Mona Hatoum presenta a Fondazione Prada la mostra site-specific Over, under and in between, concepita per gli spazi monumentali della Cisterna di Milano. Il progetto riunisce tre installazioni autonome ma profondamente connesse, invitando il visitatore a confrontarsi con lo spazio, il corpo e una percezione costante di instabilità e tensione.

Un dialogo diretto con l’architettura

La mostra nasce in risposta all’identità storica e architettonica della Cisterna, costruita nel 1909 come area di stoccaggio industriale. Hatoum interviene senza addomesticare lo spazio, ma amplificandone verticalità, vuoti e risonanze. Il titolo suggerisce una condizione di sospensione continua: stare sopra, sotto e in mezzo, fisicamente e concettualmente, rispetto alle opere e all’ambiente circostante.

La ragnatela come soglia fragile

Nella prima sala, Web (2026) accoglie il pubblico con una vasta ragnatela sospesa composta da sfere di vetro soffiato a mano. Fragile e luminosa, l’installazione trasforma un simbolo di intrappolamento in una volta quasi cosmica. La rete suggerisce allo stesso tempo protezione e pericolo, bellezza e vulnerabilità, creando un’esperienza immersiva che mette in discussione il rapporto tra sicurezza e minaccia.

Una mappa instabile del mondo

Al centro della Cisterna, Map (red) (2026) si sviluppa sul pavimento come un planisfero composto da oltre trentamila sfere di vetro rosso. I confini politici sono assenti, mentre i continenti emergono come presenze fragili e precarie. L’opera utilizza la proiezione di Gall-Peters, scelta che sottolinea come la cartografia non sia mai neutrale, ma carica di implicazioni culturali e politiche.

Tra crollo e resistenza

L’ultimo ambiente ospita all of a quiver (2022), una torre cinetica in metallo che oscilla continuamente tra collasso e ricostruzione. Il movimento meccanico e il rumore metallico coinvolgono il corpo del visitatore, evocando precarietà, instabilità e resilienza. L’opera trasforma una struttura minimalista in un organismo vivo, capace di riflettere sulla condizione umana e sull’incertezza del presente.

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Con The Island, Fondazione Prada inaugura un percorso che trasforma l’Osservatorio in un laboratorio visivo. Un’esperienza che unisce ricerca, cinema e tecnologia dentro la cupola della Galleria Vittorio Emanuele II. Un viaggio che sfida la percezione, evocando tempi profondi e tensioni della contemporaneità.

Una mostra che intreccia mondi e tempi diversi

La nuova esposizione di Hito Steyerl, attiva dal 4 dicembre 2025 al 30 ottobre 2026, mette al centro la complessità del presente attraverso la logica narrativa della fantascienza. Grazie a un film realizzato appositamente e a una serie di installazioni, l’artista riorganizza spazio e tempo come fossero materia fluida, mescolando intelligenza artificiale, crisi climatica, pressioni politiche e immaginazione speculativa. La mostra diventa così un dispositivo che invita a creare mondi paralleli anche nelle circostanze più avverse.

Le quattro narrazioni di The Island

Il progetto si articola in quattro capitoli: The Artificial Island, dedicato alla scoperta dell’isola neolitica sommersa in Dalmazia; Lucciole, che introduce la bioluminescenza del plankton e la ricerca scientifica sulla luciferina e sulla Proteina fluorescente verde; The Birth of Science Fiction, incentrato sull’eredità teorica di Darko Suvin; e Flash, che rievoca l’immaginazione infantile come fuga dalla realtà durante la guerra. Ogni sezione è un salto tra epoche, simboli e paesaggi, dai microorganismi alle galassie, dai miti pop alle memorie traumatiche.

Un percorso immersivo su due livelli

Al primo piano dell’Osservatorio, lo sguardo incontra una sfera luminosa con la scansione 3D del sito neolitico sommerso, accompagnata da quattro schermi LED che raccolgono interviste a fisici, archeologi e studiosi. Qui trovano spazio anche poesie di Suvin e materiali narrativi legati alle ricerche dell’artista. Il secondo piano riproduce una sala cinematografica degli anni Quaranta: poltrone rosse, piattaforma a forma d’isola e il film di Steyerl, che intreccia canto corale tradizionale, archeologia e fisica quantistica.

