Si va in scena: si aprono i sipari del Teatro Franco Parenti di Milano, e dal 28 marzo al 6 aprile 2023, ponendo omaggio all’immortale drammaturgo William Shakespeare verrà portata sul palco “Coppie e Doppi”, un’interpretazione tutta al femminile, scissa tra tradizionalismo shakespeariano e dissidi interiori dell’uomo contemporaneo, che vedrà come regista e attrice la romana Anna Galiena, che darà vita a dieci personaggi che, interagendo e dialogando tra loro, portano in scena l’inconciliabile dicotomia umana, e allo spettatore sarà data la possibilità di accedervi ed esplorarla.

Lo spettacolo 

Lo spettacolo mette in luce una molteplicità di personalità, originali e antipode, appassionate e violente, ironiche e introspettive, che riflettono quel dualistico gioco di ruoli che ha storicamente segnato la storia del teatro: dai temi della classicità greca e romana, con lo scontro tra sacro profano, uomini e divinità, fino al periodo elisabettiano, che prevede il dissidio tra uomini e donne.

Dopo il grande successo ottenuto in Francia, la regista ha adattato i testi shakespeariani, da lei stessa particolarmente apprezzati e dunque studiati e poi reinterpretati. La pièce a una voce propone un gioco teatrale in versi di rimandi e seduzione, in cui gli opposti si fronteggiano in un percorso di grande fascino: amore, odio, potere, gelosia, lussuria, e tutte le passioni cantate dal Bardo, sono espressione dell’ambivalenza umana in cui il pubblico potrà riconoscersi, tirando un respiro di sollievo.

L'articolo Coppie e Doppi: al Teatro Franco Parenti l’omaggio a Shakespeare proviene da Gilt Magazine.

Le dodici stelle di Shakespeare di Enrico Petronio

Le dodici stelle di Shakespeare è il primo saggio di Enrico Petronio ed è strutturato come un diario di bordo. L’autore parte dall’autobiografia esplorativa di Shakespeare per analizzare le tappe del suo processo, che coincidono con le dodici tappe connesse ai segni zodiacali. Alla base del saggio, infatti, ci sarebbe l’indagine dei caratteri psicologici di alcuni dei più significativi personaggi shakespeariani, della complessità dei loro sentimenti e delle loro azioni. Proprio uno studiato allineamento astrologico naturalis ipotizzava nel Cinquecento un intenso e stretto rapporto tra l’universo e gli esseri viventi.

L’idea alla base del saggio

Il saggio unisce, da una parte la classica analisi testuale dei testi del Bardo, e dall’altra le relative continue ricerche di Enrico Petronio. Il suo obiettivo era quello di comprendere come Shakespeare abbia fatto a padroneggiare una così vasta area di psicologie umane. È risaputo che quest’ultimo si sia occupato di tutta la gamma dell’umanità, creando personaggi diversi tra loro e molto misteriosi, ma la vera domanda è: come ha fatto? Come è riuscito ad analizzare e descrivere così dettagliatamente ognuno di loro? È proprio da queste domande che Petronio ha preso spunto per il suo saggio.

Studiando quella che era l’astrologia ai suoi tempi, ha immaginato che Shakespeare abbia costruito i suoi personaggi più celebri e significativi assegnando ad ognuno il segno zodiacale più adatto e consono, prima di iniziare a descriverli accuratamente. Secondo questa teoria, Shakespeare sarebbe un vero e proprio artigiano: per ogni opera ha concepito una struttura chiara e premeditata, in linea con gli schemi dell’astrologia. Ad esempio, secondo Petronio, Amleto non può che essere del segno dei Pesci, il segno più introspettivo, complesso e tormentato dello zodiaco. Questo saggio, nuovo e innovativo, offre spunti per comprendere il pensiero shakespeariano attraverso una teoria completamente nuova, rivoluzionaria e originale.

di Sophie Properzi

L'articolo Le dodici stelle di Shakespeare: diario di bordo e segni zodiacali proviene da Gilt Magazine.

