Negli ultimi anni la connessione tra moda e musica si è ulteriormente intensificata, sono molti gli artisti musicali che influenzano la moda e a loro volta gli stilisti si fanno interpreti del loro stile curandone l’immagine nei loro tour e nelle apparizioni pubbliche. L’anno che stiamo per lasciarci alle spalle rimarrà memorabile per quanto riguarda la connessione tra moda e musica, nota speciale per le case di moda italiane, che si sono fatte notare grazie alle star internazionali con cui hanno collaborato.

Il Made in Italy al servizio di Taylor Swift

Il tour che alzerebbe il Pil di 35 paesi, uno show di più di 3 ore e suddiviso in 11 atti ha raccontato le Ere di Taylor Swift, che per interpretarle ha giovato dell’artigianalità italiana di Alberta Ferretti, Etro, Versace e Roberto Cavalli. L’idea di donna libera e sensuale di Alberta Ferretti ha descritto le ere Folklore e Evermore con abiti lunghi ed eterei che evocavano atmosfere romantiche e naturali. Tonalità della natura anche per i look creati dal direttore creativo di Etro, Marco De Vincenzo. Per la sua era più romantica, appunto dal nome Lover, la cantautrice statunitense ha scelto Versace, o meglio dire Atelier Versace, per la lavorazione couture dei look fatti di luce pura, grazie al gioco multicolor degli Swarovski applicati.

Opposte le sensazioni trasmesse dal body nero asimmetrico con serpenti rossi che ha realizzato per lei Fausto Puglisi, direttore creativo di Roberto Cavalli, che l’ha aiutata ad esprimere l’era più tagliente di Taylor denominata Reputation. E ancora Roberto Cavalli le creazioni indossate durante Fearless e 1989 che l’hanno fatta splendere e ballare con frange oro e toni pastello, abbinate a stivali Louboutin. Puglisi, grazie alla sua estetica audace che si presta al palcoscenico, ha collaborato con molte artiste, tra cui Madonna, Whitney Houston, Jennifer Lopez, Doja Cat, Anitta, Karol G, curandone di quest’ultime i look del Coachella 2022.

Madonna omaggiata da Dolce&Gabbana

Ed è ad una delle prime artiste ad aver creduto in Fausto Puglisi, e che ha fatto a sua volta la storia del pop, che è stata dedicata un’intera collezione Spring/Summer. In un continuo miscuglio di influenze tra questi due mondi, Madonna lo scorso settembre ha assistito a Milano alla collezione Spring/Summer 2025 Dolce & Gabbana creata come suo omaggio. Tutte le modelle indossavano una parrucca di boccoli biondi che si ispirava al Blonde Ambition Tour del 1990, citando anche i reggiseni conici disegnati dallo stilista Jean Paul Gaultier. Il confine tra lo stile di Madonna e quello degli stilisti che si stimano da anni è ormai così labile, i dettagli sensuali delle guepière, il pizzo, gli accessori bold, il tutto in bianco, nero, rosa cipria e fantasie floreali. 

E se il The Eras Tour è stato una sfilata di moda itinerante, sarà da aspettarsi una sfilata dedicata a Taylor Swift tra qualche decennio, non ci resta che attendere per scoprire da quale griffe.

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Dalla tradizione alla modernità

Viene aperto un nuovo spazio interamente dedicato alla sartoria uomo. Qui sono racchiusi l’heritage e i codici classici del brand, che vengono quest’oggi ripresi in chiave moderna e in qualche modo rivitalizzati. Ogni cliente, su appuntamento, può usufruire del servizio Made to Order, selezionando i capi desiderati e personalizzandoli a seconda dei propri gusti, adattando i fit, modificando i dettagli e scegliendone i materiali.

L’esperienza d’acquisto viene così personalizzata, resa unica e immersiva grazie alla customizzazione dell’abito da parte di un cliente sempre più attento, cool, e che vuole qualcosa di unico e su misura per differenziarsi dalla massa. Il risultato è un’ampia scelta che comprende 80 tessuti, 43 sotto colli, 28 bottoni e 45 fodere diversi.

