Un viaggio visivo e narrativo che restituisce tutta la potenza poetica e visionaria di uno dei più grandi maestri della fotografia italiana del Novecento.

Un racconto per immagini: tra poesia e inconscio

La retrospettiva si sviluppa attraverso un percorso tematico e cronologico che ricostruisce la carriera di Giacomelli come un racconto denso di suggestioni letterarie, psicologiche e visive. Le sue celebri serie fotografiche, ispirate ai versi di poeti come Leopardi e Pavese, diventano l’occasione per esplorare la fotografia come racconto dell’inconscio, sospeso tra realtà e interpretazione, vita e arte.

Un doppio omaggio tra Milano e Roma

L’esposizione milanese si completa idealmente con un secondo appuntamento, al Palazzo delle Esposizioni di Roma, dove il focus si sposta sulle metamorfosi della materia e sull’approccio performativo dell’artista, che considerava la fotografia non solo come rappresentazione, ma come gesto, azione, espressione.

Insieme, le due mostre offrono un inedito sguardo critico e completo sull’intero percorso di Giacomelli: dalla sua poetica in bianco e nero fatta di campi arati, corpi e scritte, fino all’astrazione più materica e profonda.

Una vita per l’immagine, un’immagine per la vita

Mario Giacomelli non era un fotografo tradizionale: autodidatta, appassionato di stampa e sperimentazione, ha trasformato la macchina fotografica in un mezzo per interrogare il mondo e l’esistenza. I suoi lavori non illustrano, ma evocano. Non spiegano, ma risuonano.

A cent’anni dalla sua nascita, questa retrospettiva – promossa dal Comune di Milano con l’Archivio Mario Giacomelli, a cura di Bartolomeo Pietromarchi e Katiuscia Biondi Giacomelli – è più che un omaggio: è una lettura necessaria e profondamente emozionante del suo lascito artistico.

L'articolo Mario Giacomelli: a Palazzo Reale la retrospettiva definitiva per il centenario proviene da Gilt Magazine.

A cura di Simonetta Castronovo, il progetto porta alla luce 50 capolavori selezionati dalla straordinaria raccolta del Museo Civico d’Arte Antica, una collezione che include 20 codici miniati, 10 incunaboli e circa 80 fogli sciolti e “cuttings”, ossia miniature ritagliate, tutti databili tra il XIII e il XVI secolo.

L’arte minore che parla ai grandi: quando la miniatura diventa racconto visivo

Spesso sottovalutata, la miniatura medievale e rinascimentale è una forma d’arte sofisticata che intreccia sapienza calligrafica, simbologia religiosa e raffinatezza pittorica. In questa mostra, ogni foglio è trattato come un’opera d’arte autonoma: un racconto miniato che si snoda tra le pagine di preghiere, inni e racconti sacri.

Al centro del percorso espositivo troviamo anche riferimenti alla grande scuola fiamminga, con un omaggio a Jan Van Eyck, artista che influenzò profondamente la pittura europea con la sua attenzione per il dettaglio, la luce e la materia — caratteristiche che si ritrovano proprio nella pratica della miniatura.

Un’occasione rara: quando la carta prende vita

La particolarità della mostra sta anche nel suo carattere quasi eccezionale: molti dei pezzi esposti, per via della loro fragilità, vengono raramente mostrati al pubblico. Si tratta quindi di un’occasione unica per ammirare da vicino la perizia artigianale di amanuensi, miniatori e illustratori che operavano secoli fa, rendendo vivi i margini di ogni pagina.

Ospitata nella Corte Medievale di Palazzo Madama, la mostra trova una cornice perfetta che amplifica la suggestione storica delle opere. Un tuffo in un tempo in cui leggere significava anche contemplare, e dove ogni parola era ornamento, ogni immagine, meditazione.

L'articolo Tesori nascosti su pergamena: le meraviglie miniate di Jan Van Eyck in mostra a Palazzo Madama proviene da Gilt Magazine.

