Il 20 marzo alle 20:00 verrà trasmessa in diretta su Rai5 la prima nuovissima produzione scaligera post-lockdown: Salomè, un’opera adatta all’occasione (ci sono solo pochi personaggi in scena ed è così più semplice mantenere il distanziamento) e che ha fatto la storia della Scala di Milano.

Non di solo pane vive l’uomo!

Nonostante la chiusura di tutti i teatri la Scala non può e non deve fermarsi, e con quest’opera ce lo dice forte e chiaro: non di solo pane vive l’uomo! La protagonista di questa storia immortale verrà interpretata dalla magnifica Elena Stikhina, che farà il suo debutto alla Scala proprio in quest’occasione accompagnata dalle voci di Wolfgang Koch come Jochanaan, Gerhard Siegel come Herodes e Linda Watson come Herodias.

La regia è invece affidata a Davide Micheletto, uno dei rappresentanti più prestigiosi della nuova scena teatrale italiana, che aveva già debuttato nel teatro milanese con La scala di seta. Al fianco di questo talentuoso regista ci saranno altri prestigiosi professionisti: lo scenografo Paolo Fantin, la costumista Carla Teti, il coreografo Thomas Wilhelm.

L’immortale musica di Strauss verrà diretta da un’altra interessante personalità della scena odierna: Zubin Mehta, che proprio con Salomè aveva debuttato alla Scala nel lontano 1974 e che ha lavorato con mostri sacri dell’arte come Luchino Visconti, genio nostrano conosciuto in tutto il mondo.

La Scala e Salomè: una storia d’amore di lunga data

Quella tra la Scala e la Salomè di Strauss è una storia di lunga data: la prima rappresentazione di quest’opera avvenne infatti nel 1928 e venne diretta dal compositore stesso, ritroviamo poi Salomé nel 1941 diretta da Gino Marinuzzi in alternanza con Nino Sanzogno e forse la più indimenticabile e iconica rappresentazione della pièce, quella del 1945 dopo il bombardamento del Piermarini.

Dunque la rappresentazione di Salomè alla Scala si carica di significati, di emozioni che vanno aldilà del nostro tempo e dell’opera stessa: in una Milano fortemente colpita dagli eventi di oggi (come lo fu da quelli di allora), il Teatro vuole lanciare un messaggio potente: oggi come allora, torneremo a vivere!

di Alessandra Baio

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Per questa stagione d’opera, il Teatro alla Scala di Milano ospiterà Elektra, tragedia in un atto, con musiche di Richard Strauss e libretto di Hugo von Hofmannsthal. Messa in scena fino al 29 novembre, comprenderà una data, il 23 novembre, che sarà indirizzata al pubblico under 30, con un prezzo decisamente ridotto. Un modo per permettere, anche a chi non mastica spesso un’opera lirica, di poter entrare nel vivo di questa tragedia e assaporarla appieno.

Elektra, direzione e regia

La direzione è stata affidata al maestro Christoph von Dohnányi. Berlinese e protagonista indiscusso della vita musicale e teatrale della seconda metà del Novecento, è considerato uno dei maggiori esponenti della musica contemporanea. Ma la parte più interessante di questa rappresentazione è sicuramente la regia di Patrice Chéreau. La Scala ha deciso di omaggiare il famoso registra, a cinque anni dalla sua scomparsa, riprendendo punto per punto l’allestimento creato nel 2013.

Per quanto riguarda le scenografie, non si poteva fare scelta diversa da Richard Peduzzi. Questa rappresentazione è considerata una delle più ben riuscite produzioni dei nostri tempi, come ha affermato il New York Times nel 2016. Un modo di presentare il personaggio di Elettra che riesce a enfatizzare il suo dolore e quella che sarà poi la sua follia. Per questo difficile ruolo è stata scelta Ricarda Merbeth, che già aveva calcato il palcoscenico della Scala interpretando Leonore in Fidelio.

L’opera

La prima rappresentazione di Elektra al Teatro alla Scala risale all’aprile del 1909, pochi mesi dopo la prima rappresentazione in assoluto alla Königliches Opernhaus. La tragedia scritta da Sofocle è ambientata subito dopo la Guerra di Troia a Micene, patria di Agamennone. Il sentimento d’odio pervade tutta la tragedia e sarà proprio quello, insieme all’invidia, a spezzare la famiglia di Elettra, la vittima di quest’opera. Prima isolata e maltrattata, si trova poi in un momento di quasi rivincita data dalla riapparizione dell’amato fratello Oreste. Insieme riescono a porre fine alla loro sofferenza solo grazie alla vendetta. Elettra, però, troppo provata da queste emozioni che la pervadono, sprofonda in una danza folle che la condurrà con serenità alla morte.

Il libretto di Strauss

Strauss interpreta l’intensità di queste scene con dei componimenti forti e inquietanti. La sua è un’interpretazione moderna di un mito antico, e lo fa creando delle armonie musicali che rendono tutto decisamente ipnotico. Decide di dare un’immagine della Grecia completamente diversa dal paradiso aureo che era sempre stata, e la trasforma in un luogo cupo e barbarico. Strauss, inoltre, riesce a trattare questi temi in maniera molto contemporanea per il tempo, grazie agli studi di quegli anni sulla psicanalisi e sull’isteria femminile.

Per il contorno, il compositore mantiene la sua concezione musicale basata sulla sorpresa, creando una macchina perfetta che rende questa opera una rivoluzione. Odio, passione, vendetta, famiglia e follia, tutti ingredienti che formano un’opera dal valore storico e culturale molto forte. Una tragedia che si presta ad essere completa in ogni suo aspetto, non farsi trascinare da essa sarebbe una pazzia talmente grande che potrebbero scriverci un’opera.

di Eleonora Valente

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