La mostra

Dall’1 al 15 aprile, nella palazzina dei Bagni Misteriosi del Teatro Franco Parenti, l’artista Paolo Ventura esporrà, oltre alle sagome della scenografia dello spettacolo, alcune Short Stories e i fondali utilizzati per realizzarle.

Cosa sono le Short Stories?

Le Short Stories sono un ciclo di opere realizzate da Paolo Ventura, a seguito del suo ritorno dalla Grande Mela tra il 2012 e il 2015, nello studio di Anghiari, piccolo paesino toscano, luogo d’infanzia dell’artista. Un angolo dello studio, situato in un vecchio granaio, è stato adattato a palcoscenico con diversi fondali da lui dipinti, e lì ha iniziato a fabbricare brevi e poetiche storie attraverso immagini.

Le scenografie sono così diventate veri set fotografici dove l’artista è entrato a far parte di mondi fantastici ritraendo non solo se stesso, ma anche il figlio Primo, la moglie Kim e il fratello gemello Andrea, interpreti delle storie che rappresentava. Si tratta di piccoli racconti, short stories, appunto, riguardanti la guerra, la magia, l’abbandono. In ogni racconto si evincono la cura e la passione per i costumi, i travestimenti e tutto ciò che riguarda il mondo del teatro e del circo.

Maghi, soldati, pagliacci, cacciatori sono solo alcuni dei personaggi che Paolo Ventura interpreta in modo suggestivo e coinvolgente, senza mai dimenticarsi di strappare un sorriso allo spettatore. In occasione dell’esposizione ai Bagni Misteriosi, alcune di queste Short Stories: The birdwatcher/The vanishing man/The magician/The juggler/The man in the suitcase/Homage a Saul Steinberg verranno rieditate in una dimensione inconsueta di cm 100 x 70.

Focus sull’artista

Paolo Ventura, classe 1968, si forma all’Accademia delle Belle Arti di Brera e lavora come fotografo di moda negli anni ’80 collaborando con le più acclamate riviste internazionali, tra cui Elle, Vogue e Marie Claire. Decide poi di trasferirsi a New York dove inizia il suo percorso di artista collezionando numerosi successi. Le sue opere, infatti, fanno parte di importanti istituzioni pubbliche e private, tra cui il Boston Museum of Fine Arts, il MAXXI di Roma e la Maison Européen de la Photographie di Parigi. Nel 2011 decide di rientrare in Italia, vivendo tra Milano e Anghiari. Da sempre appassionato di teatro e di opera, i suoi lavori sono una felice contaminazione tra arte, opera e teatro.

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Writers

La nuova mostra di Chantal Joffe ha come punto di partenza una ricerca al femminile di scrittrici, poetesse, saggiste, giornaliste, ma anche giovani esperte di social-media, tutte donne che hanno fatto della narrazione il proprio lavoro e la propria identità. Così l’artista decide di raccontare e interpretare attraverso le sue tele le storie di queste donne in una serie di ritratti individuali.

Tra le protagoniste di questi nuovi lavori ci sono autrici di tutti i generi letterari e declinazioni dell’arte e del mestiere della scrittura: romanziere affermate come Sally Rooney o Hanya Yanagihara; poetesse come Annie Freud; giornaliste come Hettie Judah (contributor per The Guardian, Vogue, The New York Times). E, ancora, Katy Hessel, nuova conduttrice della televisione culturale britannica, creatrice della seguitissima pagina Instagram @thegreatwomenartists dedicata sin dal 2015 all’arte al femminile.

Chantal Joffe riesce, con i suoi ritratti, a catturare in modo fluido e scorrevole, le emozioni, le debolezze e i punti di forza dell’esistenza umana. I soggetti che predilige sono femminili: bambine, ragazze e donne ritratte in modo diverso e in diversi momenti della vita senza giudizio, senza filtri e raccontate con forte coinvolgimento e con un coraggioso rifiuto nei confronti di ogni ordine formale. I soggetti rappresentati hanno uno sguardo sospeso tra l’immediatezza del presente, colto in un’istantanea, e la dimensione enfatica, lasciando lo spettatore talvolta disturbato, talvolta appagato.