Firmato dallo studio AMO/OMA di Rem Koolhaas, il progetto intreccia scienza, storia, arte e politica per svelare come la visualizzazione dei dati abbia plasmato — e continui a plasmare — la nostra percezione del mondo.

Nata dall’esigenza di rendere intellegibili concetti complessi, l’infografica ha radici antiche e nobili: dalle tavole astronomiche per l’élite europea ai diagrammi ecologici di Alexander von Humboldt, fino alle mappe temporali dell’educatrice femminista Emma Willard. La mostra racconta questa evoluzione con un allestimento ricco di reperti e sezioni tematiche che spaziano dalla salute alla guerra, dalla religione all’economia, dalla migrazione alla crisi ambientale.

Nel cuore del percorso espositivo, il diagramma emerge non solo come strumento di sintesi ma anche come mezzo retorico: potente, talvolta ingannevole, capace di legittimare ideologie o creare consenso. E se in passato era riservato agli ambienti colti, oggi è onnipresente: dalla comunicazione scientifica ai social network, tra big data e disinformazione. È proprio questo dualismo — chiarezza vs manipolazione — a innescare una riflessione critica e necessaria sull’uso del linguaggio visivo nell’era digitale.

Con uno sguardo retrospettivo e proiettato al futuro, Diagrams dialoga con la ricerca architettonica di Koolhaas e AMO/OMA, che sin dagli anni ’70 utilizzano la rappresentazione diagrammatica per dare forma a nuove architetture e città. Il progetto si completa con un prezioso volume illustrato firmato da Irma Boom, arricchito da testi di studiosi come Alberto Cairo e Kate Crawford, e un dialogo tra Koolhaas e la curatrice Katya Inozemtseva.

Fino al 24 novembre 2025, questa mostra ci invita a guardare oltre la superficie dei grafici e delle mappe, per comprendere non solo cosa ci dicono, ma soprattutto come lo fanno. Un’esperienza che unisce rigore e immaginazione, mettendo in discussione i confini tra oggettività e narrazione.

L'articolo “Diagrams” in Fondazione Prada: un viaggio tra dati, estetica e potere della rappresentazione proviene da Gilt Magazine.

La nuova mostra Supercars non è solo un’esposizione, ma un vero e proprio viaggio nel cuore pulsante della leggenda Ferrari. Pronti a scoprire i segreti più nascosti della Casa di Maranello?

Dove il passato incontra il futuro

Come da tradizione, il 18 febbraio – compleanno di Enzo Ferrari – il Museo di Modena ha inaugurato questa straordinaria mostra, regalando ai visitatori uno sguardo senza precedenti dentro l’Archivio Ferrari. Un tesoro finora custodito gelosamente, che ora si svela attraverso un’esperienza interattiva e digitalizzata. Parliamo di 2000 pezzi tra fotografie, video, disegni e documenti esclusivi, per un viaggio che attraversa decenni di innovazione e passione.

Le protagoniste: le regine della velocità

Cinque isole digitali, cinque icone assolute. Ecco le Supercar Ferrari che hanno fatto la storia e che ora si lasciano esplorare in ogni dettaglio:

Ferrari GTO (1984) – Il primo modello di granturismo in serie limitata, con il DNA delle competizioni.
Ferrari F40 (1987) – La leggenda, firmata Pininfarina, costruita con materiali ultra-leggeri e nata per la pura velocità.
Ferrari F50 (1995) – L’incontro perfetto tra una monoposto e una granturismo, dove ogni linea è al servizio dell’aerodinamica.
Ferrari Enzo (2002) – L’omaggio al Fondatore, un capolavoro tecnologico nato nell’anno del dominio in Formula 1.

LaFerrari (2013) – La prima Ferrari stradale con motorizzazione ibrida Hy-Kers, un concentrato di innovazione e performance.

