Zio Vanja

Zio Vanja è un dramma russo di Anton Čechov risalente all’autunno del 1896 ma che vide il suo debutto ufficiale nel 1899 al Teatro d’arte di Mosca. È considerata una delle opere più importanti del drammaturgo, che riteneva l’opera una commedia più che un dramma. Zio Vanja è la rappresentazione delle grandi illusioni, di percorsi iniziati e mai finiti, della noia, anticamera della depressione, considerata erroneamente spazio per la creatività. Zio Vanja mette in scena le maschere della paura, quelle che indossiamo senza accorgercene, che ci paralizzano e ci impediscono di raggiungere i nostri obiettivi. Zio Vanja è, essenzialmente, la rappresentazione della vita. Una vita che il regista Roberto Valerio ha deciso di mettere in scena molto bene, in modo energico e movimentato.

Sulla scena, in primo piano, una vecchia credenza e un tavolo, elementi che rimandano alla quotidianità della vita di campagna. Sullo sfondo appaiono elementi che richiamano la dimensione onirica o infantile. I personaggi che si muovono davanti al pubblico non sono eroi ed eroine, sono persone comuni, immerse nel flusso della vita, con i quali è facile immedesimarsi. Possiamo essere noi: anime smarrite con passioni, slanci e delusioni. Ogni personaggio insegue i propri pensieri, le proprie aspirazioni, sogni e sofferenze con un desiderio di riscatto, di rivincita e rinascita che risulta impossibile da ottenere.

I personaggi sono incapaci di agire, immobilizzati in uno slancio d’azione che non si tramuta mai in una concreta realizzazione. In questo clima di potenzialità irrealizzabili, l’alcool amplifica le illusioni aprendo varchi di finta soddisfazione; “quando non c’è vita vera, si vive di miraggi”, dice, ad un certo punto, zio Vanja. Lo stesso regista, Roberto Valerio, afferma che “è un’opera delle occasioni mancate, della rinuncia, basata su un vero e proprio meccanismo di inerzia”. Zio Vanja è una messinscena che oscilla tra realismo e onirico, tra dramma e commedia, tra risate e pianti, tra malinconie cecoviane ed energia pura. Uno spettacolo dove le immagini, i suoni e la recitazione si compenetrano per rappresentare la tragicommedia della vita.

L’opera è una produzione Associazione Teatrale Pistoiese Centro di Produzione Teatrale con il sostegno di Ministero della Cultura, Regione Toscana. Vede la partecipazione di Pietro Bontempo, Mimosa Campironi, Giuseppe Cederna, Vanessa Gravina, Massimo Grigò, Alberto Mancioppi, Elisabetta Piccolomini. Andrà in scena al Teatro Franco Parenti di Milano, dal 22 al 27 marzo.

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Piccoli crimini coniugali, un mélange di tormenti amorosi adunati in una prosa sublime; una trasposizione in una egregia rappresentazione teatrale della vita di un piccolo nucleo familiare; un’opera d’arte espressiva e coinvolgente che dal 28 marzo al 14 aprile sarà protagonista sul palco del Teatro Manzoni di Milano.

Un cuore criminale

Si sa, il cuore è un organo molto vulnerabile, tanto volubile e fragile da trovarsi talvolta a sdrucciolare verso punti di riferimento differenti da quelli che costituiscono il proprio focolare. A trasporre in commedia teatrale i drammi a cui è soggetto l’amore, ci ha pensato il noto sceneggiatore Gianluca Amodio, con la preziosa collaborazione dell’attrice Anna Bonaiuto e dell’attore nonché regista Michele Placido, nelle rispettive vesti di Gilles e Lisa. Lo stesso attore pugliese racconta che se ci fosse stato un romanzo da salvare, quello sarebbe stato Piccoli crimini coniugali, sfolgorante commedia nera tratta dal libro dello scrittore francese Eric-Emmanuel Schmitt.

