Non è una mostra che chiede di essere spiegata, ma attraversata con attenzione. Le forme del desiderio, ospitata a Palazzo Reale, restituisce l’opera del fotografo Robert Mapplethorpe nella sua dimensione più rigorosa e complessa: quella di un autore che ha fatto della forma una questione etica prima ancora che estetica. 

A distanza di anni le sue immagini non smettono di interrogare lo sguardo contemporaneo, non tanto per ciò che mostrano, quanto per il modo in cui lo fanno. Qui il desiderio non è mai esibizione o provocazione fine a se stessa, ma una forza strutturante, un principio compositivo che attraversa corpi, fiori e ritratti con la stessa disciplina formale.

Il corpo come architettura 

Nel lavoro di Mapplethorpe il corpo non è mai un semplice soggetto, ma una costruzione visiva precisa, quasi architettonica. I nudi maschili e femminili che compongono il percorso espositivo sono trattati come volumi plastici, isolati dal contesto e restituiti a una dimensione astratta, fuori dal tempo.

La luce, netta e controllata, scolpisce i muscoli e le superfici, mentre il fondo nero annulla ogni distrazione, concentrando lo sguardo sulla struttura della posa. Nulla è lasciato al caso: ogni curva, ogni tensione, ogni linea del corpo è parte di una grammatica visiva rigorosa, che richiama il classicismo scultoreo pur restando profondamente contemporanea. In questa costruzione formale, l’erotismo non è mai esplicito: è inscritto nella forma stessa, nella sua perfezione controllata.

Desiderio come tensione formale

Il desiderio, nell’universo di Mapplethorpe, non racconta storie e non cerca empatia. È una forza silenziosa che attraversa l’immagine, una tensione trattenuta che si manifesta attraverso l’equilibrio tra controllo e pulsione. 

Le fotografie più iconiche — dai corpi neri, potenti e monumentali, fino alle immagini più apertamente erotiche — sono sempre governate da una disciplina visiva che sottrae la scena allo scandalo e la consegna a una dimensione quasi rituale.

Mapplethorpe non indulge mai nell’eccesso: anche quando il soggetto potrebbe suggerirlo, la forma interviene a ricondurre tutto a una misura. È proprio in questa distanza emotiva, in questa freddezza apparente, che le immagini trovano la loro forza. Non cercano consenso: chiedono tempo e attenzione.

Fiori, ritratti, superfici

Accanto ai corpi, i fiori occupano un ruolo centrale nella narrazione visiva della mostra. Calle, orchidee, tulipani vengono isolati, ingranditi, trasformati in presenze quasi monumentali. Anche qui il desiderio si manifesta per sottrazione: il fiore diventa una superficie sensuale, una metafora della fragilità e della tensione vitale.

I ritratti seguono la stessa logica compositiva. Da Patti Smith alle figure dell’underground newyorkese, i soggetti vengono fotografati frontalmente, privati di contesto, fissati in un tempo sospeso. 

Mapplethorpe non racconta l’identità: la cristallizza. Il volto diventa una forma, uno spazio di concentrazione visiva in cui lo sguardo è chiamato a sostare, senza distrazioni narrative.

Classicismo e contemporaneità

Uno degli aspetti più sorprendenti della mostra è la sua attualità. In un’epoca dominata da immagini rapide, sovrapposte, spesso consumate in pochi secondi, la fotografia di Mapplethorpe appare quasi radicale nella sua richiesta di lentezza. Il suo classicismo — fatto di simmetrie, contrasti netti, composizioni essenziali — non appartiene al passato, ma si impone come una scelta controcorrente.

Le sue immagini non cercano di essere “attuali”: lo sono per rigore, per coerenza, per la capacità di resistere al tempo. Guardarle oggi significa confrontarsi con un’idea di fotografia come atto consapevole, come costruzione che richiede silenzio e attenzione.

La disciplina dello sguardo

La mostra di Palazzo Reale restituisce Robert Mapplethorpe nella sua essenza più autentica: non come provocatore, ma come costruttore di forme. Il desiderio, nelle sue immagini, non è mai disordine, ma tensione trattenuta, equilibrio fragile tra istinto e controllo.