L’ultima nata: il futuro si svela in diretta

E poi, l’inaspettato. L’apice del percorso espositivo è la Ferrari F80, la nuova Supercar lanciata nell’ottobre 2024. Un debutto che avviene sotto gli occhi dei visitatori, che potranno assistere all’evoluzione del modello: dal primo mulotipo fino al prototipo avanzato, in un racconto dinamico che trasforma l’archivio in un pezzo di futuro.

Un’esperienza immersiva per tutti

La mostra non è solo per esperti e collezionisti, ma per chiunque ami il fascino delle quattro ruote. Le isole digitali interattive permettono di esplorare le auto come mai prima d’ora, mentre attività ludiche e tematiche rendono il percorso coinvolgente anche per i più piccoli.

Con oltre 850.000 visitatori nel 2024, i Musei Ferrari continuano a conquistare gli appassionati da tutto il mondo. La mostra Supercars resterà aperta fino al 16 febbraio 2026.

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Dal cuore della scena contemporanea internazionale arriva “Da Cindy Sherman a Francesco Vezzoli. 80 artisti contemporanei”, una mostra che promette di scuotere gli animi e ridefinire il concetto di dialogo artistico.

Immaginate di passeggiare tra più di 140 opere e 80 artisti di fama mondiale, da Nan Goldin a Kiki Smith, da Marc Quinn a Lynette Yiadom-Boakye. Le pareti di Palazzo Reale si trasformeranno in uno specchio della società contemporanea, dove l’identità si scompone e si ricompone, il corpo diventa un manifesto politico e il multiculturalismo si fa arte. Oriente e Occidente si incontrano, le barriere si dissolvono e l’arte si fa veicolo di riflessione e cambiamento.

Un progetto ambizioso curato da Daniele Fenaroli, con il supporto scientifico di Vincenzo De Bellis, che porta a Milano una selezione inedita della prestigiosa Collezione Giuseppe Iannaccone. Il risultato? Un viaggio visivo senza precedenti, una mappa emotiva del nostro tempo in cui ogni opera diventa una finestra su mondi vicini e lontani.

Curiosi di scoprire cosa ci riserva questa anteprima internazionale? l’arte contemporanea sta per prendersi Milano, e noi non possiamo certo perdercela.

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Ribelle, enigmatica e fuori dagli schemi, Fini è stata una figura inarrestabile nel panorama artistico del Novecento, capace di contaminare arte, letteratura, moda e teatro con la sua estetica seducente e onirica.

L’arte come provocazione e libertà

Leonor Fini non si è mai piegata alle convenzioni. Nata a Buenos Aires ma cresciuta a Trieste, ha attraversato l’Europa tra Italia e Francia, plasmando un immaginario artistico che mescola Surrealismo e Rinascimento, mito e psicoanalisi, sogno e ribellione. Pur senza aderire ufficialmente al movimento surrealista, ha saputo ritagliarsi un posto unico accanto a giganti come Dalí, Ernst e Cocteau, portando nel loro mondo una dimensione più sensuale e ambigua.

Nei suoi dipinti, sfingi magnetiche, donne feline e uomini misteriosi abitano scenari avvolti in un velo di mistero. Un’esplorazione della mente, un’indagine sul desiderio e sull’identità, un continuo gioco tra potere e fragilità. Nove sezioni tematiche guidano il visitatore tra i suoi mondi fantastici, rivelando le sue fonti d’ispirazione: la Trieste letteraria di Joyce e Svevo, il fascino dei grandi maestri del passato e l’influenza della psicoanalisi freudiana.

Un viaggio tra arte, teatro e moda

Oltre 100 opere, tra dipinti, fotografie, costumi e scenografie, raccontano un’artista che ha fatto della contaminazione il suo tratto distintivo. Dai palcoscenici teatrali ai set cinematografici, dalle illustrazioni per la letteratura ai suoi celebri costumi di scena, la Fini ha trasformato ogni ambito in cui ha operato in un territorio di sperimentazione. La sua figura eccentrica e magnetica continua a influenzare il mondo della moda e del design, dimostrando che il confine tra le discipline non è mai stato un limite, ma un’opportunità.