Piccoli crimini coniugali vuole essere interprete di un qualsivoglia nucleo familiare apparentemente sereno, ma che si trova in realtà nel mezzo di una profonda crisi. Si sa che tutti i coniugi sono passati davanti ad un prete o ad un sindaco, ma ci si interroga mai davvero su chi dei due sarà l’assassino di quell’amore al momento così ardente? È proprio da questo quesito che nasce una commedia tanto appassionata quanto brutale e feroce talvolta nei dialoghi. Divertente e straziante. A tratti passionale e tenera, a tratti tragica.

La tragica normalità

L’amore può essere travolta una trave oscillante e le sue oscillazioni talora possono essere impercettibili. Il cuore non si sa mai verso quale lato della trave peserà di più. Il cuore può essere fedele, ma può diventare anche il peggior traditore, persino il nostro stesso peggior nemico. Che al cuor non si comanda è risaputo, ma non sempre la ragione si trova coesa totalmente al sentimento. È questo il caso di Gilles e Lisa, una coppia ordinaria, forse ormai così ordinaria da cercare frivolezze stimolanti al di fuori del proprio focolare.

Lui, scrittore di gialli, distaccato e per nulla sostenitore della vita di coppia. Lei, classica moglie innamorata e fedele terrorizzata all’idea di perdere il marito. Nell’ordinata e impeccabile logica delle loro giornate, Gilles si trova ad affrontare la sciagura di un incidente domestico che lo porta a perdere la memoria. Grazie a questa disgrazia è palesato quanto una coppia apparentemente affiatata possa in realtà essere così distante ed estranea l’uno all’altra. Durante questa commedia amorevolmente feroce, ironica e sarcastica, è esteriorizzato il dramma di quanto possa essere tragica la normalità, assassina degli amori, anche dei più grandi.

Piccoli crimini coniugali può essere un buon compromesso per unire divertimento e consapevolezze magari traballanti; infondo dentro tutti noi esiste un po’ di Gilles e Lisa.

di Sara Steccanella

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I Ragazzi di vita di Pasolini tornano a Milano

Che tremino i muri e che il pubblico frema d’emozione ed entusiasmo, perché dal 16 al 27 gennaio arrivano al Piccolo Teatro Strehler i Ragazzi di vita, spettacolo tratto dal romanzo pubblicato nel 1955 – e considerato “osceno e immorale” – di Pierpaolo Pasolini, una delle voci più importanti del XX secolo.

I Ragazzi di vita e la Roma degli anni ‘50

L’autore, giunto a Roma in un periodo molto difficile della sua vita, si trova immerso nel turbinio di varia umanità della Capitale, e sceglie di calarci negli strati più bassi, anzi bassissimi, della società romana dell’immediato Dopoguerra, in cui regna tiranna la miseria più totale, economica, psicologica, identitaria, sociale e civile.

I protagonisti ovvero i Ragazzi di vita, come un branco di piccoli topi che vivono nelle fognature della metropoli, tentano con le unghie e con i denti di sopravvivere (commettendo piccoli furti, prostituendosi, lavoricchiando qua e là…) ma soprattutto di vivere, cercando di combattere la noia e l’infelicità, sentimento dominante nel racconto, che come una patina spessa e scura avvolge tutte le loro esistenze.

Il messaggio morale dell’opera viene affidato a due avvenimenti riguardanti Riccetto, protagonista principale che, da monello perdigiorno ma umano e compassionevole, viene ingoiato dai canoni della società borghese e perbenista trasformandosi in un adulto vuoto, piatto e senza cuore: all’inizio infatti Riccetto non esita a gettarsi nell’Aniene per salvare la vita ad una rondine, dimostrando un’inaspettata bontà e purezza d’animo; mentre alla fine, proprio quando il protagonista sembra aver “messo la testa a posto”, per non rischiare la vita, non si butterà per salvare un ragazzino che stava affogando, ma assisterà impassibile alla tragedia.

