tornare più avanti a dirigere Villa Medici.
Testimone della “paradossale modernità del Neoclassicismo” (Marc Fumaroli) e delle sue tensioni e contraddizioni, in quella dualità solare e tenebrosa, la mostra di Ingres viene strutturata in diverse sezioni, per accompagnare i visitatori in un percorso dotato di senso e continuità e volto a far risaltare ogni sfaccettatura di un pittore tanto grandioso, quanto complesso.

La mostra

Realista e manierista al contempo, Ingres affascina tanto per le sue esagerazioni espressive quanto per il suo gusto del vero.
Nella prima parte dell’esposizione viene evidenziata l’invenzione di un nuovo linguaggio figurativo tra Ancien Régime e Rivoluzione Francese, che vide protagonista la cerchia di David, di cui Ingres fece parte a Parigi: un lessico di cori virili dotati di forza ed energia. Nella seconda parte il ritratto inizia ad acquistare una certa rilevanza. “L’uomo nuovo”, protagonista del tempo, cittadino esemplare e devoto ai suoi compatrioti, ne è il protagonista.
Nelle successive sezioni, l’Italia diviene protagonista, con alcuni famosi ritratti tra cui quelli di Appiani. Una sala è riservata alla figura di Giovanni Battista Sommariva, a partire dal ritratto di Pierre Paul Prud’hon e dalla Tersicore di Canova. Il percorso espositivo giunge così al solenne e magnifico ritratto di Napoleone in costume sacro.
Infine, ritratti maschili, Veneri ed Odalische accompagnano il visitatore al termine della mostra, che costituisce un percorso singolare e sorprendente, atto a raccontare un artista “inclassificabile”, erede di Raffaello e precursore di Picasso, maestro di “forma e di non-forma”, un rivoluzionario.
 
di Sara Pacella

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Picasso e il suo mondo antico in mostra a Palazzo Reale

Ad aprire la stagione autunnale di Palazzo Reale, il 18 ottobre è stata inaugurata la mostra Picasso-Metamorfosi, un’occasione per ripercorrere alcune tappe dell’attività del prolifico pittore spagnolo, indagando il suo rapporto con il mito e l’antichità. Sono oltre 200, infatti, i capolavori provenienti dai più eminenti musei d’Europa (come il Musée du Louvre, i Musei Vaticani e il Museo Picasso di Barcellona) che saranno in esposizione fino al 17 febbraio 2019, per un inedito approfondimento sul grande artista.
Attraverso Metamorfosi, curata da Pascale Picard, direttrice dei Musei civici di Avignone, e con il patrocinio del Comune di Milano e MondoMostreSkira, si potrà avere l’occasione di fruire da un lato dei lavori di Picasso, dall’altro di una serie di opere antiche da cui sorse la sua ispirazione. Due mostre in una, quindi, che, soprattutto grazie all’allestimento molto semplice e lineare, mettono a diretto confronto due mondi, facendo emergere le fonti di ispirazioni visive e archetipiche di Picasso.

Picasso, il mito e il rapporto con l’antico

A differenza di altre esibizioni, questo progetto non si propone come antologico ma, concentrandosi esclusivamente sul tema del rapporto con l’antico, propone al visitatore sei sezioni tematiche. Dalla mitologia del bacio all’iconografia del Minotauro, passando per l’idea di metamorfosi, la mostra permette di penetrare tutto l’immaginario mitologico del maestro e di ammirare opere come Il bacio (1969), L’abbraccio (1970), Nudo disteso (1932), Testa di uomo barbuto (1938) e Donna seduta (1920). Il mito, infatti, fu sempre per lui una dimensione importantissima, da cui seppe trarre simboli e modelli per la propria arte, ma anche per una maggior comprensione dell’intimo vissuto di ogni uomo.
La scelta fatta dai curatori di proporre un ritorno all’antico, pur in un’arte così moderna e determinante per il XX secolo come quella di Picasso, assume ancora più spessore e coerenza se riflessa nei tempi in cui viviamo e nella direzione presa dalla società odierna. La città di Milano inoltre, conserva uno speciale rapporto con l’artista di Malaga; fu infatti la prima ad esporre Guernica in Italia nel 1953 e sancì la fortuna critica del maestro nel nostro Paese. L’augurio è dunque quello che una mostra del genere mantenga tale rapporto, rinnovandolo.
 
