Oggi il panorama della musica italiana ha visto il lancio di una collaborazione molto attesa: “Feeling”, il nuovo singolo di Elodie e Tiziano Ferro. Pubblicato su tutte le piattaforme digitali e accompagnato dal videoclip ufficiale, “Feeling” porta una ventata di novità nelle classifiche italiane, grazie alla fusione delle personalità uniche dei due artisti.

Un duetto inedito tra pop e R&B

Con “Feeling”, Elodie e Tiziano Ferro fanno incontrare due mondi apparentemente distanti: la rivoluzione pop e femminile portata da Elodie negli ultimi anni e il soul di Tiziano, che ha introdotto l’R&B nel mainstream italiano. Tiziano Ferro si è dichiarato entusiasta di collaborare con Elodie, il cui carisma ha trasformato l’industria musicale italiana negli ultimi anni. Insieme, creano un sound contemporaneo ma allo stesso tempo nostalgico, che fonde il meglio di entrambi gli stili, dando vita a un brano capace di toccare corde profonde.

Il videoclip e la poetica di “Feeling”

Girato interamente in bianco e nero dai Morelli Brothers, il videoclip di “Feeling” racconta, attraverso una fotografia intensa e un montaggio evocativo, la profondità emotiva della canzone. Le immagini accentuano il testo, un’esplorazione della complessità delle relazioni umane, narrando il viaggio tra fragilità e forza. Lo stesso Tiziano Ferro ha definito il brano come “un’esplorazione psicologica, dove il feeling è quella scintilla che ci guida in situazioni complesse”. Elodie aggiunge, “Racconta le nostre fragilità che diventano forza quando le accogliamo”. Questo dialogo tra i due artisti rispecchia un’evoluzione musicale e personale, enfatizzata dalla scelta cromatica del video che punta tutto sulla sincerità e sull’intensità delle loro interpretazioni.

Due carriere inarrestabili: tra musica e progetti futuri

Oltre a lavorare alla nuova musica, Elodie si sta preparando per uno degli eventi più attesi del 2025, l’“Elodie The Stadium Show”, che la vedrà calcare per la prima volta due palchi prestigiosi: lo Stadio San Siro di Milano e lo Stadio Maradona di Napoli. Gli eventi, previsti per l’8 e il 12 giugno, segneranno un momento decisivo nella carriera della cantante romana, portando la sua energia e presenza scenica in una dimensione ancora più ampia.

D’altra parte, Tiziano Ferro torna sulla scena musicale dopo un tour da record, che ha attirato 570mila spettatori in 14 tappe, e dopo la pubblicazione del suo primo romanzo, “La felicità al principio”. “Feeling” segna dunque un ritorno alle sue radici musicali R&B, rivisitato con maturità e nuove collaborazioni, in un percorso sempre più ricco di esplorazioni artistiche e letterarie.

“Feeling” è già sulla buona strada per diventare uno dei brani più importanti della stagione, dimostrando che Elodie e Tiziano Ferro sono capaci di spingersi oltre i confini del loro successo individuale per creare qualcosa di innovativo dal punto di vista artistico. Insieme, ci ricordano la potenza che ha il pop italiano di raccontare storie su emozioni universali e sulla complessità della vita.

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Con il suo ultimo film, Anora, Sean Baker ci regala una rilettura unica e attuale della fiaba di Cenerentola, ambientata nel cuore della moderna Brooklyn e raccontata con lo stile inconfondibile del regista. La protagonista, Anora, è una giovane lavoratrice del sesso che, quasi per caso, si ritrova catapultata in un mondo di sfarzi e lusso dopo aver sposato il figlio di un potente oligarca russo. Ma i sogni di Anora subiscono un brusco risveglio quando l’arrivo dei suoceri in città minaccia di distruggere il suo matrimonio.

Una storia tra romanticismo e azione rocambolesca

Ambientato nel 2018, il film segue Anora attraverso una serie di vicende imprevedibili e travolgenti. Incontriamo la protagonista nel suo ambiente quotidiano, un club di Brooklyn, fino a vederla immersa nel luccicante mondo di Manhattan e Las Vegas, sempre accompagnata dal suo giovane e ricchissimo marito. La storia mescola toni romantici e momenti di pura adrenalina, con inseguimenti tra le strade di Brighton Beach, Coney Island e Manhattan, che mantengono lo spettatore costantemente sorpreso. Anora si trasforma così in un viaggio emozionante e imprevedibile, in grado di cambiare continuamente registro e lasciare il pubblico col fiato sospeso fino alla fine.