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Da calzolaio a designer di lusso, Salvatore Ferragamo si racconta a livello professionale e umano nella nuova edizione della sua autobiografia: Il calzolaio dei sogni. Pubblicata e edita da Electa, uscirà a settembre 2020 con una grafica rinnovata e una ricca dotazione fotografica.

Salvatore Ferragamo: da apprendista calzolaio al successo

‘‘Sono nato per fare il calzolaio. Lo so e l’ho sempre saputo’’, racconta Salvatore Ferragamo. Nato nel 1898 a Bonito, in provincia di Avellino, si distingue fin da giovane per la sua vocazione: creare calzature. Dopo esser stato apprendista ciabattino, studia l’arte del calzolaio a Napoli e apre un piccolo negozio nel suo paese. In cerca di fortuna, nel 1924 emigra negli Stati uniti, dove diventa il calzolaio delle star e veste celebrità come Marilyn Monroe, Audrey Hepburn e Sophia Loren.

Nel 1927 torna in Italia e a Firenze fonda l’azienda Ferragamo, iniziando l’ascesa imprenditoriale con 700 artigiani che producono a mano 350 paia di scarpe al giorno. Raggiunto il successo, Salvatore Ferragamo muore nel 1960, ma il suo nome continua a vivere in tutto il mondo, come sinonimo di eleganza Made in Italy. Il marchio nel tempo ha ampliato la produzione, includendo anche borse, occhiali, accessori, profumi e una linea di abbigliamento.

Il calzolaio dei sogni: il designer italiano parla di sé

A 60 anni dalla sua morte, a settembre 2020 esce per la casa editrice Electa la nuova edizione dell’autobiografia di Salvatore Ferragamo, pubblicata per la prima volta nel 1957. Lo stilista italiano ripercorre il viaggio della sua vita raccontandosi senza veli, da umile calzolaio a designer di Hollywood. Non si tratta di una semplice storia, ma del racconto di una vocazione durata una vita intera: creare calzature perfette. Lui stesso parla di una missione a cui è stato chiamato e si dedica instancabilmente superando ogni difficoltà. La narrazione in prima persona rende il tutto ancor più vivace e interessante, trasmette a ogni lettore il suo genio e la sua creatività, che non sono mai passati di moda, neanche oggi.

Il volume ha ispirato anche il film di Luca Guadagnino “Salvatore – Shoemaker of Dreams’’, presentato in anteprima mondiale al Festival del cinema di Venezia il 5 settembre 2020. Per la realizzazione della pellicola la famiglia Ferragamo ha aperto le porte agli archivi del marchio, dando accesso a interviste, aneddoti e testimonianze.

Salvatore Ferragamo avvicina al mondo della moda anche il pubblico letterario e non, raccontando a tutti il suo viaggio nel passato tra Italia e Stati Uniti, artigianato e imprenditoria, sogno e realtà. Una storia appassionante, da rivivere attraverso una sequenza di tappe fondamentali di un uomo che è entrato nel mondo dell’Haute Couture grazie a determinazione, passione e costanza. Salvatore Ferragamo mostra come un’idea geniale da sola non basti, è il punto di partenza. Bisogna continuare a crederci.

di Beatrice Villa

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Che la moda sia un’arte oppure no rimarrà un dilemma su cui vigeranno sempre pareri discordanti. Eppure, mai come prima, oggi è la Moda a supportare l’Arte. Come nuovi mecenati, le grandi griffe dell’alta moda, negli ultimi anni hanno approfittato, nel miglior senso del termine, della bellezza di vari siti artistici.