di Gaia Lamperti

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Da settembre 2012 Milano e il suo Palazzo Reale ospitano la fortunata mostra che racconta la vicenda personale e l’arte di Pablo Picasso. Un’esposizione che ha riscosso un successo straordinario di pubblico, tanto da indurre istituzioni e organizzatori a prorogarla sino al 27 gennaio.
Un susseguirsi di ambienti accompagnano lo spettatore lungo l’arte multiforme del pittore e spiegano il variare della sua penna, tra periodi e suggestioni diverse.
La Sala degli Specchi, ad esempio, accoglie la mostra fotografica di un giovane Picasso – tra didascalie e due frasi celebri – e le proiezioni degli studi su Guernica (capolavoro sulla tragedia della guerra), in un’atmosfera decadente fatta di specchi antichi e cariatidi segnate dal tempo.
Le tematiche care all’artista – la condanna della guerra e l’esaltazione del corpo femminile attraverso il tema della maternità – occupano uno spazio importante dell’esposizione, così come le sue due amanti-muse ispiratrici: la giovane Marie Thèrese e la più matura Dora Maar.
Marie Thèrese Walter fu l’amante diciassettenne, simbolo della freschezza e dell’incoscienza; viene ritratta con colori luminosi e il suo sorriso appare disteso, ingenuo, quasi dormiente. Dora Maar, fotografa di grande maturità personale e artistica (realizzò la documentazione fotografica delle fasi di esecuzione di Guernica) ha un volto opaco e gemente, spezzato in forme frastagliate che sembrano voler gridare al mondo il suo tormento interiore. “La donna che piange”, uno dei suoi ritratti, è parte di questa imperdibile antologica dedicata a Pablo Picasso.
La posticipazione della data di chiusura permetterà a chi ancora non l’abbia fatto di ammirare la grandezza dell’artista di Malaga, immergersi nelle sue atmosfere cubiste e scoprire episodi della sua vita personale: i matrimoni e il difficile rapporto con le sue donne, amate e detestate al contempo, ripudiate in vita e rese immortali dal tocco del suo grande genio.
 
(di Rosa Gioffrè)
 

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“I miei quadri, finiti o no, sono le pagine del mio diario e sono validi in quanto tali. Il futuro sceglierà le pagine che preferirà. Non spetta a me di farlo. Io ho sempre operato per il presente”. Così parlava Pablo Picasso , il più grande artista del Novecento, o forse l’incarnazione stessa del Novecento. Questo secolo di creazione e distruzione, di odio e amore, di collettività e di solitudine. Picasso racconta la sua storia e con essa la storia del suo tempo.
Palazzo Reale celebra non solo la figura del grande artista, ma l’influenza che questi ha avuto su tutto lo scorso secolo e parte di quello che stiamo vivendo. La mostra ripropone, rivisitandola, la celebre esposizione di Picasso del 1953, che ebbe luogo sempre a Palazzo Reale, in una Milano che si stava risollevando dalle macerie dei bombardamenti e dalle cicatrici di un conflitto mondiale. Allora l’esposizione fu una vera e propria boccata di aria fresca e diede ispirazione ai movimenti artistici e culturali italiani che seguirono; Picasso e le sue opere si ponevano, infatti, come modello di rinascita dopo un periodo di chiusura e distruzione.
Nella mostra del 1953 , l’artista fu personalmente coinvolto: inviò personalmente alcune opere inedite e fece persino arrivare, direttamente da New York, l’opera più maestosa della sua carriera: “Guernica”.
Oggi, il palazzo nel cuore di Milano non può vantare la stessa nobile presenza, ma una stanza dell’esposizione è interamente dedicata a questo fantasma in bianco e nero. E il Guernica stesso è fantasma della guerra, dell’Europa, dell’uomo che si dissolve, si disintegra davanti alle follie della guerra. Sappiamo, però, che Picasso è scaltramente contraddittorio: non c’è distruzione senza creazione, ed ecco che tra le macerie di Guernica spunta un fiore.
La mostra accompagna in un percorso lineare l’opera dell’artista, dal realismo blu e solitario, al razionale cubismo, fino al surrealismo. Ciò che emerge è la sua tanto decantata ossessione per le donne, che ritrae in mille sfaccettature, sfumature, catturandole o sfiorandole. La vita dell’artista è costellata di donne, e tutte hanno a che fare con la sua arte: per citarne una, Dora Marr, colei che documentò con le sue fotografie l’opera in itinere di Guernica. E poi Marie-Thérèse, Eva, Olga, Jaqueline: tutte sono riconoscibili e i tratti sono talmente espliciti da rendere inconfondibili i riferimenti a ognuna di loro. Le donne di Picasso sono amate, odiate, sfigurate, elaborate, elogiate, distrutte, ricomposte.
È con questo spirito, tra ricordi e speranze per il futuro, che Milano accoglie Picasso, perché sia un monito nel 2012 come lo è stato nel 1953.
Perché dalla distruzione nasca sempre un fiore. 
(di Sara Todeschini)