In un presente visivo saturo e veloce, il suo lavoro continua a imporsi per sottrazione, rigore e precisione. 

Non chiede di essere spiegato, ma guardato davvero. 

E forse è proprio questa, oggi, la sua forza più radicale.

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Un viaggio visivo e narrativo che restituisce tutta la potenza poetica e visionaria di uno dei più grandi maestri della fotografia italiana del Novecento.

Un racconto per immagini: tra poesia e inconscio

La retrospettiva si sviluppa attraverso un percorso tematico e cronologico che ricostruisce la carriera di Giacomelli come un racconto denso di suggestioni letterarie, psicologiche e visive. Le sue celebri serie fotografiche, ispirate ai versi di poeti come Leopardi e Pavese, diventano l’occasione per esplorare la fotografia come racconto dell’inconscio, sospeso tra realtà e interpretazione, vita e arte.

Un doppio omaggio tra Milano e Roma

L’esposizione milanese si completa idealmente con un secondo appuntamento, al Palazzo delle Esposizioni di Roma, dove il focus si sposta sulle metamorfosi della materia e sull’approccio performativo dell’artista, che considerava la fotografia non solo come rappresentazione, ma come gesto, azione, espressione.

Insieme, le due mostre offrono un inedito sguardo critico e completo sull’intero percorso di Giacomelli: dalla sua poetica in bianco e nero fatta di campi arati, corpi e scritte, fino all’astrazione più materica e profonda.

Una vita per l’immagine, un’immagine per la vita

Mario Giacomelli non era un fotografo tradizionale: autodidatta, appassionato di stampa e sperimentazione, ha trasformato la macchina fotografica in un mezzo per interrogare il mondo e l’esistenza. I suoi lavori non illustrano, ma evocano. Non spiegano, ma risuonano.

A cent’anni dalla sua nascita, questa retrospettiva – promossa dal Comune di Milano con l’Archivio Mario Giacomelli, a cura di Bartolomeo Pietromarchi e Katiuscia Biondi Giacomelli – è più che un omaggio: è una lettura necessaria e profondamente emozionante del suo lascito artistico.

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Nel 2025, il Palazzo Reale di Milano celebra il centenario dell’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, che nel 1925 a Parigi lanciò ufficialmente lo stile Art Déco. La mostra Art Déco. Il trionfo della modernità, curata da Valerio Terraroli, si svolgerà dal 27 febbraio al 29 giugno 2025 e offrirà uno sguardo esclusivo su un’epoca che ha segnato un radicale cambiamento estetico e culturale, con un focus particolare sull’Italia, che ha giocato un ruolo fondamentale nell’affermazione di questo stile.

Il boom dello stile déco: tra arte, design e industria

L’Exposition del 1925 ha segnato l’inizio di una nuova era per le arti decorative, facendo nascere l’Art Déco, un mix perfetto di artigianato di alta qualità e produzione industriale. Questo stile ha conquistato rapidamente l’Europa nel periodo del dopoguerra, caratterizzandosi per la sua eleganza, il lusso e l’innovazione. La mostra al Palazzo Reale racconta come l’Italia, con i suoi artisti e designer come Gio Ponti, Tomaso Buzzi, Paolo Venini e Vittorio Zecchin, abbia portato il suo inconfondibile tocco creativo all’evento di Parigi, affermandosi come uno dei principali protagonisti internazionali.

Eleganza e lusso: l’art déco in tutte le sue forme

Con circa 250 opere in esposizione, la mostra offre una panoramica straordinaria di oggetti e opere che hanno definito l’epoca: porcellane, vetri, maioliche, sculture decorative, arredi, gioielli, abiti haute couture e molto altro. Ogni pezzo racconta la storia di un’epoca che celebrava il bello e il raffinato, ma anche la velocità e il progresso, con la moda, l’architettura, i trasporti di lusso e il design che hanno trasformato l’ambiente domestico e pubblico.