Il mecenatismo nella moda

Tralasciando le storiche influenze come Schiaparelli e Dalì, Yves Saint Laurent e Mondrian, McQueen e Hirst. Connubi dove era lo stilista a cogliere il messaggio dell’artista e farlo proprio; ad oggi è il brand a supportare l’arte. Ma come? Per esempio, mettendo a disposizione il proprio flagship store di Dover Street a Londra come Victoria Beckham. Che in collaborazione con Sotheby’s, nel 2018 ha esposto la loro asta dedicata alle opere dei Maestri del Rinascimento e della Golden Age olandese e del XVIII secolo britannico. Che risulti strano l’interesse per l’arte dalla posh spice è lecito, ma è certamente un’astuta mossa di marketing che giova ad entrambe le parti.

Advertising e Arte

Non da meno, sia in termini di supporto economico che divulgativo, quello delle campagne pubblicitarie. Di grande impatto le collaborazioni firmate Gucci e Alessandro Michele. A partire da Guccigram, alla ricerca di talenti digital attraverso Instagram, per dare il via a GucciArtWall insieme all’artista spagnolo Ignasi Monreal. Un mix di arte fiamminga, surrealismo e glamour che ancora oggi tinge le mura di New York, Milano e Hong Kong. Tra queste, nel 2018, memorabile per irriverenza come solo Maurizio Cattelan sa fare, il manifesto della sua mostra, che Gucci ha promosso. The artist is present, non la performance di Marina Abramovic, bensì quella del Museo Yuz di Shanghai, dove insieme ad artisti internazionali si esponevano opere con filo conduttore il falso. Tutto copiato, a partire dal nome, invitando a riflettere sull’infinita riproduzione delle immagini sui nostri schermi e la veridicità di esse.

Marina Abramovic e la moda

Ha a che fare con la già citata artista, madre della performance, la notizia apparsa su tutti i giornali di pochi giorni fa: Ulay è morto. L’artista tedesco, alla nascita Frank Uwe Laysiepen, noto per i 12 anni trascorsi a fianco di Marina Abramovic. Una storia, la loro, d’arte che diventa amore e di amore che diventa tormento e denunce di diritti d’autore, che ha avuto il suo culmine nel 2010. Emozionando milioni di telespettatori, dal vivo e on line, grazie a Youtube, con il loro incontro inaspettato durante la performance The artist is present. Nella quale l’artista sedette 700 ore su una sedia, accogliendo col proprio sguardo ogni visitatore, suscitando ogni tipo di emozione. Quando a sedersi fu Ulay,  Abramovic non riuscì a trattenere un pianto e stringergli le mani. È con la morte di Ulay che si chiude un’epoca della storia dell’arte contemporanea e dell’arte di Marina Abramovic.

Amante della moda e amica dello stilista Riccardo Tisci, ha figurato su innumerevoli copertine e collaborato con vari brand. Nel 2014 con Adidas, reinterpretando una sua stessa performance del 1978, Work Relation, in occasione della Coppa Mondo Fifa 2014. Portando avanti il messaggio dell’importanza della cooperazione e del lavoro di squadra. È nel 2015 invece, con Riccardo Tisci per Givenchy, che porta un messaggio di umanità, fratellanza e spiritualità durante la sfilata SS16 della NYFW. Attraverso l’allestimento da lei realizzato e i riti simbolici svolti da performers che richiamavano le usanze delle svariate religioni nel mondo.

Il Cretto di Burri protagonista

Questo quel che è stato, mentre quel che sarà è sotto il nome di Hermès, che ha scelto il museo en plein air di Gibellina. La cittadina trapanese, colpita dal terremoto del Belice del 1968, sarà il set della campagna pubblicitaria della linea di accessori Hermès Silk. Ricoperta di cemento per volere dell’artista Alberto Burri negli anni Ottanta, la parte vecchia della città, completamente distrutta, tiene vivo il ricordo della devastazione. Una devastazione superata, che chiede la sua rivincita affascinando chi come già Bottega Veneta, nella campagna FW16.

Che moda e arte possano venirsi incontro sempre!

di Pamela Romano

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United Colors of Benetton apre la stagione AI 2019/2020 con un progetto esaltante, eco solidale e colorato. Esaltando sempre la forza del Made in Italy, fra colori e lane pregiate, Benetton dà vita ad un programma davvero interessante.