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“La pittura è una professione da cieco: uno non dipinge ciò che vede, ma ciò che sente, ciò che dice a se stesso riguardo a ciò che ha visto” (Picasso).
Sono passati quasi sessant’anni dall’ultima volta in cui Pablo Picasso si è messo in mostra a Milano (se si esclude una mostra più piccola e meno ambiziosa nel 2001). Sessant’anni di grande attesa, che finalmente è giunta al capolinea: a partire dal 20 settembre, e fino al 6 gennaio 2013, oltre 200 opere, molte delle quali mai uscite dal Museo Picasso di Parigi, saranno ospitate a Palazzo Reale, per una storica “personale”, una grande antologia che copre tutte le fasi più significative della produzione artistica del Maestro spagnolo. Il percorso espositivo è arricchito da disegni, stampe, libri illustrati e da una sezione che documenta la mostra presentata nel 1953 proprio nel museo affacciato su Piazza Duomo. Spazio poi anche a ‘Guernica’, cui sarà dedicato un focus nella stessa Sala delle Cariatidi, con immagini, lettere e carteggi originali.
Curata da Anne Baldassari, riconosciuta a livello internazionale fra i più importanti studiosi dell’artista e curatrice del Musée National Picasso di Parigi, la mostra è pensata come un excursus cronologico sulla produzione dell’artista, mettendo a confronto le tecniche e i mezzi espressivi con cui si è cimentato nel corso della sua lunga carriera coprendo tutte le fasi fondamentali della sua creatività multi-sfaccettata e i vari mezzi espressivi e mediatici tramite cui il suo genio visuale ebbe modo di esprimersi. Questo sensazionale insieme di opere offre la possibilità unica e straordinaria di confrontarsi con le maggiori fasi artistiche della Modernità, testimoniate da un unico – forse il più grande di tutti – genio: il periodo blu e quello rosa, il periodo della ricerca “africana” o proto-cubista, il Cubismo Sintetico e il Cubismo Classico, le pitture surrealiste, il periodo del coinvolgimento politico e i dipinti sul tema della guerra, l’interludio pop e le variazioni sul tema ispirate ai grandi maestri dell’arte rinascimentale e moderna, fino alle sue ultimissime produzioni prima delle morte, avvenuta nel 1972.
Innumerevoli i capolavori che popolano la mostra come “La Celestina” (1904), “Uomo con il mandolino” (1911), “Ritratto di Olga” (1918), “Due donne che corrono sulla spiaggia” (1922), ”Paul come Arlecchino” (1924), “Ritratto di Dora Maar” e “La supplicante” (1937).
Una combinazione di genialità e linguaggi artistici in continua evoluzione che arricchirà la città di ineguagliabile bellezza.
Eventi collaterali – L’attesissima mostra di Picasso sarà anticipata da alcuni eventi straordinari, promossi dall’Assessorato alla Cultura per “preparare” la città all’avvento del grande artista.
Lunedì 17 e mercoledì 19 settembre, alle ore 21, il premio Nobel Dario Fo e Franca Rame porteranno sul palcoscenico del Teatro Dal Verme una lezione-spettacolo inedita, dedicata all’indiscusso genio della pittura del Novecento e scritta proprio in occasione della mostra milanese, grazie a un importante sforzo documentativo nelle biblioteche di varie città italiane. L’ingresso è gratuito fino ad esaurimento posti. Saranno portate in scena la vita e le opere di Pablo Picasso attraverso un racconto che ne ripercorrerà tutti i periodi: dal rapporto di Picasso con la Commedia dell’Arte, al grande interesse che il pittore catalano nutriva verso l’arte italiana e, in particolare, verso i grandi maestri del Rinascimento, comprese le loro scelte politiche e anche i loro amori. Fo stupirà gli spettatori con una serie di tavole di falsi d’autore tratti dai maggiori capolavori di Picasso e da lui rivisitati con la sua “bottega”. In concomitanza con lo spettacolo verrà pubblicato un volume che raccoglie il testo dei dialoghi e delle fabulazioni recitate sul palcoscenico, assieme alle duecento immagini che verranno proiettate durante la lezione.
Le aspettative sulla mostra di Picasso sono altissime: Comune di Milano e 24 Ore Cultura (organizzatori) contano di superare il mezzo milione di visitatori, record assoluto per una mostra al Palazzo Reale.
Noi ci andremo e nei primi giorni di ottobre riscriveremo di lui e della mostra. Leggi l’approfondimento con qualche spunto critico in più, cliccando qui.
Informazioni:
PABLO PICASSO
Capolavori dal Museo Nazionale Picasso di Parigi
Palazzo Reale
Dal 20/09/2012 al 06/01/2013:
Lunedì: 14:30-19:30
Da martedì a domenica: 09:30-19:30
Giovedì e sabato apertura prolungata fino alle 22:30
(di Azzurra Zaglio)