Dal 2014 l’incantevole isola di Stromboli fa da cornice alla Festa di Teatro Eco-Logico, 100% amica dell’ambiente

Arrivi a teatro, cerchi il tuo posto, ti accomodi, le luci si spengono, il sipario si alza. Si va in scena! E se, per una volta, l’esperienza teatrale si trasformasse in qualcosa di differente? Questo è l’obiettivo della Festa di Teatro Eco-Logico, evento che da ormai otto anni si tiene nella maestosa e magnifica isola di Stromboli. Cos’è la Festa di Teatro Eco-Logico? Un momento di condivisione a base di spettacoli teatrali, danza e rappresentazioni artistiche a impatto zero. Come? Sfruttando solo la luce solare, della Luna e delle stelle, oppure di torce e candele, senza alcun mezzo artificiale per l’illuminazione e l’amplificazione acustica.

La Festa di Teatro Eco-Logico ha quindi diversi obiettivi: ridare all’essere umano il ruolo di protagonista assoluto sul palcoscenico, aumentare la consapevolezza sul risparmio energetico e far conoscere la splendida isola siciliana in un modo diverso e lontano dai soliti itinerari turistici. Sì, perché per la Festa di Teatro Eco-Logico, l’intera isola si apre al pubblico, dalle sue grotte e spiagge più difficili da raggiungere alle case private degli abitanti più generosi.

La storia della Festa di Teatro Eco-Logico

La prima edizione di questa Festa di Teatro, ma anche festa del teatro a tutti gli effetti, si è svolta nel 2014, utilizzando come filo conduttore il Sole. “Too Much in the Sun” è stato il titolo scelto per l’edizione numero 1, durante la quale sono andate in scena opere di Leopardi e poesie di Emily Dickinson, oltre a numerosi miti sul grande signore dell’isola, lo Stromboli. Iddu, come lo chiamano siciliani e strombolani con quella paura affettuosa che solo loro conoscono, è infatti il vero protagonista di questa rassegna annuale, anche solo con la sua presenza. Nel 2015, invece, la Festa ha deciso di concentrarsi su un concetto scomodo, ma profondamente sentito dai siciliani: lo “straniero”. Una condizione, un modo di vivere e approcciarsi al mondo, una nomea che ci si può portare dietro per l’intera vita, come eterni “Strangers in the Night”.

Per terza edizione della Festa di Teatro Eco-Logico, invece, il vulcano ha ceduto lo scettro e la corona a uno dei re della letteratura mondiale: William Shakespeare. A 400 anni dalla sua morte, il Bardo ha fatto risuonare le sue parole e i suoi versi immortali in tutta l’isola, scenario ideale per la rappresentazione di commedie indimenticabili come La Tempesta, qui trasformata in una moderna Tempest on the Rocks. Dalla letteratura alla filosofia, dalla Gran Bretagna agli Stati Uniti. Il rapporto tra uomo e natura, ma anche tra uomo, legge e diritti civili è il tema scelto per la quarta edizione della Festa, sempre in prima fila per approfondire e analizzare le grandi questioni che si pongono gli esseri umani.

Nel 2018 il vulcano Stromboli e la sua forza tornano protagonisti con un’edizione dal nome “Meravigliose Creature”, che si ispira a esseri immaginari come Frankenstein, in grado di andare oltre l’umano. L’ultima edizione della Festa di Teatro, svoltasi tra il maggio e il giugno 2019, ha avuto come fil rouge uno dei più analizzati conflitti della storia umana: quello tra paura e desiderio. In scena, ancora una volta, le parole di William Shakespeare, con una intensa rivisitazione del suo Sogno d’una notte di mezza estate, ma anche la mitologia classica di Ovidio, con la tragica storia degli amanti Piramo e Tisbe, a cui si dice si sia ispirato anche Shakespeare stesso scrivendo la sua celebre tragedia Romeo e Giulietta.

In attesa di programmare un viaggio nella splendida Stromboli, aspettiamo le date della prossima Festa di Teatro Eco-Logico 2020 per goderci la magia della natura e dell’arte.

di Martina Porzio

L'articolo Festa di Teatro Eco-Logico: uno spettacolo a impatto zero proviene da Gilt Magazine.

Lino Musella e Paolo Mazzarelli ideatori dello spettacolo Who is the King?

Potere, gloria, ammirazione, sangue. Da sempre le vicende umane accadono, governate dalla forza di questi desideri. Territori conquistati, trionfi, rivolte, uccisioni, tradimenti: la volontà di potere scorre nell’animo umano, trascinando in spirali di perdizione, follia e bramosia anche gli uomini più nobili. È la storia del mondo, ed è la storia che William Shakespeare, a cavallo tra XIV e XV secolo ha raccontato, portando in scena con i suoi Drammi Storici le vicende degli otto Re di Inghilterra che si susseguirono durante la Guerra Delle Due Rose. Una storia lontana, ma che avremo presto il piacere di riascoltare. Proprio con il cadere delle foglie, l’avanzare della nebbia e l’arrivo dell’autunno, potremo immergerci nuovamente nelle vicende misteriose dell’Inghilterra del Quindicesimo Secolo e riviverne l’oscura e affascinante atmosfera.