Chantal Joffe (St. Alban, USA, 1969) vive e lavora a Londra, dove ha concluso un Master presso la Royal College of Art e ricevuto il Royal Academy Woollaston Prize nel 2006. Ha esposto in importanti istituzioni come il Foundling Museum, Londra (2020); Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgo (2019); Whitechapel Gallery, Londra (2018); The Lowry, Salford (2018); Royal Academy of Arts, Londra (2018, 2017); National Museum of Iceland, Reykjavik (2016); National Portrait Gallery, Londra (2015); Jewish Museum New York (2015) Jerwood Gallery, Hastings (2015); Collezione Maramotti, Reggio Emilia (2014); Saatchi Gallery, Londra (2013-2014); MODEM Hungary (2012); Mackintosh Museum, Glasgow (2012); Turner Contemporary, Margate (2011); Neuberger Museum of Art, New York (2009); University of the Arts, Londra (2007); Royal Academy of Arts, Londra (2005); Bloomberg Space (2004).

La mostra Writers è visitabile presso la Galleria De Cardenas a Milano, dal 24 marzo al 7 maggio 2022.

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Arte/Moda

Mercoledì 23 marzo 2022 dalle ore 18.30 ci sarà un incontro alla libreria della Fondazione Sozzani con Claudia Migliore, curatore di arte e fotografia e Nadia Nava, in occasione della presentazione del suo libro, dal titolo “Arte/Moda”, pubblicato da SilvanaEditoriale.

Nadia Nava è un’artista e textile designer di origini lombarde. Dopo aver conseguito gli studi in filosofia presso l’Università Statale di Milano e quelli artistici presso l’Accademia delle Belle Arti di Brera, compie numerosi viaggi e soggiorni all’estero per poi iniziare la sua attività artistica nel 1980. Quest’ultima si sviluppa in un duplice percorso: da una parte la realizzazione di opere pittoriche, dall’altra lo studio e la creazione di disegni su tessuti. Nel mondo di Nadia Nava, arte e moda sono due realtà strettamente interconnesse. Grazie all’innata sensibilità per la materia e un’approfondita conoscenza dei procedimenti tecnici che da sempre caratterizzano la ricerca dell’artista, Nadia Nava ha sviluppato una fortunata e variegata produzione, dal ready-made all’installazione, dal disegno alla stampa tradizionale, fino alla creazione di texture applicate ai tessuti, che l’hanno portata a collaborare con alcuni tra i più importanti designer internazionali, tra cui Dior, Prada, Louis Vuitton e Jil Sander. Così nasce il testo Arte/Moda come sintesi dei suoi studi e come rappresentazione dei due mondi che costituiscono la sua realtà.

Tra i lavori più recenti ci sono installazioni che diventano racconti descrittivi di vari temi, come il teatro, il gioco, la letteratura. Inoltre, da anni, è impegnata in un percorso di sperimentazione e studio sulla decorazione dei tessuti realizzando più di 700 mostre, tra cui: l’Internazionale Grafica di Venezia (46° Biennale di Venezia, 1995); Canto sospeso, Museo del Castello San Giorgio, La Spezia, 2007; Biblioteca Nazionale Braidense, Milano, a cura di Mariella Goffredo, 2016.

Il racconto personale di Nadia Nava è accompagnato dal contributo di Chiara Gatti e Ugo La Pietra, intrecciando la narrazione con tre linguaggi diversi ma complementari: arte, letteratura e teatro.

Claudia Nava vi aspetta il 23 marzo alle ore 18.30 presso la libreria della Fondazione Sozzani a Milano.

Arte / Moda di Nadia Nava
testi di Chiara Gatti e Ugo La Pietra
176 pagine, 240 illustrazioni, 24 x 28 cm
SilvanaEditoriale (2021) 30 €

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IN THE DARK

Purple Disco Machine è un dj/producer multiplatino di fama internazionale, e dopo i grandi successi del 2020 e del 2021 con i brani Hypnotized, Fireworks e Dopamine, torna a collaborare con Sophie And The Giants stupendoci ancora una volta con una nuova hit: In the dark.

