Diretto da Carmelo Rifici, lo spettacolo si avvale del talento di una giovane compagnia, formata proprio alla Scuola di Teatro del Piccolo, per esplorare tematiche senza tempo, che risuonano ancora oggi con una forza sorprendente.

Un classico che parla al presente
Per Rifici, Sogno di una notte di mezza estate non è solo una commedia magica di amori incrociati e inseguimenti notturni. È un’opera che racconta la profonda tensione tra il potere e l’irrazionale, tra l’ordine imposto e il caos dell’imprevedibile. Attraverso una drammaturgia rivisitata da Riccardo Favaro, i temi del testo originale emergono in tutta la loro complessità: la paura del diverso, il conflitto tra maschile e femminile, e l’eterno tentativo di dominare ciò che sfugge al controllo, come la sessualità o l’elemento selvaggio della natura.

Rifici stesso spiega: «Spesso ridotto a una fiaba romantica, il Sogno è in realtà un’opera che riflette sull’ossessione del potere di espellere ciò che non può governare. Il caos della foresta diventa lo specchio dell’ordine di Atene, un ordine che cerca di armonizzare gli opposti, spesso a costo di violenza e repressione.»

Un’esperienza visiva e sonora immersiva
Lo spettacolo, della durata di 220 minuti incluso un intervallo, si distingue anche per l’uso innovativo degli effetti scenici. Effetti sonori ad alto volume e luci stroboscopiche amplificano l’esperienza, immergendo lo spettatore in un’atmosfera carica di tensione e magia.

Perché non puoi perderlo
Questa nuova produzione rappresenta un’occasione unica per riscoprire un grande classico attraverso occhi moderni. La giovane compagnia riesce a portare in scena un’energia fresca e autentica, restituendo al pubblico tutta la vitalità di un’opera che continua a interrogare il nostro rapporto con il potere, il diverso e il desiderio.

Prenota il tuo posto al Teatro Studio Melato e lasciati trascinare in una notte di sogni, dove la magia di Shakespeare incontra le inquietudini del nostro tempo.

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Le dodici stelle di Shakespeare di Enrico Petronio

Le dodici stelle di Shakespeare è il primo saggio di Enrico Petronio ed è strutturato come un diario di bordo. L’autore parte dall’autobiografia esplorativa di Shakespeare per analizzare le tappe del suo processo, che coincidono con le dodici tappe connesse ai segni zodiacali. Alla base del saggio, infatti, ci sarebbe l’indagine dei caratteri psicologici di alcuni dei più significativi personaggi shakespeariani, della complessità dei loro sentimenti e delle loro azioni. Proprio uno studiato allineamento astrologico naturalis ipotizzava nel Cinquecento un intenso e stretto rapporto tra l’universo e gli esseri viventi.

L’idea alla base del saggio

Il saggio unisce, da una parte la classica analisi testuale dei testi del Bardo, e dall’altra le relative continue ricerche di Enrico Petronio. Il suo obiettivo era quello di comprendere come Shakespeare abbia fatto a padroneggiare una così vasta area di psicologie umane. È risaputo che quest’ultimo si sia occupato di tutta la gamma dell’umanità, creando personaggi diversi tra loro e molto misteriosi, ma la vera domanda è: come ha fatto? Come è riuscito ad analizzare e descrivere così dettagliatamente ognuno di loro? È proprio da queste domande che Petronio ha preso spunto per il suo saggio.

Studiando quella che era l’astrologia ai suoi tempi, ha immaginato che Shakespeare abbia costruito i suoi personaggi più celebri e significativi assegnando ad ognuno il segno zodiacale più adatto e consono, prima di iniziare a descriverli accuratamente. Secondo questa teoria, Shakespeare sarebbe un vero e proprio artigiano: per ogni opera ha concepito una struttura chiara e premeditata, in linea con gli schemi dell’astrologia. Ad esempio, secondo Petronio, Amleto non può che essere del segno dei Pesci, il segno più introspettivo, complesso e tormentato dello zodiaco. Questo saggio, nuovo e innovativo, offre spunti per comprendere il pensiero shakespeariano attraverso una teoria completamente nuova, rivoluzionaria e originale.

di Sophie Properzi

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What is a youth? What is a maid?