Un’attenzione particolare è riservata alla moda, con abiti e accessori che rappresentano la metamorfosi della figura femminile, emancipata e dinamica, liberata dai corsetti. Grazie ai prestiti provenienti da Palazzo Morando, i visitatori potranno ammirare alcune delle creazioni più iconiche di quell’epoca.

Lusso e progresso, ma anche fragilità

Gli anni Venti furono un periodo di grande entusiasmo, ma anche di contraddizioni. Mentre le città si trasformavano in centri di lusso e mondanità, le aree rurali rimanevano arretrate e il consumismo mascherava le difficoltà economiche e sociali. La mostra non si limita a celebrare l’estetica del periodo, ma invita anche a riflettere sulle sue fragilità e sui segnali di instabilità che avrebbero condotto agli eventi che segnarono la fine del decennio.

Con l’uso di tecnologie multimediali, filmati d’epoca, fotografie e materiali d’archivio, la mostra restituisce l’atmosfera di un’epoca sospesa tra il desiderio di rinnovamento e l’incertezza del futuro.

Collaborazioni di prestigio per una mostra di respiro internazionale

Per rendere possibile questa straordinaria rassegna, il Palazzo Reale ha collaborato con alcuni dei principali musei italiani e internazionali, tra cui il Museo Richard-Ginori di Sesto Fiorentino, il Museo delle Ceramiche di Faenza, e il Musée des Années 30 di Parigi, per offrire una visione completa e autentica dell’Art Déco. Questi prestiti, insieme alla partecipazione di musei milanesi come Palazzo Morando e il Castello Sforzesco, arricchiscono la narrazione e permettono ai visitatori di entrare in contatto con una delle epoche più affascinanti e creative del Novecento.

Un viaggio in un mondo di bellezza, eleganza e modernità

La mostra Art Déco. Il trionfo della modernità è molto più di una celebrazione estetica: è un’opportunità per esplorare un’epoca di grande creatività e innovazione, ma anche di tensioni e incertezze. Un’epoca che, tra il lusso, la moda e il progresso, ha profondamente cambiato la nostra idea di bellezza, eleganza e design. Un viaggio che ci invita a riflettere su un periodo unico, sospeso tra due guerre, e a scoprire come l’arte e la cultura abbiano influito sulla vita quotidiana, dal cinema all’architettura, dalle arti decorative alla moda.

Non perdere l’occasione di immergerti in un’epoca affascinante e di scoprire come l’Art Déco abbia segnato il percorso dell’arte e del design, lasciando un’eredità che ancora oggi continua a influenzare la nostra visione del mondo.

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Ribelle, enigmatica e fuori dagli schemi, Fini è stata una figura inarrestabile nel panorama artistico del Novecento, capace di contaminare arte, letteratura, moda e teatro con la sua estetica seducente e onirica.

L’arte come provocazione e libertà

Leonor Fini non si è mai piegata alle convenzioni. Nata a Buenos Aires ma cresciuta a Trieste, ha attraversato l’Europa tra Italia e Francia, plasmando un immaginario artistico che mescola Surrealismo e Rinascimento, mito e psicoanalisi, sogno e ribellione. Pur senza aderire ufficialmente al movimento surrealista, ha saputo ritagliarsi un posto unico accanto a giganti come Dalí, Ernst e Cocteau, portando nel loro mondo una dimensione più sensuale e ambigua.

Nei suoi dipinti, sfingi magnetiche, donne feline e uomini misteriosi abitano scenari avvolti in un velo di mistero. Un’esplorazione della mente, un’indagine sul desiderio e sull’identità, un continuo gioco tra potere e fragilità. Nove sezioni tematiche guidano il visitatore tra i suoi mondi fantastici, rivelando le sue fonti d’ispirazione: la Trieste letteraria di Joyce e Svevo, il fascino dei grandi maestri del passato e l’influenza della psicoanalisi freudiana.

