La collaborazione tra il Maestro Riccardo Chailly e il Teatro alla Scala

Le opere di Giuseppe Verdi, dai titoli giovanili fino a Aida e Don Carlo, la scoperta delle versioni originali di titoli pucciniani, sono solo alcuni dei percorsi approfonditi dal Maestro in un rapporto sempre più stretto con l’Orchestra e il Coro scaligeri. Tra questi filoni, anche il repertorio russo: con Una Lady Macbeth del distretto di Mcensk Chailly corona un percorso iniziato nel lontano 199.

Il rapporto di Riccardo Chailly con la produzione operistica di Šostakovič risale a più di cinquant’anni fa; da una parte, la profonda tecnica compositiva di uno Šostakovič appena ventiquattrenne che realizza un’orchestrazione di rara fattura, dall’altra, una conoscenza capillare del patrimonio delle melodie popolari russe, fattore determinante per lo strabiliante successo riscosso nel periodo precedente alla sua censura, che porta questo titolo a essere rappresentato quasi duecento volte tra Leningrado e Mosca nell’arco di un anno e mezzo.

La regia

Vasily Barkhatov segna con questa regia il suo debutto scaligero. Quello tra direzione musicale e regia è stato in questo caso un lavoro capillare e profondo nella partitura, iniziato da molto tempo.  Ne deriva una regia concentrata sul personaggio di Katerina Izmajlova, in una drammaturgia che si sviluppa lungo i suoi ricordi e le sue confessioni, una donna che, lottando per la sua identità, compie un gesto efferato. 

Un’opera che parla ancora molto al presente e porta in scena, ad esempio, l’attuale tema della libertà sessuale, una delle conquiste della Rivoluzione Russa, che, come si diceva al tempo, avrebbe dovuto garantire che la possibilità di soddisfare i propri istinti dovesse essere semplice come “bere un bicchier d’acqua” quando si ha sete. Ma è nel 1934, anno di pubblicazione dell’opera, che l’Unione Sovietica introduce il divieto di aborto, cerca di assumere contromisure significative contro il divorzio e mette al bando l’omosessualità. Come ci ricorda Franco Pulcini, tra gli altri, “il successo dell’opera coincide con l’abolizione di tale libertà”, e rappresenta in qualche modo un riscatto di queste libertà perdute.

Del resto, Šostakovič ambienta la vicenda nel mondo provinciale del distretto di Mcensk, una società rurale, arretrata e patriarcale, che fa sì che il testo sia connotato da un linguaggio esplicito e prosaico, atto a rappresentare una società fortemente patriarcale in cui la considerazione della donna è estremamente arretrata, e che il compositore mette in scena per condannarla.

L’opera

Il compositore, autore anche del libretto tratto dal romanzo di Nikolaj Leskov, aveva immaginato l’opera come prima anta di un trittico che avrebbe descritto la condizione della donna in diverse epoche della storia russa. La vicenda, ambientata nella campagna russa negli anni 1860 (la servitù della gleba è abolita nel 1861), vede protagonista la giovane Katerina Izmajlova che, sposata contro la sua volontà a un giovane possidente imbelle e soggetta alle angherie anche sessuali del suocero, è attratta dal garzone Sergej, sfacciato e brutale. Quando il suocero li scopre e frusta Sergej, Katerina lo avvelena con una zuppa di funghi. Al ritorno del marito, Katerina e Sergej si liberano anche di lui e si sposano, ma durante la cerimonia un servo scopre il cadavere del primo marito nascosto in cantina. Katerina e Sergej (che nel racconto di Leskov uccidono anche un nipote per sottrargli l’eredità) sono condannati ai lavori forzati. Durante il viaggio Sergej preferisce a Katerina una ragazza più giovane: Katerina la uccide trascinandola con sé nelle acque ghiacciate del fiume.    

Dopo la doppia prima, il 22 gennaio 1934 a Leningrado e due giorni dopo a Mosca, l’opera gode di un clamoroso succès de scandale, sia per la spietata critica sociale sia per l’inedito realismo nella rappresentazione della sessualità. Šostakovič abbandona la vena satirica astratta e surreale della sua prima opera, Il naso, per rifarsi alla ruvida aderenza al vero di Musorgskij, e il pubblico risponde entusiasta: duecento rappresentazioni in due anni tra Leningrado e Mosca.