La “dichiarazione d’amore” di Pasolini

La regia di Massimo Popolizio (premiata tre volte con l’Ubu, il Premio della Critica e il Premio Le Maschere, anche come miglior spettacolo), la drammaturgia di Emanuele Trevi, il personaggio di Lino Guanciale (a metà tra il mondo dello spettatore e dei personaggi) e i 19 attori sul palcoscenico nudo e crudo del Piccolo, si fanno portavoci abilissimi, degni ed emoziona(n)ti della straordinaria “dichiarazione d’amore” di Pasolini nei confronti dei suoi Ragazzi di vita.

di Alessandra Baio

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La Traviata, quando i “fiaschi” conducono al successo

Era il 1853 quando al Teatro La Fenice venne proposta l’opera La Traviata di Giuseppe Verdi, anche se probabilmente a causa della scarsa bravura degli interpreti fu tutt’altro che un successo.  Oggi è possibile godere del fascino di quest’opera dall’11 Gennaio al 17 Marzo 2019 al Teatro alla Scala di Milano, tempio della lirica, sotto la direzione del magnifico Myung-Whun Chung nelle nove rappresentazioni tra gennaio e febbraio, mentre nelle altre tre di marzo assisteremo al debutto di Marco Armiliato.

Il cast dei principali interpreti e personaggi prevede nei mesi di gennaio e febbraio Marina Rebeka, nel complesso ruolo di Violetta Valéry, i tenori Francesco Meli e Benjamin Bernheim ad alternarsi come Alfredo Germont, e il baritono noto alla Scala, Leo Nucci, interpreterà Giorgio Germont; nelle date di marzo vedremo, invece, Sonya Yoncheva (Violetta), Francesco Meli (Alfredo), Placido Domingo (Giorgio Germont).

Myung-Whun Chung e Marco Armiliato, i verdiani del Ventunesimo Secolo

Il noto direttore d’orchestra e pianista sudcoreano Myung-Whun Chung non è la prima volta che porta la sua maestria alla Scala, anche se con non pochi cambi di rotta. Stando a quanto riportato da magazine musicali, aveva annunciato il suo addio al medesimo Teatro in quanto non ancora ricevuto chances per la direzione musicale, il cui posto era ancora vacante dopo le dimissioni di Riccardo Muti.

Non da meno Marco Armiliato, classe 1967, è tutt’ora uno dei principali direttori d’orchestra italiani apprezzati in tutto il mondo. Entrambi si portano dietro un bagaglio di esperienza di noto rilievo, e con l’opulenta regia di Liliana Cavani e le scene di Dante Ferretti riusciranno senza dubbio a portare sul palcoscenico uno spettacolo dal fascino inqualificabile.

Tra le numerose opere di Giuseppe Verdi, La Traviata (appartenente all’eminente Trilogia Rigoletto, Il Trovatore, La Traviata) è quella che creò più scalpore, rappresentando un’emancipazione della donna e della società che la circondava. Quando compose quest’opera, Verdi prese ispirazione da La Dame aux camélias di Alexandre Dumas figlio, della quale fu rimasto folgorato. Lo colpì soprattutto la storia d’amore di questa bella cortigiana parigina e l’aitante Armando Duval. Verdi fu talmente entusiasta che impiegò pochi giorni a comporla, ma tanti che furono sufficienti a renderla unica.

La Traviata (Libretto di Francesco Maria Piave; Regia di Liliana Cavani)

La Traviata, melodramma composto in tre atti, ci mostra l’evoluzione interiore della protagonista Violetta Valéry, interpretata da Marina Rebeka (nelle rappresentazioni dirette da Myung-Whun Chung) e da Sonya Yoncheva (in quelle di Armiliato), due delle più conosciute in questo ruolo. La cosa ardua è la scelta dell’interprete di questo personaggio, in quanto deve far emergere le due anime di Violetta, la frivolezza e la profondità interiore.