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Fino al 2 settembre nella splendida cornice di Palazzo Reale sarà ospitata la mostra-tributo all’arte degli anni 70 a Milano.

Con oltre 70 artisti la mostra si propone di raccontare, attraverso opere di fotografia, scultura, pittura e documentazioni visive, la produzione artistica, politica e culturale della città lombarda.

L’ingresso è gratuito e la mostra si apre con la prima, inusuale installazione dell’artista milanese Gianni Colombo (1937-1993), Bariestesia,1975 una serie di scale dove il visitatore, salendo e scendendo, ha una percezione alterata dello spazio capovolgendo le canoniche sensazioni di equilibrio.

Numerose sono le sale, differenti le installazioni: si possono trovare casse di legno in una fittizia ambientazione archeologica, Claudio Costa, Antropologia riseppellita, 1976, ma anche una sala con intere pareti tappezzate di fogli scritti a macchina, testimonianze del celebre artista Emilio Isgró, “L’avventurosa vita di Emilio Isgrò – nelle testimonianze di uomini di Stato, artisti, scrittori, parlamentari, attori, parenti, familiari, amici, anonimi cittadini”, suggestive, concise frasi firmate a mano, e illuminate da soffusi faretti.

Nella celebre Sala delle Cariatidi, un affascinante contrasto tra luce e buio attrae il visitatore ad avvicinarsi alla maestosa opera di Enrico Baj, i funerali dell’anarchico Pinelli, 1972, un velato riferimento a Guernica di Picasso, esprime la tragicità di un episodio drammatico.

La mostra è un susseguirsi di fotografie, inusuali video e imprevedibili sculture, dove lo spettatore sarà nostalgicamente riportato in una delle più artisticamente produttive epoche ormai lontane.

(di Chiara Duri)

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