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La stagione autunnale del Teatro alla Scala di Milano si è aperta con un’esplosione di energia e leggerezza grazie a Il Cappello di Paglia di Firenze, opera di Nino Rota che ha debuttato il 4 settembre. La produzione, affidata ai giovani talenti dell’Accademia del Teatro alla Scala, ha portato sul palco una rivisitazione vivace e moderna di un classico del repertorio operistico italiano, capace di coniugare la tradizione del vaudeville con un approccio contemporaneo.

Un vaudeville riscoperto

Composta nel 1945, ma rappresentata per la prima volta nel 1955, l’opera è una commedia brillante in quattro atti ispirata all’omonima farsa di Eugène Labiche. La trama segue le disavventure di Fadinard, un giovane gentiluomo che, nel giorno del suo matrimonio, si imbarca in una corsa frenetica per recuperare un cappello di paglia distrutto dal suo cavallo. Questo pretesto narrativo dà il via a una serie di malintesi e situazioni comiche che si intrecciano in una vera e propria girandola di equivoci.

Una regia fresca e innovativa

La regia di Mario Acampa, noto per la sua capacità di coinvolgere il pubblico più giovane, ha saputo dare nuova vita a un’opera raramente rappresentata, senza tradire lo spirito originale del testo. Le scenografie di Riccardo Sgaramella e i costumi di Chiara Amaltea Ciarelli hanno reso omaggio al periodo storico in cui è ambientata la vicenda, pur introducendo elementi stilistici che strizzano l’occhio alla modernità.

Una direzione orchestrale di alto livello

Sotto la guida esperta di Donato Renzetti, l’Orchestra dell’Accademia ha saputo esaltare le qualità della partitura di Rota, una composizione che alterna momenti di raffinata melodia a passaggi ritmicamente più incisivi, in un continuo gioco tra il serio e il faceto. Il risultato è stato un’esecuzione brillante, capace di mantenere il ritmo sostenuto richiesto da una commedia degli equivoci.

Giovani talenti in crescita

Il cast, composto dagli allievi dell’Accademia, ha ricevuto ampi consensi per l’energia e la freschezza con cui ha interpretato i ruoli principali. In particolare, Andrea Tanzillo e Pierluigi D’Aloia, che si sono alternati nel ruolo di Fadinard, hanno saputo incarnare con verve e precisione il protagonista della storia, mantenendo alta l’attenzione del pubblico per tutta la durata dello spettacolo.

Il Cappello di Paglia di Firenze ha segnato un inizio di stagione perfettamente riuscito per il Teatro alla Scala. Con la sua combinazione di tradizione e innovazione, l’opera ha offerto al pubblico un’esperienza divertente e raffinata, confermando la vitalità e la rilevanza del repertorio operistico italiano anche per le nuove generazioni.

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Un omaggio al coreografo

Un vero e proprio tributo e omaggio al cinquantesimo anniversario dalla sua scomparsa. Il capolavoro Onegin è considerato un dramma di danza e si ispira al romanzo di Aleksandr Puškin. John Cranko inventò la storia con originalità e grande maestria.

La scena sul palco

Viene narrata una storia apparentemente semplice: un giovane si lascia sfuggire quello che più avanti nella vita riconosce come il suo vero grande amore della vita. Un amore infelice, lasciato andare a se stesso, abbandonato e poi rincorso senza successo. 

La potenza espressiva degli attori ballerini è straordinaria, i loro sentimenti vengono sprigionati nei passi di danza che compongono la coreografia. Più che a un balletto si assiste a un vero e proprio spettacolo teatrale in cui l’espressività drammatica diventa la protagonista assoluta.