Questa donna era una prostituta abituata a vivere nel lusso. Quando però si scoprì affetta da una grave malattia, per cercare di dimenticare, invita degli amici a cena, ed è proprio il famoso brindisi “Libiam né i Lieti Calici” che le consente di iniziare una nuova vita con Alfredo Germont. I due amanti decidono di trasferirsi al di fuori dello sfarzo e dei lussi, rifugiandosi in campagna nella casa di Violetta, dove quest’ultima si trova costretta a vendere i suoi beni per mantenere lei e Alfredo.

All’inizio tutto sembrava comunque florido, sino a quando il padre del ragazzo, Giorgio Germont, certo che lei si stesse approfittando dei soldi della loro famiglia, costringe la giovane a lasciarlo (pur avendo compreso i sentimenti reciproci dei due e l’innocenza di Violetta) mettendole in testa che tra loro non avrebbe mai funzionato a causa delle differenze sociali, e perché il suo passato era talmente scandaloso da mettere in crisi la celebrazione del matrimonio della sorella di Alfredo.

La protagonista non può fare altro che autoconvincersi di tali parole e, con una semplice lettera ed un invito ad un ricevimento a Parigi, per Alfredo torna alla sua vecchia vita. Dal momento in cui il giovane avrebbe fatto qualunque cosa pur di riaverla, decide di recarsi all’evento e, vedendola con colui che era il suo protettore, arriva anche a compiere il gesto inconsulto di gettarle addosso delle banconote, esclamando a tutti che fosse stata pagata per essere lì.

Questa mossa, non approvata nemmeno da suo padre, causa uno svenimento dell’amata. In seguito a quest’ultimo accadimento, Violetta si rende conto che la sua fine sta arrivando, ma per fortuna crollerà nel profondo solo dopo aver ascoltato, ed accettato, il perdono e la dichiarazione di amore eterno da Alfredo.

Amore e Morte: i due cardini de La Traviata

È sulla base di due cardini fondamentali, amore e morte per la vita di ciascun individuo, che Verdi costruisce una storia tanto nuova quanto legata al passato. Nella prima fase di Violetta troviamo l’esempio di donna eroica; dai lussi di una prostituta non esita a cambiare vita, inizialmente preservando l’amore che prova verso l’altro con tutta se stessa, sino poi a rinunciarvi per non creare scompigli in famiglia e ulteriori sofferenze.

In un crescendo di turbinii di emozioni si arriva alla fase conclusiva dell’evoluzione: il diventare un angelo. Tutte le fasi, grazie soprattutto alla lodevole interpretazione di Marina Rebeka e Sonya Yoncheva, lasciano spazio all’alternarsi di tre voci diverse: nel I atto agile e dotata di virtuosismo belcantistico, nel II intensa e drammatica, nel III sofferente.

L’opera trasporta lo spettatore in un universo parallelo dove si può commuovere, riflettere e sospirare, con la consapevolezza che è stata comunque una storia d’amore degna di nome. Per informazioni su date, orari e ticket, è possibile consultare il Link: www.teatroallascala.org o contattare il numero: 02 72003744

di Agnese Pasquinelli

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Il Lago dei Cigni, la versione fashion del cigno Odette

La metropoli più attenta agli sviluppi culturali e alle evoluzioni continue ospita al Teatro Nuovo di Milano una delle opere più emozionanti dell’XIII – XIX secolo: Il Lago dei Cigni. Sabato 24 Novembre, l’importante compagnia Kiev Grand Classic Star ci concederà la visione di un sogno ad occhi aperti, illudendoci che magari, in un tempo futuro, anche ognuno di noi potrà vivere una favola burrascosa ma al tempo stesso suadente.

Tchaikovsky: un uomo tormentato

Dopo la laurea in giurisprudenza, Tchaikovsky viene accettato al conservatorio di San Pietroburgo dove, nonostante notevoli difficoltà che ogni giorno doveva affrontare per non far trapelare la sua omosessualità, ottiene con successo il ruolo di docente di armonia musicale. Questo suo lato sensibile lo porta a comporre opere di diverso genere, includendo 6 sinfonie, opere, balletti e musica sacra, facendo di lui un talento a tutto tondo.

