Valentino Vintage 

In occasione della Milano Design Week 2022, Maison Valentino presenta Valentino Vintage, un progetto che ha come obiettivo quello di dare nuova vita ai capi delle collezioni passate. Si tratta dunque di un percorso circolare, nato nell’ottobre 2021 per offrire seconde storie a oggetti già esistenti e che hanno diversi passati e storie da raccontare. 

I loro punti di ripartenza sono quattro Vintage Store situati nelle città leader del vintage: Milano, New York, Los Angeles e Tokyo. Sono store unici, dove è possibile toccare con mano ed esplorare, ammirare e scoprire la creatività e l’individualità di ogni abito. Valentino Vintage sarà nello storico negozio Madame Pauline Vintage a Milano dal 7 al 12 giugno. Per quanto riguarda le altre città, dal 7 al 19 giugno l’esposizione sarà a Tokyo e New York rispettivamente negli store The Vintage Dress e New York Vintage. Per concludere, dal 7 al 18 giugno sarà a Los Angeles nella boutique Resurrection Vintage.  

La prima fase del progetto ha previsto la raccolta dei capi vintage. La seconda costituisce invece i Valentino Vintage Takeovers, ossia l’esposizione dei capi selezionati in queste quattro celebri boutique, e permette anche ai clienti di richiedere un servizio di consulenza relativo a un capo Valentino. In seguito, il team archivio della Maison a Roma fornirà un documento con tutte le informazioni disponibili relative al capo.

La moda circolare: partire dal passato per un futuro migliore

“Valentino Vintage parte da un segno grafico, un logo che racchiude tutti i loghi di Valentino, e con essi le storie dei capi che li portano sulla propria etichetta. A volte sono rimaste intrecciate tra loro, a volte si sono allontanate velocemente e hanno fatto perdere le loro tracce. Ma ognuna proviene da una stessa esplosione iniziale che ne ha determinato l’esistenza. Ad essa ora si riallaccia.

Una linea che diventa un cerchio, segno a sua volta di un approccio diverso, corale e consapevole”. Queste le parole della Maison in una nota introduttiva: la consapevolezza del recupero è un concetto centrale nell’ideazione di questo progetto second-hand, che vuole ripartire dal passato per costruire un futuro migliore. Si tratta di un’idea perfettamente coerente con il tema d’edizione del Fuorisalone di quest’anno, “Tra Spazio e Tempo”, che invita a riflettere sulla necessità di cambiare il nostro rapporto con il pianeta. 

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In occasione del Fuorisalone, nello storico distretto di Brera, il nuovo hotel milanese della Collezione Baglioni, che verrà inaugurato a fine anno, si trasforma nell’esclusivo palcoscenico della mostra d’arte In-Betweeen, un progetto curato dallo studio d’architettura Spagnuolo & Partners. 

Quando il design incontra l’arte 

Il percorso espositivo della mostra vuole descrivere il delicato rapporto tra Arte e Design, già matrice concettuale del progetto per il nuovo hotel Casa Baglioni. All’interno vengono esposti i lavori di quattro artisti internazionali: Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Anne Imhof e Giulio Paolini, dalla Stefano Cecchi Trust Collection – Fondo per l’Arte, collezione creata dall’imprenditore Stefano Cecchi con la curatela di Iole Pellion di Persano.

L’ispirazione dalle avanguardie degli anni ‘60

La mostra anticipa quelli che saranno i temi chiave della futura Casa Baglioni. Viene sancita l’idea del progetto d’interni che si confronta con l’opera d’arte, permettendo la scoperta di linguaggi nuovi. Un processo che porta ad una visione di spazio integrato in cui arte, design e architettura si sfiorano e, insieme, generano un universo di segni inediti. Con questo evento Baglioni Hotels & Resorts e Spagnulo & Partners dichiarano di sposare in pieno questo processo creativo, ispirandosi alla grande esperienza artistica delle avanguardie della Milano anni ’60. 

Le quattro sale, i quattro temi 

Quattro ambienti, ognuno con un tema diverso, scandiscono l’esposizione. Si apre con un percorso fatto da linee metalliche sottili e luci al neon che, come una matita, disegnano una struttura leggera in dialogo con il contesto, suggerendo una scatola aperta a quello che verrà e a quello che contiene.

In esposizione tre opere bianche, tele estroflesse di Castellani e Bonalumi, espressione di un linguaggio d’avanguardia cominciato nell’esperienza astrattista degli anni ’60. Tre rilievi diversi di pari intensità, che messi in dialogo evidenziano la bellezza di una tecnica che nonostante la ripetitività e rigidità della stessa riesce a creare sempre nuovi ritmi e impressioni in un gioco di luci e ombre.

Da qui si giunge alla seconda stanza, che approfondisce il tema delle riflessioni, delle superfici specchianti, della dimensione dell’ambiguità̀ in cui ci si interroga sul ruolo dell’opera, il suo essere protagonista o comparsa, sul ruolo dello spettatore nel farne parte, attivandola, in un continuo gioco di senso. Il pavimento è una vasca d’acqua che accentua lo stato di spaesamento e indeterminatezza sul quale si riflettono le due opere Untitled di Anne Imhof.

La terza installazione gioca con la permeabilità dello sguardo, con l’uso della luce e delle superfici come creatrici di atmosfere, in cui l’opera è svelata secondo un ritmo sincopato. Le pareti in tessuto giocano sulla contrapposizione di trame e trasparenze introducendo alla Comédie Italienne (1984) di Giulio Paolini, opera ricca di evocazioni letterario-artistiche intimamente legate al tema della teatralità.

L’ultima sala è uno sguardo verso il futuro, una finestra sul passaggio del tempo attraverso lo sguardo del regista Fabrizio Roscini che fissa il lavoro del cantiere mentre si compie. Esserne testimoni, incorniciare come in un quadro vivente le fasi del lavoro, dona ai suoi protagonisti il giusto peso all’interno del tutto.

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