Questa retrospettiva non è solo un omaggio, ma un atto di riscoperta di un’artista il cui spirito anticonformista e visionario è più attuale che mai. Milano la accoglie di nuovo, come quasi un secolo fa, pronta a lasciarsi sedurre ancora una volta dal fascino inquieto e straordinario di Leonor Fini

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Questo è il fulcro della mostra Lo Sguardo Nascosto, ospitata dal Museo Teatrale alla Scala dal 12 febbraio al 14 settembre 2025, che attraverso l’obiettivo di Gérard Uféras rivela la magia nascosta dietro il sipario.

Un viaggio nelle emozioni della danza

Gli scatti di Uféras raccontano il lavoro minuzioso e la dedizione assoluta che precedono ogni spettacolo. Dalla tensione prima di un’esibizione ai sorrisi fugaci tra compagni di scena, ogni fotografia è un frammento di vita vissuta dietro le quinte. Il fotografo francese cattura con maestria l’anima della danza, restituendoci immagini cariche di intensità e poesia.

L’arte incontra la moda con Ferragamo

La mostra si arricchisce della collaborazione con Ferragamo, storico brand che ha intrecciato il proprio destino con la danza sin dagli anni ’20. Le sue calzature hanno accompagnato étoile leggendarie e continuano oggi a ispirare il design contemporaneo, come dimostra la collezione Primavera-Estate 2025 firmata da Maximilian Davis, che rievoca il rigore e la grazia del balletto.

Un’occasione per scoprire la danza da una nuova prospettiva

Curata da Paola Calvetti e Livia Corbò, con l’allestimento di Margherita Palli e Valentina Dellavia, la mostra invita gli spettatori a guardare oltre la superficie scintillante della scena, svelando la passione e la disciplina dietro ogni grande esibizione. Lo Sguardo Nascosto è più di una semplice esposizione: è un viaggio nel cuore della danza, un’opportunità per vivere la bellezza di un’arte che incanta e ispira generazioni.

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Dal 30 gennaio all’8 settembre 2025, Fondazione Prada ospita presso l’Osservatorio di Galleria Vittorio Emanuele II la mostra “A Kind of Language: Storyboards and Other Renderings for Cinema”. Curata da Melissa Harris, l’esposizione esplora il processo creativo che precede la realizzazione di un film, concentrandosi su storyboard, moodboard, schizzi, scrapbook, sceneggiature annotate e fotografie.

Dai primi bozzetti di Méliès agli storyboard di Miyazaki

Con oltre ottocento elementi in mostra, realizzati da più di cinquanta autori dal XX secolo a oggi, la rassegna si propone di mettere in luce l’importanza dello storyboard nella costruzione dell’immaginario cinematografico. Tra i pionieri di questo linguaggio visivo spicca Georges Méliès, che già nei primi anni del Novecento usava disegni preparatori dettagliati per film come Viaggio nella Luna (1902). Con lo sviluppo dell’animazione negli anni Trenta, studi come i Fleischer Studios e la Walt Disney Productions iniziarono a commissionare storyboard per film come Fantasia (1940), Pinocchio e Biancaneve e i sette nani.

Nel corso del tempo, lo storyboard è diventato uno strumento fondamentale non solo nell’animazione, ma anche nel cinema live-action. La mostra include esempi di preparazione visiva per film di registi come Hayao Miyazaki, Wim Wenders, Ingmar Bergman, Todd Haynes e Sofia Coppola.

Uno spazio espositivo ispirato alla creatività degli artisti

L’allestimento, progettato da Andrea Faraguna dello studio Sub di Berlino, è concepito per immergere il visitatore nel processo creativo degli storyboard artist. I tavoli espositivi richiamano le scrivanie da disegno e sono disposti in modo da evocare la sequenzialità di una pellicola cinematografica. Un gioco prospettico tra gli elementi sospesi e la cupola della Galleria Vittorio Emanuele II contribuisce a creare un’esperienza immersiva, sottolineando il legame tra spazio espositivo e narrazione visiva.