L’estetica vintage di Sean Baker e l’influenza del cinema anni ’70

Per ricreare al meglio il mondo di Anora, Baker ha scelto di girare in pellicola 35mm, ispirandosi alla cinematografia degli anni ’70. L’autore ha infatti dichiarato di essersi ispirato al cinema della New Hollywood e ai classici del cinema italiano, spagnolo e giapponese dell’epoca, per restituire la dimensione nostalgica e immersiva che caratterizza il film. I movimenti di macchina coreografati e l’uso delle lenti anamorfiche creano un’atmosfera sospesa, che si adatta perfettamente al mondo surreale e decadente della protagonista.

Scelte stilistiche e tecniche di produzione d’eccezione

Drew Daniels, direttore della fotografia che ha già lavorato con Baker in Red Rocket, ha collaborato al progetto apportando un’estetica accurata, tra l’uso di luci naturali e contrasti cromatici studiati. “Volevamo catturare un inverno freddo e grigio a New York, da opporre ai colori saturi di Las Vegas”, spiega Daniels, sottolineando come il lavoro della macchina da presa abbia cercato di mantenere una visione obiettiva e ironica. Le location, tra cui i celebri scenari di New York e Brooklyn, aggiungono profondità e realismo alla storia, esplorando i contrasti tra i diversi strati sociali della città.

Un viaggio tra il lusso e le radici di Brooklyn

Il contrasto tra la vita di Anora e il mondo del marito emerge con forza lungo tutta la pellicola, che esplora anche i temi della classe sociale e del privilegio. Il regista mostra come, accanto agli ambienti opulenti dei nuovi ricchi di Manhattan, il passato di Anora rimanga sempre presente. Dai locali esclusivi di Las Vegas agli appartamenti di lusso newyorkesi, i set ricostruiti per Anora raccontano una realtà di distanze incolmabili, mostrando i luoghi d’infanzia di Brooklyn accanto ai quartieri più esclusivi, senza mai dimenticare le radici della protagonista.

Una produzione dallo stile ricercato e minimale

La scenografia, curata da Stephen Phelps, enfatizza i contrasti con l’uso di una palette essenziale: bianco, nero, grigio e rosso dominano le scene, sia negli interni che negli esterni. I dettagli estetici rispecchiano la freddezza e la distanza emotiva tra i personaggi e contribuiscono a raccontare una storia di sfarzo e di vuoti emotivi, arricchendo l’atmosfera del film con elementi visivi potenti.

Un film che celebra il cinema classico e contemporaneo

Con Anora, Sean Baker ci porta in una dimensione visiva e narrativa che mescola nostalgia e freschezza, omaggiando il cinema classico mentre esplora storie e tematiche attuali. Con uno stile impeccabile e una regia attenta, Baker consegna una fiaba moderna e cinematograficamente sofisticata, che sa divertire, commuovere e portare a riflettere sul mondo contemporaneo.

Anora è pronto a stupire il pubblico con una storia sorprendente e un’estetica indimenticabile, raccontando una moderna Cenerentola e le sue contraddizioni, tra realtà e sogno.

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Distribuito da Wanted Cinema, L’Amore Secondo Kafka (The Glory of Life) arriva nelle sale italiane il 31 ottobre, in concomitanza con il centenario della morte di Franz Kafka, una delle figure letterarie più emblematiche del Novecento. Diretto da Judith Kaufmann e Georg Maas, il film è un viaggio profondo e poetico nell’ultimo anno di vita dell’autore, segnato dall’incontro con Dora Diamant, donna vivace e saggia che trasformò i suoi ultimi mesi in un periodo di rinnovata felicità.

Un’inedita prospettiva su Kafka e l’amore

L’Amore Secondo Kafka si propone come un’opera intima, capace di svelare un lato poco conosciuto del grande scrittore boemo. Nella piccola stazione balneare del Mar Baltico, durante l’estate del 1923, Kafka conosce Dora Diamant, una giovane ebrea che lavora in un centro sociale. L’incontro segna l’inizio di un legame profondo e rivoluzionario per lo scrittore, afflitto dalla tubercolosi e da una vita familiare oppressiva. La relazione con Dora diviene per lui una fonte di felicità e leggerezza, un’opportunità di riscoprire l’amore, sentimento che fino a quel momento aveva percepito come lontano e inaccessibile.