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Tutta la storia di “La bohème”

“La bohème” è un vero e proprio pezzo di storia del teatro; messa in scena per la prima volta nel 1963, e da allora è entrata a far parte sempre di più dell’identità scaligera. L’opera narra la storia di un gruppo di giovani artisti nella Parigi degli anni Trenta: quattro bohèmien che vivono sotto le stesse mura condividendo emozioni, sentimenti e vari aneddoti quotidiani. “La Bohème” è anche un viaggio un po’ nostalgico attraverso i sentimenti, nonché una celebrazione della vita e della morte.

Il Teatro alla Scala, il più azzeccato di sempre

Zeffirelli in un’intervista dichiarò che Il Teatro alla Scala è risultato il luogo perfetto per l’allestimento di quest’opera, poiché ha saputo conservarla in modo fresco e sempre attuale nel tempo. Anche le esecuzioni musicali hanno trovato nella Scala la loro destinazione armonica perfetta. Il regista considera “La bohème” l’opera più riuscita di tutta la sua carriera operistica.

Tutti gli attori di spicco

La direttrice coreana Eun Sun Kim fa il suo debutto alla Scala. In scena, Marina Rebeka nei panni di Mimì, Irina Lunga come Musetta, Luca Micheletti è Marcello, Alessio Arduini Schaunard, Jongmin Park Colline. A completare il cast Hyun-Seo Davide Park e Giuseppe de Luca.

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Don Giovanni – lo spettacolo

Don Giovanni è un dramma giocoso in due atti composto da Wolfgang Amadeus Mozart tra marzo e ottobre del 1787, quando Mozart aveva 31 anni, ed è la seconda delle tre opere che Mozart scrisse su libretto di Lorenzo Da Ponte. L’opera fu commissionata dall’imperatore Giuseppe II e andò in scena per la prima volta nel 1787 in quello che oggi è il Teatro degli Stati di Praga, dove il successo fu grandissimo. Don Giovanni è un capolavoro su cui si sono interrogati nel tempo numerosi studiosi, interpreti e ascoltatori. Mozart con le sue musiche fa di questo dramma un’opera lirica straordinaria, facendo in modo che sia la musica stessa a determinare il tono, il ritmo e il senso dell’intera messa in scena.

Dalla prima versione, il mito di Don Juan ha attraversato la cultura dell’Occidente inserendovi un elemento inquietante fatto di hybris, erotismo, solitudine e declino. La versione di Mozart e Da Ponte ha dato alla figura del seduttore per antonomasia un nuovo rilievo, facendone una pietra miliare del nascente romanticismo, e non solo, diventando a decenni di distanza, un punto di riferimento del protoesistenzialismo kierkegaardiano, ripreso poi da Camus. È proprio sulla base di queste riflessioni che nasce la lettura del regista Robert Carsen.

Don Giovanni è una “centrale di energia” che muove l’azione ma la cui identità resta irrisolta: “chi son io tu non saprai”, dice a Donna Anna. In realtà, come emerge chiaramente dal dramma incompiuto di Camus, Don Giovanni ha capito che l’esistenza è un gioco senza regole e vive la vita senza freni né remore, perché ne percepisce l’insensatezza. Non è quindi un personaggio esclusivamente negativo; anzi, la sua energia vitale sopravvivrà alle convenzioni e agli infingimenti che dominano l’esistenza degli altri personaggi, e a lui spetterà l’ultima parola.

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Pikovaya dama (La dama di picche)

Il Teatro alla Scala presenta per cinque rappresentazioni, dal 23 febbraio al 15 marzo, La dama di picche di Pëtr Il’ič Čajkovskij, in una nuova produzione diretta da Valery Gergiev, che ha deciso di proporre un altro capolavoro del repertorio russo.

L’opera fu composta in buona parte a Firenze nel 1890 e costituisce uno dei massimi esiti artistici del compositore. Le atmosfere ossessive di questo classico sulla maledizione del gioco sono affidate al regista Matthias Hartmann, le scene sono di Volker Hintermeier, i costumi di Malte Lübben e le luci di Mathias Märker. Il drammaturgo è Michael Küster.  L’opera si svolge in tre atti e sette scene e ha luogo a San Pietroburgo alla fine del XVIII secolo.