Il videoclip ufficiale del brano è online e vede la partecipazione straordinaria del creator italiano Mattia Stanga. Diretto da Dimitri Tsvetkov, il video musicale è ambientato in una fredda e piovosa notte nella Berlino Est della DDR e narra la storia di un amore proibito, intrecciato con un’appassionante trama di spionaggio e inganno. Il brano racconta le emozioni contrastanti di una storia d’amore finita male e il sentimento di disperazione che ne consegue.

In the dark, inoltre, anticipa la pubblicazione di Exotica Deluxe, riedizione dell’ultimo album di inediti dell’artista, in uscita il 4 marzo. Exotica rende omaggio agli anni ’80 e a tutti gli artisti che hanno ispirato il dj nella creazione della sua musica di successo.

La collaborazione con Sophie And The Giants

La rinnovata collaborazione tra i due artisti è il connubio perfetto tra la produzione funk che da sempre contraddistingue il sound di Purple Disco Machine e la voce seducente di Sophie, front woman del gruppo britannico Sophie And The Giants.

Purple Disco Machine si rinnova e si supera ogni volta, confermandosi all’altezza della sua 2ª posizione nella classifica “Beatport Artist of All Time”. È indubbiamente sinonimo di qualità ed esperienza per la musica house, con quasi 1 miliardo di stream e oltre 9 milioni di ascoltatori mensili su Spotify.

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Lucio Dalla non si può dimenticare

Ricorre oggi, 1° marzo, il decimo anniversario della scomparsa di Lucio Dalla. Nato a Bologna il 4 marzo del ’43 è stato cantautore, compositore, musicista a tuttotondo, artefice di alcune tra le più belle canzoni italiane che continuano a emozionarci instancabilmente. La sua produzione artistica è stata poliedrica, attraversata da diverse fasi: da una fase sperimentale e di scoperta del ritmo jazz, alle collaborazioni con Roversi, De Gregori, Morandi, fino alla maturità artistica e alla fase pop della sua carriera. Orfano di padre dall’età di 7 anni, Lucio Dalla impara presto ad attraversare la solitudine, a viverla come un momento necessario per una corretta lettura dell’esistenza. Così le sue parole e i suoi testi carichi di poesia, di emozione, di vita vera ci hanno accompagnato, e lo fanno tuttora, in un dondolio dolce, come una ninna nanna che ci culla in un momento di sconforto, in un giorno di gioia o in una notte d’amore.

La mostra: “Lucio Dalla – anche se il tempo passa”

Il legame con la città natale è sempre stato intimo e viscerale. Dalla e Bologna sono sempre stati indissolubilmente legati ed è per questo che è stata organizzata una mostra che è qualcosa in più di un semplice tributo. La grande mostra-evento in onore di Lucio Dalla apre proprio a Bologna, prima tappa di un importante percorso nazionale che la vedrà realizzata anche a Roma, in autunno, e, successivamente, nel 2023, a Napoli e Milano. La mostra sarà ospitata nel Museo Civico Archeologico di Bologna dal 4 marzo al 17 luglio 2022. Promossa dal Comune di Bologna con il patrocinio della Regione Emilia-Romagna, è ideata e organizzata dalla società C.O.R. Creare Organizzare Realizzare di Roma. L’esposizione mostra come, partendo dall’infanzia, il rapporto con la musica di Lucio Dalla sia sempre stato centrale, un elemento continuativo, che lo ha accompagnato per tutta la sua vita.

Lucio Dalla è stato capace di dare forma a ogni tipo di espressione musicale, dando vita così a una lunga carriera multiforme, intensa e incredibile. Con la sua musica è stato capace di reincantare il mondo coltivandone la meraviglia, imparando a riconoscerla e sforzandosi di darle spazio. Per questo la memoria di questo artista non può che rimanere vivida, costante ed eterna, proprio come lui.

[…] “Vorrei girare il cielo come le rondini

e ogni tanto fermarmi qua e là” […]

(Lucio Dalla, Le rondini)

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Luigi Ghirri, la fotografia come dialogo tra rappresentazione ed interpretazione.

