Alla Galleria Borghese, l’arte contemporanea incontra la memoria in una mostra che ripensa lo spazio, la materia e il mito. Con Poemi della terra nera, Wangechi Mutu porta il suo sguardo visionario in uno dei luoghi più simbolici dell’arte barocca, trasformandolo in un territorio sospeso tra passato e possibilità.

Una nuova grammatica dello spazio

Le opere di Mutu si insinuano tra le sale e i giardini, ma non per sovrapporsi: dialogano, si sospendono, si confrontano. Le sculture sembrano fluttuare accanto alla collezione permanente, generando uno scambio tra stili, epoche e sensibilità. Bronzo, piume, terra e cera si fondono in figure che sfidano la gravità, evocano storie dimenticate e aprono varchi nella narrazione museale tradizionale.

La terra come memoria e rinascita

Il titolo stesso, Poemi della terra nera, richiama una materia simbolica e fertile, origine e fine di ogni trasformazione. Il bronzo, elemento centrale del linguaggio plastico classico, viene reinventato da Mutu per farsi veicolo di memorie collettive e personali. Le sue sculture, spesso ibride, sembrano nate da un rituale antico, tra visioni africane e immaginari universali.

Sculture che abitano il paesaggio

Il percorso espositivo si estende all’esterno: figure come The Seated I, The Seated IV e Water Woman popolano i giardini in una sorta di mitologia contemporanea. Queste presenze, umane e al contempo archetipiche, intrecciano forza e fragilità, radici e futuro. Il video The End of Eating Everything completa il racconto con immagini viscerali e simboliche.

Il suono come corpo poetico

Non solo materia: anche la parola, il ritmo e il suono diventano strumenti scultorei. In opere come Grains of War, il testo prende forma e peso, rievocando lotte, resistenze, coscienze. È un’arte che si ascolta oltre che si guarda, che invita a un’attenzione diversa, interiore, quasi meditativa.

Un epilogo di quiete e riflessione

A chiudere idealmente il percorso è una figura distesa, Shavasana I, ispirata a un gesto di abbandono e insieme di rispetto. L’opera, installata all’American Academy in Rome, richiama il corpo nella sua vulnerabilità e nel suo diritto alla pace. Una conclusione silenziosa, profonda, che invita a rallentare, a sentire, a ricordare.

Con questa mostra, il linguaggio di Mutu apre la Galleria Borghese a nuove visioni, in cui il tempo, la materia e l’identità si intrecciano per raccontare qualcosa che riguarda tutti: il bisogno di trasformare e di essere trasformati.

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NEUTRA, celebre per la sua esperienza centenaria nella lavorazione del marmo e delle pietre naturali, continua a spingere i confini del design con la sua nuova Erosion Collection, firmata dal prestigioso studio Zaha Hadid Architects. Questa collezione, che fonde scultura e arredamento, esplora l’interazione dinamica tra materia, tempo e forma, offrendo pezzi d’arredo che sono vere e proprie opere d’arte.

Un’eredità di eccellenza e innovazione 

Con oltre 140 anni di storia alle spalle, NEUTRA ha consolidato la sua posizione come leader nella lavorazione di materiali naturali, traducendo i valori dell’architettura in creazioni per l’ambiente domestico. Sotto la guida di Emanuele Chicco Busnelli, entrato in azienda nel 2022, NEUTRA ha intrapreso un percorso di rinnovamento, collaborando con designer di fama mondiale per creare arredi di alta qualità che combinano estetica e funzionalità. Tra questi, la nuova Erosion Collection rappresenta una delle espressioni più sofisticate e innovative del marchio.

Erosion Collection: L’incontro tra natura e arte 

La Erosion Collection di Zaha Hadid Architects è un tributo alla forza trasformativa della natura. I pezzi che la compongono – tra cui il tavolo MINERA e la console BRANCH – sono caratterizzati da forme fluide e organiche che evocano l’effetto naturale dell’erosione, scolpiti con precisione da un unico blocco di marmo. Queste creazioni non sono solo mobili, ma sculture che dialogano con lo spazio circostante, creando un ambiente di sofisticata eleganza.

MINERA: Il tavolo scultoreo che ridefinisce l’arte del dining 

Il tavolo MINERA, disponibile in un’edizione limitata di soli otto esemplari, è il protagonista assoluto della collezione. Con le sue dimensioni generose (320x160x72 cm) e la sua forma fluida, MINERA sfida il concetto tradizionale di tavolo da pranzo, trasformandolo in un’opera d’arte che può ospitare fino a otto persone. Le linee sinuose, ricavate da un singolo blocco di marmo, incarnano la perfetta sintesi tra forza e delicatezza, rendendo ogni cena un’esperienza esclusiva e indimenticabile.