Un viaggio tra arte, teatro e moda

Oltre 100 opere, tra dipinti, fotografie, costumi e scenografie, raccontano un’artista che ha fatto della contaminazione il suo tratto distintivo. Dai palcoscenici teatrali ai set cinematografici, dalle illustrazioni per la letteratura ai suoi celebri costumi di scena, la Fini ha trasformato ogni ambito in cui ha operato in un territorio di sperimentazione. La sua figura eccentrica e magnetica continua a influenzare il mondo della moda e del design, dimostrando che il confine tra le discipline non è mai stato un limite, ma un’opportunità.

Questa retrospettiva non è solo un omaggio, ma un atto di riscoperta di un’artista il cui spirito anticonformista e visionario è più attuale che mai. Milano la accoglie di nuovo, come quasi un secolo fa, pronta a lasciarsi sedurre ancora una volta dal fascino inquieto e straordinario di Leonor Fini

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Milano si prepara ad accogliere, dal 21 gennaio al 18 maggio 2025, una delle mostre fotografiche più attese dell’anno: “George Hoyningen-Huene. Glamour e avanguardia”. In esposizione a Palazzo Reale, è dedicata al grande fotografo russo, maestro della fotografia di moda, che ha saputo esprimere l’estetica delle arti visive classiche e del Surrealismo nelle sue creazioni.

La mostra raccoglie oltre 100 scatti iconici che seguono l’evoluzione del fotografo dagli inizi parigini negli anni ’20 fino al periodo a Hollywood nei decenni successivi.

Gli inizi a Parigi e la collaborazione con gli artisti del Surrealismo

All’inizio della sua carriera si trasferisce a Parigi, dove diventa rapidamente uno dei fotografi più richiesti dell’epoca. La sua abilità e il suo stile unico gli hanno permesso di essere una figura centrale nel panorama artistico dell’epoca. A Parigi l’artista ha strotto amicizie con alcuni tra i più grandi artisti surrealisti del tempo, tra cui Salvador Dalí, i quali hanno influenzato profondamente la sua estetica.

Un fotografo di moda che ha rivoluzionato il suo tempo

Hoyningen-Huene non è stato solo un maestro della fotografia di moda, ma anche un innovatore di quel settore: l’arte visiva si fondeva nei suoi scatti con elementi surrealisti, trasformando le immagini in vere e proprie opere d’arte.

I ritratti delle modelle e delle star del cinema hanno contribuito alla fama di Hoyningen-Huene, che in quegli anni rappresentava uno dei punti di riferimento per la fotografia di moda, prima in Europa e successivamente anche negli Stati Uniti.

Dall’Europa a Hollywood: un’eredità artistica senza tempo

A metà degli anni ’30 si è trasferito a New York per dirigere la redazione di Harper’s Bazaar, portando con sé la sua visione unica. Negli anni successivi si è stabilito poi a Hollywood, dove ha immortalato le celebrità del cinema in scenari magici e lussuosi. Oltre a ritratti di star come Chaplin, ha contribuito ai lavori per “A Star is Born”, diffondendo la sua estetica anche nel mondo del cinema.

L’arte del fotografo che ha lasciato un’eredità indelebile

La mostra offre anche una riflessione sul suo impatto artistico globale. Le sue composizioni giocano con la luce e gli sfondi per creare immagini dal forte valore emotivo. Questa retrospettiva milanese rappresenta un’occasione per apprezzare la visione innovativa di uno dei fotografi più influenti del secolo scorso.
Con la sua arte, Hoyningen-Huene è stato capace di lasciare un’impronta indelebile nel mondo della moda e dell’arte visiva.

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A partire dal 3 dicembre 2024, Milano ospita una mostra davvero unica, che unisce bellezza, cultura e legalità: SalvArti – Dalle Confische alle Collezioni Pubbliche, al Palazzo Reale. Un’occasione imperdibile per scoprire oltre 80 opere di arte contemporanea, confiscate alla criminalità organizzata e ora restituite alla comunità. E non si tratta solo di quadri e sculture, ma di storie di riscatto, speranza e, naturalmente, di grande arte.

