Milano, dal 31 marzo al 22 agosto 2022 Fondazione Prada presenta “Useless Bodies?”. In mostra, le domande urgenti di Elmgreen & Dragset diventano installazioni, sculture, provocazioni.

Mostra e artisti

Abitiamo l’era post-industriale, dove il corpo non serve più alla catena di montaggio taylorista, anzi, è per lo più inutile alla produzione e diventa, semmai, il prodotto. Ce lo ricorda l’avviso di tracciamento dei cookies, miliardi di dati raccolti dagli algoritmi del web per essere venduti alle Big Tech. Azioni, abitudini e foto dei nostri corpi vengono scambiate per un servizio indispensabile: abitare, gratuitamente, la rete.

Tutto questo cambia le condizioni di lavoro e salute, le relazioni, il modo in cui registriamo le informazioni, ed è quello che Elmgreen & Dragset vogliono raccontare. Come ci adattiamo fisicamente a un mondo sempre più costretto alla bi-dimensione dello schermo? Il futuro sarà davvero il luogo degli “Useless Bodies?”.

L’artista di Copenaghen Michael Elmgreen e il norvegese Ingar Dragset lavorano come duo dal 1995 e hanno inaugurato mostre in tutto il mondo, dal museo di arte moderna di Tel Aviv (2016) alla Tate Modern di Londra (2004). Numerose sono le loro partecipazioni alle biennali e hanno curato la 15. Biennale di Istanbul. Dal 31 marzo al 22 agosto, con “Useless Body?”, Elmgreen & Dragset espongono nella sede milanese di Fondazione Prada, dove il corpo continua ad entrare nel dialogo tra moda e arte. 

Spazi e temi

Le opere di Elmgreen & Dragset allestiscono quattro spazi espositivi e parte del cortile di Fondazione Prada. I due piani del Podium, la galleria Nord e la Cisterna diventano, così, ambienti fatti per riflettere, ciascuno con atmosfera, estetica e tema propri. 

1. Al piano terra del Podium, sculture classiche e neoclassiche condividono lo spazio con quelle attuali di Elmgreen & Dragset in un dialogo tra passato e presente. Ispirata alla mostra “Serial Classic”, curata nel 2015 da Salvatore Settis e progettata da Rem Koolhaas in occasione dell’inaugurazione della sede di Milano di Fondazione Prada, la convivenza di opere antiche e contemporanee fa riflettere sulle modalità di riproduzione del corpo umano nei diversi secoli. 
2. Il secondo piano del Podium è un ufficio abbandonato: i computer aspettano, pazienti, sulle scrivanie ma i corpi non ci sono più: sono tutti in smartworking. L’installazione consiste nella ripetizione di file infinite di postazioni lavorative che richiamano le strutture geometriche della scultura minimalista. Inoltre, l’ambiente evoca scenografie di film distopici come Playtime (1967) di Jacques Tati e Brazil (1985) di Terry Gilliam. 
3. Nella galleria Nord si entra in una casa del futuro: l’atmosfera è asettica come quella di un bunker, una navicella spaziale o, forse, uno showroom. In questo gioco i visitatori sono ospiti indesiderati che si intrufolano a casa di altri oppure detective in cerca di indizi, e l’unica presenza in movimento li disorienta: è un cane robot.
4. La Cisterna, una spa in disuso: mentre le innovazioni tecnologiche rendono i nostri corpi sempre più inutili, le industrie del benessere, del tempo libero e della salute sono in continua espansione. Offrono infinite soluzioni per “risolvere il problema del corpo imperfetto” eppure continuano a pubblicizzare canoni fisici irraggiungibili. L’ambiente centrale include una nuova opera, What’s Left?, è il corpo che esita a trovare il proprio ruolo di attore politico o strumento di cambiamento sociale.