Un cast d’eccezione per raccontare la complessità dell’autore

A interpretare Kafka e Dora, gli attori Sabin Tambrea e Henriette Confurius riescono a trasmettere le sfumature emotive e le complessità del loro rapporto, caratterizzato da una sintonia che trascende le differenze. Lui, intellettuale elegante e tormentato; lei, radicata nella realtà e dotata di una visione pragmatica della vita. L’equilibrio tra queste due anime opposte permette loro di vivere un amore intenso che, anche se destinato a durare poco, illumina il crepuscolo della vita di Kafka.

Una sceneggiatura tra finzione e realtà

La sceneggiatura, a cui ha contribuito Michael Kumpfmüller, si basa sul romanzo dello stesso autore, La meraviglia della vita, pubblicato in Italia da Neri Pozza. Il film mescola elementi autobiografici e narrativi, creando un’opera che esplora la dimensione affettiva di Kafka senza dimenticare il contesto storico e sociale che fa da sfondo alla vicenda. Ambientato tra il 1923 e il 1924, il film allude alle tensioni dell’epoca, segnate da crisi economiche, antisemitismo e povertà, che emergono sottilmente come sfondo al racconto d’amore.

Una riflessione sulla vulnerabilità e sulla forza del sentimento umano

Con uno stile visivo che richiama il minimalismo e la delicatezza dei sentimenti, L’Amore Secondo Kafka ci invita a scoprire un Kafka vulnerabile e umano, più vicino e accessibile di quanto la sua opera possa far immaginare. Questo film offre al pubblico una nuova chiave di lettura della sua vita, evidenziando come l’amore e la condivisione possano dare senso anche ai momenti più bui.

In uscita il 31 ottobre nelle sale italiane, L’Amore Secondo Kafka rappresenta una rara occasione per immergersi nella dimensione più privata del genio letterario, offrendo uno sguardo autentico e commovente sulla sua ultima storia d’amore.

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The Dead Don’t Hurt – I morti non soffrono, la seconda prova da regista di Viggo Mortensen, è un film che trascende i confini tradizionali del western, presentando una narrazione poetica e intensa dedicata a temi come la forza, la vulnerabilità e il coraggio femminile.
Presentato alla Festa del Cinema di Roma e in uscita il 24 ottobre, il film racconta la storia di Vivienne Le Coudy, interpretata magistralmente da Vicky Krieps, e del suo tumultuoso rapporto con Holger Olsen, interpretato dallo stesso Mortensen.

Una storia di amore e resilienza

Ambientato negli anni ’60 dell’Ottocento, il film segue Vivienne, una donna indipendente e forte, che incontra Holger a San Francisco. Nonostante le pressioni sociali e il contesto difficile, i due si innamorano, ma le loro vite vengono presto stravolte dallo scoppio della Guerra Civile. La loro relazione, quindi, diventa un microcosmo di lotte più ampie: Vivienne deve affrontare la corruzione e la violenza che la circondano, mentre Holger è costretto a confrontarsi con la guerra e le sue conseguenze.

Un western rinnovato

Viggo Mortensen non si limita a presentare un classico racconto western; piuttosto, utilizza il genere per esplorare questioni di identità, lotta e accettazione. La scelta narrativa di aprire il film con eventi che si svolgeranno alla fine, seguita da un uso sapiente dei flashback, offre una struttura che invita lo spettatore a riflettere su come le esperienze passate influenzino il presente. Questo approccio quasi “anti-climatico” permette al film di concentrarsi sull’interiorità dei personaggi, in particolare quella di Vivienne, che emerge come un’eroina complessa, capace di affrontare la violenza del mondo maschile senza mai perdere la propria dignità.

Vicky Krieps: il cuore del film

Vicky Krieps, con il suo volto espressivo e magnetico, è il cuore pulsante di The Dead Don’t Hurt. La sua interpretazione di Vivienne va oltre il mero simbolismo di forza femminile, incarnando una donna che vive con passione e determinazione. Krieps riesce a trasmettere una gamma di emozioni che va dalla vulnerabilità alla ribellione, rendendo il suo personaggio memorabile e profondo. La sua chimica con Mortensen è palpabile, e i momenti in cui i due si confrontano sono tra i più toccanti del film.