WOOL SO COOL

WOOL SO COOL, è questo il nome che prende il progetto della famiglia Benetton. Il noto brand di abbigliamento nato nel 1965 a Treviso, quest’anno fa spiccare il volo ad una partnership davvero interessante con The Woolmark Company. Dal progetto nascono proposte di tendenza per quanto riguarda la stagione AI 2019/2020. Questo programma riguarda e coinvolge tutti i 5000 punti vendita del gruppo e tutte quelle vetrine speciali dedicate alla lana, da sempre protagonista e tanto amata dal mondo Benetton. “Wool so Cool” è il concetto base di questa collaborazione che vuole rivolgersi ad un pubblico sempre più consapevole ed attento alla qualità del prodotto, alla provenienza della fibra, ma soprattutto al suo impatto ambientale, concetto molto importante nelle ultime decadi. L’impegno per la sostenibilità di Benetton Group è da sempre stato evidenziato e molto apprezzato nel mondo della moda. Nel 2018 infatti, Benetton Group si conferma tra le aziende leader aderenti al Detox Commitment.

La lana si colora di biologico

La partnership fra Benetton Group e The Woolmark Company propone nel progetto stilistico maglie certificate Woolmark realizzate con filati italiani in 100% lana Merino extra fine. Parliamo quindi di una fibra 100% naturale, rinnovabile e biodegradabile, la quale in tutta la sua anima biodegradabile, colora l’anima basic di Benetton. La maglieria Benetton è sempre stata realizzata in lana, essendo l’icona del brand. Colori accesi, giustapposti, qualità, traspirabilità, di tendenza, tutte qualità che rispecchiano i valori di Benetton e The Woolmark Company.

Nella nuova collezione non si può non menzionare il capo “icona” del progetto: il pullover girocollo in jacquard striped con lavorazione geometrica, maniche a contrasto nere e polsini colorati. Il pezzo è unisex, ed è il risultato di un mélange di expertise e tecnica, il tutto amalgamato dal feeling per la natura. Questo pezzo iconico della nuova collezione è stato disegnato da Jean-Charles de Castelbajac, il quale afferma di essersi ispirato alle caramelle di liquirizia dal gusto particolare, come lo stile di Benetton.

Insomma, fra pullover sottogiacca, turtleneck e maglioni più sottili, Benetton e The Woolmark Company trionfano in una partnership dal tono vivace nelle proposte stilistiche, e allo stesso tempo serio per quanto riguarda i valori a cui si è ispirata.

di Sara Steccanella

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Diesel Farm è una distesa di 100 ettari di terra nei pressi di Marostica (Vi) acquistata nel 1993 da Renzo Rosso, genio dei jeans e creatore dell’azienda Diesel Spa, coronando il sogno di una vita. Si tratta di un’oasi naturale presente su 5 colline da cui nascono prodotti tradizionali sviluppati con tecniche innovative e convertiti esclusivamente al biologico.

Prodotto di qualità e obiettivo biologico

“Nella mia vita ho sempre coltivato. Passioni, sogni, desideri, senza dimenticare mai la mia terra”. Così Renzo Rosso, creatore della Diesel Spa e proprietario del gruppo OTB, afferma riguardo al suo progetto nato dall’unione della lavorazione della terra e dalla volontà di preservare l’integrità dell’ecosistema. Diesel Farm si è sviluppata in una posizione ottima e nasce dall’incrocio di vari ambienti. Essa è un insieme di biodiversità, territorio e mondo biologico, in quanto tutto ciò che l’azienda ricava dalla terra viene restituita ad essa attraverso lavorazioni agronomiche tradizionali, unite a pratiche innovative.

Il progetto nasce 20 anni fa, nel 1999, anno in cui esce la prima bottiglia. All’inizio si trattava di un prodotto molto più semplice, usato nel mondo della moda per fare promozione al brand. Successivamente il prodotto è stato lavorato molto dal punto di vista qualitativo, e oggi si confronta con una realtà di altri vini internazionali molto importanti sul mercato, fungendo da traino per il Made in Italy.