Il tema del controllo fisico imposto al nostro corpo nella sfera pubblica è esplorato da alcune sculture allestite negli spazi esterni di Fondazione Prada. Oggetti di uso quotidiano vengono alterati e diventano inutilizzabili per i loro scopi usuali, così, il visitatore è invitato a ripensare l’ordinario secondo la propria chiave interpretativa. Come ricordano Elmgreen & Dragset, infatti: «Le storie personali sono così varie che, entrando in un museo, tutti viviamo un’esperienza indipendente, e questa è una vera ricchezza».

Informazioni e link

• Orari: dalle 10.00 alle 19.00
• La visita è inclusa nel biglietto d’ingresso di fondazione Prada (Largo Isarco 2, Milano)

Su YouTube puoi trovare cinque episodi in cui Elmgreen & Dragset raccontano riflessioni e scelte creative, clicca qui per vedere il primo.

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Goshka Macuga e Betye Saar: un nuovo dialogo per “Atlas”

Il progetto “Atlas” ospita lavori realizzati tra il 1960 ed il 2016, nei 6 piani espositivi della Torre di Fondazione Prada, a Milano. Nato da un dialogo tra Miuccia Prada e Germano Celant, presenta le idee e le diverse versioni d’arte che hanno contribuito e partecipato all’interno della Fondazione.

Il quarto piano ha riaperto al pubblico dal 17 giugno 2021. È dedicato alle opere dell’artista polacca Goshka Macuga e dell’afroamericana Betye Saar. L’arte di quest’ultima presenta elementi caratteristici quali il metafisico, la memoria femminile e l’identità afroamericana. 

Le installazioni

“The Alpha and The Omega” (“The beginning and The End”) è un’installazione in una stanza circolare dalle pareti azzurre. Vari oggetti sono situati al suo interno; potrebbero alludere a giochi per bambini. Una visione più profonda, però, riporta al viaggio della vita, al tempo precario e alla libertà negata. Riflessioni profonde vengono fatte sull’umanità, fragile e complessa allo stesso tempo. Questa installazione è stata ospitata nel 2016 in occasione della mostra “Uneasy Dancer”.

Goshka Macuga, invece, è un’artista polacca. La sua versatilità la fa spaziare dalla scultura alla fotografia, architettura e design.  Tre grandi arazzi sono proposti per “Altas”: il primo, “Of what is, that it is; of what is not, that it is not 2”, del 2012, mostra l’impatto che ha avuto la civiltà occidentale sulla popolazione afghana. “Make Tofu not War del 2018” e  “From Gondwana to Endangered. Who Is the Devil Now?”, del 2020, sono due arazzi in 3D, rappresentazione del futuro per l’artista.

di Margherita Sala

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Il Podium di Fondazione Prada, tramutato in un fiabesco labirinto concettuale, riapre le porte  ai visitatori a partire dal 29 aprile 2021 con il progetto site-specific “Who the Bær”, firmato Simon Fujiwara. Lo spazio espositivo sarà visitabile fino al 27 settembre 2021. Le avventure  di Who possono essere seguite anche su Instagram (@whothebaer). 

Senso di smarrimento in un freddo universo fatto di immagini 

“There was once a little bear…”: questa la frase che si legge una volta addentrati all’interno  dell’installazione del britannico Fujiwara. Il protagonista della mostra è Who, un orso ispirato  ai personaggi dei cartoni animati privo di un chiaro carattere, dal genere indefinito, senza  personalità. La mostra assume le sembianze di un labirinto di cartone a forma di orso:  percorrendolo, vediamo Who che cresce, mutando età e configurazione, ed esamina diverse  possibilità di espandere la propria natura. Who esiste in un mondo piatto, composto solamente  di immagini. Esso stesso è un’immagine, e, in quanto creatura estremamente espandibile, riesce a tramutarsi in qualsiasi altra immagine desideri, assorbendo gli attributi e le identità di chi vi è raffigurato. Ironia della sorte, l’unico desiderio di Who sarebbe proprio quello di smettere di essere un’immagine, assumendo una personalità propria e chiaramente definita.  