Un’analisi profonda della violenza e del potere

Mortensen utilizza la violenza non come fine a sé stessa, ma come mezzo per esplorare la condizione umana e le dinamiche di potere. La rappresentazione del capitalismo come legato al maschilismo è una delle chiavi di lettura del film, evidenziando come la lotta per il possesso, sia esso materiale o corporeo, definisca le relazioni tra i personaggi. La violenza subita da Vivienne non è solo fisica; è anche una riflessione delle pressioni sociali e delle aspettative di genere che permeano la sua vita.

Mortensen riesce a creare un’opera che parla di amore, guerra e resilienza, mantenendo il focus sui volti e sulle emozioni piuttosto che sulle splendide immagini paesaggistiche tipiche del genere. Con un messaggio che risuona con forza nella contemporaneità, il film invita gli spettatori a riflettere sulle sfide delle relazioni umane e sul potere della scelta in un mondo spietato.

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Oggi, 17 ottobre, è arrivato nelle sale italiane “The Apprentice – Alle Origini di Trump”, diretto da Ali Abbasi. La pellicola racconta gli anni giovanili di Donald Trump, esplorando il suo apprendistato sotto la guida dell’avvocato Roy Cohn, interpretato da Jeremy Strong. 

Un flop annunciato?

Prima ancora della sua uscita, il film aveva già sollevato polemiche, soprattutto da parte dello stesso Trump, che lo ha definito “falso e privo di classe”, accusandolo di essere un attacco politico alla vigilia delle elezioni. Le previsioni di Trump sembrano corrette: il film ha debuttato con soli 1,6 milioni di dollari al box office nordamericano, un decimo del budget di produzione.

La trama e le interpretazioni dei protagonisti

La trama si concentra sull’ambizione del giovane Trump, interpretato da Sebastian Stan, di diventare il re dell’immobiliare di New York. L’incontro con Cohn segna il punto di svolta: l’avvocato gli insegna le regole fondamentali per il successo, basate su negazione, attacco e mancanza di scrupoli. Con il tempo, l’allievo supera il maestro, diventando ancora più spietato. Stan, per prepararsi al ruolo, ha ascoltato incessantemente registrazioni di Trump e osservato i suoi atteggiamenti pubblici, cercando di catturare il modo in cui si muoveva e parlava negli anni ’80. Nel cast anche Maria Bakalova nel ruolo di Ivana Trump.

Le accuse e la difesa del regista

Trump e il suo team hanno minacciato azioni legali contro i creatori del film, accusandoli di diffamazione. In particolare, hanno criticato una scena che fa riferimento a un’accusa di violenza, successivamente smentita dalla stessa Ivana Trump. Nonostante le critiche, il regista Ali Abbasi ha difeso il suo lavoro, affermando che il film non è solo su Trump, ma su un sistema più ampio che premia il potere e il successo a scapito dell’etica. “The Apprentice” è, secondo Abbasi, un riflesso su come funziona la società americana.

Un fallimento o una lenta crescita? Il futuro è incerto

Presentato in anteprima al Festival di Cannes, “The Apprentice” ha ricevuto una standing ovation di otto minuti, con la critica che ha lodato le performance degli attori. Tuttavia, il pubblico ha reagito in modo più tiepido: mentre i detrattori di Trump non hanno trovato nulla di nuovo nel ritratto offerto dal film, i suoi sostenitori lo hanno evitato o boicottato apertamente. Variety ha descritto il flop come inevitabile, in un contesto di polarizzazione politica che ha reso difficile per il film raggiungere una vasta platea.
Nonostante i risultati deludenti al botteghino negli Stati Uniti, il distributore Tom Ortenberg resta ottimista. Secondo lui, “The Apprentice” potrebbe guadagnare terreno a livello internazionale, dove il pubblico potrebbe avere un approccio diverso.

Il Messaggio del film

Seppur etichettato come un film politico, “The Apprentice” mira a raccontare qualcosa di più profondo. Il film vuole riflettere su una società dove la verità è diventata relativa, dove vincere è l’unico obiettivo, anche a costo di corrodere i valori fondamentali. Un messaggio che spera di risuonare con il pubblico, invitando alla riflessione su cosa significhi davvero “vincere” e a quale prezzo.