Lino Musella e Paolo Mazzarelli alla riscoperta dei Re shakespeariani

Al Teatro Franco Parenti di Milano, andrà in scena Who is the King?, un percorso di riscoperta delle vicende dei Re shakespeariani che, per la prima volta, si presentano a teatro tutti insieme, raccontandosi in un nuovissimo e coraggioso percorso ideato da Paolo Mazzarelli e Lino Musella, sviluppato in quattro macro episodi. Una vera e propria serie che abbandona la comfort-zone della televisione e si avventura  a teatro, raccontando in modo episodico e unico, un intero secolo di storia.

Il percorso, sapientemente costruito dagli autori, vedrà ogni Re conquistare il palco e raccontare le proprie vicende, nell’arco della vita che va dalla giovane età sino alla vecchiaia, per giungere poi  alla morte, momento in cui il nuovo Re calpesterà il palco, conquistando il potere. Si partirà dal racconto di Riccardo II, un Re intimamente lacerato dal potere, emotivo, volubile e in balia degli eventi, passando per i trionfi di Enrico V, saggio, leale e autorevole, fino ad arrivare all’inferno, nell’animo di Riccardo III, un Re spietato, deforme, oscuro.

Secondo le parole di Mazzarelli: “Who is the King è una domanda e un’affermazione insieme […] è la domanda che tiene banco in tutti i drammi storici, è una domanda attorno alla quale si costruiscono tutte le dinamiche di congiura, guerra, alleanza, sfida, amore, che riempiono e animano i testi”. Ed è anche una domanda che ben si adatta a questo progetto, ideato da varie teste pensanti e organizzative, che collaborano senza tregua a un processo creativo fecondo e innovativo. Lo spettacolo andrà in scena per la Prima Nazionale, con due episodi iniziali al Teatro Franco Parenti di Milano questo Ottobre.

di Sara Pacella

L'articolo Lino Musella e lo spettacolo Who is the King? proviene da Gilt Magazine.

Lino Musella, anche se molti di noi lo conoscono meglio nei panni di Rosario O’ Nano in “Gomorra: La serie”, è un grande uomo di teatro. Partendo dalla formazione registica fino all’approdo televisivo, ha parlato a Gilt dei suoi ultimi spettacoli, di quale pensa sarà il futuro del teatro e del suo immenso amore per Shakespeare.

In “L’Ammore nun’è Ammore”, uno dei tuoi lavori più recenti, reciti Shakespeare in napoletano. Da dove nasce questa idea? Quali sono state le maggiori difficoltà incontrate?

Questa idea nasce da Dario Jacobelli, poeta napoletano  e caro amico scomparso nel 2013. Fu lui, 15 anni fa, a cominciare la traduzione di alcuni sonetti di Shakespeare, 30 in totale, facendomeli leggere ogni tanto. Dopo la sua morte volevo restituire qualcosa di lui, così ho imparato a metterli in scena dando vita ad un sorta di tributo all’amico. Tributo che, allo stesso tempo, è molto coerente con l’intima natura del sonetto che corrisponde a una dedica o a una sorta di epitaffio.

Di questo progetto, come di molti altri, sei protagonista e regista. Da quanto ti sei avvicinato alla regia?

In realtà io ho studiato regia alla Scuola di arte drammatica Paolo Grassi, e quindi, ancora prima che come attore, nasco come tecnico. In passato ho lavorato molto nel backstage dei teatri e mi sono interessato alla parte di costruzione degli spettacoli da qualsiasi punto di vista. In seguito però, sono stato molto fortunato perché ho sempre trovato facilmente lavoro come attore.

A breve sarai anche al teatro Franco Parenti di Milano con “Who is the King”. Si tratta di un progetto che porta sulla scena otto drammi shakespeariani legati insieme (Riccardo II, Enrico IV parte I e II, Enrico V, Enrico VI parte I, II, III e Riccardo III). Quali espedienti avete usato per farlo e qual è il leitmotiv che li unisce?