Scorci autobiografici 

Simon Fujiwara ha concepito l’idea alla base del progetto “Who the Bær” durante il primo  lockdown. Costretto all’isolamento, Fujiwara, come tutti noi, si è ritrovato a sfruttare come  unico canale di contatto con il mondo esterno, immagini trovate online. Mosso da disperazione e da uno scarso sentimento di speranza, esasperato dalla necessità di insorgere, ha iniziato a stampare le immagini che vedeva, disegnandoci poi sopra personaggi dei cartoni. Queste vignette, interagendo con le immagini, rappresentavano per lui la tanta agognata reazione ad esse. Un ulteriore spunto autobiografico che si ritrova nel mondo creato da Fujiwara riguarda la difficoltà a delineare e affermare la propria identità. L’artista, infatti, è cresciuto in una piccola cittadina britannica essendone sia l’unico ragazzo ad avere origini asiatiche, sia l’unico  a essere omosessuale.  

Il paradosso della cultura consumistica contemporanea 

Perché dei cartoni animati? Fujiwara ritiene che si tratti di una metafora del mondo moderno,  che appare e si comporta come un cartone animato. Molte cose, attualmente, vengono ridotte  ai minimi termini e “cartoonizzate”, dalla politica alle questioni sociali, ai problemi ecologici. “C’è pressione, violenza sugli individui, siamo costretti a semplificarci per sopravvivere in  questo caotico paesaggio di immagini”, dichiara l’artista durante il video di presentazione della sua mostra (visualizzabile sull’account Instagram @fondazioneprada). Questo avviene in 

totale contrasto con ciò che sta effettivamente accadendo al mondo, che è invece divenuto  molto più complesso dal punto di vista dell’identità: individualità sempre più variegate  emergono, sottolineando le più sottili differenze tra persone. Il principale obiettivo  dell’installazione è far sì che i visitatori vedano questioni complesse attraverso una “lente”  estremamente semplicistica. 

Convinzioni sgretolate e ricerca dell’autenticità 

Who è un personaggio ingenuo, che crede nelle cose a un punto tale da diventarle. Attraverso  un racconto fatto di disegni, collage, sculture e animazioni, i visitatori sono testimoni della sua  perenne ricerca di un sé autentico. Fujiwara usa i meccanismi dell’invenzione per esplorare  alcuni dei piaceri e dei traumi che affrontiamo in quanto parte di una società posseduta dalle  immagini e dallo spettacolo. Giunti alla fine del percorso, assistiamo allo sgretolamento delle  forme, dei canoni, delle convinzioni che abbiamo costruito nella nostra società e,  conseguentemente, al fallimento delle persone che tentano di incarnare questi ideali. 

Una domanda può sorgere spontanea: chi è Who? Nonostante non manchino ispirazioni  autobiografiche, Who non rappresenta solamente il suo creatore. Who è ciascuno di noi,  impegnato nelle proprie battaglie quotidiane. Ci ritroviamo a fronteggiare il dualismo che  caratterizza i nostri più grandi bisogni: quello di differenziarci, affermando la nostra unicità, e  quello, al tempo stesso, di sentirci accettati, parte di qualcosa. L’augurio è, per tutti, di trovare  il proprio “filo di Arianna”, così da uscire dal labirinto in cui Who è rimasto intrappolato,  abbracciando appieno la propria identità. 

di Lisa Panzeri

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Dall’11 maggio 2020, la mostra virtuale Love Stories – A Sentimental Survey by Francesco Vezzoli al via sull’account Instagram di Fondazione Prada. Più di una semplice mostra, questo progetto innovativo è un esperimento a grandezza naturale curato da Eva Fabbris.