BRANCH: La console che sfida la gravità 

Altrettanto suggestiva è la console BRANCH, un pezzo che gioca con la dualità di leggerezza e solidità. Scolpita anch’essa da un unico blocco di marmo, BRANCH è caratterizzata da un grande vuoto centrale che sembra sfidare la gravità, creando un effetto visivo di sospensione. Le sue dimensioni (290×68 cm) la rendono un elemento imponente e al tempo stesso elegante, capace di conferire un tocco di modernità e raffinatezza a qualsiasi ambiente.

La Erosion Collection di NEUTRA, disegnata da Zaha Hadid Architects, non è solo una serie di mobili, ma un’ode alla potenza creativa della natura e alla maestria artigianale italiana. Ogni pezzo è un’opera unica che cattura l’essenza del tempo e dello spazio, trasformando l’arredamento in un’esperienza estetica e sensoriale. Con queste creazioni, NEUTRA conferma il suo ruolo di pioniere nel settore del design, portando la bellezza e l’eleganza del marmo nelle case di tutto il mondo.

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Arnaldo Pomodoro, la Fondazione

La Fondazione Arnaldo Pomodoro, palcoscenico del panorama artistico contemporaneo, presenta artisti under 40 rinnovando la scultura come pratica artistica e disciplina linguistica. La Fondazione ha scelto di destinare i propri spazi alla segnalazione di figure rilevanti all’interno del panorama artistico contemporaneo, riprendendo a organizzare cicli annuali di Project Room, iniziativa nata nel 2010. Ogni anno un diverso guest curator è incaricato di individuare temi e artisti – preferibilmente scultori under 40 – a cui viene richiesto di realizzare un intervento che coinvolga l’intero spazio espositivo.
Il primo appuntamento artistico è con Sophia Al-Maria e la sua opera “Mirror Cookie” a cura di Cloé Perrone, che propone altre due giovani artiste internazionali, Caroline Mesquita e Rebecca Ackroyd. Sono tutti talenti che utilizzano come espressione artistica la scultura all’interno di una pratica multidisciplinare, espandendone così la definizione stessa. La scultura, non essendo trattata come risultato ma come processo, diventa nel loro lavoro uno strumento per costruire ambienti in cui il visitatore è costretto a interfacciarsi con progetti che trattano fenomeni socio-culturali quali la misoginia, l’apocalisse e l’identità nazionale.

Sophia Al-Maria x Project Room

La Fondazione Arnaldo Pomodoro inaugura il 2019 con nuove mostre alla project room sotto la guida della guest curator Cloé Perrone. Per rinnovarsi, il comitato scientifico della Fondazione Arnaldo Pomodoro ha commissionato a tre figure internazionali under 40 lo spazio espositivo. La Project Room numero 10 è dedicata all’opera “Mirror Cookie” di Sophia Al-Maria.
Dal 14 marzo al 31 maggio 2019 l’artista qataro-americana porta alla Fondazione Arnaldo Pomodoro un’installazione composta da un video proiettato su uno schermo appoggiato su un boudoir, immerso in una stanza circondata da specchi. L’installazione “Mirror Cookie” raccoglie una serie dei cookies dell’attrice Bai Ling, riorganizzati in un monologo sconnesso che richiama la “tecnica dello specchio”, una pratica di rafforzamento dell’autostima. Un’improvvisazione appassionata consegnata alla macchina da presa, come se la “quarta parete” da abbattere fosse il proprio riflesso.
 
di Eleonora Pretta

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Per la pre-collezione Fall/Winter 2019, Jeremy Scott ha scelto di celebrare l’italianità: e dove raccontare la sua visione della storia del Bel Paese se non nel luogo in cui è nata? Roma, con la sua meravigliosa allure romantica e i suoi simboli poliedrici, è l’ispirazione della visione di maison Moschino del prossimo inverno.

Moschino e la visione romana

Il fascino di Roma la rende tanto bella quanto inafferrabile, per questo Jeremy Scott ha avuto bisogno di tutte i dettagli possibili per poterla raccontare. Dai luoghi intrisi di storia, la cui ricostruzione ha fatto da sfondo allo show, alla magia del cinema che ha portato gli ospiti nelle sale di Cinecittà per un incontro con Dioniso: ogni elemento è stato sapientemente abbinato nell’audace visione Moschino. Un momento di messa in discussione e di riscoperta, e un’ironica prospettiva sulle memorie romane, che in questa versione pop e dissacrante sarà difficile dimenticare.

Il corpo Moschino

L’attenzione sul corpo è stata sorprendentemente audace: i rimandi alla scultura, alla dimensione fisica e alla mutevolezza del corpo nel suo essere fluido, hanno reso la collezione un vero e proprio elogio alla bellezza. Così, la sensualità tipica di Moschino ha assunto un significato aulico, che si è materializzato in tubini per evidenziare la silhouette, eleganti capispalla che modellano il corpo ed enfatizzano la vita, e accessori che strutturano il volume e l’identità. Corpi scultorei, avvolti dalle stoffe che, come veri e propri ornamenti, vogliono valorizzarli. Una corporeità a suo modo anche artificiosa, costruita abilmente secondo veri e propri copioni che mettono in scena l’universo vivace del cinema romano e le sue fantasie.