L’obiettivo è proprio quello di offrire, tramite Diesel Farm, una grande qualità, che racchiuda i segreti di una bottega artigiana: dal metodo di coltivazione e di vendemmia a quello di vinificazione. Il clima, il tempo e la pazienza sono indispensabili in ogni fase della produzione, e la cura per i dettagli si ritrova in ogni prodotto: dal vino, alla grappa all’olio.

Luogo magico immerso nella natura

La caratteristica posizione della Diesel Farm, a Marostica, permette di incrociare ecosistemi diversi creando così nell’insieme un paesaggio di grande fascino. Ci troviamo nell’alta provincia di Vicenza, una sorta di feudo sulle colline. In linea d’aria 55 km separano dal mare e 55 dai monti, 5 sono le colline su cui si estende la Diesel Farm e non è un caso, che proprio il numero 5 sia il numero magico di Renzo Rosso. La vicinanza con il mare, l’incrocio tra colline e montagne e l’attraversamento di particolari venti, crea un microclima molto particolare per una coltivazione unica e di qualità. Data la significativa posizione collinare e la superficie estesa, sin dalle origini, l’azienda si è caratterizzata per la somiglianza ad un piccolo ecosistema con boschi e pascoli, dove si alternano aree con l’olivo e la vite.

Biodiversità, territorio e mondo biologico

Diesel Farm si basa su tre concetti che rendono i prodotti un’eccellenza italiana creata con la volontà di preservare l’integralità dell’ecosistema e valorizzare la natura senza alterarla: biodiversità, territorio e biologico.

“Quello che raccolgo lo restituiscono alla terra attraverso lavorazioni agronomiche tradizionali unite a pratiche innovative. In questo modo contribuisco a mantenerla fertile, perché possa nel tempo dare buoni frutti”. L’impegno nel mantenere inalterata la biodiversità e la bellezza delle colline su cui vengono coltivati uva e olivi, ha portato il proprietario dell’azienda a praticare inevitabilmente un’agricoltura senza sostanze chimiche. Il territorio invece, è veramente speciale: Renzo Rosso ha salvaguardato questa terra a un destino che la voleva ricoperta di cemento. Oggi, oltre alla frutta, dona prati che accolgono vari tipi di animali tornati a ripopolare le colline.

L’azienda, inoltre, è stata convertita esclusivamente al biologico, andando oltre la semplice certificazione. Grazie alla conoscenza di Fabio Brescacin (presidente EcorNaturaSì, di cui Rosso è socio), il proprietario ha imparato che una coltivazione senza sostanze chimiche può dare frutto all’agricoltura. In seguito a continui studi, in collaborazione con esperti, per migliorare il benessere di piante e terreno, Diesel Farm è arrivata ad essere esclusivamente un’azienda ecosostenibile, in armonia e equilibrio con l’ambiente circostante: una vera e propria biosfera.

“Sento che salvando questa terra ho fatto la scelta giusta” sostiene Renzo Rosso parlando della sua terra e ribadendo di non aver mai dimenticato le sue origini e l’amore che può conferire la natura. 

di Aureliana Santinato

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“La mia filosofia estetica si può sintetizzare in due parole: il meglio. Solo il meglio, infatti, mi permette di esaltare la bellezza femminile e di creare gli abiti un attimo prima che le donne li desiderino”; Ermanno Scervino ama le donne, e la collezione Primavera/Estate 2020 ne è la prova.

Il noto brand fiorentino, nato dall’unione geniale tra lo stilista Ermanno Daelli e l’imprenditore Toni Scervino nel 2000, celebra l’inno all’italianità. Due figure che da sempre hanno creduto nel Made in Italy e che l’anno prossimo festeggeranno il ventesimo anniversario della loro casa di moda. Scervino lavora al servizio della bellezza femminile e veste una donna che ama i dettagli eleganti rendendo ogni capo glamour.