Il legame, in realtà, lo ha creato Shakespeare. Infatti questi drammi nascono già in sequenza: si tratta di una serie di personaggi che, di volta in volta, vengono sviluppati nei testi successivi. C’è una volontà seriale – come quella che vediamo nelle serie televisive di questi anni – che lega tra loro i testi, con già alla base un’idea di insieme. Il tema che li unisce è quello della parabola dell’uomo al potere, un viaggio perfetto che mostra agli spettatori lo sviluppo della figura del re e della sua seduzione per il potere. In particolare, in questo spettacolo a Milano (dal 9 al 21 ottobre), proponiamo i primi due episodi, Riccardo II e Enrico IV (prima parte) per una durata complessiva di 3 ore circa.

Shakespeare sembra proprio essere una tua fissazione…

Beh, penso che sia un vangelo per tutti quelli che fanno teatro! È una presenza costante nella mia vita, l’ho sempre frequentato. Mi vengono in mente per esempio gli spettacoli di Amleto con Andrea Baracco e di Strategie Fatali con Paolo Mazzarelli (anche regista di Who is the King) che gioca su una scrittura di Otello.

Dalla formazione teatrale all’approdo in tv con “Gomorra: La serie”. Come è stato il passaggio? C’è qualcosa del teatro che sei riuscito a portare anche sul piccolo schermo?

Sicuramente sono due mondi molto diversi. In alcuni casi è possibile giocare con la teatralità e trasportarla nel cinematografico, in fondo il teatro insegna la stessa verità del cinema. Ovviamente poi quello che rende il risultato differente sono i mezzi. Nella serie di Gomorra in particolare, però, il teatro non c’è rientrato molto, da parte mia c’era più che altro una forte coscienza sociale di quella zona di Napoli. Abbiamo raccontato una realtà che conosco bene perché ci sono cresciuto vicino.

A proposito di questo, cosa risponderesti a chi dice che Gomorra veicola un’immagine negativa di questa città?

Partiamo dall’assunto che tutto ciò che si racconta diventa epico. Se pensiamo a un qualsiasi racconto attorno alla figura del criminale, prendi ad esempio Scarface, dobbiamo essere consapevoli che ci restituirà sempre un’immagine forte, perché quando lo racconti diventa grande. Questo però non significa che non vada raccontato, anche quello sarebbe scorretto. Penso tuttavia che Gomorra non sia incentrato su Napoli ma su di un’altra realtà, parallela rispetto alla vita in città: quella del mondo periferico. Proprio per questo la serie ha avuto un successo mondiale, perché non si ferma alla città di Napoli ma racconta le dinamiche di quelle realtà popolari che si ritrovano in tutte le metropoli del mondo. E poi, in fondo, a me sembra che qui da noi arrivino ancora più turisti di prima, quindi credo che quando si fa del buon cinema – e Gomorra è innanzitutto un prodotto di ottimo cinema – sia sempre positivo per una città.

Queste serie televisive di stampo cinematografico sono una ventata fresca per il nostro Paese. Che cosa promettono secondo te?

Trovo siano un segnale molto positivo perché si tratta di una forma di narrazione nuova che crea curiosità e dà delle potenzialità enormi. Fra queste, per esempio, la possibilità di scoprire autori e registi emergenti, come è già successo anche in America e nel Regno Unito. D’altro canto, la serialità comporta anche delle problematiche, come quella del suo disegno complessivo, che spesso è un suo grande limite. Di frequente i registi investono sulla prima stagione, ma poi aspettano di vedere l’accoglienza del pubblico prima di proseguire il progetto. Questo è molto limitante dal punto di vista della narrazione. Credo infatti che una responsabilità della grande narrazione sia proprio quella di avere un quadro complessivo solido. Shakespeare, come dicevamo poco fa, questo non lo dimentica.

Nonostante tu sia così propositivo verso queste nuove forme di narrazione, credi che per il teatro possano essere una nuova minaccia, come un tempo lo era stato il cinema?

No, non più, sicuramente non come negli anni ’50 fu il cinema. Possiamo dire che si tratta di una minaccia superata. Io poi sono molto radicale: penso che il teatro sia il futuro, l’evento live è il futuro. Infatti, in contrasto con la direzione sempre più digitale e tecnologica verso cui va il mondo e con altri aspetti di sviluppo della socialità virtuale, trovo che il teatro riaffermi il bisogno dell’accadimento live. Il bello degli spettacoli sta proprio nel coinvolgimento delle persone in luoghi aggregativi per guardare e condividere qualcosa mentre accade davanti ai loro occhi.