Se l’animo umano fosse il Labirinto di Cnosso William Shakespeare non avrebbe certamente bisogno di un filo rosso per uccidere il Minotauro e trovare la via di ritorno. Di quel labirinto egli conosceva ogni stanza, ogni strada, ogni galleria. Attento conoscitore dei limiti, delle debolezze e delle passioni dell’essere umano è riuscito a donare ai suoi personaggi l’immortalità. Shakespeare, scrisse 37 testi teatrali, tra questi Romeo e Giulietta. La tragedia, archetipo dell’amore perfetto, è tra le sue opere più famose ed è stata adattata ad ogni forma artistica possibile, dai fumetti ai videogiochi, dal musical ai film d’animazione. Delle trasposizioni cinematografiche una delle più famose è quella di Franco Zeffirelli, regista e sceneggiatore nato a Firenze nel 1923. Romeo e Giulietta è un film magico. La sensazione di essere proiettati in un mondo dai poteri straordinari abbraccia lo spettatore sin dal prologo, di cui vengono recitate solo le prime due quartine dalla fascinosa voce di Vittorio Gassman. Shakespeare scrisse di quell’amore viscerale che non dà spazio a razionalità e pensieri, quell’amore che fa sentire invincibili, quello dei quindici anni. L’amore non è uguale a tutte le età, questo Zeffirelli lo ha capito bene, non a caso il suo film è una delle poche versioni in cui gli attori protagonisti sono molto vicini all’età dei personaggi Shakespeariani. Olivia Hussey, quindici anni, e Leonard Whiting, diciassette anni, giovani e di una bellezza disarmante, portano la loro ingenuità davanti alla cinepresa, riuscendo così a rispettare fedelmente i caratteri dei personaggi. I giovani di Zeffirelli sono dei piccoli ribelli. Il film, girato nel 1968, è una finestra d’attualità, in esso è perfettamente ritratta la contestazione giovanile e il desiderio di emancipazione che in quegli anni si respirava nelle strade e nelle università. Il conflitto è ben marcato tra le due famiglie, ma la guerra che il regista ci racconta è di altro tipo. Da una parte la generazione adulta, quella di chi decide, dall’altra quella di chi non vuole più sottostare alle decisioni di altri, la nuova generazione. Tra tutti i giovani, Montecchi e Capuleti, spicca per genio e estro Mercuzio, amico di Romeo, personaggio che incarna la vitalità tipica dell’adolescenza, caratterizzato da un’ironia pungente quello di Mercuzio è un carattere per il quale lo spettatore non ha difficoltà a provare simpatia. Proprio alla sua bocca l’autore affida uno dei monologhi più belli dell’intera tragedia. Freschezza, giovinezza e ribellione diventano così grandi protagonisti della pellicola. Un film che sfida le regole della censura italiana dell’epoca. Il regista dovette lottare per ottenere un permesso speciale che gli concedesse di mostrare il seno di Olivia Hussey, alla quale non fu concesso di entrare in sala per vedere il film, che, non solo per quella scena, fu destinato ad un pubblico adulto. Zeffirelli, che sceglie di rimanere fedele al testo di Shakespeare, segue con precisione anche la narrazione dell’autore. Dopo la morte di Tebaldo e Mercuzio, il ritmo del film viene accelerato notevolmente, qui il susseguirsi degli avvenimenti, in particolare delle disgrazie, acquista un andamento vorticoso che inizia a soffocare i giovani amanti e a trascinarli verso la tragedia. Un film magico grazie soprattutto a colori e scenografia, che rendono la fotografia una meravigliosa cornice per la poesia del grande drammaturgo, e che fanno onore al gusto estetico del regista. Il film si aggiudica infatti due Oscar: fotografia a Pasqualino De Santis e costumi a Danilo Donati. A donare delicatezza all’opera è invece la colonna sonora, composta e diretta da Nino Rota, che si aggiudica il Nastro d’Argento. La pellicola, appassionata e armonica, è la migliore opera di Zeffirelli, un omaggio al drammaturgo inglese e un meraviglioso regalo al pubblico. Una macchina del tempo in grado di donare allo spettatore la possibilità di tornare a sentire come sente un giovane innamorato di quindici anni.

di Elisa Valdina

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Per un regista creare uno spettacolo teatrale partendo da una propria idea è come tessere un tessuto composto da fili di colore diverso, strettamente intrecciati tra loro per creare un disegno unitario ed omogeneo. Così, egli deve tessere le varie trame, facendo risaltare la propria immagine del testo, e per farlo, invece di fili, ha a sua disposizione attori ed elementi scenografici, immagini e suoni.

E nel caso del Macbeth di Andrea De Rosa, il cast di attori a disposizione è di straordinaria qualità, dai protagonisti, Giuseppe Battiston e Frédérique Loliée, a tutti gli altri: Ivan Alovisio, Marco Vergani, Riccardo Lombardo, Stefano Scandaletti, Valentina Diana, Gennaro Di Colandrea. Camei che impreziosiscono e danno sapore allo spettacolo, come nel caso di Stefano Scaldaletti, che pur con poche battute è riuscito a disegnare perfettamente un possibile Malcolm, presentandoci un personaggio estremamente umano.

Nell’immaginario di De Rosa, Macbeth è un uomo moderno: può vivere tra di noi, in noi. E il filo conduttore di tutto lo spettacolo lo troviamo nelle figure delle tre streghe del testo shakespeariano, che qui sono tre bambolotti sempre presenti che osservano gli spettatori fin da quando entrano nella sala. Queste tre bambole riportano ad una sensazione familiare, dolce, ma allo stesso tempo inquietante, perturbante. Diventano incarnazione del male dentro l’uomo e la donna, tanto che l’attrice le infila sotto i suoi vestiti come se lady Macbeth fosse gravida, covando dentro di sé, piano piano, pensieri di ambizione e crudeltà al posto dei figli che la coppia non ha mai avuto.