Il contrasto tra junk time e tempi profondi

Steyerl mette in scena il conflitto tra il “junk time” prodotto dalla tecnologia, fatto di loop, accelerazioni e sospensioni, e i tempi profondi che sfuggono alla dimensione umana, dal Neolitico alle profondità marine. La mostra diventa un’oscillazione continua tra passato remoto, presente frammentato e futuri possibili, trasformando Osservatorio in un archivio di percezioni e stratificazioni temporali.

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Dal 18 settembre 2025 al 26 febbraio 2026, la Fondazione Prada ospita Sueño Perro: Instalación Celuloide, la nuova opera immersiva di Alejandro G. Iñárritu. Un percorso che riporta alla luce immagini inedite di Amores Perros e invita lo spettatore a vivere la memoria come esperienza sensoriale, venticinque anni dopo l’uscita del film che ha cambiato la storia del cinema latinoamericano.

Un viaggio nella pellicola

Con Sueño Perro: Instalación Celuloide, Alejandro G. Iñárritu porta alla Fondazione Prada un’esperienza che supera il concetto di mostra tradizionale. Centinaia di ore di materiale girato e mai visto vengono rielaborate in un percorso che combina cinema, arte e memoria, trasformando lo spettatore in parte attiva del processo creativo. Le immagini e i suoni non si limitano a raccontare, ma avvolgono chi osserva, stimolando ricordi personali e creando un dialogo diretto con l’anima del film. È un invito a entrare nel cuore pulsante di Amores Perros e a viverlo come se fosse nuovo, venticinque anni dopo.

Il film che ha segnato un’epoca

Quando uscì nel 2000, Amores Perros non fu solo un debutto folgorante: fu una rivoluzione culturale. Raccontava il Messico contemporaneo con crudezza e poesia, mettendo a nudo ferite sociali e personali che ancora oggi restano attuali. L’opera di Iñárritu, premiata a Cannes e candidata agli Oscar, aprì la strada a una nuova generazione di registi latinoamericani, contribuendo a ridefinire l’identità del cinema mondiale. Con Sueño Perro, il film non ritorna come semplice ricordo, ma come riflessione universale sulle contraddizioni e sulle fragilità dell’essere umano.

Un dialogo con Fondazione Prada

La scelta della Fondazione Prada non è casuale: da anni lo spazio milanese si distingue per la capacità di ospitare progetti che mettono in relazione cinema, arte e nuove tecnologie. Dopo il successo di Carne y Arena, l’installazione VR che ha fatto vivere in prima persona l’esperienza di un migrante, Iñárritu torna a collaborare con la Fondazione con un’opera altrettanto potente. Sueño Perro non è una celebrazione nostalgica, ma un atto creativo che rinnova il rapporto tra pubblico e opera, trasformando un film di culto in un’esperienza collettiva capace di parlare al presente.

Cinema e memoria

Il progetto non si ferma alla sola installazione. A Milano prende vita anche una retrospettiva completa dedicata a Iñárritu, che ripercorre l’intera carriera del regista, dalle prime opere fino alle grandi produzioni hollywoodiane. Inoltre, la pubblicazione di un volume speciale arricchito da fotografie, testi e materiali inediti, permette di approfondire ulteriormente il dialogo tra cinema e memoria. Sueño Perro diventa così molto più di una mostra: è un tributo vivo e multiforme alla forza del cinema come strumento di riflessione, di emozione e di continua rigenerazione artistica.

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Firmato dallo studio AMO/OMA di Rem Koolhaas, il progetto intreccia scienza, storia, arte e politica per svelare come la visualizzazione dei dati abbia plasmato — e continui a plasmare — la nostra percezione del mondo.

Nata dall’esigenza di rendere intellegibili concetti complessi, l’infografica ha radici antiche e nobili: dalle tavole astronomiche per l’élite europea ai diagrammi ecologici di Alexander von Humboldt, fino alle mappe temporali dell’educatrice femminista Emma Willard. La mostra racconta questa evoluzione con un allestimento ricco di reperti e sezioni tematiche che spaziano dalla salute alla guerra, dalla religione all’economia, dalla migrazione alla crisi ambientale.

Nel cuore del percorso espositivo, il diagramma emerge non solo come strumento di sintesi ma anche come mezzo retorico: potente, talvolta ingannevole, capace di legittimare ideologie o creare consenso. E se in passato era riservato agli ambienti colti, oggi è onnipresente: dalla comunicazione scientifica ai social network, tra big data e disinformazione. È proprio questo dualismo — chiarezza vs manipolazione — a innescare una riflessione critica e necessaria sull’uso del linguaggio visivo nell’era digitale.

