Un thriller psicologico che scava nelle zone grigie della coscienza, tra potere, colpa e redenzione. La Lezione, diretto da Stefano Mordini, segna un nuovo capitolo del cinema italiano contemporaneo, capace di unire tensione, introspezione e denuncia sociale in un’unica, magnetica narrazione.

La forza ambigua della giustizia

Elisabetta, interpretata da una sorprendente Matilda De Angelis, è una giovane avvocatessa triestina che incarna il successo e la determinazione. Dopo aver fatto assolvere un noto professore universitario (Stefano Accorsi) dall’accusa di violenza sessuale, accetta di difenderlo nuovamente in una causa contro l’università. Ma la vittoria, anziché portarle serenità, diventa il punto di partenza di una discesa psicologica tra dubbi e ombre. Il film si muove su un terreno di inquietudine morale, interrogando lo spettatore sul confine tra verità e autoinganno.

Un passato che non si lascia dimenticare

Quando nella sua vita ricompare il fantasma dell’ex compagno (Marlon Joubert), già condannato per stalking, la tensione cresce. Segnali inquietanti e presenze minacciose spingono Elisabetta a dubitare di sé stessa. Mordini costruisce un racconto in cui la percezione della realtà si incrina progressivamente, restituendo allo spettatore la sensazione di trovarsi intrappolato nella stessa spirale di sospetto che divora la protagonista.

Matilda De Angelis e Stefano Accorsi, coppia di intensità drammatica

La forza del film risiede anche nell’alchimia tra i due protagonisti. De Angelis regala una prova di rara profondità, alternando fragilità e lucidità feroce, mentre Accorsi restituisce un personaggio enigmatico, ambiguo e perfettamente calibrato. Insieme danno vita a un duello psicologico che diventa il cuore pulsante della storia, amplificato dalla regia tesa e dai toni cupi di Mordini.

Tra paranoia e verità

La Lezione non offre risposte semplici. Gioca con la percezione, mette in discussione la fiducia, esplora la sottile linea che separa la colpa dal dubbio. Il film diventa così una riflessione sul potere, sulla responsabilità e sulla fragilità umana, spingendo chi guarda a interrogarsi sul senso stesso della giustizia e della memoria. Un’opera che lascia il segno, anche dopo i titoli di coda.

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C’è una sottile linea di separazione tra il bene e il male, tra vittima e carnefice: il seme della discordia può nascere anche negli ambienti più impensabili, frutto di una società che non considera i problemi dei più giovani. Con il film “La Scuola Cattolica” il regista Stefano Mordini ricostruisce uno dei fatti di cronaca nera più angosciosi nella storia del nostro Paese attraverso gli occhi di una generazione annoiata e dannata, che fa della violenza un’arma per esternare le proprie frustrazioni. 

Il film è tratto dal libro di Edoardo Albinati 

Il titolo della pellicola, presentata a Venezia fuori concorso, è “La scuola cattolica”, come l’omonimo libro di Edoardo Albinati, che vinse il premio Strega nel 2016. C’è un motivo: il racconto sposta l’attenzione dal contesto «fascista», cui certa narrazione ha tradizionalmente attribuito l’orrenda violenza esercitata da Angelo Izzo, Andrea Ghira e Gianni Guido su Donatella Colasanti e Rosaria Lopez, nella purtroppo celebre villa del Circeo, a un altro contesto, che finisce per essere incarnato qui, appunto, nella scuola cattolica San Leone Magno, frequentata anche dallo stesso Albinati.

L’intento del regista

L’intenzione meritevole del film, enunciata dallo stesso regista, è quella di concentrare l’attenzione sulla violenza di genere, al di là dei contesti, presunti politici o sociali che siano. «Volevamo raccontare come l’uomo si permette di esercitare una violenza gratuita per scopi gratuiti sul femminile. Non c’è necessariamente un conflitto politico, c’è senz’altro un conflitto tra uomo e donna. Non c’è necessariamente un conflitto di classe: l’impunità c’è nelle borgate come nella borghesia» ha spiegato il cineasta. L’uscita del film è prevista per il prossimo 7 ottobre e noi di Gilt Magazine vi garantiamo che non ne rimarrete delusi.

di Emanuela Bruschi

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Lasciami andare: creare una nuova vita e superare la sofferenza del passato

Direttamente dalla chiusura del Festival di Venezia 2020, dopo un anno dalle riprese, arriva al cinema il nuovo thriller di Stefano Mordini. È mostrata l’attuale Venezia come una città in decadenza, che rischia di essere sommersa dalla laguna. Questa ambientazione rispecchia e alimenta pienamente  la trama misteriosa del film interpretato da alcuni dei migliori attori del panorama cinematografico italiano.

Marco (Stefano Accorsi) è un ingegnere apparentemente sereno, che cerca di far sopravvivere degli edifici che altrimenti rischierebbero di crollare. Fidanzato con una cantante, Anita (Serena Rossi), che gli sta per dare un figlio. Il protagonista non è padre per la prima volta: dal primo matrimonio con Clara (Maya Sansa) era nato Leo, morto anni prima all’età di cinque anni. È proprio durante la seconda dolce attesa che nella vita di Marco compare la misteriosa Perla Gallo (Valeria Golino), nuova inquilina della casa in cui abitava prima del tragico lutto. La donna si è appena trasferita insieme al figlio Giacomo, che dice di sentire il fantasma di Leo.

Il protagonista come in una trappola psicologica

É interessante osservare la posizione del protagonista, che si trova in mezzo a due donne: Clara, l’ex-moglie, che lo riporta al passato e cerca di convincerlo dell’esistenza del fantasma del figlio, e Anita, la fidanzata, che rappresenta il futuro, ma inizia ad essere gelosa e a sentirsi molto sola in un momento così importante per la loro vita di coppia. Nel film Marco è quindi padre di due bambini, i quali non sono personaggi fisicamente presenti: Leo è morto, ma la sua anima si fa sentire e tormenta la vita di un padre che deve prepararsi ad accogliere un nuovo figlio, simbolo del futuro. Marco si trova dunque a dover affrontare un passato doloroso e allo stesso tempo un futuro ancora da scoprire.

Un film sulla ripartenza

Dalle riflessioni di  Accorsi: “il film è pregno di metafore, ma allo stesso tempo è molto concreto. È proprio Venezia che offre e si offre come metafora ed allegoria vivente”. Un’allegoria per la ripartenza; il film parla dell’importanza di creare una nuova vita e di superare la sofferenza del passato; dunque, in questo momento particolare per il cinema e per il resto del mondo, è tangibile più che mai il messaggio di “andare avanti”. È importante imparare a  percepire gli ostacoli come opportunità, perché c’è sempre qualcosa di positivo da cogliere.

di Margherita Sala

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