Francesco Vezzoli, più di un artista, un brillante esploratore

Dopo “Comizi di Non Amore” (2004) e “TV 70: Francesco Vezzoli guarda la Rai” (2017), la Fondazione Prada presenta l’opera di Francesco Vezzoli “Love Stories”. L’esploratore dei legami tra l’arte contemporanea, la cultura di massa e lo star-system, offre una maniera nuova di lottare in questo periodo di crisi con l’arte. Grazie al linguaggio dei social media, l’artista italiano vuole osservare lo stato emotivo, amoroso e psicologico di una comunità online.
“Sperimentare un nuovo territorio di condivisione di idee, visioni e impressioni sull’amore, il sesso, l’identità, il corpo, la solitudine, l’appartenenza, l’alterità, il futuro”. Questo è l’obiettivo di Francesco Vezzoli secondo il comunicato stampa di Fondazione Prada. Rimanendo fedele all’immaginario visuale pop che ama così tanto, l’artista milanese da forma a la nostra ossessione di popolarità. Affronta le preoccupazioni in corso con l’ambiguità fondamentale della verità, il potere seduttivo dal linguaggio e l’instabilità dell’essere umano.

Il funzionamento della mostra virtuale Love Stories

Il progetto interattivo invita la comunità Instagram a partecipare. Ogni settimana, l’artista Francesco Vezzoli farà delle domande attraverso l’account di Fondazione Prada. I follower potranno rispondere a un sondaggio riguardante un’immagine di coppia, scegliendo una delle due opzioni. Utilizzando foto che creano cortocircuiti visivi e descrizioni interpretative, l’artista italiano interrogherà la comunità online. I sondaggi saranno basati su una tematica ispirata dall’aria di un’opera di compositori famosi come Giuseppe Verdi o Giacomo Puccini.
Tutte le settimane, i risultati saranno commentati da una personalità di spicco del mondo della cultura, dell’arte, della moda, del cinema, della musica o della comunicazione. Ognuno di loro proverà ad interpretare le risposte, decifrare le emozioni dei partecipanti per poter abbozzare il ritratto della comunità. Un gioco, di primo acchito, facile e leggero, che potrebbe rivelarsi molto significativo in questo periodo storico di circostanze eccezionali.

Un’esperienza in sintonia con i tempi

In tempo di contenimento mondiale, le iniziative si moltiplicano per alzare il morale della gente. I social media sono al centro di tali azioni. Secondo il direttore generale di Instagram, Adam Mosseri, il numero di video in diretta è più che raddoppiato in Italia dall’inizio della quarantena. L’app è soprattutto diventata un social media stimolante, di condivisione.
Gli esempi sono molteplici, a cominciare da Marina Cacciapuoti che ha lanciato l’hashtag #ItalyFromAWindow, condividendo foto delle sue viste in quarantena sull’account Italy Segreta. L’artista Hey Reilly, notato su Instagram da Silvia Fendi tra l’altro, prosegue col dirottamento di foto. Svela immagini di James Bond con la mascherina o della Regina d’Inghilterra con i capelli dei colori della bandiera italiana. Anche nel mondo della moda le iniziative sono numerose, come quella dello stilista francese Jacquemus e l’hashtag #jacquemusathome, che invita i suoi follower a ricorrere alla loro creatività per divertirsi a casa.

Love Stories, il riflesso di un pensiero artistico e sociale

Non c’è da stupirsi, quindi, se Francesco Vezzoli ha scelto Instagram per la sua mostra virtuale Love Stories. Il suo progetto decisamente moderno si inserisce perfettamente nella tendenza attuale: immediato, creativo, collaborativo. Questa iniziativa rispetta proprio le parole scritte sulla pagina Instagram di Fondazione Prada: “physically closed, but virtually active”.
Come avrete capito, l’approccio dell’artista milanese è un po’ diverso; nel senso che non vuole solo intrattenere. L’idea alla base del progetto Love Stories è l’indagine sociale. Francesco Vezzoli incoraggia una riflessione artistica con un pizzico di provocazione intellettuale. Non perdete dunque l’occasione di scoprire la mostra virtuale Love Stories – A Sentimental Survey by Francesco Vezzoli sulla pagina Instagram di Fondazione Prada.
 
di Léa Voirin

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