Linguaggi visivi tra cinema, arte e tecnologia

La mostra analizza l’uso dello storyboard in diversi contesti cinematografici: dalla definizione dello spazio scenico, come nelle ambientazioni de I dieci comandamenti (1956) o del mai realizzato Dune di Alejandro Jodorowsky, alla costruzione dei personaggi, come in Mamma Roma (1962) di Pier Paolo Pasolini o I’m Not There (2007) di Todd Haynes.

Negli ultimi anni, lo storyboard si è evoluto in una forma artistica a sé stante, come dimostrano i disegni di Satyajit Ray per Pather Panchali (1955) o le sperimentazioni di Jean-Luc Godard, che nei suoi ultimi lavori ha trasformato gli storyboard in un linguaggio cinematografico autonomo.

Un viaggio attraverso il cinema a Fondazione Prada

In concomitanza con la mostra, il Cinema Godard di Fondazione Prada dedicherà una parte della sua programmazione a una selezione di film presentati nell’esposizione. Tra i titoli in calendario figurano Il giardino delle vergini suicide(1999) di Sofia Coppola, Grand Budapest Hotel (2014) di Wes Anderson, Toro scatenato (1980) di Martin Scorsese e Il ragazzo e l’airone (2023) di Hayao Miyazaki.

L’esposizione sarà accompagnata da una pubblicazione illustrata della serie Quaderni, con un testo della curatrice Melissa Harris e un saggio visivo dello studio Sub. Dopo Milano, A Kind of Language proseguirà il suo percorso espositivo a Shanghai, presso Prada Rong Zhai, dal 4 novembre 2025 al 2 febbraio 2026, confermando il valore universale della narrazione visiva nel cinema e oltre.

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Un incontro tra epoche e linguaggi

La mostra esplora il legame tra queste due correnti, apparentemente lontane ma accomunate da una visione del futuro come energia in costante flusso. Il Futurismo, nato agli inizi del Novecento, celebrava la velocità, il dinamismo e il progresso tecnologico, mentre il Graffitismo, esploso nella New York degli anni ’70, trasformava muri e vagoni in tele urbane per esprimere identità culturale e appartenenza sociale.

Entrambi i movimenti, seppur nati in contesti diversi, hanno infranto le convenzioni artistiche del loro tempo. “Visions in Motion” mette in luce come queste due rivoluzioni abbiano trasformato il concetto di arte, rendendola una rappresentazione autentica dello spirito dell’epoca.

L’energia del luogo e la curatela

Ambientata negli spazi suggestivi della Fabbrica del Vapore, la mostra restituisce quella dimensione urbana che fu il terreno fertile per il Graffitismo e che il Futurismo aveva anticipato con la sua celebrazione delle metropoli moderne. Curata da Carlo McCormick con il contributo di Edoardo Falcioni, Maria Gregotti ed Elena Pontiggia, “Visions in Motion” offre un’esperienza immersiva attraverso opere, saggi critici e installazioni capaci di far rivivere l’essenza di questi due movimenti.

Un invito a immergersi nel presente continuo dell’arte

Questa mostra non è solo un’esposizione: è un invito a riflettere su come l’arte possa raccontare il cambiamento e le sfide del proprio tempo. Scoprire le connessioni tra Futurismo e Graffitismo significa comprendere il potere universale dell’arte di oltrepassare le barriere culturali e temporali.

Non lasciarti sfuggire l’occasione di vivere un’esperienza che unisce storia, creatività e innovazione. “Visions in Motion” ti aspetta alla Fabbrica del Vapore di Milano per farti immergere in un dialogo visivo senza precedenti.