Con uno sguardo retrospettivo e proiettato al futuro, Diagrams dialoga con la ricerca architettonica di Koolhaas e AMO/OMA, che sin dagli anni ’70 utilizzano la rappresentazione diagrammatica per dare forma a nuove architetture e città. Il progetto si completa con un prezioso volume illustrato firmato da Irma Boom, arricchito da testi di studiosi come Alberto Cairo e Kate Crawford, e un dialogo tra Koolhaas e la curatrice Katya Inozemtseva.

Fino al 24 novembre 2025, questa mostra ci invita a guardare oltre la superficie dei grafici e delle mappe, per comprendere non solo cosa ci dicono, ma soprattutto come lo fanno. Un’esperienza che unisce rigore e immaginazione, mettendo in discussione i confini tra oggettività e narrazione.

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Dal 30 gennaio all’8 settembre 2025, Fondazione Prada ospita presso l’Osservatorio di Galleria Vittorio Emanuele II la mostra “A Kind of Language: Storyboards and Other Renderings for Cinema”. Curata da Melissa Harris, l’esposizione esplora il processo creativo che precede la realizzazione di un film, concentrandosi su storyboard, moodboard, schizzi, scrapbook, sceneggiature annotate e fotografie.

Dai primi bozzetti di Méliès agli storyboard di Miyazaki

Con oltre ottocento elementi in mostra, realizzati da più di cinquanta autori dal XX secolo a oggi, la rassegna si propone di mettere in luce l’importanza dello storyboard nella costruzione dell’immaginario cinematografico. Tra i pionieri di questo linguaggio visivo spicca Georges Méliès, che già nei primi anni del Novecento usava disegni preparatori dettagliati per film come Viaggio nella Luna (1902). Con lo sviluppo dell’animazione negli anni Trenta, studi come i Fleischer Studios e la Walt Disney Productions iniziarono a commissionare storyboard per film come Fantasia (1940), Pinocchio e Biancaneve e i sette nani.

Nel corso del tempo, lo storyboard è diventato uno strumento fondamentale non solo nell’animazione, ma anche nel cinema live-action. La mostra include esempi di preparazione visiva per film di registi come Hayao Miyazaki, Wim Wenders, Ingmar Bergman, Todd Haynes e Sofia Coppola.

Uno spazio espositivo ispirato alla creatività degli artisti

L’allestimento, progettato da Andrea Faraguna dello studio Sub di Berlino, è concepito per immergere il visitatore nel processo creativo degli storyboard artist. I tavoli espositivi richiamano le scrivanie da disegno e sono disposti in modo da evocare la sequenzialità di una pellicola cinematografica. Un gioco prospettico tra gli elementi sospesi e la cupola della Galleria Vittorio Emanuele II contribuisce a creare un’esperienza immersiva, sottolineando il legame tra spazio espositivo e narrazione visiva.

Linguaggi visivi tra cinema, arte e tecnologia

La mostra analizza l’uso dello storyboard in diversi contesti cinematografici: dalla definizione dello spazio scenico, come nelle ambientazioni de I dieci comandamenti (1956) o del mai realizzato Dune di Alejandro Jodorowsky, alla costruzione dei personaggi, come in Mamma Roma (1962) di Pier Paolo Pasolini o I’m Not There (2007) di Todd Haynes.

Negli ultimi anni, lo storyboard si è evoluto in una forma artistica a sé stante, come dimostrano i disegni di Satyajit Ray per Pather Panchali (1955) o le sperimentazioni di Jean-Luc Godard, che nei suoi ultimi lavori ha trasformato gli storyboard in un linguaggio cinematografico autonomo.

Un viaggio attraverso il cinema a Fondazione Prada

In concomitanza con la mostra, il Cinema Godard di Fondazione Prada dedicherà una parte della sua programmazione a una selezione di film presentati nell’esposizione. Tra i titoli in calendario figurano Il giardino delle vergini suicide(1999) di Sofia Coppola, Grand Budapest Hotel (2014) di Wes Anderson, Toro scatenato (1980) di Martin Scorsese e Il ragazzo e l’airone (2023) di Hayao Miyazaki.