Principe e Cigno: quando l’amore allontana

Il Lago dei Cigni è stata la prima composizione di Tchaikovsky, un balletto di ispirazione folkloristica russa. Rappresentato in Europa Occidentale in 3 atti e 4 scene, si apre con una melodia ricorrente in tutta l’opera e che rappresenta il primo tema del cigno, sul quale a risuonare è la scala che simboleggia il fatto che i due amanti non potranno sottrarsi al loro destino.

Il balletto racconta, infatti, la triste storia di due giovani, il principe Siegfried e il cigno Odette. Odette in realtà era una fanciulla che, a causa di una terribile maledizione, è stata tramutata in cigno. Soltanto una promessa di matrimonio avrebbe potuto sciogliere l’incantesimo. Questo, purtroppo, non accadrà, in quanto il principe verrà ingannato dal mago stesso. Così resterà soltanto il ricordo di quel meraviglioso pas de trois e della bella Odette.

Per maggiori informazioni sullo spettacolo e sulle prevendite consultare i siti:

https://www.teatronuovo.it/acquista-biglietti/90263-il-lago-dei-cigni.htm

https://www.ticketone.it/il-lago-dei-cigni-milano-biglietti.html?affiliate=ITT&doc=artistPages%2Ftickets&fun=artist&action=tickets&key=2317713%2411294231

di Agnese Pasquinelli

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Il rapporto padre figlio. La necessità di crescere e trovare la propria strada. Una passione per il teatro e tanta esperienza personale. Questi sono gli elementi alla base del nuovo spettacolo teatrale di Gioele Dix, che non calcherà la scena solo come attore ma anche come regista.

Non è la prima volta che Gioele Dix sceglie come casa dei suoi lavori il Teatro Franco Parenti di Milano. È infatti qui che tra il 2014 e il 2017 va in scena con il suo altro spettacolo  “ Giovedix Letterari”, che è diventato un appuntamento fisso. Probabilmente è da attribuire proprio a questa sua passione per la letteratura la scelta del testo, che approfondisce il rapporto tra Telemaco e suo padre Ulisse.

Gioele Dix, Telemaco e il diventare adulti

Lo spettacolo, già andato in scena nella stagione 2016/2017, riprende e attualizza un progetto andato in onda qualche anno fa su Rai 5. Basato sui primi quattro canti dell’Odissea, spesso ignorati, si narra di come Telemaco vada alla ricerca del padre ormai disperso da anni. Mancando proprio le mirabolanti avventure di Ulisse, ancora assente in questa parte, la letteratura ha deciso di dare fama ad altri episodi dell’Opera.

Gioele Dix decide invece di approfondire  le difficoltà in cui può incorrere un figlio privato di un padre, prendendo in mano le redini del proprio destino. È un viaggio quindi anche quello di Telemaco, che decide di confrontarsi con la fama del padre e crescere a sua volta. La forza dello spettacolo va probabilmente ricercata proprio in questo tema. Telemaco e la sua necessità di crescere narrano di un’esperienza umana, condivisibile da chiunque.

Gioele Dix e l’amore per il teatro

Molti probabilmente lo conoscono come il comico di Zelig, ma quello che forse non si sa è che Gioele Dix è molto più di questo. L’approdo allo show avverrà infatti solo nel 1987,  quando aveva già accumulato varie esperienze teatrali. Prima di ciò aveva fondato con alcuni amici e colleghi il Teatro degli Eguali, affiancando questa passione ad altri lavori. Come ha inoltre confessato durante un’intervista, ha anche lavorato come trasportatore di carni, calcando il palco di sera davanti amici e parenti. Proprio i genitori, che lo volevano laureato, non lo hanno però mai ostacolato nel suo percorso, lasciandolo intraprendere il suo viaggio come Telemaco.