L’intimo si rivela al pubblico

Lo stilista è un grande esteta e ama la bellezza femminile. Con questa collezione Primavera/Estate 2020 si rivolge alla donna in modo elegante, trasmettendo il suo concetto di sensualità e valorizzando il Made in Italy in tutte le sue forme. Gli outfit sono ricchi di dettagli: sono presenti sovrapposizioni di giacche, sottovesti, piume e stile animalier. Gli abiti sartoriali sembrano quasi essere lingerie e pigiami; vengono messe in scena trasparenze, lustrini, paillettes, sovrapposizioni molto sexy e mai volgari che rendono la donna un mix perfetto di grazia e charme. Il brand lavora quindi sull’intimo esibito, da sempre considerato un tratto distintivo della casa di moda. Le sottovesti e le vestaglie si trasformano in eleganti abiti da sera, e anche il pigiama si sostituisce al tailleur, il tutto contornato da una inarrivabile raffinatezza.

Ermanno Scervino osa e le fantasie diventano le più svariate: come quella maculata, pois e rigata. Vengono utilizzate piume, organze, pizzi plissettati e giochi di trasparenze che rendono l’abito sensuale e femminile. Anche la pelle diventa importante: viene qui usata sulle tute e sulle giacche dai colori molto accesi per creare contrasto. I colori di questa collezione vanno dal bianco, grigio, beige e rosa pastello arrivando, infine, a colori più accesi, come il verde acido, il turchese e rosa.

Italianità e coraggio del contrasto

“Il mio successo lo devo al coraggio del contrasto, ai materiali, all’essere stato in grado di farli diventare qualcosa di internazionale. Questo è il mio segreto, un tocco di intimo e di sportswear, qualcosa di perfetto”. Queste le parole dello stilista, che grazie alle sue capacità artigianali e creative vuole riportare l’italianità della sua Firenze, ricca di arte e storia, nelle sue collezioni. Plasma infatti materiali d’eccellenza in modi inediti, creando abbinamenti moderni e inaspettati.

Ermanno Scervino è riuscito ancora una volta a fare dell’eleganza e della seduzione il fil rouge tra le sue collezioni. Una sartorialità che reinventa il concetto di pret-a-porter e che celebra la bellezza femminile e il coraggio di rinnovarsi.

di Aureliana Santinato

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La collezione We Love Mila! celebra le radici di Mila Schön con modernità e una classicità senza tempo, di cui l’archivio ne è la testimonianza. Non come luogo del ricordo o commemorazione, bensì un repertorio di eventi stilistici sempre efficaci grazie alla semplicità.

We love Mila Schön: pura e senza tempo

La filosofia di Mila Schön continua ad essere, nonostante non ci sia più lei a portarla avanti, un’idea di eleganza asciutta e senza fronzoli. Linee senza tempo che hanno conquistato alcune delle donne più famose e meglio vestite del mondo. La famosa stilista ha scritto un capitolo importante della moda italiana, diventando una delle protagoniste che hanno reso possibile la nascita del “Made in Italy“.

La collezione We love Mila! congiunge il presente con le origini del brand. In via montebello, nei suoi ampi spazi luminosi, ad aprire la presentazione della nuova collezione, un grande cubo bianco che accoglie gli spettatori. Una volta dentro, l’immersione nel mondo di Mila Schön è totale: collage di figurini originali, ritagli di articoli, foto che ricoprono per intero pareti. Immancabile è la colonna sonora: tracce che uniscono brani di storiche interviste. Tutto rispecchia (e rispetta) il DNA del brand, che ritrova il lavoro fatto da Mila Schön negli anni ‘60 e ‘70.

We love Mila: Collezione primavera estate 2020

Moderna e fedele allo spirito originario della maison: questa è la linea We love Mila! Modernità come sinonimo di una classicità senza senza tempo. La collezione è come un guardaroba di cui tutte le donne avrebbero bisogno. Progettato con capi che possono essere indossati tra infinite combinazioni, secondo i propri desideri. Accurato, semplice e mai banale: una lingua che combina l’armonia con bellezza, la morbidezza con precisione.