L’esposizione sarà accompagnata da una pubblicazione illustrata della serie Quaderni, con un testo della curatrice Melissa Harris e un saggio visivo dello studio Sub. Dopo Milano, A Kind of Language proseguirà il suo percorso espositivo a Shanghai, presso Prada Rong Zhai, dal 4 novembre 2025 al 2 febbraio 2026, confermando il valore universale della narrazione visiva nel cinema e oltre.

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Dal 31 ottobre 2024 al 24 febbraio 2025, Fondazione Prada ospiterà For My Best Family, un progetto espositivo dell’artista marocchina Meriem Bennani, una delle figure più interessanti nel panorama dell’arte contemporanea. Bennani, nota per la sua capacità di fondere realtà e narrazione magica attraverso umorismo e osservazioni acute sulla società, presenta un’installazione che esplora l’identità e il vivere insieme in un contesto digitale e multiculturale.

Un’esperienza multisensoriale e una nuova prospettiva sulle relazioni sociali

L’esposizione si sviluppa nei due livelli del Podium della Fondazione Prada, dove Bennani ha creato un ambiente immersivo capace di trasportare il visitatore in una dimensione in bilico tra il familiare e lo straordinario. For My Best Family è il risultato di oltre due anni di lavoro e rappresenta la sua opera più complessa e ambiziosa. Al piano terra, troviamo l’installazione Sole Crushing, che utilizza un complesso sistema cinetico di centinaia di infradito animate meccanicamente, accompagnate da una composizione musicale originale creata con il produttore Reda Senhaji, noto anche come Cheb Runner. Questo “balletto-sinfonia-rivolta” di ciabatte ricorda le performance rituali della tradizione marocchina, reinterpretando il concetto spagnolo del Duende in chiave contemporanea.

Attraverso movimenti ritmici e sonori, l’installazione richiama atmosfere di caos e delirio, rendendo visibile e tangibile la tensione tra il quotidiano e il mitico, tra il caos urbano e le radici culturali. I visitatori possono interagire con l’installazione, che, con un sistema pneumatico, trasforma ogni oggetto in un elemento “vivo e respirante” e invita a riflettere sulle nostre connessioni emozionali e fisiche.

For Aicha: l’arte dell’animazione tra realtà e intimità

Al primo piano del Podium, Bennani propone un viaggio introspettivo e autobiografico con For Aicha, un art film realizzato con il supporto creativo di Orian Barki e prodotto da John Michael Boling e Jason Coombs. Ambientato tra New York e Casablanca, il film segue la storia di Bouchra, una regista marocchina che vive a New York e si confronta con le complessità della propria identità e della relazione con sua madre, Aicha, raccontando il conflitto tra identità sessuale e valori familiari in un mondo sospeso tra autobiografia e fantasia. La scelta di rappresentare i personaggi come animali antropomorfi (Bouchra è un giovane sciacallo) crea una narrazione quasi surreale che tocca temi di attualità, tra cui il genere, la cultura e l’amore materno, utilizzando un immaginario in grado di veicolare questioni profonde in modo apparentemente leggero e accessibile.

Il linguaggio scelto per il film riflette una continuità con la tradizione del cinema d’animazione: se i primi cartoni animati del XX secolo usavano personaggi astratti e antirealistici, Bennani recupera questo spirito di libertà espressiva per dare voce a storie intime e complesse. L’animazione diventa così un potente strumento per sfidare i limiti della rappresentazione, allontanandosi dalle convenzioni e invitando lo spettatore a una riflessione più profonda sulle sfumature emotive e culturali del vivere contemporaneo.

Una riflessione sull’arte contemporanea

Meriem Bennani, con il suo linguaggio ibrido e sperimentale, mette in discussione la natura frammentata delle identità moderne, il ruolo delle tecnologie digitali e l’influenza dei media nella costruzione dell’esperienza umana. For My Best Family, in questo senso, diventa un ritratto di come oggi si possa e si debba parlare di identità, comunità e affetti. 

Se siete appassionati di arte contemporanea o semplicemente curiosi, l’esposizione di Meriem Bennani alla Fondazione Prada è un’occasione imperdibile per esplorare i nuovi confini dell’arte e della narrazione visiva.