Al MAXXI di Roma è in mostra fino al 27 ottobre la personale dedicata  a Luigi Ghirri ( 1943-1992). L’artista emiliano, la cui produzione si concentra tra gli anni settanta e ottanta, è una delle figure di maggior spicco della fotografia italiana ed internazionale soprattutto grazie all’idea che la fotografia sia il mezzo attraverso il quale aprire lo sguardo verso significativi percorsi visivi e alle mille sfumature della percezione. La fotografia per Ghirri è un “dover attraversare con lo sguardo”, porta dell’immaginario, essa stimola e sollecita delle domande sul mondo.
La personale ripercorre l’opera dell’artista secondo i tre temi principali del suo lavoro: icone, paesaggi, architetture. Oltre 300 tra fotografie, vintage print e materiali esposti, non in ordine cronologico proprio ripercorrere il lavoro dell’ artista secondo la sua peculiarità principale, la lettura aperta e reversibile, l’interazione.
Le fotografie sono a colori, chiari, immagini pulite, scenografie del mondo su cui lo sguardo indaga e si pone delle domane, senza trovare una risposta poiché il continuo interrogarsi è la risposta stessa. Le icone contemporanee, come le vetrine, le cartoline, immagini e sovrapposizione di immagini, gli oggetti che popolano la nostra quotidianità, si caricano di una grande forza evocativa e allo stesso tempo sono simbolo della collettività. I paesaggi e l’accostamento dell’artificiale e delle prospettive reali sono uno sguardo più profondo, intimo e non stereotipato della società. Le architetture che siano anonime costruzioni edilizie o opera d’autore sono un soggetto protagonista della narrazione ghirriana a cui l’artista dona rinnovata leggerezza.  Le persone, sono quasi sempre ritratte di spalle per dare alle stesse “un infinito numero di possibili identità, dalla mia mente di fotografo, a quella ultima: quella dell’osservatore…”; le persone comuni estrapolate dal contesto abituale si caricano di un significato nuovo.
“Molti scrivendo di fotografia hanno detto che questa mostra sempre quello che già sappiamo: il risaputo; io credo invece che l’asserzione vada così corretta:  la fotografia mostra sempre quello che noi crediamo già di sapere”
 
Luigi Ghirri
“Icone  paesaggi architetture”
Dal 24/04/2013  al 27/10/2013
MAXXI – Museo Nazionale delle arti del XXI secolo
Via Guido Reni 4°- 00196 Roma
www.fondazionemaxxi.it
(di Nicole Leonardi Vedova)

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Absence of Subject è un’esibizione che mette in relazione il fotografo tedesco August Sander, tra le più importanti figure della fotografia del XX secolo, con il collega contemporaneo Michael Somoroff. La mostra, ospitata fino ad aprile dalla Fondazione Stelline di Milano, è una vera e propria indagine sociale sulla centralità del soggetto nell’opera d’arte, anche nell’estremo parossismo della sua totale assenza.
Il progetto espositivo pone in dialogo, attraverso i 40 scatti di Sander e le altrettante rielaborazioni di Somoroff (oltre a 6 video sempre di quest’ultimo), due poetiche antitetiche per tema e linguaggi, ma profondamente complementari. Il fotografo americano riprende il ciclo di opere Uomini del Ventesimo Secolo di Sander, e agisce concettualmente con un lavoro di rimozione e ricavo, creando un ponte che, partendo dalla Repubblica di Weimar, giunge fino a noi.
Nel suo progetto originario Sander documenta i vari tipi di umanità della Germania dell’epoca, imprimendo su pellicola volti, professioni e status sociali. Il reportage e l’arte fotografica si fondono in questo intento, e consegnano al mondo un dettagliato mosaico dell’uomo “moderno”, con il suo bagaglio di relazioni, fragilità e speranze. Più di cinquant’anni dopo Michael Somoroff indaga il potere evocativo delle immagini di Sander private del loro fulcro espressivo: il soggetto. Una manipolazione digitale sorprendente, che rivela lo scenario retrostante ai protagonisti degli scatti e colpisce per chiarezza espressiva e intensità. L’assenza si fa soggetto, in un gioco di rimandi che impone una domanda: “Il ritratto che più ci rappresenta oggi è forse la narrazione di un’assenza”?
 