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Ghali, si sa, non si limita a scrivere canzoni: con “Niente Panico”, il suo ultimo singolo, ci offre un’esperienza emotiva che parla direttamente al cuore della sua generazione. Questo brano, descritto dall’artista come “la canzone più importante della mia vita”, rappresenta un invito a superare le incertezze e a riscoprire la fiducia in se stessi, un viaggio profondo attraverso le paure e la forza interiore.

Un Dialogo Profondo con Se Stessi

“Niente Panico” è molto più di una semplice canzone; è un dialogo intimo che invita a riflettere sulla propria vulnerabilità. Ghali trasmette un messaggio potente: non dobbiamo lasciarci sopraffare dalla paura. Attraverso le sue parole, l’artista incoraggia tutti noi a coltivare la resilienza, a trovare la forza dentro di noi e a guardare al futuro con speranza.

Un Percorso di Crescita e Autenticità

Questo singolo rappresenta un lungo viaggio di oltre due anni nella vita di Ghali. Scritta frase per frase in diverse parti del mondo, la canzone si arricchisce di esperienze e emozioni, riflettendo una crescita personale significativa. Come afferma l’artista: «Quando ascolto “Niente Panico”, è come se stessi tendendo una mano a me stesso». Questo brano diventa una sorta di preghiera, un promemoria per mantenere la calma nei momenti di difficoltà.

L’interpretazione artistica racconta un’intimità visiva

A completare l’esperienza di “Niente Panico”, da oggi è disponibile anche il videoclip, diretto dai Fratelli D’Innocenzo, rinomati per il loro stile unico e innovativo. Con la loro visione artistica, i D’Innocenzo trasformano il brano in un gioiello d’arte visiva, catturando l’essenza della vulnerabilità e della potenza emotiva che caratterizzano la musica di Ghali.

Preparati a Non Avere Panico

Con “Niente Panico”, Ghali ci invita a un viaggio di auto-scoperta e di resilienza, rendendo il suo nuovo singolo un must per chi cerca di affrontare le proprie paure. Non perdere l’occasione di ascoltare e vivere questa esperienza unica, disponibile da ora su tutte le piattaforme. 

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Trama e cast della serie firmata Apple

Roar è una serie tv composta da otto episodi che raccontano otto stimolanti storie su cosa significhi essere donna al giorno d’oggi. La serie dark comedy di Liz Flahive e Carly Mensch è basata sulla raccolta di racconti di Cecilia Ahern, e presenta un cast stellare che include la vincitrice dell’Oscar, dell’Emmy e del Golden Globe, Nicole Kidman, che è anche produttrice esecutiva; Cynthia Erivo, vincitrice di Emmy, Grammy e Tony Award; la sei volte candidata all’Emmy Issa Rae; la vincitrice dell’Emmy Merritt Wever; Alison Brie, candidata al premio SAG; la tre volte candidata agli Emmy Betty Gilpin, Meera Syal, Fivel Stewart e Kara Hayward.

Roar è una serie antologica al femminile e racconta favole femministe cupamente comiche. Spaziando tra generi che vanno dal realismo magico all’horror psicologico, queste otto storie raccontano la vita di donne normali in circostanze piuttosto straordinarie.

Roar offre un ritratto perspicace, toccante e talvolta esilarante di cosa significa essere una donna nel mondo di oggi. Caratterizzate da una miscela unica di realismo magico, scenari familiari e professionali mondi futuristici, queste otto storie rispecchiano i dilemmi delle donne comuni in modo accessibile, ma anche sorprendente. Ogni personaggio, attraverso le proprie esperienze, parla della resilienza che c’è in ognuna di loro e che è presente in ogni donna.

Roar farà il suo debutto oggi, 15 aprile, su Apple TV+.

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Morbius – il film

L’ultimo arrivato in casa Marvel è Morbius, il nuovo film d’avventura diretto da Daniel Espinosa e prodotto da Columbia Pictures e Marvel Entertainment, distribuito da Warner Bros.

La pellicola è stata molto attesa, soprattutto perché il film avrebbe dovuto essere distribuito nelle sale cinematografiche statunitensi il 31 luglio 2020, ma a causa della pandemia la data è stata posticipata al 31 marzo 2022.

Il film, il cui budget è di 75 milioni di dollari, è un crossover tra il personaggio di Morbius e quello di Spiderman, appartenenti allo stesso universo narrativo. Morbius è il terzo film dell’universo Sony-Spiderman che viaggia in parallelo a quello Marvel, dopo i due film Venom.