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Fondazione Prada torna a puntare i riflettori sul cervello umano con una nuova edizione del progetto “Preserving the Brain”, parte integrante dell’iniziativa “Human Brains” che dal 2018 esplora le neuroscienze. L’appuntamento di quest’anno, intitolato “A Call to Action”, mette al centro la prevenzione delle malattie neurodegenerative, e promette di essere un evento che non solo educa, ma ispira un vero e proprio cambiamento.

“Un futuro senza Alzheimer e Parkinson? A Milano, Fondazione Prada scommette sulla prevenzione”

Dal 16 al 17 ottobre 2024, Milano ospiterà un importante convegno scientifico presso Fondazione Prada, al quale seguirà una mostra che durerà fino al 7 aprile 2025. Il progetto coinvolge 15 dei principali istituti di neuroscienze di università di tutto il mondo, oltre a diverse associazioni italiane di pazienti. La sfida? Sensibilizzare il grande pubblico sull’importanza di prevenire malattie come l’Alzheimer, il Parkinson e la Sclerosi multipla, condizioni devastanti ma, in parte, prevenibili attraverso stili di vita sani e un’educazione diffusa.

Il cervello: motore della nostra umanità

“Preserving the Brain” è una tappa fondamentale di un percorso che mira a comprendere sempre più a fondo il cervello umano, la sua complessità e il ruolo che gioca nelle nostre vite. A guidare il progetto, il Professor Giancarlo Comi, neurologo di fama mondiale, che sottolinea come la prevenzione delle malattie neurodegenerative sia cruciale per mantenere una qualità della vita piena e attiva.
Le malattie neurodegenerative, infatti, possono avere radici profonde, spesso legate a fattori genetici e ambientali. Secondo Comi, il nostro comportamento quotidiano e le scelte che facciamo possono prevenire, o almeno ritardare, l’insorgere di queste patologie. Interventi su dieta, inquinamento, sonno e attività fisica potrebbero ridurre notevolmente il rischio.

Con incontri e dibattiti, Fondazione Prada coinvolge il pubblico nel concreto

Oltre al convegno, Fondazione Prada ha organizzato una serie di incontri che accompagneranno la mostra. Le sessioni si svolgeranno in collaborazione con organizzazioni che si occupano di pazienti colpiti da malattie neurodegenerative, come AIMA (Associazione Italiana Malattia di Alzheimer) e AISM (Associazione Italiana Sclerosi Multipla), solo per citarne alcune. Durante questi eventi, i visitatori avranno l’opportunità di partecipare a dibattiti, visite guidate e momenti di confronto con pazienti, studenti e giovani professionisti del settore sanitario.
L’obiettivo principale è chiaro: creare un dialogo fra il mondo scientifico e la società, per promuovere consapevolezza e azioni concrete che coinvolgano il pubblico nella prevenzione e nel cambiamento di abitudini, in particolare tra le giovani generazioni.

Un viaggio nella prevenzione alla Galleria Nord di Fondazione Prada

Dal 16 ottobre 2024 al 7 aprile 2025, la mostra presso la Galleria Nord di Fondazione Prada a Milano offrirà un percorso espositivo che esamina i principali fattori di rischio e le strategie di prevenzione per le malattie neurodegenerative. Attraverso otto sezioni tematiche, il pubblico potrà esplorare l’impatto di fattori ambientali come l’alimentazione, il sonno e l’inquinamento sulla salute del cervello. Non solo: verrà dato ampio spazio alla prevenzione secondaria, cioè alla diagnosi precoce, che può rallentare il progresso di queste malattie.
Un ciclo di otto incontri, organizzati in collaborazione con le associazioni di pazienti, accompagnerà l’esposizione, offrendo momenti di riflessione e dibattito, visite guidate e letture. La mostra non si limita a informare: vuole attivare il pubblico, rendendolo parte integrante di un cambiamento collettivo.

Una sfida globale parte dalla comunità locale

Come afferma Miuccia Prada, Presidente della Fondazione, “questa edizione di ‘Preserving the Brain’ vuole creare un dialogo ancora più forte tra il mondo scientifico e la comunità culturale”. Non si tratta solo di divulgare informazioni, ma di ispirare un cambiamento di mentalità e comportamento che tocchi da vicino tutti noi, soprattutto i più giovani, che saranno protagonisti del futuro.
L’importanza di prevenire le malattie neurodegenerative va oltre la sfera personale: ha un impatto sociale, economico e sanitario globale. Il forum che si terrà a Milano rappresenta un’occasione unica per far incontrare scienziati, medici, associazioni di pazienti e istituzioni. Una vera “call to action” che intende trasformare la conoscenza scientifica in azioni concrete per affrontare una delle più grandi sfide della nostra epoca.