La crescita, il cambiamento e la consapevolezza sono quindi la chiave di lettura di tutto lo spettacolo di Gioele Dix, che parte soprattutto dalle sue personali esperienze. Volendo concludere quindi con le parole di Telemaco stesso “…poiché sono adulto e comprendo quanto dicono gli altri, poiché il coraggio cresce nel mio cuore…”.

di Maria Concetta Porricelli

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SEI, rivisitazione del dramma pirandelliano che sconvolse la struttura teatrale svelandone meccanismi e artifici

Ad opera del duo siciliano Scimone – Sframeli, SEI riprende fedelmente la struttura del dramma originale, riportando in scena lo sconvolgimento ideato da Pirandello, che col suo dramma non solo portò in scena le vicende dolorose di sei personaggi, ma sconvolse totalmente le strutture teatrali svelando l’inganno della rappresentazione con la rottura della quarta parete, quella linea di demarcazione tra ciò che è realtà e ciò che è finzione.

La lungimiranza e il genio di Pirandello, che svelarono ad un pubblico perplesso, per la prima volta, i meccanismi soggiacenti e nascosti del teatro e della rappresentazione, riprendono vita alla luce di qualche modifica linguistica apportata da Scimone e Sframeli: la poetica pirandelliana si fonde dunque con quella siciliana vissuta ai margini e lungo i bordi, tipica dell’esperienza drammaturgica del duo.

Si alza il sipario, in un teatro semidistrutto un capocomico, due attori, due attrici. Sta per iniziare la prova di uno spettacolo che non andrà mai in scena; improvvisamente un corto circuito. Torna la luce e sulla scena appaiono il Padre, la Madre, il Figlio, la Figliastra, il Giovinetto e la Bambina. Sono i sei personaggi, rifiutati dal loro autore, che chiedono di portare in scena il loro “dramma doloroso”. Hanno bisogno di vivere sulla scena, raccontando le proprie vicende, sviscerando le proprie tensioni, i conflitti e le sofferenze, creando un rapporto di simbiosi perfetta tra attore e personaggio.

Il capocomico e la compagnia, inizialmente sconvolti e atterriti dall’apparizione misteriosa dei personaggi, ritengono che i sei siano semplicemente degli intrusi, dei pazzi, e tentano di cacciarli dal teatro. Una volta ascoltate le vicende dei Sei, tuttavia, si rende necessario portare in scena il dramma che necessita di essere raccontato.

Vivere in scena non è solo il desiderio dei personaggi, ma anche il sogno degli attori; in SEI, Scimone e Sframeli, e ancora prima Pirandello, lo rendono possibile

È la magia del teatro nel teatro, lo svelamento, la disintegrazione dello spazio teatrale. L’idea pirandelliana di scomposizione della struttura teatrale, un’idea che resterà fino al cinema odierno e sarà ripresa da innumerevoli autori. È l’idea paradossale di rendere reale la finzione, ripresa magistralmente dal duo siciliano, con la rivisitazione del dramma. “Vivere in scena non è solo il desiderio dei personaggi; è anche il sogno degli attori. Entrambi, sanno che la loro vita in scena può nascere solo attraverso la creazione di un rapporto, attori /personaggi, di perfetta simbiosi. Un rapporto che si crea, di volta in volta, di attimo in attimo, durante la rappresentazione”, queste le parole di Spiro Scimone e Francesco Sframeli.

SEI, al Teatro Franco Parenti di Milano, questo Novembre.

di Sara Pacella

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Per questa stagione d’opera, il Teatro alla Scala di Milano ospiterà Elektra, tragedia in un atto, con musiche di Richard Strauss e libretto di Hugo von Hofmannsthal. Messa in scena fino al 29 novembre, comprenderà una data, il 23 novembre, che sarà indirizzata al pubblico under 30, con un prezzo decisamente ridotto. Un modo per permettere, anche a chi non mastica spesso un’opera lirica, di poter entrare nel vivo di questa tragedia e assaporarla appieno.

Elektra, direzione e regia

La direzione è stata affidata al maestro Christoph von Dohnányi. Berlinese e protagonista indiscusso della vita musicale e teatrale della seconda metà del Novecento, è considerato uno dei maggiori esponenti della musica contemporanea. Ma la parte più interessante di questa rappresentazione è sicuramente la regia di Patrice Chéreau. La Scala ha deciso di omaggiare il famoso registra, a cinque anni dalla sua scomparsa, riprendendo punto per punto l’allestimento creato nel 2013.