Ultima curiosità. Drammaturgo preferito? Shakespeare non vale.

Direi che Eduardo De Filippo e Raffaele Viviani sono fra quelli che conosco meglio perché, da napoletano, mi sono formato  su quella tradizione. Non posso poi non citare il più grande drammaturgo italiano che è Pirandello, siamo tutti suoi figli.

La redazione ringrazia Lino Musella per la grande gentilezza e disponibilità!

di Gaia Lamperti

L'articolo Il teatro è il futuro: intervista a Lino Musella proviene da Gilt Magazine.

Vincitore dell‘orso d’oro al festival di Berlino 2012, il film “Cesare deve morire” di Paolo e Vittorio Taviani rappresenta per il cinema d’autore italiano motivo di grande orgoglio. I due registi presentano il dramma di Willian  Shakespeare servendosi non di attori professionisti, ma di detenuti del carcere di  Rebibbia, condannati per diversi crimini. Nel corso dei provini viene richiesto a ciascun detenuto di esprimere le proprie generalità attraverso due stati emotivi diversi e, una volta assegnati i ruoli, si chiede a ciascun attore di recitare la propria parte nel proprio dialetto di origine. Seguendo i laboratori teatrali organizzati dal regista Fabio Cavalli, autore di versioni di classici shakespeariani interpretate dai carcerati, i fratelli Taviani seguono non solo le prove e la messa in scena finale del “Giulio Cesare“, ma anche le vite dei detenuti nelle loro celle.

Man mano che lo spettacolo prende corpo, gli attori si rendono conto di quanto l’opera di Shakespeare riesca a parlare loro delle vite che conducono; scoprono che solo attraverso l’arte si può arrivare alla salvezza come scappatoia dal dolore, la recitazione appare come unica soluzione  ai conflitti interiori ed interni al carcere. Recita Cassio in scena, una volta tornato nella sua cella: “Da quando ho conosciuto l’arte questa cella è diventata una prigione”.

Dopo aver trionfato al festival di Dublino, “Cesare deve morire” riceve otto candidature ai David di Donatello e ottiene cinque statuette: per Miglior Film, Regia, Produttore, Montaggio e Presa diretta; per la sceneggiatura premiati Paolo Sorrentino e Umberto Contarello.

 Silvia Todisco

L'articolo I fratelli Taviani reinventano Shakesperare (con i detenuti) proviene da Gilt Magazine.

Un one man show che induce a una profonda riflessione culturale e irriverente cabaret che conduce ad una riflessione sulle figure cattive del celebre drammaturgo inglese. Shakespeare’s Villains, commedia interpretata da Steven Berkoff, racconta prioprio questo: il filo sottile che unisce le figure di Otello, Riccardo III, Macbeth, Il mercante di Venezia, Amleto e Coriolano, concludendosi, per contrasto, con lo scenario fiabesco di Una notte di mezza estate. Il magistrale attore padroneggia lo spazio circolare del Piccolo Teatro Studio di Milano con i suoi monologhi arguti e con la maestria che cinquant’anni di recitazione insegnano. Come un torero attira ogni personaggio shakesperiano, lo beffeggia e lo riduce in fin di vita.
Perciò il povero Lord Macbeth viene presentato come succube della moglie e Amleto si trasforma senza batter ciglio da bravo ragazzo in assassino. Sovente Berkoff si rivolge al suo pubblico, con dissacranti domande: serve essere vergini per interpretare Giulietta? Riccardo III conosce altre battute oltre a “tagliategli la testa”? L’attore si muove vestito di nero in uno spazio privo di scenografia abbellito solo da piccoli cambiamenti delle luci di scena; sa però moltiplicarsi e diventare, nella camera immaginaria della regina di Danimarca, un altezzoso Amleto, un preoccupato Polonio e una Gertrude dalle urla acute. Il pubblico accoglie con soddisfazione lo spirito inglese del mattatore e ride alle numerose battute e alle imitazioni condite da anni di scuola di mimo. Berkoff sottolinea che ciò che conta è saper catturare l’immaginario dello spettatore, e in questo Shakespeare era geniale: perchè se l’amore fa battere il cuore, la paura lo fa battere ancora di più.

Marta Falcon

L'articolo Shakespeare diventa irriverente proviene da Gilt Magazine.