Morbius – la trama

Michael Morbius (interpretato da Jared Leto) è un brillante scienziato affetto da leucemia, a cui restano solo pochi giorni di vita. La cura disperata alla quale si sottopone, però, causa un terribile effetto collaterale al corpo dello scienziato, trasformandolo in una creatura mostruosa animata da una spaventosa sete di sangue.

Le dichiarazioni del protagonista Jared Leto

L’attore premio Oscar Jared Leto ha dichiarato in un’intervista di come sia stato interpretare questo ruolo e il fascino che ha esercitato su di lui questo personaggio dei fumetti a cui non era ancora stata dedicata una storia.

A tal proposito l’attore ha dichiarato: “Sono attratto dai ruoli in cui c’è la possibilità di trasformarsi. Fisicamente ma anche mentalmente. Ho interpretato il protagonista dal suo picco di fragilità al suo picco di potere, passando per le parti più mostruose di lui. É stato molto divertente da affrontare. Questo film non ha solo azione, stunt, combattimenti. É stata un’esperienza totalizzante”.

Nel cast del film ci sarà anche Matt Smith, Adria Arjona, Jared Harris, Tyrese Gibson, Al Madrigal, Roksana Wegiel e Michael Keaton.

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Spencer

È la Vigilia di Natale del 1991 e la principessa Diana deve raggiungere Sandringham House, una residenza dei Windsor, per trascorrere le feste con i figli e una famiglia con la quale sente di non aver più nulla da condividere. Pablo Larraín racconta i tormenti, le paure e le angosce di una principessa, interpretata da Kristen Stewart, ormai spaesata e persa nel suo stesso regno.

Il film si concentra su un tempo ben preciso e un singolo episodio rivelatorio della vita di Diana Spencer. La narrazione si svolge in un castello in cui regna un’atmosfera spettrale, dai tratti horror, enfatizzati dalla strepitosa colonna sonora firmata da Jonny Greenwood, in cui piano e violini si intrecciano a synth e melodie jazz.

Spencer ci mostra Lady D intrappolata in rigide regole, in convenzioni, doveri da rispettare, in un campo minato in cui riuscire a difendersi e scappare non è semplice. La sceneggiatura di Spencer racconta un’azione che pare evolversi in un solo tempo: passato e presente sono la stessa cosa e il futuro non esiste. Questa narrazione risulta particolarmente evocativa della condizione soffocante vissuta dalla principessa, prigioniera in una gabbia dorata.

Spencer è una sintesi grandiosa dei turbamenti di Diana, un mix perfetto di realtà e fiction, “una fiaba tratta da una tragedia vera”. L’abile interpretazione di Kristen Stewart rappresenta pienamente l’infelicità di Diana circondata da una servitù che la ama o la spia o la tradisce. Nel sapiente ritratto messo in scena, gioca un ruolo centrale il guardaroba di Diana, a opera della costumista Jacqueline Durran, la fotografia dalle luci soffuse e le musiche del polistrumentista Jonny Greenwood dei Radiohead, che ricreano una messa in scena quanto mai accurata e atmosferica.

La storia di Diana non è altro che il rovesciamento negativo di una favola e l’obiettivo del regista è proprio quello di esplorare il percorso interiore che Diana compie, tra dubbi e determinazione, nel tentativo (fallito) di ottenere la libertà per sé stessa e per i suoi figli.

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WeCrashed

WeCrashed è una serie ispirata ad aventi reali e basata sul podcast di successo di Wondery “WeCrashed: The Rise and Fall of WeWork”. Da un’idea di Lee Eisenberg e Drew Crevello, WeCrashed farà il suo debutto su Apple TV+ il 18 marzo con il lancio dei primi tre episodi degli otto totali, seguiti da un nuovo episodio settimanale ogni venerdì, fino al 22 aprile.

La serie, ispirata ad eventi reali, racconta la storia di WeWork, uno spazio di co-working cresciuto esponenzialmente in breve tempo fino a diventare in meno di un decennio un marchio globale del valore di 47 miliardi di dollari. Poi, in meno di un anno, il suo valore è crollato. Cosa sarà successo? Nel cast della serie, oltre a Jared Leto e Anne Hathaway, anche Kyle Marvin insieme ad America Ferrera e O-T Fagbenle.

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