Per quanto riguarda le scenografie, non si poteva fare scelta diversa da Richard Peduzzi. Questa rappresentazione è considerata una delle più ben riuscite produzioni dei nostri tempi, come ha affermato il New York Times nel 2016. Un modo di presentare il personaggio di Elettra che riesce a enfatizzare il suo dolore e quella che sarà poi la sua follia. Per questo difficile ruolo è stata scelta Ricarda Merbeth, che già aveva calcato il palcoscenico della Scala interpretando Leonore in Fidelio.

L’opera

La prima rappresentazione di Elektra al Teatro alla Scala risale all’aprile del 1909, pochi mesi dopo la prima rappresentazione in assoluto alla Königliches Opernhaus. La tragedia scritta da Sofocle è ambientata subito dopo la Guerra di Troia a Micene, patria di Agamennone. Il sentimento d’odio pervade tutta la tragedia e sarà proprio quello, insieme all’invidia, a spezzare la famiglia di Elettra, la vittima di quest’opera. Prima isolata e maltrattata, si trova poi in un momento di quasi rivincita data dalla riapparizione dell’amato fratello Oreste. Insieme riescono a porre fine alla loro sofferenza solo grazie alla vendetta. Elettra, però, troppo provata da queste emozioni che la pervadono, sprofonda in una danza folle che la condurrà con serenità alla morte.

Il libretto di Strauss

Strauss interpreta l’intensità di queste scene con dei componimenti forti e inquietanti. La sua è un’interpretazione moderna di un mito antico, e lo fa creando delle armonie musicali che rendono tutto decisamente ipnotico. Decide di dare un’immagine della Grecia completamente diversa dal paradiso aureo che era sempre stata, e la trasforma in un luogo cupo e barbarico. Strauss, inoltre, riesce a trattare questi temi in maniera molto contemporanea per il tempo, grazie agli studi di quegli anni sulla psicanalisi e sull’isteria femminile.

Per il contorno, il compositore mantiene la sua concezione musicale basata sulla sorpresa, creando una macchina perfetta che rende questa opera una rivoluzione. Odio, passione, vendetta, famiglia e follia, tutti ingredienti che formano un’opera dal valore storico e culturale molto forte. Una tragedia che si presta ad essere completa in ogni suo aspetto, non farsi trascinare da essa sarebbe una pazzia talmente grande che potrebbero scriverci un’opera.

di Eleonora Valente

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La finta giardiniera e lo spirito di Mozart alla Scala

Il Teatro La Scala, vero e proprio monumento di Milano nonché uno dei più importanti teatri a livello mondiale, ospiterà l’opera La finta giardiniera di Wolfgang Amadeus Mozart, forse il più amato e famoso compositore di tutta la storia musicale europea. La finta giardiniera (un’opera composta nel 1775 per l’imperatore Massimiliano in persona e già alla Scala nel 1970) sarà in calendario a partire dall’8 ottobre diretta dal maestro Diego Fasolis, con regia di Frederic Wake Walker, e sarà trasmessa anche da Rai Cultura l’11 ottobre alle 21:15.

La finta giardiniera: un’opera giocosa come il suo artefice

L’opera in musica si basa su uno scambio d’identità (proprio come nelle pièce goldoniane) per cui la contessa Violante si traveste da giardiniera prendendo il nome di Sandrina (Hanna-Elisabeth Müller) e accompagnata dal fedele servo Nardo (Mattia Olivieri) inizia a lavorare presso il Podestà (Kresimir Spicer), la cui nipote Arminda (Anett Fritsch) non è che la promessa sposa del contino Belfiore (Bernard Richter), con la quale la “finta giardiniera” aveva avuto una relazione tormentata che si era quasi conclusa con la sua morte.