Un tesoro nascosto

Dalle opere di de Chirico e Sironi fino a quelle di Andy Warhol, Salvador Dalí e Christo, questa mostra raccoglie capolavori che sono stati sottratti dalla criminalità e ora finalmente visibili al pubblico. Un viaggio che attraversa il Novecento e i primi anni Duemila, passando attraverso movimenti iconici come la Metafisica, la Transavanguardia e la Pop Art. Il tutto raccontato attraverso dipinti, sculture e grafiche che ci parlano di un’arte che non solo incanta, ma che ha anche un valore profondamente simbolico: il ritorno della bellezza al suo posto, lontano dalle mani della criminalità.

Arte e Legalità: un mix vincente

Questa non è solo una mostra, ma un vero e proprio messaggio. SalvArti è un progetto che celebra la legalità e il ruolo fondamentale dell’arte nel recupero di beni sottratti alla malavita. Grazie a un lavoro coordinato tra il Ministero della Cultura, l’Agenzia Nazionale Beni Sequestrati e Confiscati e le forze dell’ordine, queste opere sono state finalmente restituite al pubblico, dopo essere state sequestrate in operazioni contro il riciclaggio internazionale e la criminalità organizzata. La mostra diventa così un simbolo del potere dell’arte di rinascere e di resistere, non solo ai cambiamenti estetici, ma anche a quelli sociali.

Da Milano a Reggio Calabria: un’esposizione in movimento

Milano è solo la prima tappa di questo viaggio che continuerà a Reggio Calabria dall’8 febbraio 2025. Un percorso che porterà queste opere in giro per l’Italia, regalando a chiunque la possibilità di scoprire questi capolavori. E una volta che la mostra finirà a Milano, molte di queste opere troveranno casa in importanti musei italiani, come la Pinacoteca di Brera e la Galleria Nazionale di Roma, continuando a vivere nel patrimonio culturale del nostro Paese.

La mostra è aperta dal 3 dicembre al 26 gennaio, con ingresso gratuito. È una splendida occasione per fare una passeggiata nell’arte e riflettere sul suo ruolo nella nostra società. Palazzo Reale, nel cuore di Milano, è il posto giusto per immergersi in questa esperienza unica. E se pensi che sia un evento solo per gli esperti d’arte, ti sbagli! SalvArti è per tutti: per chi vuole scoprire qualcosa di nuovo, per chi ama la bellezza e per chi crede nel potere della cultura come strumento di cambiamento.

Non perdere l’occasione di vedere arte che ha una storia da raccontare. SalvArti è una mostra che ti farà vedere l’arte sotto una luce tutta nuova.

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Un omaggio all’architetto

Piermarini è considerato uno dei più illustri architetti italiani del XVIII secolo, e questa mostra vuole rendere omaggio alla sua persona. L’esposizione propone al pubblico un’immersione nel lavoro artistico in stile neoclassico dell’architetto e un focus sulla sua evoluzione artistica.

Gli spettatori possono ammirare schizzi progetti e poi disegni che rappresentano il cammino creativo dell’artista. Non mancano anche alcuni plastici architettonici che offrono una visione tridimensionale della progettualità di Piermarini e che permettono di esplorare a 360 gradi le opere dell’artista.

In concreto, la raccolta di lavori presentata comprende opere che spaziano dai suoi primi studi a Roma fino alle grandi realizzazioni in Lombardia. Questa mostra diventa dunque un’occasione più unica che rara che mette a luce tutta la maestosità dell’opera di Piermarini e che rappresenta l’importanza del suo lavoro artistico nell’ambito storico e culturale.

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Il progetto espositivo

Vengono messe in mostra 200 stampe d’epoca, sculture, oggetti personali del fotografo, documenti, materiali inediti dell’artista che spiegano la sua opera e il suo lavoro. Tra le sue fotografie si apprezzano particolarmente quelle dedicate alla vita della Ville Lumière, gli scatti dei quartieri operai, monumenti, ritratti, moda.

Brassaï diventa popolare poiché è stato uno dei primi che è riuscito e ha saputo catturare in una foto l’atmosfera notturna della capitale francese e dei soggetti poco considerati e secondari, umili, tra cui prostitute, clochard e girovaghi. I suoi scatti non riguardano solamente gli spazi esterni. Brassaï si addentra anche in luoghi comuni dove queste persone erano solite incontrarsi.