Gli accessori

Non è attraverso le parole, bensì tramite gli accessori, che avviene il dialogo sulla passerella. Dal lettering romano che adorna i capispalla attraverso il ricamo, all’estremo utilizzo di cinture, passando per il design di accessori per l’uomo, che, come lacci dei sandali alla schiava, avvolgono le gambe e slanciano la figura. Ciascun capo trova la sua ragione d’essere negli accessori che lo corredano, in un continuum simbolico per raccontare le diverse ere romane.

I decori delle architetture classiche si sono tradotti in borchie e fibbie, così come gli elementi distintivi dell’abbigliamento dei soldati dell’Impero Romano si sono trasformati in corpetti e toghe. Invece, i colori degli affreschi che rendono uniche le basiliche romane sono stati il punto di partenza per il progetto di pattern e stampe pop e satiriche in puro stile Moschino. Anche le maschere del teatro latino hanno avuto il loro ruolo nella creazione del make-up: un progetto di grande effetto, che ha messo in scena la magia delle sceneggiature Felliniane fatte di piume, paillettes e strass.

di Alessandra Nuzzo

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L’Atelier Signore insegna: un wedding dress come scultura.

Una cascata di oltre 100 mila perle e più di 200 mila tra cristalli e pietre preziose, 600 ore di lavoro e 5 tra sarte e ricamatrici impiegate a tempo pieno per mesi. Sono questi alcuni dei numeri dell’esclusivo wedding dress da record firmato Atelier Signore, fiore all’occhiello degli white defilé, che hanno preso forma a fine settembre negli open space della sede casertana dell’azienda guidata da Luigi Signore.

Un abito da sogno, stile anni ’30, realizzato in pizzo chantilly e tulle setato, letteralmente tempestato da perle iridescenti, corallini e pietre di varie dimensioni, che dal busto degradano verso la coda inondando lo strascico. Una vera e propria opera d’arte à porter, incastonata ad hoc nella linea gioiello del brand.

Gli abiti della collezione “Excellence”, si possono considerare senza dubbio “sculture da indossare”, grazie ai ricami minuziosi, rigorosamente italiani e hand-made, che vanno a ricoprire all over, con raffinati arabeschi di pietre dure, le esclusive mise disegnate dall’affiatato staff di stilisti della maison.

Wedding dress personalizzabili in tutto e per tutto in base ai gusti e alle esigenze delle future spose amanti del lusso e dell’eleganza a tutto tondo che, specie nel giorno del proprio matrimonio, non intendono passare inosservate.

L’abito “Excellence” rende onore all’alta moda made in italy, ancora una volta grazie al lavoro di sarte esperte, stilisti di grande talento, tessuti e ornamenti pregiati,  primeggiamo in quel difficile ma affascinante mondo della moda.

Francesca Porro e Alessia Giammello – FA CHIC Wedding & Event

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Amiamo le scarpe, desideriamo di poterne possedere a centinaia, ci prendiamo cura di loro e siamo loro debitrici perché ci fanno sentire speciali. Tacco basso, ballerine, zeppe, stivali o stivaletti, francesine, tronchetto. Ma quando in una vetrina vediamo la scarpa per antonomasia, quella tacco dodici…eccole, le migliori amiche di noi donne, oggetto indiscutibile di seduzione.

Il modo di dire “dimmi che scarpa hai e ti dirò chi sei” per una donna che indossa un paio di calzature firmate Nicholas Kirkwood non può che tradursi in una personalità audace e sopra le righe. Le scarpe di Kirkwood non sono semplici accessori: sono vere e proprie opere d’arte. Un tocco di classe unico, che non passa inosservato. Quando lavorava presso la maison di cappelli Philip Treacy, il designer scoprì” che la moda è piena di bellissimi abiti e copricapi, ma “le calzature sembrano davvero fuori luogo. E così ho deciso di partire da lì”.

Quasi per sfida, per scommessa con se stesso, frequenta corsi di design calzaturiero e nel 2005 realizza la sua prima collezione di scarpe. La strada del successo è spianata: solo quattro anni dopo disegna per le collezioni Rodarte. È direttore creativo delle linee di accessori e borse per Pollini e vanta collaborazioni importanti nell’ambito della moda oltre ad essere considerato un vero talento nella creazione di accessori. Persino la First Lady americana ha ceduto al fascino delle sue scarpe.