Capi senza ”data di scadenza”, perché sempre attuali e di tendenza, una collezione dopo l’altra. I tagli puliti, i volumi e le costruzioni double lasciano trasparire la bellezza dei tessuti: slow silk, cashmere, seta, lana e cotone. I materiali vengono esaltati attraverso l’intensità dei colori, come le note di ametista, smeraldo, coloniale, avorio, bianco, nero e blu navy.

Un guardaroba ricco fatto di robe coat, easy coat, giacche maschilie pullover. Immancabili polo, abiti svasati, top intarsiati, bermuda, gonne pantalone, e gonne a ruota. We love Mila! è una dichiarazione d’amore energica e anti nostalgica.

di Elena Borrelli

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Ferragamo dichiara la sua missione per il futuro proponendo un contemporaneo revival dei pezzi iconici che ne hanno definito l’identità. Ed il risultato dimostra che è la strada giusta. Identità. È questo ciò di cui l’universo moda, trovandosi ad attraversare un momento di crisi, sia di valori che di prodotti, necessita. Ferragamo dimostra di aver interpretato correttamente la frenesia e la polemicità del nostro zeitgeist, proponendo, tramite la collezione Autunno/Inverno 2019-20, un “antidoto”.

Generation, la collezione Autunno/Inverno firmata Ferragamo

Modelle e modelli di differenti età ed etnie sfilano insieme sfoggiando look di carattere, così da dimostrare che inclusività non implica omologazione. La collezione, come il titolo “GENERATION” lascia intendere, pone al centro dell’attenzione l’importanza della famiglia e della continuità culturale attraverso varie generazioni. Fattore caratterizzante del brand è proprio la gestione interamente familiare della Maison, proseguita anche dopo la morte del fondatore, Salvatore, nel 1960. Questa collezione è una celebrazione dell’Heritage Ferragamo e, conseguentemente, delle sue forti radici italiane.

Carryover senza tempo

Quale miglior modo per esprimere identità, se non riproporre in chiave contemporanea gli statement pieces della tradizione? Ispirazione chiave della collezione è infatti l’iconica calzatura “patchwork”, la zeppa multicolor ideata da Ferragamo nel 1942, per cui il brand detiene un brevetto. L’ideale per rievocare il concetto di molteplicità. Non manca il foulard di seta, altro marchio distintivo dello stile Ferragamo, che il marchio incominciò a produrre negli anni ’50. Il celebre rosso Ferragamo sfila a sua volta, fiammeggiando su alcuni pezzi. Modernità e tradizione si fondono armoniosamente tramite la presenza del monogram Gancini, nuova signature del brand, ideato da Paul Andrew, fissato su pregiato tessuto jacquard.

Ferragamo, il calzolaio delle star

Il tacco pump di Salvatore Ferragamo era il modello preferito di Marilyn Monroe. Decenni dopo, la scarpa detiene il suo ruolo di ingrediente fondamentale della ricetta Ferragamo, rendendo la collezione appetibile insieme ad un turbinio di colori. Tacchi scultorei, stiletti in raso, stivali in pelle di vitello, tutti rigorosamente lavorati a mano. Per l’uomo, un connubio tra robustezza e delicatezza viene proposto attraverso l’accostamento degli scarponcini da trekking e del classico mocassino.

Nuovi orizzonti

Ferragamo afferma prepotentemente la propria identità: mantenendo vivo il passato, lo sguardo è verso il futuro. La missione che il brand si pone è fornire una definizione chiara di lusso ad una generazione per cui questo concetto ha perso chiarezza. Parlando il linguaggio dell’eleganza, la firma italiana dimostra una grande dedizione nella creazione di prodotti innovativi, ma sempre rispettando le regole del buon gusto.