AUGUST SANDER e MICHAEL SOMOROFF | ABSENCE OF SUBJECT
Fino al 7 aprile 2013

Orari: martedì/domenica, 10/20 (chiuso lunedì)
Biglietti: intero € 6 – ridotto € 4,50 – scuole € 3
VISITE GUIDATE GRATUITE
per adulti | il giovedì alle 18.30
per famiglie con bambini dai 6 ai 12 anni | la domenica alle 16.30
attività gratuite | da pagare a parte il costo del biglietto
per famiglie: biglietto speciale adulto + bambino 8€
Info e prenotazioni| AD ARTEM, T. +3902.6597728 | info@adartem.it – www.adartem.it
FONDAZIONE STELLINE in Corso Magenta, 61 – 20123 Milano (Italia)
 
(di Roberta Donato)

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Solare e caldo è “Sun”, il nome del nuovo album di Mario Biondi, artista indiscusso nel panorama jazz mondiale. Dopo due anni di lavoro intenso tra Londra, Milano, New York e Los Angeles, la nuova “fatica” discografica del “soul man” catanese uscirà il prossimo 29 gennaio. Si tratta di un album di raggio internazionale: è prodotto dallo stesso Biondi e da Jean Paul Maunick, “Bluey”, leader della band britannica Incognito. Di grande rilievo è la collaborazione con l’artista statunitense Chaka Khan, che in modo unico interpreta il brano ‘Lowdown’ di Boz Scaggs, uscito nel 1976 nell’album Silk Degrees.

A fine anno è uscito il singolo di traino dell’album, “Shine on”, scritto da Biondi con Massimo Greco e Jan Kincaid, batterista e tastierista del gruppo londinese Brand New Heavies, e con l’arrangiamento d’archi firmato da Simon Hale.

Il cantante siciliano inizia la sua carriera nel 1988 facendo da spalla ad artisti che hanno fatto la storia della musica internazionale, come Ray Charles. La sua crescita avviene anche grazie alla presenza nel suo percorso artistico di Gianni Bella, suo conterraneo. La grande svolta arriva nel 2004, anno d’uscita di “This is what you are”, singolo che gli dà il successo e lo consacra una della più note voci jazz del mondo. La sua carriera si arricchisce di preziose collaborazioni con artisti come Ornella Vanoni e Renato Zero.

Album da acquistare assolutamente quello di Mario Biondi, artefice di una musica elegante che non stanca mai.

(di Elena Prantera)

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Ci sono progetti utilizzati per arredare; altri usati come utensili per cucinare, per lavorare; altri ancora per essere osservati. E poi ci sono i progetti di Francesca Lanzavecchia, la cui funzionalità d’uso è racchiusa nel termine “emozionale”; proprio così, gli oggetti della designer sono oggetti che hanno un’anima, che suscitano una sensazione, che seducono…

Laureatasi al Politecnico di Milano, la Lanzavecchia ha conseguito un master (con la tesi “ProAesthetics”) alla Design Academy di Eindhoven e oggi collabora con lo studio Wai, con base tra Pavia e Singapore; anche Gilt Magazine si è lasciato “sedurre” da Francesca Lanzavecchia è ha deciso di intervistarla.
Chi è Francesca Lanzavecchia?
Francesca è prima di tutto una sognatrice che ama le persone, i loro comportamenti, e cerca in qualche modo di coccolarle.

Com’è nata la passione per il design?
Sin da piccola mi piaceva collezionare oggetti. Crescendo, il design divenne il modo per esprimere una necessità di creare per gli altri. È stata una scelta naturale, che faceva già parte di me.

Come descrive i suoi progetti?
Sono progetti caratterizzati da una forte componente emotiva a tattile, dovuta alla scelta del materiale o alla sua funzionalità. Mi piace pensare agli oggetti come a delle continuazioni delle parti del corpo. Ogni progetto è un viaggio a se stante, non si sa mai il risultato finale.

PROAESTHETICS è un progetto forte, in cui si unisce funzionalità ed estetica. Com’è nato?
La mia è una famiglia di medici e io nel mio percorso di vita ho sempre rifiutato di intraprendere la strada della medicina. Mi ha sempre colpita la disumanizzazione dei corpi e la fragilità umana, il fatto stesso che la percezione della disabilità fosse esaltata dagli stessi oggetti che la definiscono. Così ho pensato alla bellezza funzionale, realizzando una quarantina di oggetti che rispondevano alle esigenze espresse dalle interviste fatte a chi li deve indossare quotidianamente: il busto lingerie per la ragazza che si vergogna a spogliarsi davanti al proprio ragazzo con il busto ortopedico, oppure il bastone con vassoio per far sì che mia nonna potesse continuare a portare il caffè al nonno..