Storia di una relazione complicata

In questo intreccio di sentimenti non corrisposti, inganni, travestimenti ed equivoci, l’amore tra i protagonisti potrà finalmente fiorire e crescere, ostacolato da personaggi negativi e “seri”, e invece incentivato da personaggi “comici”, come ad esempio il servo Nardo e la sua innamorata Serpetta.

La compresenza di elementi giocosi e tragici non è solo presente nella struttura stessa dell’opera, creando fluidità e varietà narrativa, ma anche in un singolo personaggio. Proprio questo permette all’abile compositore di sondare disparate modalità espressive a cui corrispondono forme musicali differenti caratterizzate da una forte volontà di sperimentazione. Il sentimento che anima ciascuno dei personaggi viene esplicitato nelle numerose arie, che indubbiamente costituiscono la punta di diamante dell’opera mozartiana.

Lo stile variegato, tragico e comico, conferisce grande versatilità e piacevolezza all’opera, e insieme allo straordinaria abilità dei cantanti e dell’orchestra della Scala rende La finta giardiniera un’opera imprevedibile ed imperdibile.

di Alessandra Baio

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Lino Musella e Paolo Mazzarelli ideatori dello spettacolo Who is the King?

Potere, gloria, ammirazione, sangue. Da sempre le vicende umane accadono, governate dalla forza di questi desideri. Territori conquistati, trionfi, rivolte, uccisioni, tradimenti: la volontà di potere scorre nell’animo umano, trascinando in spirali di perdizione, follia e bramosia anche gli uomini più nobili. È la storia del mondo, ed è la storia che William Shakespeare, a cavallo tra XIV e XV secolo ha raccontato, portando in scena con i suoi Drammi Storici le vicende degli otto Re di Inghilterra che si susseguirono durante la Guerra Delle Due Rose. Una storia lontana, ma che avremo presto il piacere di riascoltare. Proprio con il cadere delle foglie, l’avanzare della nebbia e l’arrivo dell’autunno, potremo immergerci nuovamente nelle vicende misteriose dell’Inghilterra del Quindicesimo Secolo e riviverne l’oscura e affascinante atmosfera.

Lino Musella e Paolo Mazzarelli alla riscoperta dei Re shakespeariani

Al Teatro Franco Parenti di Milano, andrà in scena Who is the King?, un percorso di riscoperta delle vicende dei Re shakespeariani che, per la prima volta, si presentano a teatro tutti insieme, raccontandosi in un nuovissimo e coraggioso percorso ideato da Paolo Mazzarelli e Lino Musella, sviluppato in quattro macro episodi. Una vera e propria serie che abbandona la comfort-zone della televisione e si avventura  a teatro, raccontando in modo episodico e unico, un intero secolo di storia.

Il percorso, sapientemente costruito dagli autori, vedrà ogni Re conquistare il palco e raccontare le proprie vicende, nell’arco della vita che va dalla giovane età sino alla vecchiaia, per giungere poi  alla morte, momento in cui il nuovo Re calpesterà il palco, conquistando il potere. Si partirà dal racconto di Riccardo II, un Re intimamente lacerato dal potere, emotivo, volubile e in balia degli eventi, passando per i trionfi di Enrico V, saggio, leale e autorevole, fino ad arrivare all’inferno, nell’animo di Riccardo III, un Re spietato, deforme, oscuro.

Secondo le parole di Mazzarelli: “Who is the King è una domanda e un’affermazione insieme […] è la domanda che tiene banco in tutti i drammi storici, è una domanda attorno alla quale si costruiscono tutte le dinamiche di congiura, guerra, alleanza, sfida, amore, che riempiono e animano i testi”. Ed è anche una domanda che ben si adatta a questo progetto, ideato da varie teste pensanti e organizzative, che collaborano senza tregua a un processo creativo fecondo e innovativo. Lo spettacolo andrà in scena per la Prima Nazionale, con due episodi iniziali al Teatro Franco Parenti di Milano questo Ottobre.

di Sara Pacella

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