Uniche nel suo genere, le creazioni di Kirkwood sono vere e proprie sculture dal tacco vertiginoso e dalla forma architettonica, verrebbe voglia di collezionarle proprio tutte. Ogni singolo “pezzo” è creato guardando al futuro; lo stilista-artista si ispira a tutto ciò che lo attrae, dal cinema all’architettura, dalla musica ai sentimenti.

Nuove tecniche di taglio e nuovi materiali si fondono per dare vita a scarpe uniche, tempestate di paillettes o in semplice pelle nera, oppure con stampe stravaganti o coloratissime. Per la nuova collezione primavera/estate 2013 Kirkwood pone l’accento sulle altezze dei tacchi anche per il sandalo-stivale: realizzato in pelle con diverse varianti di colore, ha una tomaia altissima che avvolge la gamba sfiorando il ginocchio. Leitmotiv di questa collezione sono i tacchi in plexiglass dall’effetto a specchio dai colori sgargianti come il giallo e l’azzurro.

Chi mai potrebbe immaginare che proprio lui, che le scarpe le disegna, possegga solo “tre paia di scarpe nell’armadio”? Inaccontentabile, troppo esigente o dai gusti difficili? Più che altro già con la mente proiettata verso una collezione maschile tutta sua. Allora si, ammette Kirkwood, “forse ne potrò avere di più!”

(di Giusi Lamonica)

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Continua la collaborazione tra la Maison Champagne Jacquesson e l’artista Alessandro Gedda. Alessandro Gedda, classe 1965, è un artista poliedrico, pittore e designer toscano di fama internazionale. Tanto internazionale che, dal 9 al 14 ottobre, sarà alla Design Week di Mosca.
In occasione dell’evento “A piedi nudi…a casa dell’artista”, Gedda ha presentato nel suo atelier i progetti destinati all’evento russo: si tratta di Just One Piece, una serie di oggetti di uso quotidiano elevati a pezzi di design grazie all’ecletticità di Gedda e Art Apple, un’installazione alta due metri composta da 50 sculture rappresentanti il frutto proibito per eccellenza. Mentre il primo progetto sarà esposto alla Central House of Artiste, portato in seguito alla Altagamma Gallery, Art Apple sarà presente nelle strade coinvolgendo tutta la città di Mosca.
Non è la prima volta che la nota Maison francese Champagne Jacquesson si avvicina al mondo dell’arte: lo scorso giugno 2012 ha, infatti, collaborato con Gedda in occasione della mostra Tribute to Marilyn, dedicata al ricordo della diva americana Marilyn Monroe.
Anche in questa occasione la Maison è stata al fianco dell’artista presentando ai suoi ospiti la storia e la filosofia alla base dello champagne preferito da Napoleone (che nel 1810 conferì alla Maison la medaglia d’oro per “la Beauté et la Richesse de ses Caves”), e il suo progetto unico. Dal 2000, Jacquesson concentra, infatti, le migliori uve nella produzione di un unico vino, il migliore per l’annata di riferimento: la Cuvée numerata.
La Cuvée n.735, annata 2007, è l’ultima attualmente distribuita e degustata insieme agli ospiti, durante la presentazione alla stampa in anteprima internazionale.
La Maison Jacquesson, fondata nel 1798, è una delle grandi realtà della regione Champagne: la sua produzione è realizzata con metodi di elaborazione non industriali, dedicati ai più alti standard di qualità e conta annualmente circa 350.000 bottiglie di Champagne. I prestigiosi vini della Maison si posso trovare nelle enoteche di nicchia e nelle carte vini dei più rinomati ristoranti e sono distribuiti da Pellegrini S.p.A., azienda commerciale attiva da oltre un secolo nella distribuzione sul territorio italiano di prodotti vitivinicoli e distillati di alta qualità.
Informazioni
www.alessandrogedda.it
www.champagnejacquesson.com
www.pellegrinispa.net
www.moscowdesignweek.ru/en/
(di Marta Lualdi)

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Forme semplici ed essenziali, la “Sculpture Bag” si contraddistingue per le linee pulite ed eleganti e sarà uno dei modelli di punta di Marni, con la firma di Consuelo Castiglioni.

Disponibile in vari colori, dal nero al rosso, passando per tonalità più tenui, come il sabbia, l’avorio e il caramel, è realizzata in pelle di vitello spazzolato, o in pitone opaco nelle sfumature del grigio.

Le geometrie rettangolari e quadrate e la lunga tracolla la rendono un accessorio versatile e adatto a personalizzare sia look casual, sia outfit più raffinati, grazie anche all’estrema cura dei dettagli, come il doppio manico regolabile , che le dona un tocco chic, e la possibilità di trasformarsi in una hand bag, oltre che essere portata a spalla.

L’acquisto soddisferà sicuramente le fashion addicted che troveranno, nella novità di questa borsa, il fascino di “possedere” un segno distintivo e di classe.

(di Ilaria Carinci)

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