Con eventi come questo, Fondazione Prada si conferma un attore chiave non solo nel mondo della cultura, ma anche nella promozione di un futuro più sano e consapevole per tutti.

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Una storia che viene attualizzata 

Il progetto Monte di Pietà, ideato da Christoph Büchel, riprende la storia del Palazzo sin dalla sua nascita. Dall’aspetto storico dell’edificio si passa a quello culturale: il Palazzo è infatti diventato nel corso del tempo un’istituzione nonché vera e propria icona culturale. Le linee guida e il suo percorso storico sono solo le fondamenta su cui costruire un progetto artistico a 360 gradi che parla di relazioni tra economia, politica, spazio e cultura. 

Uno sguardo attento è da rivolgere verso un’installazione specifica, che riprende il concetto di debito in tutte le sue sfaccettature e sull’iconica valigia di Christoph Büchel, The Diamond maker. Non mancano altri suoi lavori inediti, svariate collezioni e archivi, opere storiche, contemporanee, oggetti, documenti e tanto altro.

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Potere e tecnologia: le parole chiave del nuovo progetto

L’osservatorio Fondazione Prada a Milano è pronto a illustrare l’intreccio e il rapporto tra il potere e la tecnologia. La riflessione parte dall’arma potente dell’intelligenza artificiale: ci si interroga per capire da dove nasce, come si sviluppa e come si è arrivati fin qui. I visitatori aprono la mente e adottano nuovi metodi di approccio per comprendere a fondo i concetti di tempo, politica e tecnologia, e come queste terminologie possano essere connesse tra di loro, amalgamandosi.

L’importanza dell’AI al giorno d’oggi

L’AI impatta sempre di più sulle nostre vite, dimostra ogni giorno quanto essa sia presente e potente e quanto riesca a influenzare le persone, le loro attività e il loro quotidiano. “Calculating Empires”, non a caso, vuole far riflettere, studiare e analizzare il sistema e il suo progresso nel corso del tempo. 

La mostra mette a contatto passato e presente: spiega come le tecnologie passate siano eco nelle e per le aziende tecnologiche di quest’oggi. Per spiegare e contestualizzare l’AI, la mostra propone Anatomy of an AI System di Joler e Crawford: un diagramma esploso focalizzato sul caso di un dispotico che ricorre all’intelligenza artificiale. 

Durante l’esposizione, si incontrano collezione di libri, dispositivi e oggetti vari, un luogo dedicato alla riflessione, una biblioteca che invita i visitatori alla lettura. Nel percorso espositivo, spicca la Calculating Empires Map Room, un ambiente buio che funge da scatola nera per i visitatori.

Una mostra inedita, che fa riflettere e che sicuramente dona agli spettatori qualche consapevolezza in più.

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Interpretazione di oggetti 

La mostra indaga i significati degli oggetti, le contaminazioni tra Oriente e Occidente, la miscela tra diverse forme d’arte e tutti i differenti concetti espressi dagli artisti. Il significato che l’oggetto può avere è molteplice: decorativo, funzionale, teatrale, architettonico. Viene messa in scena una storia di migrazione culturale, di ibridazione, dove le gerarchie tra le arti vengono superate, viene messo tutto sullo stesso piano; i vari processi si amalgamano perfettamente tra loro.

L’esposizione in concreto

Presso gli spazi di Fondazione Prada vengono esposti oltre settanta paraventi: opere di grande valore storico, ma anche lavori più recenti e contemporanei, e una sezione di opere commissionate ad alcuni artisti internazionali. I vari ambienti della mostra presentano diversi gruppi tematici, e il percorso espositivo risulta fluido grazie alle strutture divisorie che ordinano la mostra.

L’obiettivo finale è quello di capire come un oggetto evergreen, in questo caso il paravento, riesca a fungere quest’oggi da mezzo di proiezione utilizzando le tecnologie digitali. Il paravento ha diverse funzioni: nasconde, protegge, crea una situazione intima; è un elemento d’uso quotidiano decorativo, che sa essere anche trasgressivo oltre che unico nel suo genere.

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