In un’intervista ha dichiarato di creare oggetti sensuali ed intimi. Come può un oggetto, che è comunque inanimato, definirsi sensuale ed intimo?
Il tatto, lo stuzzicare l’occhio, permettono all’oggetto di diventare attraente. Il mio lavoro si basa sulla ricerca di materiali, come le pelli in lycra elastica. Cerco di creare anche un interazione coi materiali e tra l’uomo e l’oggetto.

Cosa la ispira per la realizzazione dei suoi progetti?
Sono una viaggiatrice, quindi mi lascio ispirare dai miei viaggi in primis. Poi l’arte, la letteratura, il fashion…mentre altri sono progetti che vengono richiesti.

Pensa che ci sia un connubio con la moda?
Penso che ci sia una forte relazione tra Moda e Design, come c’è anche tra Arte e Design.

A quale corrente artistica pensa di appartenere?
Penso di potermi definire “massimalista”, non credo di avere dei limiti, non mi piace definirmi, perché potrei essere tante correnti differenti. Quello che per me conta è l’Emotional Design.

La tendenza nel design del momento?
Spero la tendenza alla frammentazione, cioè guardare a ciò che è davvero fondamentale.

Progetti per il futuro?
Quello che posso dire (ride ndr.), una mostra a Singapore e una a Washington e il lancio di prodotti industriali.

(di Paola Vaira)

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Aleksandra Lajtenberger nasce a Pancevo, nei pressi di Belgrado, 42 anni fa. Negli anni Novanta lavora nel mondo della moda, collaborando con marchi prestigiosi come Gianfranco Ferrè, Strenesse, Rifat Ozbek, Madina, avendo così la possibilità di fare importanti esperienze negli Stati Uniti, in Europa e in Asia. Contemporaneamente studia fotografia a Milano, presso l’Officina Fotografica e approfondisce le sue competenze grazie al fotografo italo americano, Giac Casale. Realizzando servizi fotografici per magazine e campagne di comunicazione, si appassiona e si specializza nella tecnica del ritratto.
Lo scorso anno il fortunato incontro con l’artista inglese Hamish Pringle, grazie al quale nasce l’idea di LIFELINES: 27 doppi ritratti di madri e figlie lavorati con la tecnica del Sandpaper e nei quali il viaggio, intrapreso nel racconto dell’essere umano, trova il suo pieno compimento.
Aleksandra continua a interrogarsi su come lo scorrere del tempo incida sulla bellezza, spostando lo sguardo dal volto della donna a quello della natura e realizzando FL:HOURS: un coinvolgente giardino multimediale dove i protagonisti, i fiori da lei fotografati, trovano espressione in animazioni, variazioni e interpretazioni uniche. L’artista associa la dimensione più misurata della storia dell’uomo, il tempo, con quella forse meno misurabile: la bellezza della natura in tutte le sue possibili declinazioni.
Una bellezza estetica ed etica al tempo stesso, la stessa di cui parla Kant nella sua Critica del Giudizio, definendola “simbolo del bene morale”, la bellezza di una natura che fa intuire all’essere umano l’esistenza di un sommo “artista”, che consegue attraverso il bello il suo scopo: il “trionfo del bene”. Aggiungendo a questa riflessione l’elemento del tempo, Aleksandra sviluppa un pensiero nato con LIFELINES: considera lo scorrere delle ore come un elemento non solo necessario, ma costitutivo della vera bellezza .
FL:HOURS è un’iniziativa di Flumen Communications Companies, holding di partecipazioni italiana attiva nell’area della comunicazione attraverso i network Brand Portal e The Name Group. La mostra , che ha già fatto tappa all’Auditorium Parco della Musica di Roma, sarà visitabile con ingresso libero dal 16 al 30 novembre alla Triennale di Milano.

(di Marta Lualdi)

FL:HOURS
Triennale Design Museum
Viale Alemagna 6
martedì a domenica 10:30-20:30
giovedì 10:30-23:00
www.flhours.it
www.lifelines.it
www.triennale.it
 
 

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