Una profonda conoscenza di se stessi è il segreto per il successo, per gli individui come per i brand. Ecco ciò che Ferragamo conferma attraverso questa collezione.

di Lisa Panzeri

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Brioni inizia il 2019 con un nuovo direttore artistico

“Anno nuovo, vita nuova”: ci crediamo (e speriamo) sempre tutti, ma nella moda non sono solo gli anni e le stagioni che si susseguono a dettare rinnovamenti. È la direzione artistica che più di tutto influenza stile e collezioni e, si sa, una sostituzione al vertice della piramide creativa significa solo una cosa: cambiamenti all’orizzonte.

Questa volta è Brioni a confermare la regola. Il brand del gruppo Kering ha iniziato il nuovo anno con un direttore artistico nuovo di zecca, il terzo in tre anni, e l’inversione di rotta è subito stata evidente. Se Nina-Maria Nitsche, e ancora prima di lei Justin O’Shea, avevano scelto Parigi come sfondo per la presentazione delle collezioni Brioni, il nuovo design director austriaco Norbert Stumpfl mostra fin dal suo arrivo il suo disaccordo. Il brand romano ha bisogno di tornare a casa, di guarire dopo le turbolente vicissitudini degli ultimi anni, e Milano Moda Uomo si configura come l’occasione perfetta.

Milano come palcoscenico e un dna sartoriale da valorizzare e modernizzare

Lo showroom all’ultimo piano della Galleria Passarella accoglie la collezione Autunno/Inverno 2019-2020 di Brioni e gli da il bentornato a casa con una meravigliosa vista sul Duomo. Stumpfl sceglie 33 look per presentarsi al mondo come nuova guida creativa del brand, e non manca di mostrarsi entusiasta per la nuova avventura insieme al marchio di alta sartoria.

Nei pezzi presentati è evidente la formazione pregressa del designer e i suoi anni passati tra Berluti, Louis Vuitton, Balenciaga e Lanvin, ma, senza ombra di dubbio, emerge anche il tentativo di restare fedele al DNA Brioni. Come farlo? Innanzitutto valorizzando i tessuti raffinati e di altissima qualità che caratterizzano i capi, senza cadere però in un classicismo e formalismo che troppo a lungo hanno caratterizzato il marchio.

Il nuovo anno e il nuovo designer, come una ventata di aria fresca, arrivano a stravolgere gli equilibri e a donare quel tocco di contemporaneità che mancava ad un know-how sartoriale consolidato ormai da più di settant’anni. Le linee sono morbide, i capi leggeri cadono sui corpi in maniera fluida e i dettagli sono ciò che fa la differenza.

Sotto colletti in coccodrillo, cuciture quasi invisibili, fodere in visone rasato, motivi cashmere e a scacchi e knitted astrakan completano abiti per ogni occasione, da quello formale a quello perfetto per il tempo libero ed il weekend. Novità assoluta per Brioni, inoltre, la presentazione dell’abito primo, una silhouette dalla vestibilità slim di cui certamente sentiremo ancora parlare.

La nonchalance romana

È evidente l’omaggio alla tradizione e alle origini di Brioni a cui Stumpfl si rifà donando all’intera collezione un’aura di nonchalance tipicamente romana. L’idea è quella di un uomo perfettamente a suo agio con sé stesso, che non ha bisogno di fronzoli ma che invece sovrappone e combina i capi d’istinto, seguendo il proprio estro, costruendosi – un pezzo alla volta – un guardaroba completo e ricercato, in grado non solo di appagarlo, bensì di aiutarlo ad affermare la propria identità nella società.

Gli abiti hanno una fattura impeccabile, il taglio è accurato e l’artigianalità che li contraddistingue è palpabile con mano, ma, allo stesso tempo, vengono indossati con una facilità e una informalità strabiliante. Il DNA formale e sartoriale di Brioni e lo stile più fresco e moderno introdotto dal designer si rincorrono e si incontrano in ogni abbinamento, si scontrano e si fondono nei tessuti, si cercano e si trovano nelle linee. Questo basterà a mantenere Stumpfl alla guida creativa della Maison?

di Martina Testa

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