Per info e prezzi consultare il sito www.teatroallascala.org

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Teatro alla Scala di Milano

La chiusura forzata delle attività a causa dell’emergenza sanitaria ha rallentato non solo la quotidianità dei cittadini, ma, disgraziatamente, anche la vita nel contesto culturale e artistico, che per noi italiani risulta fondamentale. Per il Teatro alla Scala di Milano il lockdown è iniziato immediatamente dopo la scoperta dei primi pazienti positivi al Covid-19, quindi a partire dal 23 di febbraio 2020. In ottemperanza ai provvedimenti di contenimento del contagio, il Teatro alla Scala di Milano ha sospeso le rappresentazioni e l’attività artistica fino al 16 luglio 2020 compreso. Ciononostante, il Teatro continua ad esprimersi artisticamente attraverso i social.

Il Teatro non si ferma

L’arte é la nostra più grande risorsa a cui attingere nei momenti di dolore. Infatti, nelle settimane di chiusura forzata della Sala il Teatro alla Scala di Milano ha moltiplicato le iniziative online per dare voce a tutti gli artisti forzatamente inoperosi, che contraddistinguono il fascino del teatro.  Accanto alla condivisione di 30 titoli di opera e balletto su RaiPlay e di oltre 259.000 immagini dagli archivi del Teatro su Google Arts and Culture, i social media hanno proposto curiosità e notizie.

A partire da sabato 23 maggio, il calendario social si è arricchito di nuovi appuntamenti. Attualmente varia dalla presentazione dei Mestieri dell’Opera ai podcast di approfondimento con i grandi Maestri. Su Instagram sfoggia perfino passi di danza con i ballerini e la domenica propone video dei Concerti per i più piccoli. Infine, le Conversazioni sul Teatro tenute dal Sovrintendente Meyer continuano con nuovi ospiti, come il tenore Juan Diego Flórez e la nota ballerina Alessandra Ferri, come sempre meravigliosa e scintillante nelle sue performance impeccabili.

YouTube

Il podcast, contenuto solo audio che può essere fruito in qualsiasi momento, è senza dubbio il format che permette il maggior livello di approfondimento. Il Teatro ha affidato al pianista e critico musicale Luca Ciammarughi una serie di piacevoli interviste di mezz’ora ciascuna. Queste ultime si svolgono con i protagonisti della musica e del teatro, e vengono pubblicate ogni sabato e mercoledì a partire dalle ore 09:00 sul canale YouTube del Teatro alla Scala.

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Uno spettacolo alla Scala è una creazione collettiva cui partecipano centinaia di artisti. I nuovi appuntamenti dei social scaligeri desiderano dare voce proprio a tutti questi professionisti. Ricordiamo le conversazioni delle 14:00, tenute dal Sovrintendente Meyer. Il 26 Maggio il Sovrintendente ha intervistato uno dei cantanti più amati del nostro palcoscenico, il tenore Juan Diego Flórez. Ricordiamo inoltre la grande danza con l’étoile Alessandra Ferri di venerdì 29 Maggio. Infine, la domenica alle 10 del mattino arrivano i “Concerti per famiglie”, con gli ensemble strumentali della Scala. I video dei concerti dedicati ai bambini e alle loro famiglie cominciano con l’Ensemble Barocco della Scala che esegue la “Sinfonia per archi in re maggiore” di Vivaldi con l’introduzione di Gioele Dix. Un semplice link nel post permette di scaricare la guida all’ascolto illustrata.

Instagram

Mercoledì 27 Maggio Claudio Coviello ha inaugurato il ciclo “A passi di danza con i ballerini della Scala”. Ciascun ballerino spiega un passo mostrandone l’esecuzione dal vivo. La prossima protagonista sarà la giovane Nicoletta Manni.  L’obiettivo del Teatro alla Scala di Milano è quello di continuare a esprimersi attraverso l’arte, anche in momenti difficili come questo, con la speranza che presto si potrà tornare a godere delle meraviglie artistiche seduti sulle poltrone del nostro teatro. Nel frattempo però, possiamo usufruire dei mezzi della tecnologia per continuare a supportare gli artisti e a sentirci tali, poiché perfino nei momenti di sconforto l’arte si dimostra la nostra prima compagna di vita.

di Angelica Pria

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