L'articolo “Visions in Motion – Graffiti and Echoes of Futurism”: due epoche a confronto alla Fabbrica del Vapore proviene da Gilt Magazine.

L’Hangar Bicocca di Milano ospita una delle retrospettive più significative dedicate a Jean Tinguely, il grande scultore svizzero e maestro dell’arte cinetica. La mostra, aperta fino al 2 febbraio 2025, è organizzata in collaborazione con il Museum Tinguely di Basilea e parte del programma tinguely100. Curata da Camille Morineau, Lucia Pesapane e Vicente Todolì con Fiammetta Griccioli, la mostra presenta circa 40 opere che occupano i 5.000 metri quadrati dello spazio espositivo, offrendo al pubblico un’esperienza immersiva fatta di movimento, suono e innovazione tecnologica.

L’arte in movimento: il cuore della mostra

Jean Tinguely è noto per la sua rivoluzionaria visione dell’arte, che si discosta dalla tradizionale staticità delle sculture. Le sue opere meccaniche, realizzate con oggetti di scarto, ingranaggi e materiali industriali, sono vere e proprie macchine che si muovono, emettono suoni e interagiscono con lo spettatore. La mostra, che si sviluppa come una coreografia visiva e sonora, include opere come Méta-Matic No.10 (1959-2024), una macchina che crea disegni astratti grazie a un piccolo motore, e Ballet des pauvres (1961), dove oggetti domestici vengono mossi da fili motorizzati. Le opere di Tinguely vanno oltre il concetto di scultura tradizionale, trasformandosi in performance artistiche che mettono in evidenza il concetto di “arte in movimento”.

Opere monumentali e interattive

Una delle caratteristiche più affascinanti della retrospettiva è l’inserimento di opere monumentali che trovano un’armonia naturale con l’ampio spazio industriale di Hangar Bicocca. Tra le più imponenti spiccano Cercle et carré-éclatés (1981) e Méta-Maxi (1986), in cui l’uso di ruote, motori e cinghie dà vita a composizioni sonore che coinvolgono i visitatori in un’esperienza sensoriale unica. Oltre a queste, la mostra offre l’opportunità di interagire con le opere stesse. Per esempio, Maschinenbar (1960-85) permette ai visitatori di attivare direttamente l’opera premendo un pulsante. In questo modo, il pubblico non è solo spettatore, ma parte integrante dell’esperienza artistica.

Jean Tinguely: un pioniere dell’arte cinetica

Nato a Friburgo nel 1925, Jean Tinguely è stato uno dei maggiori esponenti dell’arte cinetica, un movimento che esplora il concetto di movimento e cambiamento come parte integrante dell’opera d’arte. Le sue sculture non sono mai statiche e sempre in trasformazione, liberando la macchina dalla “tirannia dell’utilità”. Il suo lavoro ha spinto i confini della scultura tradizionale, creando macchine che, pur nella loro caoticità, esprimono poesia, umorismo e riflessioni filosofiche sul ruolo della tecnologia nella vita quotidiana. La retrospettiva milanese, con il suo focus sul movimento e sull’interazione, mette in luce l’approccio radicale e sperimentale di Tinguely, che concepiva l’arte come un processo continuo e mai definitivo.

Un’esperienza coinvolgente e interattiva

La mostra non è solo un’esposizione di sculture meccaniche, ma un invito a esplorare il concetto di performance e interattività nell’arte. Le opere sono attivate seguendo coreografie prestabilite che durano venti minuti e offrono diverse modalità di partecipazione per il pubblico. Méta-Matic No.10 (1959), ad esempio, permette ai visitatori di acquistare un gettone per attivare l’opera e creare un disegno su carta. Inoltre, Rotozaza No.2 (1967) viene attivata dai mediatori museali in orari specifici, rendendo l’esperienza ancora più dinamica e coinvolgente. Ogni opera, quindi, è un invito a entrare in contatto con l’arte, trasformando l’esposizione in un evento di pura interazione.

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