Pensieri maligni, mai scissi però da una sorta di tenerezza materna, leggerezza e dolore. Le bambole sono dunque il seme che scatena tutte le azioni successive e rapidamente ci conducono fino alla fine in un succedersi incalzante, sempre in bilico tra ferocia e crisi di coscienza, immagini di profonda complicità di coppia, sventura e sangue, fino alla chiusura a sorpresa. Testimonianza del fatto che immaginare il potere è molto diverso dal viverlo realmente.

Lo spettacolo prosegue il suo tour nei seguenti teatri:

Pavia, teatro Fraschini, 1-3 febbraio 2013

Correggio, teatro Asioli, 5-6 febbraio 2013

Cesena, teatro Bonci, 7-10 febbraio 2013

Milano, teatro Strehler, 12 febbraio – 3 marzo 2013

Locarno, teatro di Locarno, 5-6 marzo 2013

Lonigo, Arteven, 7 marzo 2013

Mestre, teatro Toniolo, 8-10 marzo 2013

Cremona, teatro Ponchielli, 12-13 marzo 2013

Bologna, Arena del Sole, 14-17 marzo 2013

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Naomi Feinstein ha un dono: riesce a ricordare tutto ciò che legge, anche quello che vorrebbe dimenticare.
A nove anni, in seguito a un attacco di cuore del padre, decide che sarebbe diventata un cardiochirurgo, una convinzione su cui costruisce la sua intera esistenza. La vita la mette di fronte a molto dolore: è costretta a veder morire il padre del suo amico Teddy, ad accettare il suo trasferimento lontano, a guardare la madre chiudersi in se stessa e logorarsi nella depressione escludendola dalla sua sofferenza, ad assistere impotente alla partenza della sua migliore amica.

Dovrà imparare, col tempo, a perdonare e a perdonarsi per non aver potuto salvare le persone a lei più care, ma sarà un percorso lungo, impervio e non privo di ostacoli. A darle una mano ci saranno le ragazze della Shakespeare society, una confraternita del college di cui entrerà a far parte e che le permetterà di scoprire di nuovo il calore dell’ amicizia, dono che non pensava di poter ricevere ancora dopo la partenza di Teddy.

La bella e austera Jun Oko le insegnerà a esorcizzare la sua paura peggiore riguardo all’avere un’amica: “la necessità di spiegare molte cose di sé che non capiva nemmeno lei”. Nel suo romanzo Elizabeth Percer ci racconta la storia di una ragazza che cresce e lo fa con un linguaggio che si adatta a esprimere il dubbio, le perplessità, le incertezze che caratterizzano questa fase della vita di una persona.

Un esordio nella narrativa assolutamente promettente.

Educazione di una donna 
di Elizabeth Percer 
ed. Neri pozza – collana I narratori delle tavole
€ 17,00

(di Martina Carnovale)

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Londra ha il potere di riuscire ad affascinare chiunque. Nella frizzante metropoli inglese anche le persone più eclettiche trovano spazio: il segreto è mantenere la tradizione, ma essere aperti alla diversità e alle novità. Così il 31 marzo è stato inaugurato a poche miglia dalla città il primo museo per gli appassionati di Harry Potter. The making of Harry Potter, allestito negli studi della Warner Bros a Leavesden, è un tour di tre ore tra i set originali degli otto film del mago più celebre al mondo. È quindi possibile fare un giro nei dormitori di Grifondoro, Tassorosso, Corvonero e Serpeverde, nell’ufficio di Albus Silente e nella Sala Grande; ammmirare i costumi e oggetti delle registrazioni ed osservare i video sui retro scena del film (come le spettacolari partite di Quidditch). Novità anche tra le mostre nel centro città: il Tate Modern ospiterà fino al 9 settembre Damien Hirst, artista contemporaneo inglese del gruppo Young British Artists. La presenza dell’artista alla celebre galleria londinese ha suscitato molte polemiche. Hirst, infatti, è tutt’altro che un artista convenzionale. Il tema centrale delle sue opere è la morte che viene rappresentata senza mezzi termini attraverso alcune opere in cui i corpi di animali morti sono imbalsamati e immersi in formaldeide. Gli eventi in programma per la primavera londinese sono moltissimi: i veri sportivi devono provare almeno una volta nella vita la Virgin London Marathon programmata quest’anno per il 22 si aprile, che richiama ogni anno fino a 30.000 persone. Non può mancare però la vera tradizione inglese, quella del teatro shakesperiano. Il 23 aprile, giorno del compleanno di Shakespeare, il Globe darà inizio alla stagione teatrale dedicata al drammaturgo inglese. Le commedie saranno rappresentate in tutte le lingue (anche in italiano), con i costumi dell’epoca. Ma il vero grande evento che Londra festeggerà (prima delle tanto attese Olimpiadi) è il sessantesimo anno del regno di sua Maestà. I festeggiamenti del “Diamond Jubilee” avranno luogo dal 2 al 5 giugno con parate e concerti a Buckingham Palace. La vera anima di Londra è, infatti, la sua Regina icona di tradizione ma capace di lasciare Londra aperta ad ogni novità. E allora…God save the Queen!

Ilaria Forastieri

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