L’uomo al centro di tutto 

Nell’opera di Brassaï la figura umana è la colonna portante, la protagonista assoluta. L’artista appartiene alla scuola di fotografia definita umanista, non a caso, al centro dell’opera, ci sono gli esseri umani in tutta la loro semplicità, verità ed espressività. In un secondo tempo, Brassaï decide di spostarsi da questo focus, o comunque affiancarlo ad altri lavori che richiamano l’art brut e le arti marginali. In questo caso, diventano protagonisti i graffiti sui muri.

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La fama di Goya 

Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828) ha contribuito con la sua opera all’arte spagnola del XVIII e XIX secolo. Goya all’inizio della sua carriera artistica propose opere ispirate ai temi tradizionali; nel tempo si spinse verso temi sociali e più intimi. Non è mai stato un pittore creativo improvvisato, piuttosto ha sempre ragionato a lungo prima di iniziare un’opera. Lo stampo delle sue creazioni è sicuramente illuminato, infatti la ragione si mescola a espressività ed emotività. 

Il progetto promosso dal Comune di Milano

“Goya. La ribellione della ragione” racconta attraverso dipinti, incisioni e matrici in rame, il mondo di Goya, la sua esperienza della Storia, le sue attitudini, la sua personalità, il suo pensiero e la sua ideologia, proponendo al visitatore le opere che descrivono al meglio il suo percorso artistico. Goya riesce a risultare allo stesso tempo un artista appartenente al passato e al presente, moderno ma radicato nel suo tempo. Ogni opera è frutto di esperienze, sentimenti e vicende sperimentate dal pittore e tutti veritieri.

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Passato, presente e futuro

Oltre 100 opere, alcune recentissime, altre capolavori già esposti dalla fine degli anni Settanta ad oggi: questa è Diacronica, la mostra firmata dal grande maestro del disegno Omar Galliani e presentata a Palazzo Reale, che indaga i grandi temi della vita e dell’uomo. L’esposizione, curata da Flavio Caroli, si presenta come un viaggio non cronologico ma che comunque permette al visitatore di percepire il divenire delle opere nel tempo e lo carica di suggestioni e di emozioni in un’esperienza estremamente immersiva. 

La poetica di Galliani prende ispirazione da molteplici ambiti della realtà, come il cinema, la moda, l’arte, immagini casuali della quotidianità o ancora viaggi per il mondo. Già il titolo della mostra è significativo per comprendere l’universo esplorato dall’artista: “Diacronica” in linguistica indica lo studio delle lingue nel loro sviluppo storico, mentre il sottotitolo “Il tempo sospeso” allude alla forza resiliente dell’artista che, nonostante operi in un contesto sempre più digitalizzato, mantiene viva l’essenza fisica e la bellezza dell’opera d’arte.

Focus: alcune opere esposte

Quello di Omar Galliani è un mondo sospeso, spirituale e al contempo estremamente ancorato a suggestioni reali. Ciò è evidente fin dall’immagine guida dell’esposizione “De rerum natura” (2020), il cui titolo fa riferimento al celebre poema del latino Lucrezio e che riproduce una donna e un colibrì, simboli di unione tra cielo e terra, tra spirituale e fisico. Tra le altre opere principali possiamo citare “La principessa Lyu Ji nel suo quindicesimo anno di età”, ispirata a una leggenda cinese e che raffigura ciò che resta della fanciulla: scarpette e coltelli, rose e forbici.

Realizzata durante il periodo del lockdown è invece l’installazione “Baci Rubati / Covid 19”, composta da ben 60 disegni che rappresentano i baci non dati caratteristici di questo recente e tragico periodo di distanziamento sociale. Impossibile infine non notare il trittico “Riflessi” del 2022-23, opera dedicata alla luce e alla sua relazione col paesaggio. Omar Galliani ha quindi creato un universo estremamente suggestivo, in cui passato, presente e futuro sono in stretto contatto e in cui immergersi completamente: da non perdere!

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